Dans des contextes communs de guerres et de révolutions scientifiques, les représentations qui fondent, et parfois hantent, l’imaginaire d’auteurs de l’époque baroque et du début du vingtième siècle présentent des similitudes. Images d’un monde renversé, où les espaces, les êtres et les instants se reflètent, où l’instabilité et la mutabilité sont des lois régissant toute chose, les scènes et décors des trois œuvres du corpus se substituent à l’harmonie du monde, celle du Créateur, telle que la Bible la décrit. Espace, personnages, temps vécu apparaissent à travers un prisme qui renvoie à leurs doubles, diffractés, reflétés d’abord dans la machine de la mémoire involontaire. La réalité se change dès lors en réalités, les lieux en impressions d’un ailleurs, les amis en chimères, tous faisant l’objet d’études et d’interprétations sans cesse réévaluées. Dans une écriture où les vues s’accumulent et se superposent, Marcel Proust et Virginia Woolf n’en finissent pas de prolonger les impressions, circonvolutions, arabesques qui diffèrent sans cesse la conclusion du récit, au profit du spectacle d’événements sensibles et de voyages de héros à travers les strates du temps vécu. Personnages en mouvement, Orlando et le Narrateur courent à la recherche de la chair du temps, qu’ils semblent trouver dans leur ombre et dans le frisson d’un instant, selon des modalités extatiques que Le Bernin ou Le Caravage ont représentées dans leur art respectif. Faits de mondes d’apparences, d’illusions, Sodome et Gomorrhe, Le Temps retrouvé ou Orlando ne sont pourtant pas des textes faisant l’apologie du scepticisme et du renoncement à une certaine forme d’essence : encore faut-il qu’elle soit éclatante et advienne dans la beauté d’une image qui traduise la coïncidence d’une vision éphémère et d’une création poétique offerte aux temps à venir. / In common contexts of wars and scientific revolutions, the representations that melt, and sometimes haunt, the imaginary of writers of the Baroque and early twentieth century are similar. Images of an inverted world, where spaces, beings and moments are reflected, where instability and mutability are laws governing everything, the scenes and scenery of the three works of the corpus replace the harmony of the world that of the Creator, as the Bible describes it.Space, characters, lived time appear through a prism that refers to their double, diffracted, reflected first in the machine of involuntary memory. Reality is then changed into realities, places into impressions of an elsewhere, friends in chimeras, all subject to studies and interpretations constantly reevaluated.In a writing where views accumulate and overlap, Marcel Proust and Virginia Woolf endlessly prolong the impressions, convolutions, arabesques that constantly differ the conclusion of the story, in favor of the spectacle of sensitive events and hero journeys through the strata of lived time.Characters in motion, Orlando and the Narrator run in search of the flesh of time, which they seem to find in their shadow and in the thrill of a moment, according to ecstatic modalities that Bernini or Caravaggio represented in their art respective.Facts of worlds of appearances, of illusions, Sodom and Gomorrah, The Time found or Orlando are not however texts making the apology of the skepticism and the renunciation of a certain form of essence: it is still necessary that it be brilliant and come into the beauty of an image that reflects the coincidence of an ephemeral vision and a poetic creation offered to the times to come.

La grille tient une place problématique dans l'histoire de l'art. Le critique y voit une structure abstraite, un signe pictural, une originalité recouvrant la rupture posée début xxème entre peinture et histoire. Or, le cubisme, sensément initial, se montre pluriel et perclus de résonances classiques. D'où, ressortent l'idée de charnière et la nécessité de définir d'abord la grille comme forme, possibilité de structure et qui peut faire sens. Mondrian retourne le tableau brunelleschien puis, fort de Braque, tente de mettre en phase représentation plane et plan de représentation. Par son œil, l'objet devient ainsi << division du mur» et, poussée l'outrance, la grille se réduit à un modèle architectural. Ceci dit, son ultime période suggère que la forme sait autrement répondre d'un modèle textile (le tressage). Matisse, lui, emprunte au tapis qui privilégiele nœud, le module, non la ligne. La grille textile revêt trois variantes, étrangères en termes d'extension et de processus. Le modèle architectural reconnaît ces versions. Un cas unique favorisant le nœud fait ressurgir un troisième modèle: cartographique. Sa variante nodale (le marteloire) se retrouve chez Mondrian (en écho à l'histoire de la peinture hollandaise) et chez Braque (sans plus de raison que formelle). La relation à l’œuvre d'art, propice au<< fictionnement », et son anachronisme expliquent la qualité anhistorique de la forme. Psychologie et anthropologie aidant, une stratégie émerge, permettant (selon certains critères dont le marteloire pour schème) de l'étudier à l’œuvre scientifiquement (non seulement pour document), tel un complexe production-réception duquel la rencontre se rejoue indéfiniment. / The grid occupies a problematic place in art history. Critics consider it as an abstract structure, a pictorial sign or an originality mirroring