Cette thèse porte sur les processus de constitution – problématiques – de femmes comme intellectuelles au XXe siècle. Pour ce faire, trois cas, nés vers 1900, sont étudiés : l’artiste et écrivaine proche des avant-gardes en général et des surréalistes en particulier dans le Paris des années 1920-1930 Claude Cahun, la journaliste martiniquaise du Paris colonial de ces mêmes années et figure militante et intellectuelle importante de la Martinique d’après-guerre Paulette Nardal ; et enfin Viola Klein, juive tchèque exilée en Angleterre et pionnière oubliée de la sociologie féministe. Cette étude repose sur une analyse conjointe de la trajectoire et de la production culturelle de chacune de ces femmes. Il s’agit de comprendre comment leur expérience intellectuelle s’enracine dans des processus de prise de conscience de soi en tant que sujet renvoyé à l’altérité, femme, mais aussi sujet racialisé, qui déterminent les formes d’entrée dans la pensée. Cette thèse rend également compte du positionnement complexe, dedans/dehors, de ces femmes par rapport aux mouvements (le surréalisme pour Cahun, la culture noire en général et la négritude en particulier pour Nardal), et disciplines (la sociologie de la connaissance et du travail pour Klein) « dans » lesquels elles s’inscrivent et ce qu’elles y apportent ainsi que la pluralité des formes de pensée et d’engagement qu’une telle position liminale révèle. Il s’agit enfin d’interroger le processus de diffusion et de réception des oeuvres et des idées, dans lequel les logiques d’invisibilisation et d’oubli, mais aussi de redécouverte, jouent un rôle fondamental. Ce dernier point ouvre sur une réflexion relative aux logiques (nationales, disciplinaires, idéologiques) de construction du savoir. Cette thèse, interrogeant le devenir sujet des femmes et ce que peut lui faire la postérité, se propose ainsi de contribuer à une histoire intellectuelle transnationale des femmes et du genre. / This thesis analyzes the problematic ways in which women were able to become intellectuals in the XXth century. The cases of three women, born around 1900, are here studied. The artist and writer close to the Avant-Garde in general and the Surrealist movement in particular in the 20s and the 30s Claude Cahun; the Martinican journalist of colonial Paris in those same years Paulette Nardal, an important intellectual and activist figure in Post War Martinique after 1945; and last but not least, Viola Klein, a Czech Jew, exiled in Britain, and a forgotten pioneer of feminist sociology.This study is based upon an analysis of both the itinerary and cultural production of each of these women. It aims to understand how their intellectual experience is rooted in processes of self-awareness – as subjects who have to deal with otherness, as women, but also as racialized subjects – which shape the way in which these women intellectuals come to thought and commitment. This thesis also examines the complex position, Inside/Outside, of these women in relation to the movements and disciplines they join (Surrealism for Cahun, Négritude for Nardal, Sociology of Knowledge for Klein), the contribution they make to these movements and disciplines, and the plurality of the forms of thought and commitment such a liminal position entails. The aim is to question the ways in which works and ideas are spread and received – a process in which “invisibilization”, oblivion, but also rediscovery play a major part. This last idea opens up a reflection about the conceptions (national, disciplinary, ideological) pertaining to the construction of knowledge.

