L’interaction des phénomènes de transfert de chaleur et de masse dans un tissu urbain avec les apports anthropiques participent à l’îlot de chaleur urbain et à la dégradation de la performance énergétique des bâtiments. L’objectif de cette étude est de définir l’impact de la modification des propriétés radiatives aux façades des bâtiments qui peut être réalisée par l’utilisation de revêtements sélectifs colorés récemment développés pour les toitures. Les flux sensibles et l’impact sur les bâtiments sont étudiés pour une morphologie caractéristique des milieux urbains denses, la rue canyon. Un suivi expérimental mené sur des surfaces élémentaires de propriétés radiatives différentes nous a permis de développer par une méthode d’optimisation un procédé de détermination simultané du coefficient de convection et des absorptivités solaires effectives sur la période de mesure. L’utilisation de peintures sélectives dans la configuration canyon retenue est ensuite analysée expérimentalement. Pour cela une maquette (1/10ème) de scène urbaine a été conçue sur la base de 5 rangées de cuves de béton creux qui ont fait l’objet de mesures de températures et de flux radiatifs. Dans un premier temps, le traitement de deux mois de mesures a permis de caractériser les évolutions de champs de températures liés à cette forme urbaine. Par la suite, trois configurations de propriétés radiatives aux façades ont été étudiées simultanément et ont permis d’analyser les modifications spécifiques sur les champs de température, de sur-faces et d’air. Afin d’estimer les économies d’énergie réalisables sur un bâtiment réel ainsi que l’impact sur son environnement proche, une étude paramétrique des revêtements de façade et de la chaussée a été effectuée par des simulations de l’interaction du bâti et du micro-climat. Les méthodes et expériences établies dans cette étude nous permettent d’envisager le développement du traitement des façades et de la caractérisation de leurs performances globales. / Modified heat and mass transfer in the urban built and anthropogenic loads contribute to the urban heat island phenomenon as to the deterioration of building energy efficiency. The scope of this study is to define the impact implied by the modification of façade radiative properties that can be achieved by using selective cool-coloured coatings initially developed for roofing. Sensible heat transfers and consequences on building comfort are studied through a characteristic morphology from dense urban environment, the street canyon. Monitoring of surface energy budget on elementary discs of different radiative properties allowed us to develop, through optimisation method, a process to determine simultaneously the effective solar absorptivities and a convective heat transfer coefficient on the measurement period. The following step consists in an experimental analysis of cool selective paints in the chosen canyon configuration. A reduced-scale model (1/10th) of an urban scene has been designed with 5 rows of hollow concrete tanks that had temperatures and radiative fluxes monitored. Measured data for uniform coatings allowed highlighting the temperature evolution linked to the particular urban form. Afterwards, three façades radiative properties configurations have been studied simultaneously and allowed the analysis of those specific modifications on air and surface temperature fields. Lastly, in order to estimate energy consumption savings on real scale buildings as well as the impact on the near urban environment, a parametric study on coating of façades and roads has been performed through simulation taking into account interactive heat transfers between the built environment and the microclimate. The experiments and methods designed along the study permit to consider façade coating development and global efficiency characterization.

