Orientador: Adilson José Ruiz / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-18T04:40:29Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Zani_Ricardo_D.pdf: 3571234 bytes, checksum: e29331768ad5f486c1e0293e33541420 (MD5) Previous issue date: 2010 / Resumo: Para o cineasta Luis Buñuel as estranhezas deveriam sempre fazer parte de seus filmes. Um homem formado por contradições, assim era Buñuel, com seu menosprezo à sociedade e à religião cristã. Esta tese apresenta o argumento de que desde a realização do seu primeiro curta-metragem Um Cão Andaluz, roteirizado em parceria com Salvador Dalí, houve uma coerência de pensamento que estabeleceu para ambos um caminho a seguir. No prólogo deste filme, a metáfora de uma jovem moça tendo seu olho rasgado por uma navalha tornou-se cinematograficamente uma verdade estarrecedora e a essência de uma narrativa que transformou e codificou os preceitos surrealistas em dois únicos e universais temas, o amor e a liberdade, ao sintetizar a arte deste movimento nas questões mais caras aos participantes do grupo. Destaca-se aqui a galeria de estilos que se instalou na cinematografia de Luis Buñuel para reafirmar constantemente os traços marcantes de sua obra, dentre eles a polifonia, esclarecendo que a mesma reside em seus discursos quando estes se entrelaçam, se misturam e se completam. Nesta polifonia buñueliana se distingui o encontro de Um Cão Andaluz, Viridiana e Bela da Tarde com a pintura Angelus de Jean-François Millet para caracterizá-lo como um elemento constitutivo das reminiscências de Luis Buñuel e de Salvador Dalí. Resulta deste encontro polifônico uma mensagem comum nas obras aqui estudadas com o objetivo de expor que todos estes elementos apontam para uma relação com determinadas características medievais pesquisadas por Mikhail Bakhtin, a morte e os excrementos inseridos na renovação dos desejos sexuais do homem / Abstract: For the filmmaker Luis Buñuel the oddities should always be part of his films. A man made up of contradictions, so it was Buñuel, with his contempt for society and Christian religion. This thesis presents the argument that since the completion of his first short film Un Chien Andalou, written in collaboration with Salvador Dalí, there was a consistency of thought for both established a way forward. In the prologue of this film, the metaphor of a young girl with her eye torn by a knife has become a cinematic appalling truth and essence of a narrative that transformed and codified the precepts surrealists in two unique and universal themes, love and liberty, synthesize the art of this movement on the issues most dear to the group participants. We highlight here the style gallery which was installed in the film by Luis Buñuel to constantly reaffirm the hallmarks of his work, including polyphony, explaining that it lies in his speeches when they intertwine, blend and complement each other. This polyphony buñueliana be distinguished from the meeting Chien Andalou, Viridiana and Belle Afternoon with Angelus painting by Jean-Francois Millet to portray him as a constituent element of the remnants of Luis Buñuel and Salvador Dalí. Results of this meeting a common message in polyphonic works studied here in order to expose all these elements point to a relationship with certain medieval features surveyed by Mikhail Bakhtin, death and excrement inserted in the renewal of man's desires sexual / Doutorado / Artes Visuais / Doutor em Artes

Orientador: Ernesto Giovanni Boccara / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-04T20:55:00Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Ferreira_AdrianadeSousa_M.pdf: 5464574 bytes, checksum: 1741e3b4ffbc7f0f081bf2c606ee666d (MD5) Previous issue date: 2005 / Resumo: A misteriosa, fascinante e multiforme realidade anímica do processo de criação artística oferece incontáveis trilhas para peregrinação, reflexão e busca. A arte visual me incita ao ato de OLHAR, de Ver, de Ouvir e me induz ao risco de sugerir possíveis formas de contato e aproximação da Imagem como Linguagem. As motivações para esta redação remontam a indagações levantadas pelo interesse pessoal, pela prática terapêutica clínica e pela docência ministrada a arteterapeutas. O objetivo é investigar os meandros e as implicações do fazer artístico, desde as suas raízes na interioridade do artista - a terra incógnita da alma onde forças informes se movimentam em busca de tomar forma; passando pela emergência ou o cultivo de imagens - tais como sonhos, visões ou narrativas - com sua dimensão simbólica; até o esforço, ora disciplinado, ora improvisado, de moldar os materiais que enfim expressam no mundo das formas o impulso criativo. As referências básicas são o testemunho de alguns artistas sobre sua experiência e sobre o significado da criatividade, e a análise de algumas imagens, todos selecionados por simpatia pessoal e pertinência ao assunto. Um espaço maior é dado a contemplação de uma das obras do pintor espanhol