A presente pesquisa, pautada por quase dez anos de constante aprendizado e prática artística no Centro de Pesquisa Teatral (CPT), aborda a Arte do ator pela perspectiva da prática formativa desenvolvida e aplicada por Antunes Filho. O estudo pretende refletir sobre a experiência proposta na formação dos atores no CPT e organizar o conceito de Manifestação elaborado pelo diretor. A dissertação analisa a origem da metodologia e contempla a investigação da recente prática formativa coordenada por Antunes, somando-se aos escassos, porém importantes, estudos sobre a trajetória do diretor, diferenciando-se desses por articular na análise do objeto de pesquisa a experiência cênica e a prática didática do pesquisador no contexto do CPT / This study, based on nearly ten years of constant learning and artistic practice at the Center of Theatre Research (CPT), discusses the Art of the actor through the perspective of formative practice developed and applied by Antunes Filho. The study aims to reflect about the experience proposed on the actor\'s training within the CPT and to organize the concept of Manifestation, created by the director. The dissertation examines the methodology\'s origin and contemplates the investigation of the recent formative practice leaded by Antunes, adding to the scarce, but important, studies on the director\'s trajectory, but differentiating from those by the articulation of the researcher\'s acting experience and teaching practice in the context of CPT.

O objetivo deste trabalho é analisar e comparar as peças Death of a Salesman [Morte dum caixeiro viajante] (1949), do dramaturgo americano Arthur Miller (1915-2005), e Rasga Coração (1974), do dramaturgo brasileiro Oduvaldo Vianna Filho (Vianinha) (1936-1974), especialmente em relação aos elementos épicos presentes nelas. Ambas as obras possuem uma estrutura formal que apresenta passado e presente simultaneamente no palco. Uma vez que uma peça dramática pressupõe sempre o tempo presente exposto cenicamente, o fato de o passado ser parte estrutural de Death of a Salesman e Rasga Coração já o transforma num primeiro importante traço épico das duas obras. A partir daí, vários outros elementos épicos serão apontados e examinados durante o trabalho sendo que estes elementos são importantes na representação dos conflitos sócio-históricos presentes nos Estados Unidos dos anos 40 e no Brasil nas primeiras sete dé-cadas do século XX. Outro aspecto que as duas peças apresentam em comum é o fato de analisarem um conflito geracional entre pai e filho(s), que representa, ao mesmo tempo, o conflito entre forças sociais e históricas maiores. Estudar quais são estas forças sociais representadas é também objetivo da pesquisa. Isto fará com que semelhanças e diferen-ças entre as obras e seus contextos apareçam e sejam discutidas. / The objective of this research is to analyze and compare the plays Death of a Salesman (1949), by the American playwright Arthur Miller (1915-2005), and Rasga Coração, by the Brazilian playwright Oduvaldo Vianna Filho (Vianinha) (1936-1974), especially concerning their use of epic elements. Both plays have a formal structure that presents past and present simultaneously on stage. Since a dramatic work always presupposes the scenic exposure of the present as a central characteristic, the fact that the past is part of the structure of Death of a Salesman and Rasga Coração transforms it into the most important epic element in both plays. Other epic elements of importance for the repre-sentation of social and historical conflicts of the United States in the forties and of Bra-zil in the first seven decades of the XX century will be examined as well. Another char-acteristic shared by these two plays is the fact that they discuss the generation conflict between father and son(s) in a way that combines the representation of private family affairs to the one of bigger social and historical forces. To study the nature of these so-cial forces represented in the two plays is another objective of this research, which will discuss and point out similarities and differences between them and their respective so-cial contexts.