L’œuvre polymorphe de Claude Cahun, auteure-artiste de la première moitié du XXe siècle, et de Moore, artiste-plasticienne, repose essentiellement sur l’idée de partage. De 1913 à 1954, Cahun et Moore ont élaboré une œuvre qui relève en grande partie d’une création partagée, c’est-à-dire qu’elle est faite à quatre mains de manière symbiotique, tandis qu’une autre partie est assumée par chacune des collaboratrices. Leur travail prend la double voie de l’écriture et de l’expression artistique (dessin, photographie, photomontage, objet) pour placer leur vision du sujet équivoque et de l’art sous le signe du multiple. Dans la perspective d’étudier l’écriture et l’image comme deux moyens d’expression indissociables, la notion de partage permettra de penser la démarche cahunienne et celle de Moore entre les mouvements et les genres littéraires, entre une auteure et une artiste, entre le sujet et ses doubles, entre les arts et les enjeux médiatiques. En proposant la notion de partage comme concept opératoire, cette thèse de doctorat s’attache à recontextualiser l’œuvre selon la triple appartenance de Cahun-Moore à l’histoire culturelle et littéraire, embrassant à la fois la fin du XIXe siècle et la première moitié du XXe siècle, le symbolisme tardif, le modernisme et l’avant-garde surréaliste. Leur vision de l’œuvre comme espace de partage entre le textuel et le visuel s’accomplit par une collaboration entre auteure et artiste visuelle qui redéfinit le statut du créateur solitaire. Il s’agira également de revoir la démarche d’autoreprésentation à partir de la notion de partage ; la construction du Soi passe par le dédoublement sur le papier ou la pellicule pour exprimer l’être-au-monde d’un sujet qui ne se reconnaît pas dans les catégories genrées et identitaires univoques. L’acte de partage aboutit dans la création d’une œuvre hybride alliant les mots et les images dans un dispositif qui dépasse la relation illustrative du texte par l’image pour favoriser le dialogue des médias. Le partage s’impose comme la notion par excellence pour saisir une œuvre qui a fait du dédoublement – des filiations, des intertextes, du créateur, de l’identité et de l’œuvre même – son modus operandi. / The polymorphic work of Claude Cahun, author and artist from the first half of the 20th century, and Moore, visual artist, is essentially based on the idea of sharing. From 1913 to 1954, Cahun and Moore developed a work that relies in part on shared creation, that is to say, it is produced symbiotically by two collaborators, but whereas another part is undertaken solely by one of the artists. Their work takes on the double path of writing and artistic expression (drawing, photography, photomontage, object) to express their vision of the equivocal subject and art under the sign of the multiple. With the perspective of studying writing and the image as two inseparable means of expression, the notion of sharing will allow to consider both Cahun’s and of Moore’s approach between literary and artistic movements and genres, between an author and an artist, between the subject and its doubles and between the arts and the media issues. By proposing the notion of sharing as an operational concept, this thesis seeks to recontextualize Cahun’s and Moore’s work according to its belonging in the cultural and literary history of late symbolism, modernism and the surrealist avant-garde, embracing both the late 19th century and the first half of the 20th century. Their vision of the work as a space for sharing between the textual and the visual is accomplished by a collaboration between author and visual artist, which redefines the status of the solitary creator. I will also approach the self-representation approach from the notion of sharing as the identity construction of the Self, through many self-projections on paper or film, goes through duplication to express the être-au-monde of a subject that does not recognize itself within the boundaries of univocal gendered and identity categories. The act of sharing results in the creation of a hybrid work combining words and images in a process that goes beyond the illustration of the text by the image to favor dialogue between media. Sharing is essential as the notion par excellence to capture a work that has made out of duplication – of filiations, intertexts, creator, identity and the oeuvre itself – its modus operandi.