Juan Miró, cujos escritos e cujas obras corporificam os princípios aqui elucidados. Os fundamentos teóricos acham-se na obra de Carl Gustav Jung, que usa o conceito de arquétipos para compreender os movimentos da força criativa humana, e na obra de Joseph Campbell, que estuda as relações entre os mitos e a arte. A metodologia inspira-se na crítica genética, buscando compreender as fontes anímicas e os momentos cruciais da geração e da construção de imagens e obras de arte, e também tece conexões interdisciplinares entre os campos da Psicologia, da Arte (especialmente Pintura e Poesia) da Filosofia e da Espiritualidade / Abstract: The fascinating animistic reality of the artistic creative process offers many possibilities for reflections, search and pilgrimage. Visual Art invites me to look and to listen leading me to the risk of suggesting possible ways of contact and approach to Image as Language. The main course of the work is to investigate the implications of the artistic making trom its roots in the deep inside of the artist-the unknown land of the soul-where forces yet unshaped move towards a definition given by shape as as outcome of images as such in dreams and visions, ali of it in the symbolic dimension. Shape attained throughout the effort and discipline practiced by the artist as a mean of translating its imagination in the work of art. The guiding references are the testimony of some artists about their experiences conceming the meaning of creativity, and the analysis of a few images in works of art selected by personal empathy. A wider space is given to the contemplation of Juan Miro's painting: Personagens e Passaros na Noite 1973. Theoretical foundations are based on Carl Gustav Jung 's work on the archetypal views of the creative forces that nourishes and instigate human imagination. Methodology is inspired by genetic critic, aiming to understand the crucial moments of the creative processo Multidiciplinary connections are traced with the fields of Psychology,Arts (Iiterature as well), Philosophy and Spirituality / Mestrado / Mestre em Artes

Este trabalho propõe uma análise da viagem do artista francês Antonin Artaud ao México no ano de 1936. Por meio das correspondências e dos textos de Artaud produzidos neste país, pretende-se problematizar a sua concepção sobre a Revolução Mexicana e sobre os seus desdobramentos políticos e culturais durante os anos 1930, as suas ideias sobre as culturas indígenas e a sua relação com a realidade artística-intelectual mexicana. Parte-se da premissa de que o olhar de Artaud para o México foi formado por um ambiente intelectual e artístico marcado pelo Surrealismo, por um sentimento de crise da civilização europeia e por uma busca por formas de vida mais integradas entre o homem, a natureza e a arte. Artaud chega ao México em fevereiro de 1936 e permanece no país durante oito meses. Segundo suas próprias palavras, fora em busca do que ele denominaria de esoterismo mexicano o único que se apóia ainda sobre o sangue e a magnificência de uma terra cuja magia só os imitadores fanatizados da Europa podem ignorar. Durante a estadia, antes de ir à terra dos Tarahumaras, proferiu conferências na Escola Nacional Preparatória e escreveu artigos em jornais mexicanos a respeito do teatro europeu, do teatro mexicano, do movimento surrealista francês, das suas expectativas com relação à cultura indígena mexicana e da sua busca existencial como artista. No entanto, a sua visita ao México se dá justamente no período pós-revolucionário, durante o polêmico e marcante governo de Lázaro Cárdenas, no qual há uma radicalização da querela entre os artistas denominados universalistas e aqueles conhecidos como nacionalistas. Os primeiros, ao defenderem uma arte moderna e universal, preconizavam a arte europeia como matriz aspecto que Artaud repudiava e os segundos, ao afirmarem uma arte nacional, pura, utilizavam-se da cultura indígena como elemento unificador da nação, mas sem o respeito pela magia e pelo esoterismo indígena que Artaud tanto pregava. Daí as hipóteses para a falta de repercussão sobre o artista francês durante a sua permanência no país. Artaud também projetou sobre o México percepções que ele nutria a respeito do teatro. Idealizador do chamado Teatro da Crueldade, Artaud reconheceu no ritual do peyote praticado pelos índios tarahumaras no México uma vivência que se aproximava do seu projeto teatral / This work proposes an analysis about the Mexico trip realized by the French artist Antonin Artaud in 1936. With Artauds correspondences and texts written in this country, it intends to discuss his conception about Mexican revolution and its political and cultural results during the 1930s years, his ideas about the Indian cultures and his relation with the Mexican artistic intellectual reality. We have the premise that Artauds look to México was formed by an intellectual and artistic surrounding marked for the Surrealism, by an European civilizations crisis