Hàm Nghi (1871-1944), empereur patriote selon l’historiographie vietnamienne, victime ou acteur de la résistance anticoloniale selon les historiens français, fut exilé à Alger dans l’espoir de mettre fin au mouvement Cần Vương. Déporté à l’âge de dix-huit ans, pion sur l’échiquier politique de l’Indochine, il était considéré par une partie des autorités françaises comme un homme politique influent. Il fut surveillé toute sa vie et ne fut jamais autorisé à entrer en contact avec l’Indochine. Cependant, celui qui était désormais appelé « prince d’Annam », noua des amitiés avec des élèves vietnamiens au lycée d’Alger, des officiers et des missionnaires français, qui circulaient entre l’Indochine, l’Algérie et la métropole. Ces intermédiaires lui permirent de conserver un lien avec l’Indochine. Hàm Nghi consacra sa vie à l’art. Il devint peintre et sculpteur. Il fut l’élève du peintre orientaliste Marius Reynaud, du sculpteur Auguste Rodin, et fréquenta de nombreux artistes de son époque. Les archives nationales, vietnamiennes et françaises, nous apprennent les aspects administratifs de son exil : seul le point de vue du gouvernement français est alors connu. Les archives privées du fonds Hàm Nghi, récemment découvertes, apportent le regard intime de l’empereur exilé sur sa vie, par l’intermédiaire de sa correspondance. Ces documents permettent d’écrire une biographie et d’établir un catalogue raisonné de son œuvre. / Hàm Nghi (1871-1944), patriotic emperor according to Vietnamese historiography, victim or actor of the resistance against colonisation according to French historians, was sent into exile in Algiers in order to end the movement called Cần Vương. Deported when he was eighteen years old, pawn on the political chessboard of Indochina, he was considered by some French authorities to be an influential political figure. He was kept under surveillance his entire life and was never allowed contact with Indochina. Hàm Nghi, who was henceforth called “prince of Annam”, nevertheless established friendships with Vietnamese students of the Algiers highschool, and with officiers and missionnaries who travelled between Indochina, Algeria and France. These intermediaries helped him to maintain a connection with Indochina. Hàm Nghi dedicated his life to art. He became a painter and a sculptor. He was the student of the orientalist painter Marius Reynaud and of the sculptor Auguste Rodin, and he associated with many artists of his day. Previously the Vietnamese and French national archives informed us of the administrative aspects of the emperor’s exile, revealing only the point of view of the French government. Today the private archives of Hàm Nghi’s collection bring us the personal view of the emperor on his life. These documents enable us to write a biography and a catalogueraisonné.

La restauration des peintures d'art consiste à restaurer la lisibilité d'une œuvre d'art et à préserver son intégrité. La plupart des techniques consiste à déposer des solvants juste en surface afin de ne dissoudre que la couche de vernis. Cependant, les couches sous-jacentes risquent d'être endommagées par la pénétration de ces solvants, causant éventuellement un gonflement ou un craquèlement de ces dernières. Du fait de la complexité physico- chimique de la couche picturale, nous proposons d'étudier la pénétration de solvants dans un nanoporeux modèle issu du séchage contrôlé de dispersions aqueuses de nanoparticules de silice. Le séchage et la consolidation de ces dispersions colloïdales jusqu'à l'apparition de craquelures de séchage sont étudiés. La réflectivité de neutrons et la diffusion de neutrons aux petits angles permettent d'accéder à la structuration des systèmes en surface et en volume, respectivement, au cours du séchage. L’étude expérimentale des ouvertures de craquelures dues au séchage, associée à un modèle de poroélasticité que nous développons, renseigne sur les propriétés mécaniques des systèmes consolidés et du tableau « Jeanne d'Arc en prison » (1824) du peintre français Louis Crignier (1790-1824). La caractérisation du milieu poreux formé après la consolidation est réalisée par imagerie de neutrons et permet de déterminer la perméabilité et les porosités des milieux. Enfin, nous présentons la dynamique d'imprégnation d'une goutte sessile de solvant dans plusieurs milieux poreux, qui diffèrent de par leur taille de pores. Notre montage expérimental permet une quantification précise et directe des écoulements au-dessus et à l'intérieur du milieu poreux. Des mesures de propriétés mécaniques sont réalisées avant et après imprégnation par micro-indentation. / Art painting restoration aims to restore the readability of a painting and to preserve its integrity. Most of the techniques consist of depositing solvents on the surface of the painting to dissolve the varnish layer. However, the sublayers can be damaged by the penetration of the solvent, possibly resulting in swelling or cracking processes. Due to the physical and chemical complexity of the pictorial layer, we propose to study solvent penetration in model nano porous media obtained by controlled drying of aqueous silica nanoparticles dispersions. Drying and the consolidation process of these colloidal dispersions are studied until drying cracks appear. Neutron reflectivity and small angle neutron scattering provide structural information on particles near the interface between the dispersion and the air and in the bulk, respectively, during drying. The experimental study of drying cracks, associated to a poroelastic model, inform on mechanical properties of consolidated model systems and of the painting “Jeanne d'Arc en prison” (1824) by the French painter Louis Crignier (1790-1824). Characterization of the porous media obtained after consolidation is carried out with neutron imaging to determine the permeability and the porosities of the porous media. Finally, we present the dynamics of imbibition of sessile solvent drops on several porous media with different pore sizes. Our experimental set-up provides a precise and a direct quantification of the different flows outside and through the porous media. Mechanical properties are performed before and after solvent imbibition, by micro-indentation testing.

