Orientador: Ricardo Monteagudo / Banca: Lígia Fraga Silveira / Banca: Ivonil Parraz / Resumo: O presente trabalho pretende situar a amizade e sua descrição em Montaigne, que evoca a figura de seu amigo La Boétie. A partir dessa célebre amizade que foi rompida com a morte de La Boétie, segue-se uma análise do conceito de amizade nos Essais de Montaigne e de suas principais fontes. Resta ao autor apenas escrever incessantemente para garantir a presença de si mesmo e do amigo. A interpretação do texto permitirá reflexões sobre o sentido maior da amizade à luz da imagem da escrita, da pintura, do amor e da fraternidade / Abstract: This research has a target to show the friendship and her description in Montaigne, inspired by his friend La Boetie. From this famous friendship, which was disrupted by the death of La Boetie, follows a study of the concept of friendship on Montaigne's Essais and his main sources. Remain for actor only to write incessantly for to guarantee the present myself and of friend. The interpretation of the text allows reflections about friendship according to the image of the writing, painting, love and fraternity / Mestre

O estudo da poética de Mario Quintana terá por base as investigações da Literatura Comparada e da Teoria Literária, considerando o pensamento de Wellek, Ortega y Gasset, Bloon, Bakhtin, Paz, Pound, Antonio Cândido, entre outros. A primeira e a segunda partes da pesquisa se voltam às relações da literatura com a própria literatura e com outros campos do saber que têm nas relações sociais o pano de fundo para o desenvolvimento da produção artística e da visão de mundo expressa nas criações. Na parte seguinte, a dimensão simbólica do tempo é base dos estudos tanto na poesia como na pintura. Na quarta parte, é observado o processo das influências que estimulou a produção poética de Mario Quintana. Para tanto, a temática temporal, constante preocupação da lírica, foi o eixo centralizador das aproximações entre as suas poesias e as de Camões, com enfoque na problemática do carpe diem; nesta mesma parte, com relação ao tratamento da saudade, destacase a produção de Antônio Nobre, poeta português que, assim como Quintana, resgata em sua obra o passado vivido ou sonhado. Ampliando as inter-relações entre diferentes formas de expressão há, na quinta e na última parte, interesse nas analogias entre a poesia e a pintura com foco nas retomadas que Quintana faz da obra de vários pintores, privilegiando a de Van Gogh. / This paper aims at the study of Mario Quintana´s poetic, based mostly on the research and investigations carried out in Comparative Literature and Literary Theory fields, taking into consideration the thoughts and ideas of authors such as, Wellek, Ortega y Gasset, Bloon, Bakhtin, Paz, Pound, Antonio Cândido, among others. The first and second parts of the present research are concerned with the relationship the literature has to do with itself and with other knowledge areas which have the social interaction as the background for the art development and the worldview expressed in the masterpieces. In the next part, time symbolic dimension is the basis for the studies in both poetry and paintings. In the fourth part, the influential processes that would have stimulated Quintana´s poetic production are observed. For such purposes, the temporal thematic, a frequent concern of Quintana\'s poetry, was crucial to look for the similarities between Quintana\'s and Camões\' creations, focusing mostly on the carpe diem problems; in this same part, concerning with the treatment given to the feeling of missing, Antonio Nobre´s writings are highlighted, because this Portuguese poet, like Quintana, used to bring his past either experienced or dreamt to his verses. In the fifth and last part, making inter-relationships between different kinds of expression, there are interests in analogies between poetries and paintings, with focus on some painters recalling undertaken by Quintana, special and mostly on Van Gogh´s ones.