feeling and by a search for lifes forms more integrated between man, nature and arts. Artaud arrived in México in February of 1936 and stayed in the country during eight months. With his own words, he was searching for what he called by Mexican esoterism the only one that still rest on the blood and the magnificent of a land whose magic only the fanatics imitators from Europe can ignore. During his permanence, before going to Tarahumaras land, Artaud was the speaker for conferences in the National Preparatory School and wrote articles for the Mexican newspapers about the European theatre, the Mexican theatre, the French surrealist movement and his Mexican Indian culture expectation. He also wrote about his own experience about his existential search as an artist. However, his Mexico visit had been done in the post-revolutionary period, during the polemic and notorious Lázaro Cárdenas government, when there was a radicalization of the debate between the artists known as universalists and other as nationalists. The first ones, when defended a modern and universal art, commended the European art as matrix aspect repudiated by Artaud and the second ones, when asseverated a national art, pure, had utilized the Indian culture like nations unifier element, but without the respect for the magic and for the Indian esoterism that Artaud always had been preached. These aspects could integrate the hypothesis that explains the lack of repercussion about the French artist during his stay in the country. Artaud also projected in Mexico the perceptions that he created about the theatre. The artist was the idealizer of the Cruelty Theatre, and he recognized in the Peyotes ceremony practiced by the Tarahumaras Indians in Mexico an environment close to his theatrical project

A dissertação analisa a trajetória da Internacional Situacionista durante o período de sua existência, de 1957 até 1972, salientando as ressonâncias dos ideários das vanguardas do Futurismo, Dadaísmo e Surrealismo, no ideário da I.S.. Sua importância está vinculada a reinvenção do espaço público como lugar de criação cultural e ação política, além do fato de serem recorrentes na arte contemporânea as ideias de obra coletiva, participação, construção efêmera e de evento, que nos remete as ações da I.S. e dos movimentos citados. O objetivo da pesquisa é analisar e compreender a ideia de situação construída, a qual era o propósito fundamental dos situacionistas. Nessa abordagem revelamos as origens da ideia de situação construída e como ela é fruto da revisão crítica que a I.S. faz das experiências e conceitos das vanguardas analisadas. A metodologia utilizada examina de forma comparativa os textos produzidos pela I.S. com os do Futurismo, Dadaísmo e Surrealismo, contrapondo suas ideias no campo da arte, cultura, política e meios de ação nos espaços urbanos. A leitura dos textos primários, obras de \"arte\" e jornais situacionistas formam a base da análise. Os textos pré-situacionistas assim como os textos referentes às vanguardas analisadas, indicam a arqueologia do pensamento situacionista, expondo as suas diferenças e aproximações fundamentais entre os movimentos. Enquanto os textos secundários, análise de historiadores e comentadores da I.S., expandem o universo situacionista no contexto das décadas de 50, 60 e 70, auxiliando na compreensão de suas teorias, julgamentos e ações. / The dissertation analyzes the history of the Situationist International (S.I.) during its existence from 1957 until 1972, emphasizing the resonances of the ideals of the vanguards of Futurism, Dadaism and Surrealism, the ideals of S.I.. Its importance is linked to the reinvention of public space as a place of cultural and political action. Besides the fact they are recurrent in contemporary art, the ideas of collective work, participation, construction and ephemeral event, which brings us the action of S.I. and movements mentioned. The objective of this research is to analyze and understand the idea of constructed situation, which was the fundamental purpose of the Situationists. In this approach reveal the origins of the idea of constructed situation and how it is the result of the critical of the S.I. makes the experiences and concepts of the vanguards analyzed. The methodology examines in a comparative way the texts produced by S.I. with Futurism, Dadaism and Surrealism, opposing ideas in art, culture, politics and means of action in urban areas. The reading of primary texts, works of \"art\" Situationist and newspapers form the basis of the analysis. The pre-situationist texts as well as texts concerning vanguards analyzed, indicate the archeology of Situationist thought giving the fundamental differences and similarities between the movements. While the secondary texts, analysis of historians and commentators of the S.I., situationist expand the universe in the context of the 50, 60 and 70, assisting in the understanding of his theories, judgments and actions.