Notre mémoire porte sur l'histoire de la pratique de la restauration à Québec au tournant du XIXe au XXe siècle par l'étude des peintures constituant la collection du Musée du Séminaire de Québec. Entre 1907 et 1912, l’artiste, connaisseur et restaurateur d’origine britannique J. Purves Carter est engagé par les prêtres du Séminaire de Québec pour examiner et restaurer leur collection de peintures. En étudiant de plus près ces deux actes posés sur l’œuvre, nous constatons qu’ils contribuent à sa transformation physique et intellectuelle. Cette double transformation se trouve au cœur de notre propos: la transformation physique, opérée par le nettoyage, les repeints, les retouches et la modification du support, change le statut de l’objet d’art, qui se voit par la suite réinterprété tant par le connaisseur que par son propriétaire. Le mémoire repose sur l’hypothèse que de telles modifications –physique par la restauration et intellectuelle par l’examen de l’œuvre et sa réattribution permettent à la collection de peintures de gagner en notoriété. Ce processus de requalification des œuvres participe également à la reconnaissance institutionnelle et publique de son propriétaire, l’Université Laval. Notre mémoire examine ce processus en trois chapitres: le premier détermine qui est J. Purves Carter et quel est son potentiel professionnel pour transformer une œuvre. Le second fait l’analyse critique de la transformation physique et intellectuelle des œuvres par études de cas. Le dernier fait état du gain de reconnaissance institutionnelle de l’Université Laval à l’échelle régionale, provinciale, nationale puis internationale. Cette étude révèle également la mise en notoriété professionnelle de la personne de Carter, qui est à l’origine de la requalification de la collection.

Les peintures rupestres de l’Ontario font partie du grand ensemble de l'art rupestre du Bouclier Canadien. Ce terme recouvre une réalité géologique autant qu'ethnographique, puisque cette région est essentiellement habitée par les Algonquiens. La retraite des glaces laissa un paysage criblé de lacs et de cours d'eau dont les artistes amérindiens peignirent les roches riveraines. Les peintres élirent de préférence des rochers de granit ou de gneiss, lissés par les glaces et plongeant, le long des rivages, presque à la verticale dans l'eau. <p>Depuis une dizaine d'années, les recherches en art rupestre se développent de plus en plus :de nouvelles techniques, ainsi que des interprétations récentes, prenant plus en compte les autres domaines scientifiques font leur apparition. Toutes ces approches sont largement diffusées par des colloques, des congrès et des périodiques spécialisés. Néanmoins, elles sont encore peu appliquées dans de nombreuses régions, les représentations ne faisant généralement l'objet que d'un relevé succinct, d'une identification des principaux motifs et d'une chronologie relative incertaine. Dans les années '60, Leroi-Gourhan rejetait, à juste titre pour l'art pariétal européen, le comparatisme ethnologique et il préconisait de "recevoir directement du Paléolithique ce qu'il apportait spontanément". Les spécialistes européens se focalisèrent alors sur les peintures et gravures et les étudièrent de la même manière que n'importe quel artefact archéologique (typologie, chronologie, carte de répartitions, analyse quantitative…). Au contraire, en Amérique et en Australie, où l'approche ethnographique et ethnologique est possible, les chercheurs se concentrèrent principalement sur ce dernier axe de recherche. Les dernières recherches en Europe de l'art pariétal paléolithique ont démontré l'importance d'une approche à la fois plus objective, plus exhaustive et plus contextuelle, approche qui fait encore malheureusement très largement défaut dans les travaux consacrés aux art rupestres, notamment les peintures rupestres du Bouclier canadien. Or, ces manifestations "esthétiques" sont susceptibles de nous livrer des informations non seulement sur le fonctionnement mental et spirituel des hommes qui les ont réalisées, par l'analyse des contenus graphiques mais aussi