the division between painting and (hi)story that look place at the beginning of the XXth. But cubism, which supposedly came first, appears in fact to be plural and ridden with classical echoes. Hence the concept of hinge and the necessity of defining the grid as a form, above ali (a possibility of structure, and one thal can make sense). Mondrian first turns the brunelleschian picture and then, forcing Braque, tries to put in phase flat representation and plan of representation. Under his eye, the abject becomes "division of the wall" and, to extrapolate, the grid is reduced to an architectural madel. Nevertheless, his final period suggests thal form can actually answer to a textile madel (plaiting). As for Matisse, he paints from the carpe!, which relies on knots and modules rather than li nes. The textile grid takes three aspects thal are very different in terms of extension and process. The architectural madel follows these three aspects. Aunique case centered on the knot creates a third madel: cartographie. Ils nodal variant (the marte/aire) can be found in the works of Mondrian (as an echo of the history of Dutch painting) and Braque (for formai reasons only). The relation ta the work of art, thal permits "fictioning", and ils anachronic nature explain the ahistoric quality of the form. With the help of psychology and anthropology, a strategy appears thal (following several criteria, among which the marte/aire as a schema) allows to scientifically study it at work (not just as a document), as a production-reception complex.

Doctorat en philosophie et lettres / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Les poètes du début du vingtième siècle sont inquiets : hésitant entre idéalisme et matérialisme, liberté et déterminisme, création et évolution, ils errent dans une « zone » idéologique. Dans les premiers textes de Guillaume Apollinaire (1880-1918), Blaise Cendrars (1887-1961), T.S. Eliot (1888-1965), Federico García Lorca (1898-1936) et Hart Crane (1899-1932), le désarroi est permanent. Il s’incarne sous différentes formes, du dédoublement de personnalité à l’extrême lassitude, tandis que l’ombre et un vent de fin du monde envahissent les poèmes. Les positions des poètes varient entre nihilisme, incertaines tentatives de syncrétisme et ironie mordante. Pourtant, passé leur première jeunesse, ils reconnaissent que leur inquiétude n’est pas une donnée personnelle mais un fait d’époque, peut-être même le fait essentiel, sur le plan de la pensée, de l’époque dite moderne : c’est « l’âge de la comparaison », selon les mots de Nietzsche. Ils renoncent alors à exprimer la singularité d’une vision individuelle, originale, voire bizarre, pour « rentrer dans le monde ». Rompant nettement avec les objectifs littéraires du symbolisme, ils entendent désormais devenir « la conscience de l’époque », exposer les idéologies incompatibles qui s’y côtoient, faire l’inventaire de ses contrastes. Dans le premier tiers du vingtième siècle, l’inquiétude idéologique est le mobile qui engage les poètes à redéfinir leur fonction dans la cité et l’un des grands moteurs de l’innovation esthétique : cubisme, simultanéisme, dialogisme et lyrisme épique. C’est ce parcours dont nous espérons dégager la cohérence et les principales étapes. / At the beginning of the XXth century poets were unsettled : hesitating between idealism and materialism, freedom and determinism, creation and evolution, they wandered in an ideological « waste land ». In the early works of Guillaume Apollinaire (1880-1918), Blaise Cendrars (1887-1961), T.S. Eliot (1888-1965), Federico García Lorca (1898-1936) and Hart Crane (1899-1932), distress assumed different forms: from split personality to extreme weariness. The poets’ positions bounced between nihilism, half-hearted attempts at syncretism and bitter irony. As they matured, they recognized however that their restlessness was not a personal matter but a product of the times, perhaps even the main feature, on the level of thought, of the so-called modern times : “the age of comparison”, in Nietzsche’s words. They then renounced to express the singularity of an individual, original, even bizarre vision, and chose to “go back to the world”. Breaking with the literary goals of symbolism, they aimed at becoming the “conscience of the times”, at exposing their conflicting ideologies, and at listing their contrasts. In the first third of the twentieth century, this ideological restlessness pushed poets to redefine their role in the city. It was one of the most powerful forces behind aesthetic innovation: cubism, simultaneism, dialogism and epic lyricism. In this study, we will examine the coherence and main stages of this process.

Thèse numérisée par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Montrer comment Radclyffe Hall construit la notion de Sale dans ses romans et comment cette notion affecte la relation aux autres et à soi des personnages. Proposer une réhabilitation de Radclyffe Hall et de son oeuvre. Voir comment Radclyffe Hall propose une éthique de l'altérité qui s'appuie sur le Sale. / Show how Radclyffe Hall expresses the notion of Filth in her novels and how this notion affects her characters' relationships to their selves and to the others. Offer a new vision of Radclyffe Hall and her novels. See how Radclyffe Hall suggests an ethics of alterity based on the notion of Filth.

