L'objectif de cette thèse était d'étudier la modalité auditive dans le syndrome de négligence spatiale unilatérale (NSU) que ce soit dans l'évaluation ou dans la prise en charge. Notre première hypothèse défendue était que, bien que la NSU touche aussi la modalité auditive, des différences dues aux spécificités de chaque modalité existent entre les symptômes auditifs et visuels de ce syndrome neuropsychologique. En conséquence, notre seconde hypothèse était que les spécificités propres à la modalité auditive pourraient permettre de pallier les déficits attentionnels rencontrés en modalité visuelle et, donc, faire de cette modalité un support efficace pour la rééducation. Concernant l'évaluation des symptômes auditifs, les mécanismes d'orientation de l'attention en modalité auditive ainsi que la latéralisation de sons ont été explorés chez des patients atteints de NSU. Ces études ont souligné des difficultés dans les deux domaines dans la NSU. Concernant la réhabilitation, la place de l'audition, et plus particulièrement de la musique, dans les rééducations proposées aux patients atteints de NSU a été explorée. Enfin, un programme de rééducation basé sur la pratique musicale a été créé et testé auprès d'une patiente atteinte de NSU chronique. Celui-ci a montré des bénéfices à long-terme sur les signes visuels de la NSU mais également dans la vie quotidienne. Les résultats de ces études vont dans le sens des hypothèses et soulignent l'importance de prendre en compte la modalité auditive dans la pratique clinique que ce soit lors de l'évaluation du syndrome de NSU ou lors de sa réhabilitation. / The aim of this thesis was to focus on hearing in the evaluation and the rehabilitation of unilateral spatial neglect (USN) syndrome. USN not only affects the visual, but also the auditory modality. The first hypothesis of this thesis was that, due to the specificities of each modality, differences exist between the auditory and visual symptoms of USN. Consequently, the second hypothesis was that the specificities of the auditory modality could permit to compensate the attentional deficits that occur in the visual modality and, thus, make this modality an efficient tool for the rehabilitation. Concerning the evaluation of the auditory symptoms, orienting attention mechanisms in the auditory modality as well as sound lateralisation were explored with patients with USN. These studies showed patients with USN to have difficulties in both. Concerning the rehabilitation, the place of hearing, and in particular of music, in the re-educations in patients with USN was explored. Finally, a program based on music practice was developed and tested with a patient with a chronic USN. This patient showed long-term benefits on USN visual signs and also on daily activities. The results of these studies are consistent with the hypotheses and underline the importance of considering hearing in clinical practice either for the USN evaluation or for its rehabilitation.

Le nombre croissant d'appareils de diffusion de contenus audio pose le problème de partager le même espace physique sans partager lemême espace sonore. Les Sound Zones rendent possible la reproduction de programmes audio indépendants et spatialement séparés, àpartir d'un ensemble de haut-parleurs et de méthodes de reproduction de champs sonores. Le problème est alors décomposé en deuxzones : la Bright zone, où le contenu doit être reproduit et la Dark zone, où il doit être annulé. De nombreuses méthodes existent pourrésoudre ce problème, mais la plupart ne traite que le cas d'auditeurs en position statique. Elles s'appuient sur la résolution directe desméthodes d'optimisation adaptative, telle que la méthode de Pressure Matching (PM). Or, pour des utilisateurs en mouvement, cesméthodes ont un coût de calcul trop élevé, rendant impossible leur application à un problème dynamique. Le but de cette thèse est dedévelopper une solution présentant une complexité compatible avec un contrôle dynamique des Sound Zones, tout en conservant lesperformances des méthodes conventionnelles. Sous l'hypothèse que les déplacements sont lents, une résolution itérative du problème PMest proposée et évaluée. Les algorithmes LMS, NLMS et APA sont comparés sur la base de simulations en champ libre. La méthode LMSs'avère la plus avantageuse en termes de complexité, mais elle souffre d'une erreur de reproduction. Un effet mémoire limitant la réactivitédes algorithmes est aussi mis en évidence. Il est corrigé en implémentant une variante introduisant un facteur d'oubli (Variable LeakyLMS ou VLLMS). / The growing number of audio devices raises the problem of sharing the same physical space without sharing the same sound space. SoundZones make it possible to play independent and spatially separated audio programs by loudspeaker array in combination with sound fieldreproduction methods. The problem is then split into two zones: the Bright zone, where the audio content must be reproduced and theDark zone, where it must be cancelled. There are many methods available to solve this problem, but most only deal with auditors in astatic position. They are based on the direct resolution of adaptive optimization methods, such as the Pressure Matching (PM) method.However, for moving users, these methods have a too high computation cost, making it impossible to apply them to a dynamic problem.The aim of this thesis is to develop a solution offering a level of complexity compatible with a dynamic control of Sound Zones, whilemaintening the performance of conventional methods. Under the assumption that displacements are slow, an iterative resolution of the PMproblem is proposed and assessed. The LMS, NLMS and APA algorithms are compared on the basis of free field simulations. The LMSmethod is the most advantageous in terms of complexity, but it suffers from a reproduction error. A memory effect limiting the reactivityof the algorithms is also highlighted. It is corrected by implementing a leaky variant (Variable Leaky LMS or VLLMS) introducing aforgetting factor.