sur leur fonctionnement social grâce à la reconstitution des diverses chaînes opératoires mises en œuvre pour leur obtention. Il est donc désormais indispensable de lier les deux approches et de traiter ces documents archéologiques, tant d’un point de vue anthropologique qu’archéologique. C’est-à-dire, en analysant les peintures dans leur contexte (importance du rocher et des fissures, position du rocher sur le lac et importance de la voie de communication) et en les reliant à ce que nous connaissons de la mythologie et des pratiques culturelles des sociétés amérindiennes. <p><p> / Doctorat en philosophie et lettres, Orientation histoire de l'art et archéologie / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Peintre bruxellois aujourd’hui méconnu, Léon Frederic (1856-1940), surnommé le « gothique moderne », tint un rôle important au tournant du XXe siècle comme l’un des représentants de la modernité picturale belge, tant sur la scène artistique nationale qu’internationale. S’appuyant sur un examen rigoureux d’un fonds d’atelier de plusieurs milliers de pièces, d’archives et de correspondances inédites, ainsi que sur l’établissement du catalogue raisonné de l’œuvre, cette étude souhaite reconstituer la trajectoire d’un peintre omniprésent, oublié face à la « mythologie de rupture » des avant-gardes. Si l’histoire de l’art a retenu l’image d’un peintre mystique reclus à la campagne, l’appréhension de sa carrière a permis de reconstituer le portrait d’un faux-naïf conscient des enjeux promotionnels, appartenant à une nouvelle élite belge qui fut à l’origine de l’intense vie culturelle bruxelloise. Frederic a su élaborer une mise en image inédite du « peuple », ouvrier et paysan, aussi bien comme point de convergence de l’image utile et morale, souhaitée par les tenants de l’art social, que comme projection d’un imaginaire culturel issu de la tradition et propre à une élite en quête d’un avenir meilleur pour les classes défavorisées. Stylistiquement, son art, se rapprochant de l’« archaïsme moderne » cher à Emile Verhaeren, l’impose dans le nouveau champ moderniste des sécessions comme l’ethnotype idéal et recherché de l’artiste « flamand ». Peintre bourgeois et marginal, élitaire et social, national et cosmopolite, Frederic est apparu comme l’un des hérauts adoubés de la modernité du temps et nous invite à remettre en question la binarité de la conception de l’art à la fin du XIXe siècle. / The Belgian painter Léon Frederic (1856-1940), nicknamed the “gothique moderne”, played a key role at the turn of the 20th century as one of the main actors of Belgian modern art, both on the national and international artistic scene. Based on a rigorous examination of a studio collection of several thousand pieces, archives and unpublished correspondence, as well as on the realization of the catalogue raisonné of the work, this study aims to reconstruct the trajectory of an omnipresent painter, forgotten faced with the "mythology of rupture" of the avant-garde. If the history of art has retained the image of a mystical painter recluse in the countryside, the comprehension of his career enabled to reconstruct the portrait of a “faux-naïf” aware of the promotional stakes. Frederic belongs to a new Belgian elite who was at the origin of the intense cultural life in Brussels. Throughout his career, he has developed a new image of the "people", worker and peasant, both as a point of convergence of the necessary and moral image, wanted by the supporters of the social art, and as a projection of a cultural imagination, specific to an elite in search of a better future for the underprivileged classes. Stylistically, his art, approaching the "archaïsme moderne" theorized by Emile Verhaeren, imposes it in the new international and modernist field of the Secessions as the ideal and sought-after ethnotype of the "Flemish" artist. A bourgeois and marginal painter, elite and social, national and cosmopolitan, Frederic appeared as one of the heralds of the modernity and invites us to question the binarity of the conception of art at the end of the 19th century.

