Esta pesquisa investiga a pessoalidade poética em Fernando Pessoa. A base do estudo é a estética da formatividade de Luigi Pareyson, da qual extraímos as principais categorias concernentes à hermenêutica literária. É uma investigação interdisciplinar, no tocante a seu arcabouço estético e literário, mas se trata inequivocamente de uma tese sobre literatura, pois a temática filosófica que é transversal ao todo da pesquisa esclarece e interpreta a pluralidade de poemas de Pessoa, em todos os tópicos da pesquisa, sem sustentar uma ideia ou a defesa de um ponto de vista específico. A pessoalidade é a noção estética segundo a qual toda a produção artística passa pela mediação ativa e criadora da pessoa, e isso é se aplica também ao esforço de despersonalização da arte. Não é por acaso que Pessoa rejeita a poética romântica, confessional: seu modo modernista de gerar poemas necessita de uma poética plural que, necessariamente, é sincera ou é representada como um fragmento, em cada heterônimo engendrado à maneira de um holograma de sua personalidade. E nisso mostra-se uma contradição: não se trata de personalidade, como, aliás, a maior parte dos críticos o registra, mas de personalidades (plural, portanto) que, remetidas ao seu criador, no ato poético, redundam na pessoalidade poética. O heterônimo Álvaro de Campos exprime poeticamente a pessoalidade inerente ao projeto pessoano: O que é fazer versos senão confessar que a vida não basta? (PC, Berardinelli, 86), denotando o cerne existencial e personal de qualquer projeto que envolve uma autoria. Em termos teóricos, a pessoalidade na impessoalidade, consequência da historicidade de todo fazer humano, é a compreensão de que quaisquer propósitos, ainda que deliberadamente objetivos, são sempre regulados uma pessoa que os concebe. Não menosprezamos a função pedagógica dos estudos literários, e por isso demonstramos, interpretativamente, que a literatura é imprescindível para a formação da personalidade humana: unicamente através dos caminhos críticos e estéticos é possível a Educação atender aos desafios contemporâneos. / This research investigates the poetic personality in Fernando Pessoa. The basis of the study is the aesthetics of formativeness of Luigi Pareyson, from which we draw the main categories concerning the literary hermeneutics. It is an interdisciplinary research, with regard to its aesthetic and literary framework, but it is clearly a thesis on literature, because the philosophical theme that cuts across the whole of research clarifies and interprets the plurality of individual poems in all topics of the research, without sustaining an idea or defense of a specific point of view. The personality is the aesthetic notion that all artistic production passes through the active and creative mediation of a person, and we apply this to depersonalization effort of authors. It is no coincidence that Pessoa rejects the romantic and confessional poetry: his modernist way of generating poems needs a plural poetic that necessarily is sincere or is represented as a fragment in each heteronym engendered in the manner of a hologram of his personality. In addition, it appears to be a contradiction: there is not a personality, as indeed most of the critical records, but personalities (plural, therefore), related to its creator, then the poetic act become poetic personality. The heteronym Álvaro de Campos poetically expresses the personality inherent in the Pessoas aim: \"What is do verses but to confess that life is not enough?\" (PC, Berardinelli, 86), denoting the existential and personal core of any project that involves \"authorship\". In theoretical terms, the personality in impersonality (a result of the historicity of all human doing is the understanding that any purpose, even deliberately objectives), have always a person who conceives them. Do not underestimate the pedagogical function of literary studies, and so demonstrate, interpretively, that literature is essential for the formation of human personality: only through the critical and aesthetic ways can the Education meet contemporary challenges.