Gilbert Sorrentino est souvent présenté comme un auteur postmoderniste. Pourtant, loin du nivellement postmoderniste, il privilégie des principes modernistes selon une posture moralisante et exclusive. Ce travail, qui porte sur la couleur et sur le visuel, s’appuie notamment sur cinq œuvres : The Sky Changes, Steelwork, Splendide-Hôtel, Aberration of Starlight, Crystal Vision. Les valeurs intermédiaires du gris impliquent une indécision qui renvoie à l’informe et au mal. Le poids d’une éducation religieuse est sensible dans l’opposition des valeurs sombres, qui sont associées au péché, et de l’éclair lumineux qui s’oppose à l’apathie grise pour redonner vie et forme à l’espace. La radicalité de Sorrentino s’exprime par un goût pour les contrastes colorés, notamment dans Splendide-Hôtel. Noir et blanc forgent un contraste plastique extrême, comme dans la peinture de Franz Kline. La posture élégiaque de l’auteur s’appuie sur l’opposition entre le rouge et le gris. Le goût pour la synthèse mène à une schématisation des formes et des couleurs, proche du Minimal Art. On note un tropisme vers l’abstraction immatérielle et immuable. L’auteur se limite aux termes génériques pour dire la couleur. Ce respect des spécificités du langage évoque le purisme de Clement Greenberg. Écrit à partir de sources disparates (le Rider deck conçu par A. E. Waite et Steelwork), Crystal Vision instaure une tension entre la symbolique noble du tarot et la réalité misérable du roman. En posant une dichotomie entre le visible profane et l’invisible sacré, la vision de Sorrentino rejoint la sensibilité platonicienne et médiévale. La transposition ironique des images participe d’un idéalisme déçu. / Gilbert Sorrentino is often presented as an emblematic postmodernist writer. This study focuses on colour and the visual in five works in particular : The Sky Changes, Steelwork, Splendide-Hôtel, Aberration of Starlight and Crystal Vision. Far from the egalitarianism of postmodernism, modernist principles go along with a moralizing and exclusive viewpoint. Intermediate values of grey imply uncertainty which refer to the amorphous and to evil. The burden of a religious education is felt in the opposition between dark values, which refer to sin, and flashing light which breaks into the mournful grey, giving life and form to space. The radicalism of Sorrentino’s aesthetic position shows in his taste for contrasts in colour, namely in Splendide-Hôtel. Black and white set up a sharp contrast, as in Franz Kline’s paintings. The elegiac stand of the author is asserted by the opposition between red and grey. A taste for synthesis leads to a simplification of shapes and colours which evokes the Minimal Art movement. A propensity for immaterial and immutable abstraction is noticed. Sorrentino expresses colour by using generic terms, thus taking account of the inability of language to encompass the real. This respect of the language idiosyncrasy matches Clement Greenberg’s purism. Crystal Vision is based on two ill-assorted sources (A. E. Waite’s Rider deck and Steelwork) which produces a tension between the high symbolism of the cards and the sordid reality of Steelwork. By setting a dichotomy between the secular visible and the sacred invisible, Sorrentino goes towards the platonic and medieval mind. The ironic transposition of images proceeds from a defeated idealism.