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:30Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2007-06-25Bitstream added on 2014-06-13T18:49:25Z : No. of bitstreams: 1 sarziribeiro_ra_me_ia.pdf: 2369491 bytes, checksum: 738cba3af7c82ba03ad9d547a1f71cc8 (MD5) / Esta pesquisa tem como tema a Figura Humana Fragmentada e trata da representação de corpos em fragmentos na Pintura, utilizando como referência a teoria de Omar Calabrese sobre o Fragmento. O recorte temporal partiu do Neoclassicismo (século XVIII) para chegar ao século XX: período de maior transformação formal na representação da figura humana, marcada por obras cuja temática são fragmentos de corpos. Os objetivos da pesqusa são: estudar o tema da figura humana fragmentada nas obras de pintura dentro do recorte temporal proposto; identificar, comparar e discutir os aspectos estéticos e iconográficos dessas composições pictóricas e analisar as obras escolhidas como objetos de estudo: Tiradentes Esquartejedo (1893) de Pedro Américo (1843-1905) e Reflexos de Sonhos no Sonho de Outro Espelho (Estudo sobre o Tiradentes de Pedro Américo) (1998) de Adriana Varejão (1964). Os procedimentos metodológicos são: análise iconográfica e comparativa, dentro do referencial sócio-histórico. Os resultados apontaram que o tema da Figura Humana permanece sendo representado por meio da dualidade: figura inteira versus figura-fragmentada, pois representar o corpo em partes tem o mesmo significado e importancia quanto inteiro. Tiradentes esquartejado em Pedro Américo se realaciona com os elementos estéticos que definem uma composição como obra-pormenor e em Adriana Varejão como obra-fragmento. / This research has how the Fragment Human Figure theme and treats of representation on the body on fragments in the picture, utilizing as reference the Omar Calabrese's about the Fragment theory. The temporal cut parted of Neoclassicism (18th century) for to come in the 20th century: period of larger formal transformation in the human figure representation, marked by works whose thematic are body's fragments. Yhe objectives of research are: to study the theme of gragmented figure human in the works of picture whitin of temporal cut propossed; to identify, to compare and todiccuss the iconographies an esthetics aspects from that's pictures composition and to analyze the works choices Quarted Tiradentes (1893) of Pedro Américo (1843-1905) and Reflections of Dreams on a Dream of Another Mirror (Study after Pedro Américo's Tiradentes) (1998) of Adriana Varejão (1964). The methodology's proceedings are: comparative and iconographic analyses, wthin of historic-associate reference. The results have pointed for the theme of human figure stays being represents by means of duality: intact figure versus fragmented figure, for to represent the body in parts has the same significanceand importanc as intact. Quarted Tiradentes in Pedro Américo to relate to aesthetics elements that define one composition how detail work and in Adriana Varejão with fragment-work's.

Submitted by Maike Costa (maiksebas@gmail.com) on 2016-04-04T13:50:05Z No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 4207887 bytes, checksum: 4d8bea0627a7df968d90337175e96832 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-04-04T13:50:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 4207887 bytes, checksum: 4d8bea0627a7df968d90337175e96832 (MD5) Previous issue date: 2015-08-04 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / Le point de départ de notre mémoire est l‟analyse du tableau Bataille de Riachuelo (1872/1883), du peintre brésilien Victor Meirelles de Lima (1832-1903), né à Santa Catarina. La date double montre que ont été réalisé deux oeuvres sur le même thème. Le premier tableau, peint entre 1868 et 1872, a été complètement détruit en conséquence du manque d‟un entretien adéquat pendant et après sa présentation dans l‟Exposition Universelle de Philadelphie, en 1876. Le tableau qui se trouve en exposition au Musée Historique National, à Rio de Janeiro, est la deuxième oeuvre, réalisée en 1883. Les deux tableaux représentent un épisode de la Guerre de la Triple Alliance (1864-1870), pendant la bataille entre une escadre brésilienne et une escadre paraguayenne, sur le fleuve Parana, aux alentours de l‟embouchure de la rivière Riachuelo, le 11 juin 1865. En 1868, le Ministre de la Marine a commandé à Victor Meirelles le tableau qui rendra éternelle