Submitted by Giovanna Brasil (1154060@mackenzie.br) on 2017-09-13T19:47:45Z No. of bitstreams: 2 Fernanda Ferreira e Silva do Nascimento.pdf: 12135320 bytes, checksum: f94f7fc902f80706b0527165c3cabdd9 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Paola Damato (repositorio@mackenzie.br) on 2017-09-25T13:37:24Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Fernanda Ferreira e Silva do Nascimento.pdf: 12135320 bytes, checksum: f94f7fc902f80706b0527165c3cabdd9 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2017-09-25T13:37:24Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Fernanda Ferreira e Silva do Nascimento.pdf: 12135320 bytes, checksum: f94f7fc902f80706b0527165c3cabdd9 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2017-08-02 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / David Lynch, one of the greatest North American filmmakers, is known mainly for his films influenced by Surrealism and for having developed a particular aesthetic style. In his works, identity crises are frequent themes and in the research of the chosen object for this dissertation – Mulholland Dr. (2001) – the director explores to the maximum the fragmented personality of the protagonist in a universe of simulacra as Hollywood. The duplicity of the character Betty/Diane is the main conflict of the film and the central question of this dissertation. Thinking about the dense nature of the film and the importance of the subject identity, the objective is to investigate how the personality of the protagonist is fragmented in the filmic text and what artifices the director relies on to explore the duality of the main character. In order to meet the central purpose of the dissertation, in the first chapter a study is carried out on modernity, new identities and the concept of simulacrum, which reveal the fragmentation of the modern self that is configured in the phenomenon of the double. In a second moment of the research, the aesthetic questions are valued to observe how the shattered identity of the protagonist is portrayed in a dreamlike perspective, sphere in which the reality and the dream world of Diane are constantly blurred. Still, considering the relevance of the ambience of dreams, there is the concern to examine the relation of the film to the surrealist movement and the theme that carries the concept of game present in the filmic text. Finally, in a third part, theories are presented about the double as a process of rejection to reality and as a resource used by the protagonist to evade the consequences reserved for her destiny. / David Lynch, um dos maiores cineastas norte-americanos, é conhecido principalmente por seus filmes influenciados pelo Surrealismo e por ter desenvolvido um estilo estético particular. Nas suas obras, as crises de identidades são temas frequentes, e no objeto de pesquisa escolhido para esta dissertação – Mulholland Dr. (Cidade dos sonhos, 2001) – o diretor explora ao máximo a personalidade fragmentada da protagonista em um universo de simulacros como Hollywood. A duplicidade da personagem Betty/Diane é o principal conflito do filme e a questão central desta dissertação. Pensando neste corpus de natureza densa e na importância do tema identidade, apresenta-se como objetivo investigar como a personalidade da protagonista se fragmenta no texto fílmico e em quais artifícios o diretor se apoia para explorar a dualidade da personagem principal. Para atender ao propósito central da dissertação, no primeiro capítulo realiza-se um estudo sobre a modernidade, as novas identidades e o conceito de simulacro, que desvelam a fragmentação do sujeito moderno que se configura no fenômeno do duplo. Em um segundo momento da pesquisa, as questões estéticas são valorizadas para observar como a cisão identitária da personagem protagonista é retratada em uma perspectiva onírica, esfera em que a realidade e o mundo dos sonhos de Diane se confundem constantemente. Ainda, considerando a relevância da ambiência dos sonhos, há a preocupação em examinar a relação do filme com o movimento surrealista e a temática que carrega o conceito de jogo presente no texto fílmico. Finalmente, em uma terceira parte, apresentam-se teorias sobre o duplo como um processo de rejeição à realidade e como um recurso utilizado pela protagonista para fugir das consequências reservadas ao seu destino.

