L‟objet de cette thèse est l‟étude de la fonction narrative et esthétique de la musique vocale dans l‟oeuvre de fiction non musicale du cinéaste espagnol Carlos Saura. Le rôle de la musique vocale dans ses films est en effet central et peu étudié. Dans une première partie nous avons analysé l‟évolution de l‟utilisation de la musique dans l‟oeuvre au cours du demi-siècle qu‟embrasse la filmographie du réalisateur aragonais. Nous avons ainsi pu mettre en évidence une forte affirmation auctoriale par le biais d‟un contrôle étroit des choix musicaux et des collaborations avec les compositeurs de musique originale. La caractérisation des morceaux à texte utilisés nous a permis de dégager un corpus de vingt-deux oeuvres vocales qui ont constitué le coeur de notre étude. Par la suite, nous avons étudié le rôle spécifique de la musique vocale à travers son influence sur l‟ordre, le temps et l‟espace du récit. L‟oeuvre vocale peut, en effet, constituer un outil de transition spatiale et temporelle, fonctionner comme une analepse ou une prolepse ou encore être considérée comme un niveau narratif en soi. Enfin, dans une troisième partie, nous avons envisagé la musique vocale sous l‟angle de la citation et du point de vue qu‟elle permet de dévoiler : celui des personnages tout d‟abord. Par la suite, en considérant la musique vocale dans sa dimension transtextuelle, nous avons étudié le point de vue externe et universalisant qu‟elle véhicule. Enfin, nous avons constaté que les morceaux vocaux peuvent également révéler l‟intention de l‟instance d‟énonciation filmique / The purpose of this thesis is the study of the aesthetic and narrative function of vocal music in the non musical work of fiction of the Spanish filmmaker Carlos Saura. The role of vocal music in his films is indeed of central importance and not largely studied. In the first part we have analyzed the evolution of the use of music in works done during the half of the century, which embraced the filmography of the Aragonese filmmaker. We have also been able to put very prominently, a strong authorial affirmation by means of a restricted control of musical choices and different collaborations with composers of original music. The characterization of songs text used, enabled us to identify a corpus of twenty-two vocal works, which constituted the core of our study. In the second part, we studied the specific role of vocal music through its influence on the order, the time and space of the narrative. Vocal works can, in effect, constitute a spatial transition and temporal tool functioning as an analepsis or a prolepsis or again being considered as a narrative level on its own. In the third part, we viewed vocal music from an angle of quotation and a viewpoint which enables to reveal: that of the characters first. Subsequently, considering vocal music in its transtextual dimension, we have studied the universalizing and external viewpoint that it vehicles. Finally, we have noticed that vocal songs can also reveal the intention of the filmic enunciator

O êxito de uma obra artística autêntica depende de vários mecanismos sociais que possibilitem sua permanência. Muito além de comprovar qualidade, o autor precisa deixar claras as condições de sua proposta diante do universo criativo que elegeu e, sobretudo, aprender o funcionamento de suas regras. Assimiladas, ele deve - a cada novo trabalho - articular contínuas negociações que viabilizem a ampliação da mensagem produzida. É o que tem feito Pedro Almodóvar no decorrer de sua trajetória no cinema, desde a estréia do primeiro longa-metragem no circuito comercial em 1980. Esta análise demonstra como foram - e são - os caminhos - complexos e estreitos - dentro do campo cinematográfico que o conduziram ao sucesso. / The outcome of any authentic artistic work depends on various social mechanisms that make its permanence possible. More than just validating quality, an author needs to highlight the conditions of his proposal against the creative universe that he has chosen and, more than anything, to learn the functionality of its rules. Once this is assimilated, the must - in every single new work - articulate continuous negotiations that make possible an extension of the resulting message. That is what Pedro Almodóvar has done throughout his cinematic career since his first long film was released to the commercial circuit in 1980. This analysis highlights how cinematographic fields were complex and narrow in the past and continues to be - paths that have nonetheless led him to succeed.