La synthèse pour par modèles physiques propose une approche à de la création musicale alternative à de celui celle plus habituelle du traitement du signal. En prenant en considération le phénomène musical comme un unicum émergeant de l'interaction entre le musicien et les instruments à sa disposition, on expérimente et donne corps phénoménologique et sensible aux actions créatrices.En ne considérant pas comme entités distinctes la matière sonore et la structure musicale, on oriente les potentialités de l'ordinateur et crée une dialectique originale et féconde entre le formel (structurel) et le perceptif (cognitif).Le champ d'action envisagé dans cette thèse concerne le développement, la formalisation et la catégorisation des modèles physiques réalisés à l’aide du formalisme CORDIS-ANIMA de structures - créées par modélisation physique - utiles pour la composition musicale, dans la perspective de mettre en évidence la fonction de formalisation musicale associée portée au par ce paradigme. de simulation par modèle physique CORDIS-ANIMA.Le point de départ est ma pratique personnelle de près de 20 années, en tant que compositeur, avec le logiciel de création sonore GENESIS du laboratoire ACROE-ICA. Cette pratique, à travers des travaux à la fois scientifiques (en modélisation) et artistiques (en composition musicale), m'a conduit à considérer cet environnement non pas comme un synthétiseur, mais comme un instrument " organique " permettant de créer une composition musicale complète couvrant les trois échelles de catégorisation usuelle de l'acoustique et de la musique : micro-formelle (le timbre, l'harmonie, l'orchestration), mezzo-formelle (le rythme, la mélodie et les séquences / structures harmoniques de premier niveau) et macro-formelle (la structure harmonique de niveau supérieur, le schéma formel de la composition complète).L'objectif ne consiste pas à proposer le cadre d'une "nouvelle musique" ou d'une nouvelle esthétique, mais à "bien tempérer" les instruments pour une nouvelle pratique de la création musicale explorant et exploitant au mieux les potentialités de l'ordinateur et des technologies numériques, aussi dans la direction d'un élargissement de la dialectique instrumentalité - écriture musicale vers une "supra instrumentalité" [Cadoz6] et vers des perspectives "post-scriptiques" de la création musicale [Cadoz7]. / Physical model synthesis offers an approach to composition alternative to the more usual signal processing. Considering the musical phenomenon as a "unicum" emerging from the interaction between the musicians and their instruments the physical model synthesis realizes and gives phenomenological and sensitive corporeality to the creative actions. By conceiving not as separate entities sound material and musical structure directs the potentialities of the computer and creates an original and fruitful dialectic between the formal (structural) and perceptual (cognitive).The sphere of action for my PhD concerns the development, formalisation and categorisation of structural models – created by physical modelling – useful for musical composition in the perspective to highlight the musical formalisation function associated with the CORDIS-ANIMA physical model simulation paradigm.The starting point for this work is 20 years of personal use as a composer, of the GENESIS physical model musical creation software developed by the ACROE-ICA laboratory.This experience has led me, through works both scientific (modelling) and artistic (music composition), to consider this environment not as a synthesis tool, but as a complex instrument, which allows to create a complete musical composition covering all three usual categories of acoustics and music: micro-formal (the tone, harmony, orchestration), mezzo-formal (the rhythm, melody, and the basic sequences/harmonic structures) and macro-formal (the higher level harmonic structure, the formal outline of the entire composition).My goal is not to propose the framework of a new music or a new aesthetic, but develop "well-tempered" instruments for a new practice of music creativity that explores and accomplishes better the potentialities of computer and digital technology. This also leads in the direction of broadening the dialectic instrumentality - writing music to a "supra instrumentality" [Cadoz6] and to post-scriptic outlook on musical creation [Cadoz7].