Submitted by admin tede (tede@pucgoias.edu.br) on 2018-04-11T17:23:55Z No. of bitstreams: 1 JOSÉ DONIZETE FRAGA.pdf: 875290 bytes, checksum: 3b6860a5791718cc3b4d6d196ab6eade (MD5) / Made available in DSpace on 2018-04-11T17:23:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 JOSÉ DONIZETE FRAGA.pdf: 875290 bytes, checksum: 3b6860a5791718cc3b4d6d196ab6eade (MD5) Previous issue date: 2018-02-20 / This dissertation aims at the study of dissonance as one of the characters forming the poetics of Fyodor Dostoevsky in the corpus The Brothers Karamazov. Its internal structure is based on the dialogue between the aesthetic definition of the literary work of art, its reception and aesthetic effect and the correlation with the Dostoevskian work. It proposes a hermeneutic and phenomenological approach, with the theoretical support of Edmund Husserl and assisted by Maurice Merleau-Ponty, Mikel Dufrenne and Hans- Georg Gadamer. An analysis of his poetics is also made in the light of aesthetic reception and effect, with the theoretical support of Hans Robert Jauss and other researchers of the reception aesthetics, Wolfgang Iser, Hans Ulrich Gumbrecht and Karlheinz Stierle. The dissonant bias is addressed in the thematic composition of the work, in the structure of the characters and in the internal economy of the narrative. There are several critical looks on the work, highlighting Mikhail Bakhtin, Joseph Frank, Luiz Felipe Pondé and Luigi Pareyson. / Esta dissertação tem como objetivo o estudo da dissonância como um dos caracteres formadores da poética de Fiódor Dostoiévski, na obra corpus Os Irmãos Karamázov. Sua estruturação interna baseia-se na dialogia entre a definição estética da obra de arte literária, sua recepção e efeito estéticos e a correlação com a obra dostoievskiana. Propõe-se uma abordagem hermenêutica e fenomenológica, com amparo teórico de Edmund Husserl e coadjuvado por Maurice Merleau-Ponty, Mikel Dufrenne e Hans- Georg Gadamer. Faz-se também uma análise de sua poética à luz da recepção e do efeito estéticos, com o suporte teórico de Hans Robert Jauss e demais pesquisadores da estética da recepção, Wolfgang Iser, Hans Ulrich Gumbrecht e Karlheinz Stierle. Aborda-se o viés dissonante na composição temática da obra, na estruturação dos personagens e na economia interna da narrativa. Expõem-se vários olhares críticos sobre a obra, destacando-se Mikhail Bakhtin, Joseph Frank, Luiz Felipe Pondé e Luigi Pareyson.

Submitted by Nathalya Silva (nathyjf033@gmail.com) on 2017-06-06T18:02:12Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_DialogosLuzArtista.pdf: 4040340 bytes, checksum: c54f07d68424dfdfec151b045d65b32e (MD5) / Approved for entry into archive by Edisangela Bastos (edisangela@ufpa.br) on 2017-06-09T16:23:28Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_DialogosLuzArtista.pdf: 4040340 bytes, checksum: c54f07d68424dfdfec151b045d65b32e (MD5) / Made available in DSpace on 2017-06-09T16:23:28Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_DialogosLuzArtista.pdf: 4040340 bytes, checksum: c54f07d68424dfdfec151b045d65b32e (MD5) Previous issue date: 2016-12-19 / Esta pesquisa, desenvolvida no curso de Mestrado em Artes do PPGARTES/UFPA, compreende o trajeto criativo da autora, artista-iluminadora-pesquisadora. A proposta trata da importância da iluminação cênica como linguagem e perpassa a inquietação que parte de experiências da autora como bailarina e desemboca em seu processo artístico como iluminadora, observadora e coparticipante da cena, fazendo um apanhado teórico sobre a função expressiva, estética identificadas na iluminação cênica e os atos performativos imbricados no fazer artístico do iluminador. Partindo de experimentações da artista, aprofundando exercícios vivenciados nas disciplinas do mestrado, a autora propõe o esboço de um dispositivo metodológico, na significação de uma poética como programa de arte, denominando assim como a Poética dos Elementos a partir da associação dos elementos na