Gertrude Stein (Allegheny, Pennsylvanie, 1874 – Paris, 1946), figure centrale du modernisme américain, est souvent saluée pour avoir porté très loin une expérience linguistique et grammaticale, au sein d’une œuvre très vaste explorant tous les genres – romans, nouvelles, poèmes longs et courts, essais et conférences, pièces de théâtre, livrets d’opéra, biographies et autobiographies. L’objet de ce travail est d’analyser le rapport que la langue de Gertrude Stein entretient avec le réalisme : comme tradition littéraire d’abord, en réinvestissant l’héritage naturaliste et en l’américanisant par le remplacement de Claude Bernard par William James comme figure tutélaire de la méthode expérimentale ; comme déplacement du réel dans la langue elle-même qui échoue toujours à se réifier tout à fait ; comme injonction à la véracité enfin, dans des fictions plus tardives qui mettent en scène leur propre mauvaise foi et font de l’Amérique le territoire idéal et idéel de l’iréel. Parallèlement, nous tentons de mettre au jour la dynamique des genres qui se joue dans cette conversation renouvelée avec le réalisme, où chaque déplacement au sein d’une poétique mouvante devient une nouvelle façon de mettre la langue à l’épreuve du monde et de sa capacité à le viser. À partir de deux œuvres du début de sa carrière (les trois nouvelles de Three Lives et le long roman The Making of Americans), de sa poésie dite descriptive (les « portraits »), des Stanzas in Meditation et de deux œuvres en prose plus tardives (Four in America et Ida a Novel) nous essayons de comprendre la façon dont Stein envisageait les partitions génériques, notamment entre prose et poésie, et le rôle qu’elle leur donnait dans son parcours artistique et esthétique. / Gertrude Stein (Allegheny, Pennsylvania, 1874 – Paris, 1946) is a central figure of American modernism. She is celebrated for the radical experiments with language and grammar she conducted throughout a literary career in which she tried her hand at all genres: novels, novellas, long and short poems, essays, conferences, plays, opera librettos, biographies and autobiographies. The present dissertation analyzes the connections of Stein’s language to realism. The notion will be understood, first, as a literary tradition, which Stein reinterprets by americanizing it (through the replacement of Claude Bernard by William James as her mentor in the experimental method); second, as a displacement of the “real” within language itself, despite its consistent failure to become just a thing among others; third, as a call to veracity, in later works of fiction which stage their own disingenuousness and make America the ideal territory of the unreal. It will be argued that this constantly evolving conversation between Stein’s work and realism also implies a renewal of generic issues: each shift within an unstable generic system is a new way to test the ability of language to account for the world. Focusing on two early works (the three novellas of Three Lives and the long novel The Making of Americans), pieces of “descriptive” poetry (the “portraits”), the Stanzas in Meditation and two later prose works (Four in America) and (Ida a Novel), this dissertation will try to show how Stein understood generic boundaries, including that between poetry and prose, and what part they played in her aesthetic development.

La poète et artiste anglo-américaine Mina Loy (1882-1966) resta longtemps une figure marginale dans le canon moderniste. Adoptant une double approche poéticienne et culturelle, cette thèse étudie son esthétique hybride qui crée toujours une tension irrésolue entre des éléments disparates. Bien qu’influencée par le symbolisme, le décadentisme, le futurisme, l’imagisme, le dadaïsme et le surréalisme, Loy ne s’inscrit complètement dans aucun de ces mouvements, introduisant une tension entre plusieurs modernismes par ce changement constant de paradigme esthétique. On peut comprendre le projet artistique de Loy comme un atlas des turbulents phénomènes artistiques de son temps, qui trace des itinéraires entre des esthétiques disparates, voire opposées, cartographiant une constellation moderniste en pleine formation. La notion de constellation s’avère ainsi particulièrement fructueuse pour penser à la fois les dialogues artistiques modernistes et la dynamique formelle du poème en vers libre. En outre, on peut aborder l’oscillation permanente de son idiome entre le futur et le passé, l’avant-garde et l’obsolète, par le prisme de l’« image dialectique » définie par Walter Benjamin: « Une image [...] est ce en quoi l’Autrefois rencontre le Maintenant dans un éclair pour former une constellation ». L’oeuvre de Loy cherche à développer un « idiome météorique », qui reste brièvement en orbite autour d’une constellation artistique et s’approprie son esthétique pour rebondir ensuite dans une direction différente. L’enjeu de ce travail est d’explorer la dynamique de cette errance géographique, culturelle et artistique en quête d’une voix poétique hybride et polyphonique, qui résonne dans des cadres esthétiques multiples. / For a long time, the Anglo-American poet and artist Mina Loy remained marginal to the modernist canon.Adopting a twofold poetic and cultural approach, this dissertation focuses on her hybrid aesthetics whichcreates an unresolved tension between disparate elements. Although influenced by Symbolism,Decadence, Futurism, Imagism, Dada, and Surrealism, Loy’s work fully fits in none of these movements,introducing a tension between different modernisms through a constant shift of the aesthetic paradigm.One can understand Loy’s artistic project as an atlas of the turbulent artistic phenomena of her time,which traces itineraries between disparate and even opposed aesthetics, mapping a modernist constellationin the making. The notion of constellation thus becomes particularly far-reaching in thinking both aboutthe modernist artistic dialogues and about the formal dynamics of the free verse poem. The permanentoscillation of Loy’s idiom between the future and the past, the avant-garde and the obsolete, may betackled through Walter Benjamin’s definition of the “dialectical image”: “image is that wherein what hasbeen comes together in a flash with the now to form a constellation.” Loy’s oeuvre works towarddeveloping a “meteoric idiom,” which briefly revolves around each constellation before bouncing off in adifferent direction, introducing an ironic relativity between different loci, forms, and programs ofmodernist activity. This dissertation focuses on the dynamic of this roaming through modernist forms insearch of a unique, “polyharmonic” poetic voice which would resonate within multiple aestheticframeworks.