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L’œuvre rigoureuse de Bill Brandt, au service d’une incontestable poésie, s’écoule sur près d’un demi-siècle et résume à elle seule les quatre grands genres de la photographie que sont le reportage social, le portrait, le nu et le paysage. Né à Hambourg en 1904, le déni de ses origines allemandes l’amena à s’identifier pleinement à l’Angleterre où il vécut la plus grande partie de sa vie, laquelle prit fin à Londres en 1983. Cette thèse a pour objet de mettre en évidence la trajectoire éminemment moderniste de Brandt, lequel a exploité au maximum le caractère réflexif de la photographie afin de satisfaire au mieux sa quête identitaire. Cette dernière, en prise avec les traversées géographiques et culturelles vécues par le photographe, s’articule autour de registres plus ténus ayant trait à la mémoire ainsi qu’aux perspectives historiques et généalogiques. Aussi, cette reformulation personnelle s’est accompagnée chez Brandt d’une reformulation de son œuvre et de sa pratique du médium jusqu’à en repousser les limites intrinsèques : portée par une appétence scopique, elle a exploré les ressorts spatiaux et diégétiques de l’image avant de tendre vers une sérénité haptique et sculpturale alors que le photographe accédait à sa pleine reconnaissance artistique, proposant ainsi une relecture des apports modernistes. / Bill Brandt's quite rigorous works cover nearly half a century and encompass the four major kinds of photography (i.e. social photo-reportage, portraits, nudes and landscapes) with a true sense of poetry. Born in Hamburg in 1904, the denial of his German origins led him to fully identify himself with England where he lived most of his life in London until his death in 1983. This thesis aims at highlighting Brandt's modernist path as he constantly used the reflexive capabilities of photography as a way to satisfy his own quest for a native English identity. Beyond the geographical and cultural journeys experienced by the photographer before his arrival in England, the root causes of his quest actually lie in more tenuous matters related to memory as well as historical and genealogical perspectives. This personal quest for redefining his identity resulted in a progressive reshaping of his own works and practice of the medium to push back its inner limits: firstly driven by a scopic appetite, he then explored the many spatial and diegetic dimensions of image until finally evolving towards a more haptic and sculptural serenity as he was receiving a proper artistic recognition, hence offering a rereading of his modernist contributions.

C’est un étude entre le poème et la toile, un jeu de rapport mental où l’artiste Roberto Matta Echaurren s’invente à soi même. Il était l’artiste qui a beaucoup influencé la dernière phase du surréalisme post-guerre. Il était aussi un peintre, un penseur, un activiste et poète de lumière unique. Très tôt, formé en architectura, abandonne son pays natal (Chili) en 1936. À Paris, après travailler avec Le Corbusier, il s’intègre aux surréalistes, au groupe de Breton. D’abord, cet étude propose situer les bases de ce mouvement, par la vie et oeuvre de cet artiste, en analysant la phase de l’exil du surréalisme en les Amériques. Les impacts qui sont provoqués Ernst, Tanguy, Masson, Dalí, Mirò et Lam, par exemple, furent de la majeur importance en touchant beaucoups des jeunes artistes. Dans le cas de Matta, son influence sera fortement marquée sur la génération qui comprendra plus tard The School of New York, parmi eux, Pollock, Mothewell et Gorky. Voilà la poétique de Matta, son art espacial, leur dynamique du voir et les idées du verbe. Avec lui, on aurait plusiers explosions nucléaire sur leurs toiles, après les cubistes, fauvistes et post-impressionistes. Matta apparaît comme une explosion volcanique en créeant des nouvelles structures multidimensionnelles. Donc, cet’étude marque les différentes phases de la production de l’artiste jusqu’à sa mort en 2002. Quelques oeuvres plus importantes, chargées de titres poétiques, nous laissent traces profondes dans l’histoire de l’art contemporain. / Este é um estudo entre o poema e a tela pintada, um jogo de relações mentais, onde o artista Roberto Matta Echaurren se inventa a si próprio. Artista que muito influenciou a ultima fase do surrealismo pós-guerra. Foi um pintor, um pensador, ativista e poeta de luz própria. Bem cedo se forma em arquitetura, deixa seu país natal (Chile) em 1936. Em Paris, depois de trabalhar com Le Corbusier, se integra aos surrealistas, ao grupo de Breton. Este presente estudo se propõe situar às bases do surrealismo, através e da vida e obra deste artista, analisar a trajetória do exílio deste movimento nas Américas. O impacto que alguns surrealistas vão ter, como Ernst, Tanguy, Dalí, Masson, Miró e Lam, estes influenciarão muitos jovens artistas do continente. O caso de Matta exercerá forte influencia sobre a geração que virá mais tarde: The School of New York, entre eles, Pollock, Motherwell e Gorky. A poética de Matta se consolida a partir da arte espacial à dinâmica do ver e as idéias do verbo. Assim, através deles, haverá novas explosões nucleares em suas telas, precedida pelos cubistas, fauvistas e pós-impressionistas. Matta surge como a explosão vulcânica, criando novas estruturas multidimensionais. Este estudo marca as diferentes fases da produção do artista até sua morte em 2002. Algumas de suas obras mais importantes carregam títulos poéticos, deixando assim, pistas profundas na história da arte contemporânea.