Split Soundscape est un projet artistique d’installation sonore inspiré par les notions de paysage sonore et de schizophonie introduites par le compositeur R. Murray Schafer. Ce projet artistique propose la reconstitution de l’espace sonore en temps réel par un double dispositif : des microphones disposés dans un territoire captent et transmettent leur environnement sonore par internet en temps réel (technique du streaming). Dans un espace d’exposition dédié à l’écoute, des haut-parleurs diffusent les sons transmis et construisent un espace nouveau.La recherche interroge la notion d’espace dans sa définition géographique, sociale et philosophique. La notion de paysage sonore est définie, remise en question, et mise en perspective par l’archéologie sonore et l’espace sonore dans sa dimension sociale, deux notions qui nous amènent à considérer l’écoute comme centrale dans la réception et la construction du paysage sonore. La notion de schizophonie (la séparation d’un son originel de sa reproduction), est définie et mise en perspective avec celle d’objet sonore et comme avatar de la reproductibilité technique.Le travail artistique est situé dans le champ de la création sonore et contemporaine, et particulièrement dans son rapport aux notions de flux, d’indéterminisme et de composition. Dans le contexte du doctorat « pratique et théorie », l’aspect pratique de la recherche est évoqué, et l’évolution du projet plastique est présentée à travers des expérimentations inspirées de la recherche théorique. / Split Soundscape is a practice based research project that revisits the concepts of Soundscape and Schizophonia originally introduced by the composer R. Murray Schafer. The artistic practice consists of a series of sound installations that focus on the reconstitution of sound space in real time. A number of “Open” microphones located in given territories are employed to transmit the local sonic environment via the internet in real time (using audio streaming technologies). A new soundscape is composed from these transmitted soundscapes and played through loudspeakers in a dedicated (exhibition) listening space. The theoretical research investigates geographical, sociological and philosophical definitions of space. The concept of soundscape as defined by Schafer is called into question and reconsidered from the perspective of sound archeology and as a social construct. This in turn, leads to the positioning of listening as being central in the construction of soundscape. The notion of Schizophonia (the separation of an original sound from his technical reproduction) is examined in detail and compared with Pierre Schaeffer’s definition of the sound object or objet sonore as an alternative consequence of mechanical reproduction. The artistic practice is contextualized in relation to the field of contemporary sound art and more specifically the concepts of flux, indeterminism in composition. The tools developed to facilitate the practice are described, and the evolution of the art project is presented as a succession of experiments informed by the academic research.

Cette étude se déplie en deux temps. En premier lieu, nous explorons les conditions d’émergence d’une intégration du « total sonore » dans l’idiome musical au cours du vingtième siècle. Dans ce dessein, nous revisitons les écrits théoriques de Luigi Russolo, Edgar Varèse et Pierre Schaeffer, trois figures marquantes du paysage musical moderne. Cette démarche met en relief certains principes fondateurs d’une musicalité du sonore, permettant de concevoir un « art des bruits » (Russolo) fondé sur une « organisation sonore » (Varèse) dans une intention d’édifier des « structures musicales » (Schaeffer). En second lieu, nous confrontons ces notions à notre propre travail de conception sonore pour le film Qui va droit son chemin (Michèle Gauthier, 2010, 24 min 10 secs) en examinant chaque étape de la production – de l’écriture du scénario à la constitution des banques de sons jusqu’au montage son et au mixage – pour explorer les conditions de création qui permettent l’émergence d’une musicalité du sonore cinématographique. Ce faisant, à l’aide de conceptions théoriques diverses (Chion, Fano, Roy, Gallet), nous tentons de cerner et de décrire les fondements d’une esthétique du sonore musicalisé au cinéma. / This study is two-fold. To begin with, it explores the conditions that permitted the emergence and integration of “all sound” into the musical idiom of the twentieth century. With this end in mind, it revisits the theoretical writings of Luigi Russolo, Edgar Varèse and Pierre Schaeffer, three defining figures of the modern musical landscape. From their work, it extracts certain founding principles of the musicality of sound that permit us to conceive an “art of noise” (Russolo) based on the “organization of sound” (Varèse) in order to build “musical structures” (Schaeffer). Secondly, I bring these notions to bear on my own experience of designing the sound for the film Qui va droit son chemin (Michèle Gauthier, 2010, 24min 10secs) by examining each stage of production – writing the script, collecting sounds, sound editing and mixing – to explore the creative conditions which permit the emergence of musicality in the cinematographic acoustic environment. In doing so, with the help of various theoretical conceptions (Chion, Fano, Roy, Gallet), I attempt to discern and describe the foundations of an esthetic of musicalized sound in film.