cette victoire. Le peintre, fidèle aux principes de la Peinture Historique, peint son tableau qui, ainsi que le second, représente la célébration de cette difficile conquête. Son objectif était de mener le public à s‟identifier à ce moment historique, notamment à la nation victorieuse, à partir du rapport créé entre les représentations pictoriques et la construction du moment historique, à travers la forme imposante de la présentation du thème, soit par les dimensions du tableau, soit par les proportions des événements montrés. Ce mémoire cherche donc à connaître le contexte historique et artistique pour que nous puissions comprendre la production du tableau, en dialogant avec les concepts de l‟Histoire Culturelle, les notions de représentation et la Peinture d‟Histoire. Ainsi, nous pouvons analyser sa composition et l‟historicité qui traverse le moment de sa production. / Nossa dissertação parte da análise da tela intitulada Combate Naval do Riachuelo (1872/1883) do pintor catarinense, Victor Meirelles de Lima (1832-1903), a dupla data é consequência do fato de serem executadas duas pinturas sobre o tema. No caso da primeira tela, realizada entre 1868 e 1872, foi totalmente perdida após falta de cuidados específicos durante e após sua exibição na Exposição Universal da Filadélfia em 1876. O quadro existente em exposição no Museu Histórico Nacional, Rio de Janeiro é o segundo realizado em 1883. Ambos retratam um episódio da Guerra do Paraguai (1864-1870) na batalha entre a esquadra brasileira contra a paraguaia no Rio Paraná, próximo à foz do Riacho do Riachuelo no dia 11 de junho de 1865. Em 1868 o Ministro da Marinha encomenda a Victor Meirelles a tela que eterniza esta vitória, o pintor, fiel aos princípios da Pintura Histórica, elabora sua primeira tela que, assim como a segunda traz a celebração da árdua conquista. Seu objetivo era que as pessoas se identificassem com aquela festividade, especialmente, com sua vitoriosa nação. Visando reconhecer as relações entre as representações pictóricas do conflito e a construção de marco histórico pela imponente forma de representação do tema, seja pelas dimensões do quadro ou das proporções dos eventos expostos. Portanto, nossa dissertação busca compreender os contextos histórico e artístico para entendermos a produção da tela, dialogando com os conceitos de História Cultural e a partir da mesma as noções de representação e Pintura de História para dessa forma analisarmos sua composição e historicidade que perpassa o momento de sua produção e execução.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:18:59Z (GMT). No. of bitstreams: 1 124496.pdf: 8273247 bytes, checksum: 2eb26d5c5bf7d0dd7d3e8999a0c8e236 (MD5) Previous issue date: 2015-07-21 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Visual Arts. The research was developed within the Visual Arts Education Line of Research and aimed at investigating how learning is developed in Visual Arts through painting. The studies were carried out as field research and poetic practice performance in the Study Group Apotheke Painting Studio . Initially, graduates of BSc courses in Pedagogy were chosen as subjects of this research. However, during the investigation, the study was focused on understanding how the author graduated in Pedagogy - apprehended and wove relationships between artistic practices and Education. The study of this dissertation relies on the theory of experience coined by John Dewey (2010) to support learning in Visual Arts through consummation. According to the American philosopher, "every whole experience (...) has a beginning, development, and consummation (Dewey, 2010, p. 139) 1 . This consummation is not the conclusion of an aesthetic-artistic work, but a possibility of other experiences emerging by means of this potential work. This study, based on John Dewey s philosophy of experience, allows the Visual Arts, or Art- Educators, to reflect on their teaching practice and especially on how they articulate it with their poetic practice. / A Dissertação de Mestrado apresenta o percurso da experiência de um pedagogo acerca da aprendizagem em Artes Visuais. A pesquisa foi desenvolvida na Linha de Ensino de Artes Visuais e objetivou investigar