Le titre de cette thèse est « Le rôle et la place de l‟écriture automatique chez trois écrivains surréalistes français : André Breton, Benjamin Péret et Claude Courtot ». Elle a pour objet l‟étude du rôle et de la place de l‟écriture automatique dans le surréalisme, c‟est-à-dire dans la vision du monde surréaliste et, particulièrement, dans la pratique poétique et dans les activités surréalistes. Le mot automatisme est souvent pris pour synonyme de surréalisme et la pratique de l‟écriture automatique est souvent considérée comme obligatoire pour tous les écrivains surréalistes. Le présent travail propose d‟évaluer dans quelle mesure cette association (cette synonymie) est correcte et de le faire en analysant le point de vue de trois écrivains surréalistes français sur l‟automatisme ainsi que leur adhésion (et la façon dont ils y adhèrent) - ou non - à cette pratique : André Breton (1896-1966), Benjamin Péret (1899-1959) et Claude Courtot (1939). / O tìtulo da tese é “O papel e a importância da escrita automática em três escritores surrealistas franceses: André Breton, Benjamin Péret e Claude Courtot”. Seu foco reside no estudo do papel e da importância da escrita automática (no surrealismo, ou seja, na visão de mundo surrealista e, especificamente, na prática poética e nas atividades surrealistas. A palavra automatismo é frequentemente considerada como sinônimo da palavra surrealismo e a sua prática tida por obrigatória para todo escritor surrealista. Este trabalho pretende avaliar em que medida essa associação é correta, através da análise do ponto de vista de três escritores surrealistas sobre o automatismo bem como da verificação de sua adesão e forma de adesão - ou não adesão - a essa prática. Os três escritores que formam o corpus desta pesquisa são: André Breton (1896-1966), Benjamin Péret (1899-1959) e Claude Courtot (1939).

C’est un étude entre le poème et la toile, un jeu de rapport mental où l’artiste Roberto Matta Echaurren s’invente à soi même. Il était l’artiste qui a beaucoup influencé la dernière phase du surréalisme post-guerre. Il était aussi un peintre, un penseur, un activiste et poète de lumière unique. Très tôt, formé en architectura, abandonne son pays natal (Chili) en 1936. À Paris, après travailler avec Le Corbusier, il s’intègre aux surréalistes, au groupe de Breton. D’abord, cet étude propose situer les bases de ce mouvement, par la vie et oeuvre de cet artiste, en analysant la phase de l’exil du surréalisme en les Amériques. Les impacts qui sont provoqués Ernst, Tanguy, Masson, Dalí, Mirò et Lam, par exemple, furent de la majeur importance en touchant beaucoups des jeunes artistes. Dans le cas de Matta, son influence sera fortement marquée sur la génération qui comprendra plus tard The School of New York, parmi eux, Pollock, Mothewell et Gorky. Voilà la poétique de Matta, son art espacial, leur dynamique du voir et les idées du verbe. Avec lui, on aurait plusiers explosions nucléaire sur leurs toiles, après les cubistes, fauvistes et post-impressionistes. Matta apparaît comme une explosion volcanique en créeant des nouvelles structures multidimensionnelles. Donc, cet’étude marque les différentes phases de la production de l’artiste jusqu’à sa mort en 2002. Quelques oeuvres plus importantes, chargées de titres poétiques, nous laissent traces profondes