La destruction des villes et des monuments historiques a connu une ampleur sans précédent durant la guerre 1939-1945. La reconstruction après 1945 s’inscrit dans un moment de profonde mutation pour l’histoire du monde. La restauration post bellica des monuments historiques s’inscrit dans le vaste chantier de la Reconstruction territoriale et politique de l’Europe ; il s’agit l’intervention architecturale sur la ruine produite par la guerre. Il existe "mille façons", de protéger, de détruire, puis de restaurer les œuvres d’art et d’architecture lors des conflits armés. Le sujet de cette thèse réside dans ces trois actions : protéger, détruire et restaurer. Elles sont un travail de l’homme. Deux actions, protéger et restaurer participent à des enjeux positifs pour les sociétés indépendamment du lieu ou du temps. L’action, "détruire", porte des signes négatifs, hier comme aujourd’hui, l’action de détruire dépend ou procède de conséquences géopolitiques très complexes. Le sujet de cette thèse concerne notamment deux aspects de la restauration des œuvres d’art et des œuvres d’architecture de 1945 à aujourd’hui. Le premier aspect peut être nommé "les théories", le second aspect "les pratiques". Les deux sont indissociables, dans un processus réflexif où la pratique vient valider ou invalider la théorie, tandis que la théorie se base sur la pratique dans son élaboration. De l’intention d’étudier ces deux aspects, découle la problématique à laquelle je me suis particulièrement attaché ; celle-ci consiste à comprendre en quoi les destructions de la Seconde Guerre mondiale ont contribué à renouveler les théories et les pratiques en matière de restauration des monuments historiques ? J’ai identifié ce renouvellement pour ensuite le définir et le documenter, dans différents contextes spatio-temporels, à travers les 5 chapitres de ce travail. La restauration des monuments historiques après 1945 en Europe, est à la fois le sujet, le terrain et le corpus de cette thèse. Pour rester réaliste j’ai choisi de travailler cette question principalement dans trois pays d’Europe : l’Allemagne, la France et l’Italie. Il s’agit de 3 pays qui ont une longue tradition dans ce domaine. La restauration des monuments historiques après 1945, s’appuie sur l’acceptation ou le refus du drame de la perte. En Europe elle se développe selon quatre périodes que j’ai identifiées comme suit: de 1939 à 1945 la période bellica ; de 1946-1972 la période chaude de la Reconstruction; de 1973 à 1989 la période intermédiaire ; de 1990 à 2015 la nouvelle période chaude ou "le patrimoine à l’état gazeux". Le long chantier de la restauration des monuments historiques après 1945 est un laboratoire européen ou un "collège invisible". Dans ce laboratoire et à partir de la pratique de la restauration, travail alors colossal, urgent et nécessaire, sont élaborées des techniques et des théories toujours valides aujourd’hui. J’ai ici organisé l’analyse de la restauration post bellica autour de la question des lacunes, d’abord analysée d’un point de vue théorique. Ensuite, j’ai imaginé, de façon nouvelle, une typologie des lacunes en architecture afin d’expliquer d’un point de vue pratique et constructif ce qui vient après : la réparation ou "la réintégration des lacunes". J’ai identifié différentes familles de lacunes qui affectent les édifices anciens pris dans la guerre. Il m’a alors semblé possible de parler de lacunes à différentes échelles et indépendamment du type d’artefact touché. J’ai voulu guider le lecteur, dans le labyrinthe de la restauration post bellica, avec la lacune comme fil d’Ariane. Le trou ou la chute d’un fragment d’enduit dans une peinture murale, l’impact de mitraillette dans une façade en pierre, la chute des voûtes et des charpentes d’une église, les cassures dans les travées rythmiques d’une façade, l’écroulement complet de la nef ou de l’abside d’une église, la destruction de tissus urbains autour d'un monument... / Restoration of historical monuments after 1945 is based on the acceptance or the rejection of the drama of loss. I identified for major periods of restoration in Europe after WWII : 1939-1945; 1946-1972 ; 1973-1989 ; 1990-2015. In France, as opposed to Germany or Italy, historiography in architecture still does not deal much with the history of restoration post-bellica, ie