No ano de 1934, o artista alemão Max Ernst lança em Paris um peculiar conjunto de fascículos intitulado Uma Semana de Bondade ou os Sete Elementos Capitais. Trata-se, segundo o próprio artista, de um romance de colagens. A obra, que fora pensada e produzida por Ernst durante férias na Itália, consiste de 182 colagens feitas a partir da combinação de figuras provenientes de romances folhetinescos do século XIX e de enciclopédias do mesmo período. Em cada uma dessas colagens, há cenas de violência e horror, praticadas por seres estranhos, meio humanos, meio animais. Fora a estranheza já naturalmente causada pelas colagens, é curioso notar o fato de que a obra se apresenta como um romance, tanto na denominação dada pelo autor, quanto pela forma na qual foi lançado, inicialmente por meio de cadernos periódicos, à moda dos folhetins, e posteriormente na forma de um grande volume. Este trabalho procura analisar como duas características caras ao romance se configuram nesta obra de Ernst. São elas a narratividade e os personagens. Para tanto, o trabalho faz uma revisão do movimento surrealista, apresentando a colagem de Max Ernst e a análise da narratividade e dos personagens em Uma Semana de Bondade. / In 1934, the German artist Max Ernst launches in Paris a peculiar set of fascicles entitled A Week of Kindness or the Seven Deadly Elements. It is, according to the artist himself, a \"collage-novel\". The work, which was conceived and produced by Ernst during a holiday in Italy, is consisted of 182 collages made from the combination of pictures from nineteenth-century kitsch novels and encyclopedias of the same period. In each of these collages, there are scenes of violence and horror, practiced by strange beings, half human, half animals. Apart from the strangeness already caused by the collages themselves, it is curious to note the fact that the work presents itself as a novel, in the denomination given by the author and also in the form in which it was launched, initially by means of periodical fascicles, in the style of serial novels, and later in the form of a large volume. This work tries to analyze how two characteristics of the novel are configured in this Ernst\'s work: narrativity and characters. In order to do this, the surrealist movement is reviewed, presenting the collage of Max Ernst and the analysis of narrativity and characters in A Week of Kindness.

Cette recherche de Doctorat se propose d’étudier ce que nous nommons la poétique du mouvement chez Jacques Prévert, ayant choisi comme corpus surtout les recueils prévertiens Fatras (1966), Imaginaires (1970) e Choses et autres (1972). Dans notre étude, nous considérons qu’il y a dans la poétique prévertienne une structure mobile dans laquelle six axes sont en rapport les uns avec les autres. À notre avis, ces six aces sont de nature: stylistique, linguistique, mimétique, interdiscursive, paratextuelle et temátique. Leur fonction serait d’effetuer des transformations chez l’oeuvrre poétique prévertienne concernant le sens des mots et des images, et le support même du livre, et un confront entre l’ortodoxie et l’hétérodoxie. / A pesquisa atual de Doutorado se dedica a estudar o que denominamos a poética do movimento em Jacques Prévert, tendo como corpus, principalmente as obras Fatras (1966), Imaginaires (1970) e Choses et autres (1972). Em nosso estudo, propomos uma estrutura móbil em que se relacionam seis eixos, a saber: estilístico, lingüístico, mimético, interdiscursivo, paratextual e, por fim, o eixo temático. Assim, com base principalmente nos livros Fatras, Imaginaires e Choses et autres, entendemos que a contribuição de nosso trabalho é apresentar uma poética da obra prevertiana em que se considere a inter-relação entre esses seis eixos, uma vez que eles promovem transformações nas palavras, nas imagens, no próprio suporte do livros e em temas que estão relacionados ao movimento e à petrificação, à vida e à morte.