como é desenvolvida a aprendizagem em Artes Visuais através da pintura. Os estudos foram elaborados em pesquisas de campo e na atuação prática-poética no Grupo de Estudos ¿Estúdio de Pintura Apotheke¿. Inicialmente, alunos egressos dos Cursos de Licenciatura em Pedagogia foram escolhidos como sujeitos da pesquisa. Porém, no decorrer da investigação, centrou-se os estudos na compreensão de como o autor, Licenciado em Pedagogia, apreendia e tecia relações entre as práticas artísticas e a Educação. O estudo desta Dissertação encontra na teoria da experiência cunhada por John Dewey (2010) o suporte para subsidiar uma aprendizagem em Artes Visuais através da consumação. Segundo o filósofo norte-americano, ¿em toda experiência integral (...) há início, desenvolvimento e consumação¿ (DEWEY, 2010, p. 139). Esta consumação não é a conclusão de um trabalho estético-artístico, mas uma possibilidade da emersão de outras experiências. Assim, este trabalho, pautado na filosofia da experiência de John Dewey, confere às Artes Visuais, ou aos Arte/Educadores, a possibilidade de reflexão sobre sua prática docente e, principalmente, sobre o modo como a articulam com sua prática poética.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:19:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DEBORAH.pdf: 2054685 bytes, checksum: 86c1cfff0a2428d9de6939603fea9109 (MD5) Previous issue date: 2008-07-18 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The reappearing of the debate about allegory in the contemporary art may be faced as the return of a reiterated question, although already announced by Walter Benjamin, since then little advanced. In this sense, the artistic production of Caetano de Almeida, in dialogue with other artists` works and theoretical texts, allows that a problematic pertinent to Art History, Theory and Critics, modernizing it, especially in what refers to the nature of image in its relation to temporality. In the more conventional way, a definition of allegory comes such from the philosophy of Plato as from literature, being considered as a figure of speech where is possible to say one thing through another. In art, this is about a notion, attribute or possibility of the work to say another thing to beyond itself, it means, the allegory appears as a resource destined to surpass what presents as the most visible or immediate. To problematize this concept to beyond a simple definition is constituted in a way of proaching the artistic image, not only as what is looked, but also as something that looks and makes to think beyond its evident visibility. This about less proposing axioms and more discussing its reverberations and rebuts, especially onsidering three aspects: the anachrony, the duplication and the visuality. The first one discusses the assembly as procedure present in the works of the series Mundo Plano, considering the actions of fragmentation and juxtaposition, as well as allowing the resignification and constitution of an anachronical cartography of the modern painting history. The second aspect proposes the duplication as an operation that reveals the difference present in the series As Madames and Exposição de Quadros, in which both have as starting point the appropriation of images of the art history, which affirming the reduplication bounce the appraised principles of originality opposed to the ones of repetition as difference. In the last aspect, it is discussed the meat of the painting, it means, the very own constitution of the artistic visuality as an allegory. There are then the vestiges of the artist s search unveiled under the pictorial surface, present question in the exposition Borda, as well as in Adriana Varejão, Nuno Ramos and Dudi Maia Rosa s works. These three aspects allow considering that the work speaks in its own terms, being therefore, creation of a world that points always in two directions, where the allegory allows the speech, such as to an inside from an outside, as from an interior launched to beyond its limits / O reaparecimento do debate sobre a alegoria na arte contemporânea pode ser encarado como retorno de uma questão recalcada, que embora já anunciada por Walter Benjamin, desde então pouco avançou. Neste