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:17:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Silvia Cristina Aguetoni Marques.pdf: 2436050 bytes, checksum: 979721afa7ddcb9aa5f4d6d53a4c9224 (MD5) Previous issue date: 2009-03-23 / The current research has as main objective to uncover combinations between religious / Christian European elements and eroticized / flamenco Arabian elements that started to take shape in Spain from the 8th century on and keep being reelaborated nowadays in a constant process of tense coexistence. In order to achieve this objective, some movies by relevant film directors for the subject matter (such as Luis Buñuel, Pedro Almodóvar, Carlos Saura, and Bigas Luna) will be used, establishing the hybrid and baroque Spanish culture through the movies. Despite the fact that these moviemakers belong to different provinces and times and that they have distinctive styles, the four of them exhaustively work or have worked with great icons from Spanish culture: bullfights, typical dishes, such as paella and tortilla, flamenco dance and music, terrorist attacks after Franco s era. The thesis was developed based on examples from movie scenes. Analyzed together with screenwriters and the theory of mestizaje, these examples make explicit the tense combination of different elements of Spanish culture / A atual pesquisa tem como objetivo principal desnudar as combinações entre elementos religiosos/ cristãos-europeus com erotizados/flamencos-arabizantes que começaram a se formar na Espanha a partir do século VIII e continuam sendo reelaborados nos dias de hoje , num constante processo de convivência em tensão. Para tanto serão utilizados alguns filmes de cineastas relevantes no tema em questão ( Luis Buñuel, Pedro Almodóvar, Carlos Saura e Bigas Luna), que estabelecerão uma trajetória da cultura espanhola , mestiça e barroca , por meio do cinema. Apesar de pertencerem a províncias e épocas diferentes e de possuírem estilos distintos, os quatro cineastas trabalham ou trabalharam exaustivamente com os grandes ícones da cultura espanhola: as touradas , os pratos típicos como a paella e a tortilla , a dança e a música flamenca , os ataques terroristas do pós-franquismo. A tese foi desenvolvida a partir de exemplos de cenas fílmicas que, analisadas juntamente com autores do cinema e da teoria da mestiçagem, explicitam a combinação em tensão de elementos variados da cultura espanhola

O presente trabalho investiga a obra de Pedro Almodóvar Caballero, cineasta espanhol; mostrando que sua principal marca autoral é trabalhar com elementos da Cultura Pop, fundamentalmente a citação, pastiche e a paródia; mesclados com sua experiência pessoal, da infância em La Mancha, e da busca pela liberdade na Madri, de La Movida, do final do franquismo e da transição para a democracia. Usando a teoria da paródia, como fundamentação teórica, demonstram-se como os filmes de Almodóvar dialogam com textos fílmicos os mais variados, incorporando-os à sua narrativa e imprimindo nela uma marca original e internacionalmente reconhecível. Traça-se uma filmografia crítica da recepção de seus filmes, no contexto em que surgiram no cenário da cultura marginal underground dos anos 1970, e seu pleno desenvolvimento e maturidade no circuito comercial, a partir da década de 80. Centrando-se a análise em Todo sobre mi madre, demonstra-se o nível de diálogo estabelecido com a obra de John Cassavetes, Federico Fellini e na retomada de sua própria obra, como fonte de citação, como o diálogo estabelecido entre La flor de mi secreto/Todo sobre mi madre. / This study carries out research into the work of Pedro Almodóvar Caballero. The great spanish director has, like autor mark, working with icons of Pop Culture, essentially quoting and parody; mixing with his own childhood personal experience, in La Mancha, and the freedom conquered within the Madri of La Movida; post-franquism period of transition throw democracy. Based on the parody theory, this work shows like the movies of Almodóvar talk/exchange subjects with others movie images of diferent kind, getting them incorporated on its narrative, providing his movies of an orginal and internacional hallmark. It sets a critical filmografy of how was the reception of his films, within de underground culture they had born, in the ´70, and its total development and maturity on the commercial circuit of the earlier ´80. The central point of the analysis is the movie All about my mother, fixing the level of the dialogue established with John Cassavetes` Opening night and some characters of Federico Fellini, like Cabiria and Gradisca; and so on, the recycle of the own Almodovar`s previous works, like source of quote, like the exchange made between The flower of my secret and All about my mother.

O êxito de uma obra artística autêntica depende de vários mecanismos sociais que possibilitem sua permanência. Muito além de comprovar qualidade, o autor precisa deixar claras as condições de sua proposta diante do universo criativo que elegeu e, sobretudo, aprender o funcionamento de suas regras. Assimiladas, ele deve - a cada novo trabalho - articular contínuas negociações que viabilizem a ampliação da mensagem produzida. É o que tem feito Pedro Almodóvar no decorrer de sua trajetória no cinema, desde a estréia do primeiro longa-metragem no circuito comercial em 1980. Esta análise demonstra como foram - e são - os caminhos - complexos e estreitos - dentro do campo cinematográfico que o conduziram ao sucesso. / The outcome of any authentic artistic work depends on various social mechanisms that make its permanence possible. More than just validating quality, an author needs to highlight the conditions of his proposal against the creative universe that he has chosen and, more than anything, to learn the functionality of its rules. Once this is assimilated, the must - in every single new work - articulate continuous negotiations that make possible an extension of the resulting message. That is what Pedro Almodóvar has done throughout his cinematic career since his first long film was released to the commercial circuit in 1980. This analysis highlights how cinematographic fields were complex and narrow in the past and continues to be - paths that have nonetheless led him to succeed.