Este trabalho propõe uma leitura da poesia amorosa de Murilo Mendes, buscando no recorte temático um ponto de vista de onde se podem observar os aspectos mais constitutivos da obra do autor A mulher é o grande campo artístico do homem, afirmou o poeta, propondo ele mesmo essa relação. Parte-se da constatação de que em sua trajetória convivem visões antagônicas do amor e da mulher: a inspiração surrealista propõe uma concepção amorosa que visa à vida pública e à emancipação feminina, enquanto a visão de mundo católica subordina o amor ao desenvolvimento espiritual, muitas vezes reduzindo a mulher a uma categoria. Essa contradição, investigada principalmente em poemas de A poesia em pânico (1936-1937) e As metamorfoses (1938-1941), torna possível discutir uma das mais problemáticas e decisivas questões da obra muriliana a combinação entre surrealismo e catolicismo. Defende-se a hipótese de que as contradições surgidas dessa conciliação de opostos vão sendo superadas à medida que se desenvolve uma nova concepção de história, flagrada em composições de Mundo enigma (1942) e Poesia liberdade (1943-1945) que confrontam de modo novo mundo público e poesia pessoal. De um ponto de vista que se quer ao mesmo tempo diacrônico (porque considera a trajetória) e sincrônico (porque procura delimitar concepções específicas do amor e da mulher), buscam-se as razões para que o lirismo amoroso se concentre em poemas escritos nas décadas de 1930 e 1940, já que Murilo Mendes produziu pelo menos de 1925 a 1974. / This thesis presents a reading of the love poetry of Murilo Mendes, searching in the thematic study a point of view from where we notice the aspects most constituent of the authors work Woman is the great artistic field of man, claims the poet, himself proposing this relation. We start by the finding that antagonistic visions of love and woman coexist in his poetry: the surrealist inspiration corresponds to a conception of love aiming at public life and feminine emancipation, while the catholic world vision subordinates love to the spiritual development, many times reducing woman to a category. This contradiction, mainly investigated in poems of A poesia em pânico (1936-1937) and As metamorfoses (1938-1941), makes possible to discuss one of the most problematic and decisive matters of the Murilos work the combination between surrealism and Catholicism. We defend the hypothesis that the contradictions aroused from this opposing conciliation are being surpassed as a new conception of history is developed as we perceive in compositions of Mundo enigma (1942) and Poesia liberdade (1943-1945) in which historical world and lyric poetry have new relation. From a point of view that we want at the same time diachronic (trajectory considered) and synchronic (searching to delimit specific conceptions of love and woman), we chase reasons why amorous lyricism is concentrated in poems written in the decades of 1930 and 1940, since Murilo Mendes produced at least from 1925 to 1974.