sentido, a produção artística de Caetano de Almeida, colocada em diálogo com trabalhos de outros artistas e textos teóricos, permite que se retome uma problemática pertinente à História, Teoria e Crítica de arte, atualizando-a, especialmente no que se refere à natureza da imagem e sua relação com a temporalidade. No sentido mais convencional, uma definição de alegoria advém tanto da filosofia de Platão como da literatura, sendo considerada como uma figura de linguagem onde é possível dizer uma coisa através da outra. Na arte, trata-se de uma noção, atributo ou possibilidade da obra dizer outra coisa para além dela mesma, ou seja, a alegoria comparece como recurso destinado a ultrapassar o que apresenta como mais visível ou imediato. Problematizar este conceito para além de uma mera definição, constitui-se num modo de abordar a imagem artística não somente como aquilo que é olhado, mas também como algo que olha e faz pensar para além de sua visibilidade evidente. Trata-se menos de propor axiomas e mais de discutir suas reverberações e rebatimentos, especialmente considerando três aspectos: a anacronia, a duplicação e a visualidade. O primeiro discute a montagem como procedimento presente nos trabalhos da série Mundo Plano, considerando as ações de fragmentação e justaposição, bem como possibilitando a ressignificação e constituição de uma cartografia anacrônica da história da pintura moderna. O segundo aspecto propõe a duplicação como uma operação que revela a diferença presente nas séries As Madames e Exposição de Quadros, sendo que ambas têm como ponto de partida a apropriação de imagens da história da arte, as quais afirmando a reduplicação colocam em xeque os princípios valorativos da originalidade contrapostos aos da repetição como diferença. No último aspecto, discute-se a carne da pintura, ou seja, a própria constituição da visualidade artística como uma alegoria. Têm-se então os vestígios da busca do artista desvelada sob a superfície pictórica, questão presente na exposição Borda, assim como nos trabalhos de Adriana Varejão, Nuno Ramos e Dudi Maia Rosa. Estes três aspectos permitem considerar que a obra fala nos seus próprios termos, sendo portanto, criação de um mundo que aponta sempre em duas direções, onde a alegoria possibilita a fala, tanto para um dentro a partir de um fora, como de um interior lançado para além de seus limites

Made available in DSpace on 2015-05-14T12:39:54Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 2034256 bytes, checksum: d8bccf3acfb6dec55d0e7bb536b9f98d (MD5) Previous issue date: 2008-10-09 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / La rilato inter literaturo kaj pentrarto instigadas filozofojn ekde la helenlatina antikveco. Nuntempe disvolviĝas novaj branĉoj en Semiotiko kun tiu celo. Tiu ĉi esploro baziĝas sur la semiotika teorio de Jean-Marie Floch aŭ, pli precize, sur la adaptiĝo de ties teorio al la brazila kulturo fare de Antonio Vicente Pietroforte. Por esplorobjekto elektiĝis la pentraĵo kaj la poezio de Kaboverdo, celante klarigi la jenan demandon: Ĉu la pentra verko de Kiki Lima rilatiĝas al la historia revuo "Claridade" (Heleco)? La revuo Claridade sumis nur naŭ numerojn (1936 ĝis 1960). Tamen ĉirkaŭ la revuo la verkistoj nomitaj "Claridosos" (heleculoj) diskutadis la kulturan tipologion de Kaboverdo kaj influis la decidon por la sendependigo de tiu lando. Spite al la diktatura reĝimo, la heleculoj publikigis altnivelajn eseojn, fikciajn tekstojn kaj poemojn, kies enhavo fariĝis plensignifa kultura heredaĵo de la popolo de Kaboverdo. Pere de la kultura spegulo de Brazilo la heleculoj konstuis tezon pri la kaboverdana kreoliĝo. Laŭ Manuel Ferreira, la ĉefaj temoj de la revuo Claridade estis la senpluveco kaj la malsato, la migrado kaj la insuleco. La rezisto al la emo elmigri kiel solvo al la persona kaj nacia problemoj oftiĝis en la verkoj de la heleculoj. Kiki Lima (1953), la plej elstara pentristo de Kaboverdo, per sia pentra verko dialogas kun la literaturo de la revuo Claridade. Kun la maturiĝo de lia arta laboro, radikale ŝanĝiĝis lia strategio prezenti la kaboverdan popolon. Anstataŭ montri mizeran scenejon pri sia lando, li decidis prezenti pozitivajn bildojn pri la ĉiutaga