with historical monuments destroyed during WWII and progressively restored afterwards. The historiographical task at hand is to study within different contexts (Germany, France, Italy, ex-Yugoslavia, etc) the practices of restoration once peace is back, ie the architectural intervention on the ruins produced by war. Although ferments of restoration (for both works of art and architecture) can be identified, in the current sense of the term, as early as the 1930’s, the discipline is going to mature under the impetus of the immense workshop of post-bellica restoration. Methods, techniques and theories, still valid today, are then produced and applied. My suggestion is that such a workshop can be considered as an European lab within which a kind of "invisible college" is at work, centered around a few major international experts. Architects, historians of art, superintendents, archeologists, natural and social scientists share their experiences and points of view. Research laboratories, universities, museums, churches, international organizations are involved from all over Europe. But Italy is at the heart of the « invisible college ». I have organized the analysis of the post bellica restoration around the question of "lacunes" (deficiency, gaps; shortcomings), first from a theoretical point of view. Then I imagined a new way, a typology of architectural shortcomings in order to explain a practical point of view and constructive comes after the repair or "reintegration of lacune (gap)". I identified different families of "lacune" (gaps) affecting older buildings caught in the war. It’s then possible to speak about "lacune" at different scales and regardless of the type of hit artefact. I wanted to guide the reader through the maze of post bellica restoration, with the "lacune" used as a red string. The hole or the fall of a fragment of plaster in a mural painting, the impact of machine gun in a stone facade, falling arches and a church structures, fractures in the rhythmic span of a facade the complete collapse of the nave and the apse of a church, the destruction of the urban fabric around a monument and the demolition of an old stone bridge are all shortcomings that make us react. That's faces these shortcomings, different each time, what post bellica restoration thought martyr heritage, subject of this thesis.

Le projet vise à développer une nouvelle approche méthodologique dans le but d'améliorer l'utilisation combinée de plusieurs techniques de microscopies infrarouge et X lors de l'analyse de fragments de peintures. Historiquement et ordinairement, les fragments de peintures sont préparés en coupes épaisses polies et les analyses sont réalisées à la surface de ces dernières. Bien que cette préparation d'échantillon facilite sa manipulation ainsi que son orientation lors des analyses, elle limite aussi l'efficacité et la faisabilité de certaines techniques de microscopie. Par conséquent, ce travail propose d'explorer une nouvelle stratégie analytique : la préparation et l'analyse de coupes fines. Ces deux étapes ont été optimisées et validées dans le cadre d'analyses par µFTIR, µXRD, µXRF et µXANES. En parallèle, de nouvelles possibilités analytiques ont été testées dans le cadre de l'analyse des peintures, basées sur la technique XANES plein champ. Les échantillons de peintures se sont révélés être d'excellents candidats pour évaluer les avantages et inconvénients de cette technique pour les matériaux du Patrimoine Culturel en général. / This project aims at developing a new methodological approach, providing a more efficient and synergetic use of FTIR and X-ray microscopies, for the analysis of painting fragments. Usually, painting fragments are prepared as polished sections and analyses are carried out on the cross-section surface. This sample preparation is easy to handle, however ends into critical constraints regarding feasibility and efficiency of micro-analyses. We propose to explore a different strategy: preparation and analysis of thin sections. These preparation procedures were first optimized and validated with µFTIR, µXRF, µXRD and µXANES. Besides, new methodological capabilities based on full-field/µXANES were assessed. Paintings were ideal candidates for estimating pros and cons of this new strategy for CH materials in general.