natureza (água, terra, ar, fogo e éter) com os aportes teóricos que embasam o estudo, quais sejam: a visibilidade, de Calvino; pelo “pensar por imagens” com os arquétipos de elementos da natureza propostos por Bachelard e a ideologia de Trajeto Criativo, de Sônia Rangel. A dissertação apresenta como proposição para a criação em iluminação cênica, a estratégia deste dispositivo metodológico, que está diretamente relacionada com a operacionalização do processo criativo, sendo apontadas aí as ações performáticas do fazer artístico, antes da performance do iluminador cênico. / This research, developed in the course of Master of Arts of PPGARTES / UFPA, comprises the creative path of the author, artist-illuminator-researcher. The proposal deals with the importance of stage lighting as a language and it goes through the restlessness that starts from the author 's experiences as a dancer and ends in her artistic process as an illuminator, observer and coparticipante of the scene, making a theoretical collection about the expressive function, aesthetics identified in enlightenment and the performative acts imbricated in the artistic making of the illuminator. The author proposes the outline of a methodological device, in the meaning of a poetics as an art program, thus calling the Poetics of the Elements from the association of elements in nature Water, earth, air, fire and ether) with the theoretical contributions that support the study, namely: visibility, by Calvin; By "thinking for images" with the archetypes of elements of nature proposed by Bachelard and the ideology of Creative Path, by Sônia Rangel. The dissertation presents as a proposition for the creation in scenic lighting, the strategy of this methodological device, which is directly related to the operationalization of the creative process, being pointed there the performance actions of artistic making, before the performance of the scenic illuminator.

O propósito deste trabalho é lançar um olhar sobre os caminhos estéticos traçados pelo poeta Manoel de Barros em seu livro Tratado geral das grandezas do ínfimo, procurando demonstrar como se articulam as duas macro-relações que regem os poemas: (a) a dialética entre o ínfimo e o grandioso, e (b) a dialética entre o passado e o presente sendo a figura humana o elemento de ligação entre todas estas vertentes, num movimento cósmico que liga céu e terra, a infância e o momento atual, e os reinos animal, vegetal e mineral, como manifestações do devir da vida humana por meio da palavra. Feitas estas considerações, desenvolvidas as análises, comprovadas as hipóteses, talvez se possa chegar a um patamar interpretativo a respeito dos fundamentos que nortearam o autor na elaboração desta obra-tratado, no que diz respeito às tendências poéticas que trilhou, em consonância com algumas tendências vigentes neste começo de século XXI, sem perder de vista o diálogo aberto pelo artista, avivando relações entre cultura, arte e sociedade. / study aims at looking at the aesthetic paths traced by the poet Manoel de Barros in his book Tratado geral das grandezas do ínfimo, in order to demonstrate the relationship between both macro-relations governing the poems: (a) the dialectic between the negligible and the great, and (b) the dialectic between past and present being the human presence the key link among all these aspects in a cosmic movement connecting Heaven and Earth, childhood and present time, and the kingdoms of animal, plant and mineral, as manifestations of the becoming of human life through word. That being said, and after the development of the analysis and the confirmation of the hypotheses, we may reach a level of interpretation about the fundamentals that guided the author in the creation of his work-treaty, considering poetic trends he chose in consonance with some of the poetic trends from the early twenty-first century, also pondering over the dialogue started by the artist reviving the relationship among culture, art and society.