vivo de la kaboverdano. Tiu decido pozitivigi la bildon pri Kaboverdo influis lian teknikon pentri. En la matura fazo du ĉefaj koloroj montriĝas sur la ekrano: la cejana kaj la oranĝa. Tiuj koloroj, komplementaj en la paletro, estas absolute kontrastaj inter si. Semiotike vidata, la rolo de la cejana kaj de la oranĝa reprezentas la eksterigon pli profunda dikotomio. Se temas pri la individuo, la genera dikotomia senco estas vivo kaj morto; se temas pri la socia realo, la dikotomia paro estas naturo kaj socio. Oranĝkolora estas la korpo (individuo) kaj la tero (socio); cejana estas la vesto (individuo) kaj la maro (socio). Kiki Lima favoras la rolon de la oranĝa koloro kaj malfavoras la cejanan. Neante la cejanan li neas la maron kaj la veston aŭ, analogie, respektive li neas la migradon kaj la fremdan kulturon. Valorigante la oranĝkoloran inkon li simpatias al la korpo kaj al la tero. Kaj jen la solvo al la emo migri. Tiu semiotika strategio pozitive respondas al la poetiko proponata de la heleculoj. Konklude Kiki Lima intuitive translokigas el la paĝoj de la helecula poezio en la ekranon de la nuntempa pentraĵo la plej gravan kulturan problemon de Kaboverdo, tio estas la elmigremo. Tamen li proponas ĝin solvi ne per negativaj bildoj de la koboverdana loĝantaro, sed per gaja kolora kontrasto inter la cejana kaj la oranĝa. En tiu kolorbatalo la oranĝa sukcesas. La pozitiva sankcio de tiu varma koloro simbolizas la venkon de la kreola kultura. / A relação entre literatura e pintura vem instigando filósofos desde a antiguidade greco-latina. Atualmente desenvolvem-se novos ramos na Semiotiko com esse propósito. Esta pesquisa se baseia sobre a teoria semiótica de Jean-Marie Floch ou, mais precisamente, sobre a adaptação da teoria deste à cultura brasileira feita por Antonio Vicente Pietroforte. Para objeto de pesquisa escolheu-se a pintura e a poesia de Cabo Verde, objetivando-se esclarecer a seguinte questão: A obra pictórica de Kiki Lima relaciona-se com a histórica revista Claridade? A revista Claridade somou apenas nove números (1936 até 1960). No entanto, em torno da revista os escritores chamados "Claridosos" discutiram a tipologia cultural de Cabo Verde e influíram na decisão pela independência desse país. Apesar do regime ditatorial, os claridosos publicaram ensaios de alto nível, textos ficcionai e poemas, cujo conteúdo se tornou uma herança plena de significados para o povo de Cabo Verde. Atravé do espelho cultural do Brasil, os claridosos construíram uma tese sobre a criolização cabo-verdiana. Segundo Manuel Ferreira, os principais temas da revista Claridade eram a seca e a fome, a migração e a insularidade. A resistência à tendência de emigrar como solução para os problemas pessoais e nacionais eram recorrentes nos trabalhos dos claridosos. Kiki Lima (1953), o mais importante pintor de Cabo Verde, dialoga em sua pintura com a literatura da revista Claridade. Com a maturidade de seu trabalho artístico, mudou radicalmente sua estratégia de apresentaro povo cabo-verdiano. No lugar de mostrar um cenário miserável de seu país, ele decidiu apresentar imagens positivas da vida cotidiana do cabo-verdiano. Essa decisão de positivar a imagem de Cabo Verde influiu-lhe a técnica de pintar. Em sua fase madura, duas cores principais mostram-se sobre a tela: o azul-ciã e o laranja. Essas cores, complementares na paleta, são absolutamente contrárias entre si. Semioticamente visto, o papel do ciã e do laranja representa a exteriorização de um dicotomia mais profunda. Em se tratando do indivíduo, a dicotomia do sentido gerativo do sentido é a vida e a morte; se se tratada da relação social, o par dicotômico é a natureza e a cultura. Laranja é o corpo (indivíduo) e a terra (sociedade); ciã é a roupa (indivíduo) e o mar (sociedade). Kiki Lima favorece o papel da cor laranja e desfavorece o ciã. Negando o ciã, ele nega o mar e a roupa ou, por analogia, respectivamente ele nega a migração e a cultura estrangeira. Valorizando a tinta de cor laranja, ele se identifica com o corpo e a terra. E eis a solução para a tendência de migrar. Essa estratégia semiótica reponde positivamente à poética proposta pelos claridosos. Em conclusão, Kiki Lima intuitivamente transfere das páginas da poesia claridosa para a tela da pintura contemporânea o mais importante problema cultural de Cabo Verde, ou seja, a tendência para a emigração. Contudo, ele se propõe solucioná-lo não por imagens negativas da população cabo-verdiana, mas por um alegre contraste entre o ciã e o laranja. Nessa batalha de cores, vence o laranja. A sanção positiva dessa cor quente simboliza a vitória da cultura criola