Le Râmakîen est une des œuvres littéraires les plus importantes du royaume thaïlandais. Reprenant l’épopée indienne de Vâlmîki, le Râmâyana, il revêt une grande importance à la cour royale et sa popularité est considérable dans toute l’Asie du Sud-Est. Au Wat Phra Kèo, ses épisodes ont été intégralement illustrés sur le mur de la galerie. La thèse ne prend en compte que les parties figurant les dix incarnations de Viṣṇu et la naissance des dieux hindous et des personnages de l’épopée. Ces épisodes nous amènent au prélude du Râmakîen et l’étude s’arrête au moment du retour du roi Jânaka à Mithilâ. Il nous a fallu opérer des rapprochements entre ces peintures et le Tamrâ Thewarûp, les albums d’iconographie brahmanique, ainsi que le Tamrâ Thewapâng, recueil de légendes sur la naissance des dieux et les incarnations de Viṣṇu. Ces rapprochements étaient nécessaires car tous les épisodes représentés à Wat Phra Kèo ne sont pas racontés dans le Râmakîen tel que le relate la version du roi Râma I. L’omniprésence des scènes empruntées à l’épopée, en particulier celles des dix incarnations de Viṣṇu et des dieux hindous dans les temples importants de Bangkok fondés par les rois ou par leurs proches au début de la période de Ratanakosin, s’explique par la grande importance accordée par ces souverains à l’incarnation de Viṣṇu en Râma. Le royaume thaïlandais adopta par ailleurs les rites brahmaniques pratiqués à la cour khmère. Une récapitulation des témoignages iconographiques sur l’épopée au Cambodge, au Laos et au Myanmar complète notre étude. / The Râmakîen is one of the most important literary works in Thailand. Derived from the Indian epic of Vâlmîki, it became very important at the royal Thai court, and is one of the most popular texts in South-East Asia. At Wat Phra Kèo its episodes are represented on the four sides of the gallery. This thesis aims to study the parts illustrating the ten incarnations of Viṣṇu, the birth of the Hindu Gods and the main characters of the Indian epic. These episodes lead us through the Râmakîen’s prelude and our study stops at the moment of King Jânaka’s return to Mithilâ, his kingdom. The comparison between the paintings, the Tamrâ Thewarûp, the iconographic albums of Hindu Gods and the Tamrâ Thewapâng (the book of legends containing the god’s creation and the ten incarnations of Viṣṇu) proved necessary to understand some of the painted scenes which do not relate to the Râmakîen, as told in the version composed by King Râma I. The omnipresence of a number of scenes borrowed from the epic (particularly the ten incarnation scenes of Viṣṇu and the Hindu God images) in the temples founded by the kings or their families around Bangkok’s Grand Palace can be explained by the great importance attributed by the sovereigns to the Râma avatâra of Viṣṇu. Besides, the Thai Kingdom borrowed from the Khmer court their Hindu rituals. A review of the Râmâyana images in Cambodia, Laos and Myanmar completes our study.

Les répertoires iconographiques rupestres du Sahara central ont pâti du contexte historique et humain de leur découverte, puis de leur gestion tant scientifique que patrimoniale. Leur profusion et les difficultés du terrain saharien ont été et sont toujours des facteurs pénalisants, mais la méconnaissance dont souffrent encore ces productions des cultures préhistoriques, plus d’un siècle et demi après leur révélation, incombe clairement aux acteurs passés et présents de leur étude. Même si nous admirons ces images pour leurs qualités esthétiques, ce sont des vestiges archéologiques à part entière, devant être étudiés comme tels. De nos jours, les outils numériques et informatiques permettent, d’une part, d’améliorer quantitativement et qualitativement leur documentation grâce aux logiciels d’amélioration d’image utilisés pour l’enregistrement et le relevé ; d’autre part, d’interroger plus objectivement ces œuvres par le biais d’autres outils et de méthodes performantes d’analyse des données, au travers desquels leur différenciation stylistique peut être mise en évidence. L’application des démarches développées dans cette recherche à quelques parois ornées du site de Séfar, lieu emblématique de la Tasīli-n-Ăjjer (Algérie), montre que l’usage de ces outils, sous-tendu par des bases théoriques et méthodologiques rigoureuses, permet de proposer une nouvelle approche de ces images rupestres, plus conforme à leur nature de données scientifiques. / The rock images of the central Sahara have suffered from the historical and human context of their discovery and then from both their scientific management and their heritage management. Their abundance and the difficulties of the Saharan field have been and are still negative factors, but the lack of knowledge from which these productions of prehistoric cultures are still suffering more than a century and a half after their discovery, clearly falls to those studying them in the past and present. Even if we admire these images for their aesthetic qualities, these form an integral part of the archaeological remains and should be studied as such. Nowadays, the digital and computerised tools enable us, firstly, to quantitatively and qualitatively improve their documentation thanks to image enhancement software used for the recording and the tracing; secondly, to more objectively investigate these artefacts by using other effective data-analysis tools and methods thanks to which their stylistic differences can be highlighted. The application of the processes developed in this research to several adorned walls at the Sefar site, an emblematic area of the Tasīli-n-Ăjjer (Algeria), shows that the use of these tools, supported by rigorous theoretical and methodological basis, allows us to offer a new approach to these rock images, more appropriate to their characteristic of being scientific data.