Cette thèse consiste à explorer l’usage de la réalité augmenté sonore pour la visite de musées. Notre objectif est de proposer un audioguide permettant d’immerger le visiteur dans une scène sonore constituée de sons ambiants et de commentaires associés aux objets exposés, et de minimiser ses efforts pour découvrir ces objets et interagir avec cet environnement sonore. La première contribution de cette thèse concerne la mise en place d’une preuve de concept de SARIM (Sound Augmented Reality Interface for visiting Museum). Cette preuvede concept a été développée en utilisant des capteurs de position et d’orientation filaire et non filaire. La deuxième contribution concerne la modélisation de la visite augmentée par la dimension sonore. Après une étude des modèles existants, l’objectif est de concevoir un modèle comprenant une représentation du visiteur,du paysage sonore et de la navigation et offrant une grande flexibilité pour créer l’environnement sonore. Ce modèle a comme finalité de faciliter la conception de différents types de scénarios de visite sur la base de la notion de zone d’audibilité. La troisième contribution de cette thèse est le travail d’évaluation mené dans un environnement réel qu’est le musée des arts et métiers de Paris, et qui a permis de confirmer l’utilisabilité, ainsi que l’apport didactique et ludique que procure la réalité augmentée sonore en général et le système SARIM en particulier pour prolonger et enrichir la visite de musées. / The goal of this thesis is to explore the use of sound to enhance the museum visit. We aim to provide anaudioguide to immerse the visitor in a soundstage consisting of ambient sounds and comments associated withthe exhibits, and minimize its efforts to discover these objects and interact with the sound environment. Thefirst contribution of this thesis is the implementation of a proof of concept of SARIM (Sound AugmentedReality Interface for visiting Museum). This proof of concept was developed using position sensors andguidance wired and wirelessly. The second contribution concerns the modeling of the augmented visit by thesound dimension. After a review of existing models, the objective is to design a model that includes arepresentation of the visitor, the soundscape and navigation, offering the flexibility to create the soundenvironment. This model has the purpose of facilitating the design of different types of scenarios based on theconcept of audibility area. The Third contribution of this thesis is the evaluation conducted in a realenvironment what the Museum of Arts and Crafts in Paris, which confirmed the usability, as well as providingeducational and ludic impact of the audio augmented reality in general and the SARIM in particular to extendand enrich the museum visits.