La fictionnalisation de l’histoire récente dans le cinéma espagnol de la démocratie est abordée sous l’angle de sa représentation par les directeurs artistiques à qui, au cinéma, incombe la responsabilité de tout l’aspect visuel du film. L’étude de ce métier, peu traitée dans la production scientifique de la recherche cinématographique, nous intéresse dans son évolution depuis les années 30 jusqu’à nos jours. Elle permet de mettre en lumière les mécanismes qui sont à l’œuvre pour représenter l’histoire au cinéma, du franquisme à la démocratie.L’objectif de la thèse est de démontrer l’importance fondamentale de la direction artistique dans le film historique, de dégager les implications idéologiques qu’elle sous-tend et de déceler les caractéristiques esthétiques qui varient selon les époques, les intentionnalités et les styles des concepteurs des décors. / The fictionalization of recent history in the Spanish cinema of democracy is approached in terms of its representation by the art directors who, in cinema, are responsible for all the visual aspects of the film. The study of this issue, little discussed in the scientific production of film studies, interests us in its development since the 30s until the current time. It makes possible to highlight the mechanisms that are at work to represent history in cinema, from Francoism to democracy.The aim of the thesis is to demonstrate the fundamental importance of art direction in the historical film, to identify the ideological implications that underlies and detect the aesthetic characteristics that vary according to eras, styles and intentions of production designers.

O presente trabalho investiga a obra de Pedro Almodóvar Caballero, cineasta espanhol; mostrando que sua principal marca autoral é trabalhar com elementos da Cultura Pop, fundamentalmente a citação, pastiche e a paródia; mesclados com sua experiência pessoal, da infância em La Mancha, e da busca pela liberdade na Madri, de La Movida, do final do franquismo e da transição para a democracia. Usando a teoria da paródia, como fundamentação teórica, demonstram-se como os filmes de Almodóvar dialogam com textos fílmicos os mais variados, incorporando-os à sua narrativa e imprimindo nela uma marca original e internacionalmente reconhecível. Traça-se uma filmografia crítica da recepção de seus filmes, no contexto em que surgiram no cenário da cultura marginal underground dos anos 1970, e seu pleno desenvolvimento e maturidade no circuito comercial, a partir da década de 80. Centrando-se a análise em Todo sobre mi madre, demonstra-se o nível de diálogo estabelecido com a obra de John Cassavetes, Federico Fellini e na retomada de sua própria obra, como fonte de citação, como o diálogo estabelecido entre La flor de mi secreto/Todo sobre mi madre. / This study carries out research into the work of Pedro Almodóvar Caballero. The great spanish director has, like autor mark, working with icons of Pop Culture, essentially quoting and parody; mixing with his own childhood personal experience, in La Mancha, and the freedom conquered within the Madri of La Movida; post-franquism period of transition throw democracy. Based on the parody theory, this work shows like the movies of Almodóvar talk/exchange subjects with others movie images of diferent kind, getting them incorporated on its narrative, providing his movies of an orginal and internacional hallmark. It sets a critical filmografy of how was the reception of his films, within de underground culture they had born, in the ´70, and its total development and maturity on the commercial circuit of the earlier ´80. The central point of the analysis is the movie All about my mother, fixing the level of the dialogue established with John Cassavetes` Opening night and some characters of Federico Fellini, like Cabiria and Gradisca; and so on, the recycle of the own Almodovar`s previous works, like source of quote, like the exchange made between The flower of my secret and All about my mother.