Esta pesquisa trata dos processos que envolvem a experiência performática e os fluxos entre memória, resistência e criação no âmbito do entrecruzamento de culturas. Parte-se da instauração de interlocuções no contexto das aldeias indígenas Guarani da capital de São Paulo que, apesar das dinâmicas de contato com a metrópole, ainda mantêm vivos seu idioma e práticas ritualísticas tradicionais. O eixo de reflexão se volta para a percepção de possíveis fricções, intersecções e contaminações poéticas deflagradas neste contato. Performance é aqui compreendida com ênfase na experiência, como campo relacional. Ritual e Arte, e seus respectivos meios e processos, aproximados pela perspectiva da experiência liminar proposta por Victor Turner, são postos em deslocamento numa ruptura entre as fronteiras de distintos gêneros de performance cultural. À luz dos Estudos da Performance e da Antropologia da Performance é sugerida uma apreensão do intervalo entre culturas distintas, como um entre-lugar potencialmente transformador, gerador de novos sentidos. / This research deals with the processes which involve the performatic experience and flows between memory, resistance and creation within the crossing of cultures. It starts with the establishment of dialogues in the context of Guarani Indian villages from the capital of Sao Paulo that, despite the dynamic contact with the metropolis, still keep alive their language and traditional ritual practices. The axis of reflection goes to the perception of possible intersections and poetic contamination deflagrated in intercultural contact. Performance is understood here with emphasis on experience, as a relational field in the proposition of the meeting with the -other culturally different?. Ritual and Art, and their respective environments and processes, approximated by the perspective of liminal experience, proposed by Victor Turner, are put on the move on a rupture between the boundaries of different kinds of cultural performance. In light of Performance Studies and Anthropology of Performance is suggested an apprehension of interval between different cultures, as a potentially transformative in-between place, generating new meanings.

A partir da obra poética de Saint-Denys Garneau, em seu livro Regards et jeux dans lespace, faremos uma abordagem de sua poesia com o intuito de apresentar a tradução de alguns de seus poemas mais importantes. No decorrer desse trabalho, a presente dissertação visa introduzir o poeta e sua obra, mostrando os aspectos mais relevantes de seu fazer poético, além de dar vistas a tradução de alguns de seus poemas sob a ótica da abordagem tradutória de Mário Laranjeira. / Based on the poetry of Saint-Denys Garneau, in his book Regards et jeux dans l\'espace, we will approach the authors poetic specifically to present the translation of some os his most important poems. This dissertation aims to introducing the poet and his work to the reader, showing the most relevant aspects of his poetic, executing the translation of some of his poems from the perspective of Mario Laranjeiras translation theory.

Esta pesquisa surgiu do anseio de ampliar a presença da poesia de Umberto Saba no Brasil. Decidimos, por isso, selecionar e traduzir alguns de seus poemas, usando como critério de escolha o estudo da obra poética do triestino a partir da abordagem mais frequente: a relação entre o sujeito lírico e a cidade de Trieste. Escolhemos esse recorte porque acreditamos que ele possibilita fornecer uma visão abrangente da obra do autor, haja vista que, a partir dessa relação, muitas outras questões importantes para a compreensão de sua poesia podem ser estudadas, em especial aquelas questões engendradas no que denominamos de poética da vida. Com a expressão poética da vida, buscamos evidenciar uma tendência perceptível na poesia de Saba: a abertura para o que ele denomina de calda vita (vida quente), a vida percebida em toda a sua variedade, incluindo os momentos de dor e sofrimento. Nesse percurso, estudamos a relação sujeito/cidade tendo como norte a interpenetração entre a interioridade do sujeito e a matéria do mundo e, a partir daí, estabelecemos a comparação entre alguns traços da poética de Saba e de Baudelaire, mas também de Pascoli, Leopardi e dos Crepusculares. Tratamos também da temática do olhar, do desejo, das pulsões e da memória, as quais perpassam a relação sujeito/cidade. Abordamos ainda os principais aspectos formais que caracterizam a poesia do triestino, como, entre outros, a narratividade e o prosaísmo, os quais estão ligados ao que a crítica denomina realismo de Saba (a representação de cenas, fatos e personagens do cotidiano). / This research arose out of the will of spreading the presence of Umberto Sabas poetry in Brazil. We decided, thus, to select and translate some of his poems, using as a choice criterion the study of the poetical work of the italian poet out of the most frequent approach: the relation between his poetic persona and the city of Trieste. We have chosen this framing because we believe it enables a more embracing view of the work of the writer, since, from that relation, we can study many other important questions that may guide us to the comprehension of his poetry, specially those questions engendered in what we name here poetic of the life. With the expression poetic of the life, we seek to make a trend in Sabas poetry more evident: the openness to what he calls calda vita (warm life), the life realized in all its variety, including those moments of suffer and pain. In such path, we study the relation subject/city having as a north the interrelationship between the inner subject and the world matter, and from then, we establish a comparison among some features of Sabas and Baudelaires poetry, but also Pascolis, Leopardis and the Crepusculares. We also talk about the theme of the visual sense, of the desire, drives and memory, which are intertwined in the relation self/city. We talk, moreover, about the main formal aspects that characterize the poetry of the Italian, as, among others, the narrativity and the prosaicism, which are connected to what the critics call Sabas realism (the representation of scenes, facts and daily characters.)