dans l’histoire de l’art contemporain. / Este é um estudo entre o poema e a tela pintada, um jogo de relações mentais, onde o artista Roberto Matta Echaurren se inventa a si próprio. Artista que muito influenciou a ultima fase do surrealismo pós-guerra. Foi um pintor, um pensador, ativista e poeta de luz própria. Bem cedo se forma em arquitetura, deixa seu país natal (Chile) em 1936. Em Paris, depois de trabalhar com Le Corbusier, se integra aos surrealistas, ao grupo de Breton. Este presente estudo se propõe situar às bases do surrealismo, através e da vida e obra deste artista, analisar a trajetória do exílio deste movimento nas Américas. O impacto que alguns surrealistas vão ter, como Ernst, Tanguy, Dalí, Masson, Miró e Lam, estes influenciarão muitos jovens artistas do continente. O caso de Matta exercerá forte influencia sobre a geração que virá mais tarde: The School of New York, entre eles, Pollock, Motherwell e Gorky. A poética de Matta se consolida a partir da arte espacial à dinâmica do ver e as idéias do verbo. Assim, através deles, haverá novas explosões nucleares em suas telas, precedida pelos cubistas, fauvistas e pós-impressionistas. Matta surge como a explosão vulcânica, criando novas estruturas multidimensionais. Este estudo marca as diferentes fases da produção do artista até sua morte em 2002. Algumas de suas obras mais importantes carregam títulos poéticos, deixando assim, pistas profundas na história da arte contemporânea.

Le titre de cette thèse est « Le rôle et la place de l‟écriture automatique chez trois écrivains surréalistes français : André Breton, Benjamin Péret et Claude Courtot ». Elle a pour objet l‟étude du rôle et de la place de l‟écriture automatique dans le surréalisme, c‟est-à-dire dans la vision du monde surréaliste et, particulièrement, dans la pratique poétique et dans les activités surréalistes. Le mot automatisme est souvent pris pour synonyme de surréalisme et la pratique de l‟écriture automatique est souvent considérée comme obligatoire pour tous les écrivains surréalistes. Le présent travail propose d‟évaluer dans quelle mesure cette association (cette synonymie) est correcte et de le faire en analysant le point de vue de trois écrivains surréalistes français sur l‟automatisme ainsi que leur adhésion (et la façon dont ils y adhèrent) - ou non - à cette pratique : André Breton (1896-1966), Benjamin Péret (1899-1959) et Claude Courtot (1939). / O tìtulo da tese é “O papel e a importância da escrita automática em três escritores surrealistas franceses: André Breton, Benjamin Péret e Claude Courtot”. Seu foco reside no estudo do papel e da importância da escrita automática (no surrealismo, ou seja, na visão de mundo surrealista e, especificamente, na prática poética e nas atividades surrealistas. A palavra automatismo é frequentemente considerada como sinônimo da palavra surrealismo e a sua prática tida por obrigatória para todo escritor surrealista. Este trabalho pretende avaliar em que medida essa associação é correta, através da análise do ponto de vista de três escritores surrealistas sobre o automatismo bem como da verificação de sua adesão e forma de adesão - ou não adesão - a essa prática. Os três escritores que formam o corpus desta pesquisa são: André Breton (1896-1966), Benjamin Péret (1899-1959) e Claude Courtot (1939).