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Made available in DSpace on 2016-04-26T18:11:18Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Rosana Silva Portela.pdf: 1079054 bytes, checksum: bbf44749b3ae7ff3ecffc8a6f3a06552 (MD5) Previous issue date: 2011-12-12 / This research s objective is to observe in what ways the Spanish moviemaker Pedro Almodóvar uses in his early productions micropolitics structures on the expression and content plans as a different form for reading reality in the sense of breaking up with the legacy left by the general Francisco Franco that had as a basis the triad Family-State-Church. In order to analyze the established hypothesis of Almodóvar being as a matter of fact apolitical, or if the micropolitical structures used in his movies tell us the opposite we intend to develop a reading of some of his works in which is outlined the manner as he understands not only politics and ethics that ruled his time, but also how he can show us the frenetic activity of countless underground feelings of the Spanish people s subjectivity and why not from our entire culture. The hypothesis analysis leads us to the study of micropolitics concept as well as the reading that the moviemaker conducts about the affective movements of this culture that builds his micropolitics that is the way that Almodóvar makes himself able to read these affective movements that unceasingly promote the questioning of actual values and therefore oppressed ones. We can observe this dynamic mainly in his first movies like Laberinto de Pasiones (1982) and Qué He hecho yo para merecer esto (1984). In oder to subsidize the movie s analysis we will use the concepts of subjectivity production and micropolitics elucidated by Gilles Deleuze, Félix Guatarri and Suely Rolnik. The methodology applied to the research was elaborated through the bibliographic study about the moviemaker among them - María Antonia García de León, Teresa Maldonado, Frederic Strauss, Jordi Puigdomenech and others, besides other works that refer to the concepts used and works that intercross the proposed readings / O objetivo dessa pesquisa é observar de que maneira o cineasta espanhol Pedro Almodóvar utiliza, em suas primeiras produções, estruturas micropolíticas no plano da forma e do conteúdo, como uma diferente maneira de leitura da realidade, no sentido de romper com a herança deixada pelo general Francisco Franco que tinha como base a tríade Família-Estado-Igreja. Para analisar a hipótese estabelecida se de fato Almodóvar é apolítico, ou se as estruturas micropolíticas utilizadas em seus filmes nos dizem o contrário, pretendemos desenvolver uma leitura de alguns de seus trabalhos nos quais se destacam a maneira como ele entende não apenas a política e a moral dominantes de seu tempo, mas também como consegue nos mostrar a atividade frenética dos inúmeros sentimentos subterrâneos da subjetividade do povo espanhol e, por que não, de toda a nossa cultura. A análise da hipótese nos leva ao estudo do conceito de micropolítica, assim como a leitura que o cineasta processa dos movimentos afetivos dessa cultura que constitui sua micropolítica, ou seja, a maneira como Almodóvar consegue ler esses movimentos afetivos, que promovem incessantemente o questionamento dos valores pré-determinados e, por isso, muitas vezes, reprimidos. Podemos observar essa dinâmica principalmente em seus primeiros filmes, como Laberinto de Pasiones (1982) e Qué He hecho yo para merecer esto (1984). Para subsidiar as análises dos filmes, utilizaremos os conceitos de produção de subjetividade e de micropolítica, elucidados por Gilles Deleuze, Félix Guatarri e Suely Rolnik. A metodologia empregada na pesquisa foi elaborada com o levantamento de bibliografia sobre o cineasta. Dentre os autores, estão María Antonia García de León, Teresa Maldonado, Frederic Strauss, Jordi Puigdomenech e outros, além de obras que se referem aos conceitos utilizados e obras que entrecruzam as leituras propostas

Submitted by Silvana Teresinha Dornelles Studzinski (sstudzinski) on 2017-02-10T12:49:22Z No. of bitstreams: 1 Luiz Henrique Gehlen_.pdf: 1373955 bytes, checksum: d2ae70201efa0171b1e893a7e77e5b4b (MD5) / Made available in DSpace on 2017-02-10T12:49:22Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Luiz Henrique Gehlen_.pdf: 1373955 bytes, checksum: d2ae70201efa0171b1e893a7e77e5b4b (MD5) Previous issue date: 2017-01-10 / CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / A presente dissertação está inserida na linha de pesquisa Mídias e Processos Audiovisuais e tem como objetivo geral discutir a presença sonora a partir do uso de sons acusmáticos no cinema. Nossa argumentação é erigida em consonância com a necessidade de problematizar o som como um elemento expressivo na experiência sensorial do universo das imagens cinematográficas, tendo como horizonte a contribuição estética que as sonoridades técnicas ofertam ao cinema moderno. Para tanto, a fundamentação teórica é construída principalmente com base nos conceitos propostos por Gilles Deleuze, Walter Benjamin, Hans Ulrich Gumbrecht, Didi-Huberman e Michel Chion. No sentido de alcançar nossos objetivos, utiliza-se uma metodologia própria construída qualitativamente com ênfase nos métodos: Intuitivo, scanning, cartografia e na desconexão inspirada em Michel Chion, pelos quais tratamos de autenticar as atualizações da presença sonora – a dimensão da escuta e a presença sonora como potência de atualização dos corpos - na obra A Mulher Sem Piano (2009), filme dirigido por Javier Rebollo que representa a estética emergente do “novo cinema espanhol”. / The present thesis is inserted in the Media and Audiovisual Processes research line, and its general objective is to discuss the sonorous presence, by using of acousmatic sounds in cinema. Our argument is built in consonance with the need to problematize sound as an expressive element in the sensory experience of the cinematographic images universe, taking in consideration the aesthetic contribution that technical sonorities offer to modern cinema. For this, the theoretical foundation is built mainly on the concepts proposed by Gilles Deleuze, Walter Benjamin, Hans Ulrich Gumbrecht, Didi-Huberman and Michel Chion. In order to achieve our objectives, it is used a qualitative methodology built with emphasis on the methods: Intuitive, scanning, cartography and the disconnection inspired by Michel Chion, for which we try to authenticate the updates of the sonorous presence - the dimension of listening and the sonorous presence as a updating potency of the bodies - in the movie The Woman Without a Piano (2009), directed by Javier Rebollo, that represents the emergent aesthetics of the "new spanish cinema".