Sérgio Rebello Abreu e seu irmão Eduardo Abreu se notabilizaram como dois dos maiores violonistas em atividade nos anos 60-70. A carreira do duo se interrompeu em aproximadamente 1975 e Sérgio Abreu prosseguiu como solista e camerista até 1981. O impacto que eles causaram no meio musical permanece até hoje, mas sua contribuição não foi analisada sistematicamente. Este trabalho, portanto, versa sobre a herança histórica de Sérgio Abreu, que trabalhou por mais tempo com o violão e era o encarregado das transcrições tocadas pelo Duo, através de suas transcrições e gravações. A fim de contextualizar a transcrição no panorama da história do violão, visitamos a história da transcrição no contexto do desenvolvimento do instrumento desde o Renascimento até o Classicismo, a partir de onde detalhamos mais a análise histórica, e deste ao século XX. Esse panorama procura construir o discurso da reabilitação da prática da transcrição como procedimento válido artisticamente, desde que devidamente contextualizado. Procura, no duplo contexto da história das transcrições e da herança histórico-poética, demonstrar em que elementos musicais se encontram as referências poético-musicais que confluem para o trabalho do Duo Abreu, a saber, Miguel Llobet, Emílio Pujol, Andrés Segovia e Monina Távora. A partir de uma análise de algumas de suas transcrições e de suas gravações, tenta-se recompor a inteligibilidade da poética musical na qual se modelaram as interpretações do Duo Abreu, relacionando para isso a idéia de historicidade com o processo de produção musical, da maneira como nos foi compreendida pelas leituras de Pareyson (Os problemas da estética) e Heidegger (A origem da obra de arte). Discute também a relação entre a reflexão acadêmica e a práxis artística, procurando e sugerindo caminhos, através da análise das transcrições e do legado fonográfico de Sérgio e Eduardo Abreu, para uma superação dessa dicotomia e para o pensamento de uma integração entre as esferas de trabalho dessas duas instâncias. / Sérgio Rebello Abreu and his brother Eduardo Abreu became famous as the two greatest guitarists in activity in the 60 and 70s. Their dual career came to an end around 1975 and Sérgio Abreu went on as a soloist and chamberist up until 1998. Their impact on the musical scene has remained to these days but their contribution has not been systematically analysed. This paper is about Sérgio Abreus legacy, which worked more time in music and had the responsibility of transcriptions and the repertoire, through his transcriptions and recordings. In order to contextualize transcription in the framework of the guitars history, we revisit the history of transcription throughout the development of this instrument from the Renaissance to the Classical Era and from then to the twentieth century. This overview tries to construct the speech for the rehabilitation of the practice of transcription as an artistically valid art procedure, granted that it is duly contextualized. In the context of the history of transcriptions, this overview points out the musical elements on which the poetical-musical references of the Abreu Duo are based, that is, Miguel Llobet, Emílio Pujol, Andrés Segovia and Monina Távora. Based on the analysis of some of their transcriptions and recordings, this paper tries to reconstruct the intelligibleness of the musical poetry on which the Abreu Duos interpretations were modeled by relating the idea of historicity to the process of musical production, according to the teachings of Pareyson (Os problemas da estética) and Heidegger (A origem da obra de arte). Through the analysis of Sérgio and Eduardo Abreus transcriptions and phonographic legacy, this paper also discusses the relationship between academic thinking and the art praxis, searching for and suggesting ways to overcome this dichotomy and integrate the work of these two areas.