Cette version de la thèse a été tronquée des éléments de composition originale. Une version plus complète devrait être rendue disponible sous peu pour les membres de la communauté de l’Université de Montréal. / Abstractions musicales : Composer l'expérience à travers la mémoire auditive réfléchit au rôle que joue la mémoire auditive dans le processus de composition. Ma recherche explore les souvenirs auditifs de nature épisodique dans lesquels l'affect émotionnel, la répétition de la mémoire et, par conséquent, la distorsion de la mémoire jouent un rôle important. Cela conduit à une méthodologie d'abstraction, un processus de composition dont le but n'est pas seulement d'explorer le contenu des souvenirs, mais d'examiner les actes mêmes de se souvenir et d'imaginer le son et comment ceux-ci influencent le développement des formes et motifs musicaux. En présentant ma méthodologie d'abstraction, je cherche à extérioriser et à formaliser la relation largement intérieure et subconsciente que de nombreux compositeurs entretiennent avec leur mémoire auditive. Cela élargit délibérément la portée du processus de composition pour inclure et considérer l'influence de l'écoute profonde et de l'analyse perceptuelle d'œuvres préexistantes. La thèse est présentée en deux sections. Elle commence par une section théorique, composée d'un chapitre résumant mes recherches sur la mémoire auditive et l’imagination sonore, suivi d'un chapitre exposant la méthodologie qui en découle. Le reste de la thèse est consacré à l'analyse d’une sélection de huit œuvres composées pendant mon doctorat, chacune d'entre elles explorant une relation avec la mémoire auditive et/ou l'imagination. Les œuvres analysées sont organisées en trois catégories : (1) le dialogue et la narration, (2) l'espace (son excavé), (3) identité, culture et ancêtres. Le but ultime de la thèse est de mettre en lumière des façons dont les compositeurs utilisent la mémoire, l’imagination sonore et l'abstraction pour développer notre matériau musical. / Musical Abstractions: Composing experience through auditory memories reflects on the role that auditory memory plays in the compositional process. My research explores auditory memories of an episodic nature in which emotional affect, rehearsal of memory, and hence memory distortions play an important role. This leads to a methodology of abstraction, a compositional process whose goal is not solely to explore the content of memories, but to examine how the very acts of remembering and imagining sound translate to musical motivic development and form. In presenting my methodology of abstraction, I aim to exteriorize and formalize the mostly subconscious and interior relationship many composers have with their auditory memory. This deliberately broadens the scope of the compositional process to include and consider the influence of deep listening and perceptual analysis of pre-existing works. The thesis is presented in two sections. It begins with a theoretical section, consisting of a chapter summarizing my research into auditory memory and audiation followed by a chapter outlining the resulting methodology. The rest of the thesis is devoted to the analysis of eight selected works composed during my doctorate, each of which explores a relationship with auditory memory and/or imagination. The analyzed works are organized into three categories: (1) in dialogue and narrative, (2) in space (excavated sound), (3) in our identity, culture, and ancestors. The ultimate goal of the thesis is to shed light on some ways composers use memory, audiation, and abstraction to develop our musical material.

Ce mémoire a pour objectif d’illustrer l’importance du son dans ma démarche musicale par le biais de l'analyse de trois pièces instrumentales écrites lors de ma maîtrise. L’étude de mon processus de création, depuis les premières idées sonores jusqu’à la réalisation de la partition finale, mettra ainsi en lumière plusieurs éléments constitutifs de cette « écriture du son » au cours de mon travail de composition. Il s'attardera particulièrement sur la recherche de différentes matières sonores, sur l’intégration de sonorités bruités et inharmoniques dans la structure musicale, sur l'utilisation de modes de jeux instrumentaux non conventionnels, ainsi que sur la neutralisation des fonctions harmoniques et mélodiques. Ce mémoire abordera également les conséquences de ces recherches sonores sur la forme, la temporalité et la notation. En examinant diverses applications formelles liées au déploiement temporel du son, de la Momentform jusqu’au continuum, il interrogera notamment le rapport entre la forme et la perception de l’objet sonore. Enfin, il soulèvera les incidences de cette démarche sur l'emploi de nouvelles notations musicales qui synthétisent diverses approches d’écriture, de la notation traditionnelle à la partition graphique. Les trois pièces analysées dans ce mémoire (La peau du dehors, pour grosse caisse amplifiée ; Traverser / Disparaître, pour quatuor à cordes ; Filtres, pour ensemble de 14 instruments) permettront d’observer l’application de cette « écriture du son » au sein de projets aux instrumentations diverses, depuis la pièce soliste jusqu’à la pièce pour ensemble. / This dissertation aims to illustrate the importance of sound in my musical approach through the analysis of three instrumental pieces written during my master's degree. The study of my creative process, from the first sound ideas to the realization of the final score, sheds light on several constituent elements of this "writing of sound" during my composition work. It focuses particularly on the search for different sound materials, on the integration of noise and inharmonic sounds in the musical structure, on the use of unconventional instrumental techniques, as well as on the neutralization of harmonic and melodic functions. This dissertation also addresses the impact of these sound investigations on form, temporality and notation. By examining various formal applications related to the temporal deployment of sound, from the Momentform to the continuum, it investigates the relationship between form and perception of the sound object. Finally, it analyzes the consequences of this method on the use of new musical notations, which synthesize various approaches across traditional notation and graphic score. The three pieces analyzed in this dissertation (La peau du dehors, for amplified bass drum; Traverser / Disparaître, for string quartet; Filtres, for ensemble of 14 instruments) will allow us to observe the application of this "writing of sound" within projects with diverse instrumentations, from the solo piece to the piece for ensemble.