Submitted by TALITA GABRIELA ROBLES ESQUIVEL null (esquivel.talita@gmail.com) on 2017-07-24T18:11:59Z No. of bitstreams: 1 Texturas do estranho - tese - Talita Esquivel.pdf: 8588940 bytes, checksum: ed0471262b3dcf21eb94a2c5a6239800 (MD5) / Approved for entry into archive by Luiz Galeffi (luizgaleffi@gmail.com) on 2017-07-26T14:46:29Z (GMT) No. of bitstreams: 1 esquivel_tgr_dr_ia.pdf: 8588940 bytes, checksum: ed0471262b3dcf21eb94a2c5a6239800 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-07-26T14:46:29Z (GMT). No. of bitstreams: 1 esquivel_tgr_dr_ia.pdf: 8588940 bytes, checksum: ed0471262b3dcf21eb94a2c5a6239800 (MD5) Previous issue date: 2017-05-25 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / A presente pesquisa de doutorado propõe uma investigação plástica em pintura circundada pelo conceito de unheimlich (estranho) de Sigmund Freud. É realizada em duas partes, produção escrita e plástica, que sofrem influência uma da outra durante os seus processos. O conceito da psicanálise parte aqui das artes plásticas. A intenção foi de vivenciar e conviver com o estranho durante o processo criativo e, dessa forma, compreendê-lo a partir do ponto de vista do processo artístico. Isso não significa necessariamente que será identificado no trabalho final, em sua impressão, pois primeiramente o estranho não está na imagem, mas no próprio indivíduo, é o que causa estranheza particularmente em cada um. Assim, procurei identificar o que seria estranho para mim, uma busca quase impossível, na maioria das vezes, já que o estranho possui um elemento familiar que não pode ser identificado, o que o confunde muitas vezes com o puramente assustador. O conceito e fenômeno do estranho, em diversos momentos, também se confundiram durante o processo de pesquisa, por ter sido possível percebê-lo sem senti-lo. Buscaram-se analogias e outras formas de se distinguir o estranho do assustador, em outros caráteres e impressões que se aproximem do estranho, mas o que parece ser seu principal caráter é justamente a impossibilidade de descrição, de reconhecimento e de entendimento. São utilizados textos de Freud e de outros autores relacionados ao estranho e às artes, buscando construir ferramentas de apoio para refletir sobre o meu próprio processo artístico. / My PhD research proposes an artistic investigation in painting surrounded by Sigmund Freud's concept of unheimlich (uncanny). It is conducted in two parts, the writing and the art production, which are influencing each other during their processes. The psychoanalytic concept starts here from the visual art. The intention was to experience and live together with the uncanny throughout the creative process and, this way, understand it from the point of view of the artistic process. That not necessarily means it can be identified in the final work, in its impression, also because, at first, the uncanny is not in the image, but inside the viewer, it is what causes the uncanniness, or strangeness, particularly in each one. Thus, I tried to identify what would be uncanny to me, a search, which is almost impossible most of the time, as the uncanny has the familiar element that is not recognizable, which often confuses it with what is purely terrifying. The uncanny concept and phenomenon also got confused during the research process, as it was possible to perceive it without feeling it. It was sought analogies and other forms of distinguishing the uncanny and the terrifying, in other characters and impressions which get close to the uncanny, however, what seems to be its main character is exactly the impossibility of description, recognition, understanding. It is used texts written by Freud and other authors related to the uncanny and to the art, seeking to build tools to make a reflection about my own artistic process.