Orientador: Ernesto Giovanni Boccara / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-19T18:47:44Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Capelatto_IgorAlexandre_M.pdf: 13117483 bytes, checksum: 27c5760a98c2ce9d73dcea14709b2146 (MD5) Previous issue date: 2011 / Resumo: Esta pesquisa tem como objetivo dissertar sobre o Surrealismo e sua influência na sétima arte, ao que chamamos de Cinema Surrealista. Levantando questões como as influências deste cinema surrealista no panorama da sétima arte, tanto em questões conceituais, estéticas, como no processo tecnológico aplicado ao processo fílmico. Para tal análise utilizamos conceitos semióticos como base para o estudo dos três filmes propostos como ilustração e do processo criativo do filme Wonderland - resultado prático desta dissertação. Os filmes propostos são Spellbound (HITCHCOCK, 1945 - a "sequência do sonho" criada por Salvador Dalí), Alice (SVANKMAJER, 1988) e Titus (TAYMOR, 1999), escolhidos após uma triagem, para elucidarem a presença dos elementos surrealistas ao longo da história do Cinema e sua persistência na criação cinematográfica contemporânea / Abstract: This study has his focus on the study of Surrealism and its influence on the seventh art, which we named Surrealist Cinema. Raising influences such as this surrealist cinema in the panorama of the seventh art in conceptual, aesthetic questions, as in the technological process applied to the film. For this analysis we used semiotic Concepts as the basis for the study of the three films offered as an illustration and of the creative process of the film Wonderland - practical result of this dissertation. The movies proposed are Spellbound (HITCHCOCK, 1945 - the "dream sequence" created by Salvador Dalí), Alice (SVANKMAJER, 1988) and Titus (TAYMOR, 1999), chosen after a screening, to elucidate the presence of surrealistic elements throughout the history of cinema and its persistence in contemporary filmmaking / Mestrado / Multimeios / Mestre em Multimeios

Orientador: Mariza Correa / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-07-31T22:46:25Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Rolim_IaraCeciliaPimentel_M.pdf: 13604389 bytes, checksum: 73db6a332918cff02d616525b5feb294 (MD5) Previous issue date: 2002 / Resumo: o tema central desta dissertação é o entendimento do olhar de Pierre Verger e a objetivação deste através da fotografia, como estando atrelado, no decorrer de sua trajetória de vida, à sua interação com um contexto específico. O trabalho se desenvolve com a junção de problemas relativos à representação imagética, como uma linguagemprópria, com questões referentes ao contexto, como base possível de levantamento de possibilidades do direcionamento do olhar de Pierre Verger. Partindo da análise de sua trajetória de vida que prioriza na França (lugar onde Pierre Verger nasceu e viveu até os 30 anos) o grupo dos surrealistas aliado ao grupo do Museu de Etnografia do Trocadero, chegamos até a Bahia, lugar onde passou mais da metade de sua vida. Esta trajetória de vida gerou muitas experiências, livros, artigos, conferências e um arquivo fotográfico de mais de 62 000 negativos. Considerando a extensão da obra de Verger e a impossibilidadede uma análise mais profunda sem uma primeira leitura como este trabalho, optou-se por direcionar o foco da pesquisa para sua obra publicada no Brasil. Este recorte nos leva a observar como seu olhar, de início difuso, foi se tornando cada vez mais preciso e centrado nas questões que se referem ao papel da preservação das "raízes africanas"para os negros no "Novo Mundo", em especial para os da Bahia. Desta forma, dentro de um contexto que valorizava a presença da África na região, suas fotografias passaram a indicar e comprovar que a Bahia e a Africa, tudo é um, o que teve uma influência direta na construção da identidade dos negros do local / Abstract: The theme of this dissertation is a study on the look of Pierre Verger in his photography and the objective pursued throughout his life: photography conceived through his interaction with specific contexts. The study is developed with the discussion of issues related to the imagerial representation, given it as a specific type of language, and issues related to the context, given it as a basic source for Verger's different possibilities oflook. The study starts with an analysis of Verger's life in France (where he was bom and lived until his thirties) particuIarly viewing his experience with the surrealist group and the sympathetic group of the Museum of Ethnography of Trocadero. It then reaches his life in Brazil's State ofBahia, where he lived for more than half of his life. These specific periods caused Verger to produce a vast number of books, articles, conferences and a photographic archive constituted of more than 62.000 negatives. Given the enormous amount of his complete work and the impossibility of a deeper analysis of it without a first approach as the present study, the focus of research here is the anthropologist's work published in Brazil only. The analysis of such particular data provides a clear view on how his look, at first diffused, turned to be more and more precise and focused on the preservation of the "African roots" for the black people of the "New World", specially to the ones who lived in Bahia. Verger's photographs have thus become icons and a proof that Bahia e a Africa, tudo é um ("Bahia and Africa are one thing only") and that this uniqueness has had direct influence in the constitution ofthe identity ofthis black community / Mestrado / Mestre em Antropologia