Cette version du mémoire a été tronqué des éléments de composition originale. Une version plus complète devrait être rendue disponible sous peu pour les membres de la communauté de l’Université de Montréal. / Ce mémoire est une comparaison sonore de 4 adaptations cinématographiques du même roman: L'Invasion des profanateurs (1955) de Jack Finney. J’y parle de la technologie audio que chacun des films a employé. J’essaye de comprendre et de démontrer comment cette évolution technologique a pu contribuer à faire évoluer différents aspects sonores tels que le style musical, le foley, et le design sonore. J’ai d'abord comparé les 4 films de manière plus général en me concentrant sur les thèmes musicaux, l’utilisation du foley pour faire peur, le Jump Scare et le design sonore. Ensuite, je me suis concentré sur 4 scènes communes que j’ai analysé plus en détail. Ce mémoire donne une vision partielle de l’évolution sonore dans les films de sciencefiction. / This Thesis is a sound comparison between four movies inspired by the same novel : The Body Snatchers (1955) by Jack Finney. I talk about the audio technology that each movie used and how it has contributed in the evolution of the musical style, the foley, and the sound design. At first, I compare the 4 movies in a general way : the musical themes, the use of the foley to scare the audience, the Jump Scare, and the sound design. Then, I chose 4 common scenes that I analyze more in details. This thesis gives a partial view of the evolution of sound in science fiction movies.

Cette thèse interroge, par la méthode et la conception design, les modalités permettant de construire des récits liés à l'imaginaire urbain. Ces derniers constituent des potentialités qui racontent au travers de la dimension sonore des faits mémoriels, histoires et vécus de groupes. Le « designer des sons de l'urbain » construit alors sa propre scénophonie urbaine, procédé permettant de raconter l'espace sonore, entre espaces du temps et temps de l'espace. Cette posture permet de rendre compte de la prégnance socio-culturelle du fait sonore dans la manière de raconter le monde. Il s'agit de déceler puis d'interroger les enjeux d'une société en pleine mutation à partir de l'utilisation d'enregistrements de terrain et de créations sonores de territoire, c'est-à-dire des narrations composées à partir de ces premières captures. Ce travail s'articule autour d'une étude théorique d'un corpus artistique (Tome 1) et d'une recherche-action menée dans le cadre d'un contrat Cifre au sein de la Direction de la Culture de la Ville de Strasbourg, pour le Shadok, fabrique du numérique, régie directe de l'Eurométropole en collaboration avec une association trandisciplinaire, Horizome et l'équipe d'accueil ACCRA de l'Université de Strasbourg (Tome 2). / This dissertation questions through a design approach the ways and means allowing the construction of stories related to the urban imaginary. The latter constitute possibilities of telling something through the sound dimensions of historical events, and both individual and collective experiences. The “designer of urban sounds” then builds their own urban scenophony, a method allowing the telling of the sound space — between the spaces of time and the times of space. Such a position allows to account for the socio-cultural weight of sound in the waythe world is told. This research is about detecting and then questioning what is at stakes in a changing society, using field recordings and “territory sound creations,” i.e. narratives built from the raw material of those field recordings. Two dimensions are involved in this work: a theoretical study of an artistic corpus (Tome I) and an action research born outof a city of Strasburg Cifre contract for the state-sponsored and controled Shadok,fabrique du numérique, in collaboration with a transdisciplinary association, Horizome,and the ACCRA team of the University of Strasburg (Tome II).