Submitted by Karin Yngrid Schmitt null (karinyschmitt@gmail.com) on 2017-08-12T19:11:14Z No. of bitstreams: 1 Dissertação - Karin Yngrid Schmitt (repositório).pdf: 53305389 bytes, checksum: cfb903a0529944ec60eadfa8fb4b7202 (MD5) / Approved for entry into archive by LUIZA DE MENEZES ROMANETTO (luizamenezes@reitoria.unesp.br) on 2017-08-16T14:08:20Z (GMT) No. of bitstreams: 1 schmitt_ky_me_ia.pdf: 53305389 bytes, checksum: cfb903a0529944ec60eadfa8fb4b7202 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-08-16T14:08:20Z (GMT). No. of bitstreams: 1 schmitt_ky_me_ia.pdf: 53305389 bytes, checksum: cfb903a0529944ec60eadfa8fb4b7202 (MD5) Previous issue date: 2017-07-12 / Esta pesquisa surge da reflexão sobre meu processo artístico em pintura digital. As características desta prática geraram questionamentos sobre o uso de dispositivos tecnológicos na criação artística, sobre arte híbrida e seus paradigmas estéticos e sobre as problemáticas de definição de meio na arte. A partir dessas investigações, senti a necessidade de realizar uma introspecção. Voltei-me, portanto, à prática do autorretrato e criei uma série de pinturas exclusivamente no software Photoshop, procurando compreender de que forma o meu processo criativo pode ser comparado às idéias já existentes sobre esse tipo de produção. Este processo prático gerou novas reflexões em torno da minha poética, da possibilidade de experimentações em mídias digitais, da abertura do processo criativo e de como a percepção que temos sobre nossa identidade é alterada pelo uso das mídias digitais. / This research comes from the reflection on my artistic process in digital painting. The characteristics of this practice have raised questions about the use of technological devices in artistic creation, on hybrid art and its aesthetic paradigms, and on the problem of the definition of medium in art. From these investigations, I felt the need to perform an introspection. I turned, therefore, to the practice of self-portrait and created a series of paintings exclusively in Photoshop, trying to understand how my creative process can be compared to the existing ideas about this kind of production. This practical process generated new reflections on my poetics, on the possibility of experimentation in digital media, on the opening of the creative process and on how our perception of our identity is altered by the use of digital media.

Orientador: Omar Khouri / Banca: José Leonardo do Nascimento / Banca: Cibele Elisa Viegas Aldrovandi / Resumo: O presente estudo intenta apresentar os princípios básicos, históricos e processuais, da pintura tradicional tibetana, thangka. Tal objetivo se justifica pela escassez de estudos em língua portuguesa sobre o assunto. Ainda que seja perceptível nos tempos atuais uma expansão dos estudos asiáticos no Brasil, em confluência com uma crescente aproximação e interesse pela cultura oriental na contemporaneidade; esta pesquisa, por meio de estudo de campo, levantamento bibliográfico e histórico, busca a investigação e exposição do profundo e específico âmbito do simbólico, sagrado e tradicional na pintura tibetana. Acreditando que o reconhecimento das artes e teorias estéticas não eurocêntricas corroboram a cognição e produção da inestimável diversidade cultural humana. / Abstract: The following study intends to present the basic, historical and procedural principles of the traditional Tibetan painting, thangka. This objective is justified by the lack of studies in Portuguese on the subject. Although it is noticeable nowadays an expansion of Asian studies in Brazil, in confluence with a growing approach and interest in Eastern culture in contemporary society; this dissertation, by field research, literature and history, wishes to investigate, explain and expose the deep and specific scope of the symbolic, sacred and traditional in Tibetan painting. Believing that the recognition of the arts and non eurocentric aesthetic theories corroborate the cognition and production of the invaluable human cultural diversity. / Mestre