L’œuvre d’Alberto Giacometti a posé avec acuité le problème de la représentation. Dès 1929, un article de Michel Leiris appelle sa mise en question de la « figure humaine » à venir dialoguer dans l’espace de la revue Documents avec une pensée dialectique de l’image, celle de Georges Bataille. Il rejoint ensuite le groupe surréaliste en abandonnant pour un temps la représentation figurative au profit du « modèle intérieur » prôné par André Breton. Son retour au modèle extérieur contredit le sens de l’histoire de l’art pour Breton et lui vaut d’être exclu du groupe surréaliste. Pourtant Giacometti dans ce retour au réel n’abandonne pas le pôle subjectif, il choisit au contraire de l’assumer dans ses plus extrêmes conséquences, en refusant dans sa représentation de l’objet d’être plus précis que la perception. Son œuvre suscite alors après-guerre l’attention des philosophes car elle rencontre les recherches de la phénoménologie. Mais elle attire surtout l’attention de nombreux écrivains à mesure que l’impossibilité d’atteindre son but, faire une « tête vivante », conduit Giacometti à faire de son art une méditation sur le sens de la représentation de la réalité en art. Admettant le caractère inéluctable de l’échec auquel est confronté celui qui veut saisir le réel, il choisit d’approfondir le « pourquoi » de cet échec. Son œuvre devient alors le lieu d’une critique acérée du langage, perçue comme le meilleur moyen d’affronter l’écart entre les signes (plastiques ou langagiers) et les objets du réel. Les écrivains tentent de mesurer les conséquences poétiques de cette approche du réel qui envisage l’art comme un moyen de se rendre compte de ce que nous voyons. / At the core of Alberto Giacometti’s works lies the problem of representation, ie. the fact that signs mean more that what they are. As soon as 1929, Michel Leiris confronted Giacometti’s challenge of the « human figure » with Georges Bataille’s dialectic approach of images in the journal Documents. The former then joined the surrealists and temporarily left figurative representation for « the interior model » advocated by André Breton. His return to the exterior model went against the course of art history according to Breton, and led to his exclusion from the surrealist group. Although he had come back to reality, Giacometti did not discard subjectivity. On the contrary, he chose to stay true to its most extreme consequences and refused to represent objects more acutely than the senses could. His work then attracted the attention of post-war philosophers like Sartre, as it intersected with their research on phenomenology. It also attracted the attention of a number of writers (Char, Ponge, Tardieu, Bonnefoy, Dupin and du Bouchet) when his failure to reach his goal, the creation of a « living head », gradually led his artworks to question the worth of representing reality in art. While admitting to the inevitable failure awaiting any artist trying to grasp reality, Giacometti chose to explore the reasons of that failure. This is how his artworks grew to express a sharp criticism of language, which he saw as the best way to bridge the gap between signs (both plastic and linguistic) and the objects constituting reality. Writers have tried to measure the poetic consequences of Giacometti’s approach to reality, which envisions art as a means to realize what we see.

Le titre de cette thèse est « Le rôle et la place de l’écriture automatique chez trois écrivains surréalistes français : André Breton, Benjamin Péret et Claude Courtot ». Elle a pour objet l’étude du rôle et de la place de l’écriture automatique dans le surréalisme, c’est-à-dire dans la vision du monde surréaliste et, particulièrement, dans la pratique poétique et dans les activités surréalistes. Le mot automatisme est souvent pris pour synonyme de surréalisme et la pratique de l’écriture automatique est souvent considérée comme obligatoire pour tous les écrivains surréalistes. Le présent travail propose d’évaluer dans quelle mesure cette association (cette synonymie) est correcte et de le faire en analysant le point de vue de trois écrivains surréalistes français sur l’automatisme ainsi que leur adhésion (et la façon dont ils y adhèrent) – ou non – à cette pratique : André Breton (1896-1966), Benjamin Péret (1899-1959) et Claude Courtot (1939). / O título da tese é “O papel e a importância da escrita automática em três escritores surrealistas franceses: André Breton, Benjamin Péret e Claude Courtot”. Seu foco reside no estudo do papel e da importância da escrita automática (no surrealismo, ou seja, na visão de mundo surrealista e, especificamente, na prática poética e nas atividades surrealistas. A palavra automatismo é frequentemente considerada como sinônimo da palavra surrealismo e a sua prática tida por obrigatória para todo escritor surrealista. Este trabalho pretende avaliar em que medida essa associação é correta, através da análise do ponto de vista de três escritores surrealistas sobre o automatismo bem como da verificação de sua adesão e forma de adesão – ou não adesão – a essa prática. Os três escritores que formam o corpus desta pesquisa são: André Breton (1896-1966), Benjamin Péret (1899- 1959) e Claude Courtot (1939).