Esta tesis reflexiona sobre la dimensión crítica del trailer cinematográfico enmarcado en una lógica cultural del capitalismo en cuyo seno, como fórmula de fragmentación, compresión y seducción, puede ser leído como una expresión radicalizada de la sociedad contemporánea optimizada por los medios de comunicación. Para ello, y con el fin de analizar su incidencia social, se relacionan el trailer y las representaciones sociales con el objetivo de indagar sobre la dimensión imaginaria del lenguaje verbal y no-verbal para acceder a su dimensión instituyente que normaliza, naturaliza y legitima los imaginarios. Para ello, se analiza la metáfora como un elemento concreto del lenguaje artístico y también publicitario, observando las estrategias y los conflictos de los sujetos que la construyen o utilizan. En este caso, se analizan diez trailers de películas de cine de temáticas medioambientales, de distintas épocas, para conocer las metáforas poéticas que nos permiten acceder a los imaginarios ecologistas a los que hacen referencia. Un proceso que frente al contexto de vértigo, velocidad y seducción al que el trailer está sometido, se caracteriza por la potenciación de la metáfora poética con el fin de establecer el tema. Este proceso puede ser leído como una estrategia creativa que busca impactar e involucrar al espectador mediante una nueva inteligibilidad acerca del tema del film, que entre otras experiencias también contribuye a la fluidez y direccionamiento del proceso interpretativo.

Mi investigación se orienta a mostrar de qué manera la noción de mímesis trágica de Aristóteles podría enmarcarse en una lectura que despliegue su dimensión ética y política, atendiendo a su estrecha relación con la práxis y el lógos, más allá de los “silencios” de la <i>Poética</i> al respecto. En tal sentido, afirmo que esta obra, dedicada a la mímesis trágica, no sólo es un tratado sobre la poética, en términos técnicos, sino también una “puerta abierta” hacia una problemática ético-política más amplia, derivada de la propia situación histórica en la que se ubica el estagirita y signada por una crisis particular del hombre y lo político. Mi interpretación es que el énfasis aristotélico por la generación de “buenas tragedias”, y el tono normativo que, en general, tienen sus consideraciones sobre la poética, podrían ser leídos como la búsqueda de una vía de resolución de dicha crisis. Así, la mímesis trágica posibilitaría, por un lado, la conformación de una comunidad política gracias al espectáculo, a la manera de “poner ante los ojos” complejas cuestiones morales y políticas y, por otro, la ejercitación de la prudencia y la deliberación como principales herramientas prácticas para la vida en la pólis. De esta manera, podría verse en la mímesis trágica un aporte que, desde el ámbito del arte, permitiría reflexionar en torno a la fragilidad de la acción, en sus dimensiones tanto éticas como políticas. En el contexto contemporáneo, signado por una crisis del hombre y de la experiencia del mundo, la mímesis vuelve a aparecer en las más variadas discusiones. Autores como Walter Benjamin, Paul Ricoeur, Hannah Arendt, Philippe Lacoue-Labarthe, entre otros, recurren a la noción de mímesis, desde distintas perspectivas teóricas, para revisar los problemas que plantean la acción humana y su representación. En las conclusiones, me refiero en particular a la reapropiación de Arendt y Ricoeur, por considerar que en sus lecturas explotan los “silencios” de Aristóteles y, al hacerlo, dan un nuevo sentido ético y político a la mímesis.