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:17:30Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Adriana Vaz Ramos.pdf: 2913822 bytes, checksum: e8e49d9acb82f1cd0f43b7e3c3d4697d (MD5) Previous issue date: 2008-10-27 / This study aimed to analyze the actor s visual characterization, which is the language used to construct the actor s and characters appearance for performances, as well as to evaluate its importance for the construction of signs in a particular artistic production. Visual characterization specifically refers to the expressive relationships among colors, shapes, volumes and lines that differently from the costumes, makeup, hairdo and accessories in order to translate the general appearance into sensitive plastic material, that is, the actor s characterization in a production scene. Nowadays, in performances broadcasted by different means, a distinct manner to conceive the construction of the actor s appearance has been noted. It differs from the simple reference functions that are usually presented by the concept of costume design in a production, generally considered an accessory of the representation. A costume design production results from a mimetic referential design that anticipates the performance where the actor is inserted, like costumes portraying a determined period in time, for example. This study reflects on the complexity process that the language named actor s visual characterization has been going through, in order to understand its conceptual field and propose the existence of another way to constitute this language defined as actor s appearance design, where the costume design is just a partial element. As a language, visual characterization may be organized according to costume design or appearance design. Giulio Carlo Argan s concepts of existing differences between project and program as well as Regis Debray s propositions of distinct ways to organize a piece of information were decisive to define the concept of appearance design and show the divergences between the actor s characterization form and the costume design production. Because of the metonymic mechanism of thinking, common sense uses the word costume to refer to an actor s general appearance, ignoring the importance of the other components to the construction of the scenic image. The concepts elaborated by the semioticians from the Tartu- Moscow School present the necessary theoretical perspectives to the understanding of the actor s appearance in performances with open systems that consist of dialogues among several modeling systems. Therefore, it can be said that an actor s appearance is a cultural text, which resulted from a complex overlapping of languages, and that can only be understood through that complexity. An artistic performance is a systemic production, a bundle of relations, in which innumerous languages influence the construction of the final product. It is not possible to isolate just one of the constituting languages of a production in order to understand it because it is always necessary to do a relational reading, mainly a communicating or mediating one, of the inference repertoire that may be constructed by the receptor. The realized analyses try to understand how the images created by the actor s appearance design construct spatialities in an artistic scene. Thus, the following analytical corpus was studied: Os sete gatinhos, a play by Nelson Rodrigues, directed by Antunes Filho in 1989; the micro series Hoje é dia de Maria, directed by Luiz Fernando Carvalho and produced by Globo Television Network in 2005; and three images made by the American photographer Cindy Sherman / Esta pesquisa pretende analisar a linguagem utilizada para construir a aparência de atores e personagens no âmbito de espetáculos, a qual denominamos caracterização visual de atores, bem como dimensionar sua importância na edificação dos significados de uma dada obra artística. A expressão caracterização visual refere-se, mais especificamente, aos relacionamentos expressivos entre cores, formas, volumes e linhas que, de diferentes maneiras, materializam os figurinos, as maquiagens, os penteados e os adereços, visando traduzir, em matéria plástica sensível, a aparência geral, ou seja, a caracterização de um ator, numa cena espetacular. Atualmente, nota-se, em espetáculos veiculados por diferentes meios, uma forma peculiar de conceber a construção da aparência de atores, que difere da mera função de referência usualmente apresentada pela concepção do figurino de uma obra, que, em geral, é tomado como parte acessória da representação. O trabalho de realização de um figurino é decorrente de um desenho mimético e referencial, que antecede o espetáculo em que se insere o ator, como é o caso dos figurinos que retratam determinada época, por exemplo. Neste trabalho, pretendemos refletir sobre o processo de complexidade pelo qual tem passado a linguagem que denominamos caracterização visual de atores para, enfim, entender seu campo conceitual e propor a existência de um outro modo de constituir essa linguagem, conceituado como design de aparência de atores, em que o figurino é, apenas, um elemento parcial. A caracterização visual, como uma linguagem, pode ser organizada segundo os modos figurino ou design de aparência. As concepções de Giulio Carlo Argan sobre as diferenças existentes entre as noções de projeto e programa, bem como as proposições de Régis Debray a respeito dos distintos modos de se organizar uma informação foram decisivas para que pudéssemos formular a conceituação de design de aparência e assinalar as divergências entre esse modo de caracterizar atores e um trabalho de figurino. Por um mecanismo metonímico do pensamento, o senso comum costuma usar o termo figurino apenas para se referir à aparência geral de um ator, ignorando a importância dos demais componentes para a construção da imagem cênica. Os conceitos elaborados pelos semioticistas da Escola de Tártu-Moscou apresentam as perspectivas teóricas necessárias para podermos compreender a aparência de atores em espetáculos como um sistema aberto, constituído por diálogos entre inúmeros sistemas modelizantes. Assim, podemos dizer que a aparência de um ator é um texto cultural, resultante de um complexo imbricamento de linguagens e que somente em meio a essa complexidade pode ser entendido. Um espetáculo artístico é uma obra sistêmica, um feixe de relações, no qual inúmeras linguagens atuam para a construção de um produto final. Não é possível isolar apenas uma das linguagens constitutivas de uma obra para compreendê-la, pois é necessário fazer, sempre, uma leitura relacional e, sobretudo, comunicante ou mediativa com o repertório de inferências que poderá ser construído pelo receptor. As análises realizadas buscam compreender como as imagens criadas pelo design de aparência de atores constroem as espacialidades de uma cena artística. Para tanto, trabalhamos com o seguinte corpus analítico: a peça Os sete gatinhos de Nelson Rodrigues, dirigida por Antunes Filho, em 1989; a microssérie Hoje é dia de Maria, dirigida por Luiz Fernando Carvalho, produzida pela Rede Globo de televisão, em 2005; três imagens criadas pela fotógrafa norte americana Cindy Sherman

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Submitted by Irvana Coutinho (irvana@ufpa.br) on 2017-03-20T13:08:44Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_CenasRevelamEncontro.pdf: 4454514 bytes, checksum: 9d88d07a6644afec2d0d2fec571a8042 (MD5) / Approved for entry into archive by Irvana Coutinho (irvana@ufpa.br) on 2017-03-20T13:09:00Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_CenasRevelamEncontro.pdf: 4454514 bytes, checksum: 9d88d07a6644afec2d0d2fec571a8042 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-03-20T13:09:00Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_CenasRevelamEncontro.pdf: 4454514 bytes, checksum: 9d88d07a6644afec2d0d2fec571a8042 (MD5) Previous issue date: 2013-07-30 / Esta pesquisa de Mestrado consiste em verificar as diferentes estratégias de intervenções cênicas no espaço hospitalar, dos grupos: Doutores da Alegria (SP), O Hospital como Universo Cênico (RJ) e Enfermaria do Riso (RJ). Meu objetivo é identificar e analisar, a partir da experiência dos grupos citados, as concepções de arte e saúde que sustentam os grupos em suas intervenções cênicas no espaço hospitalar. Entre os autores que dialoguei, destaco: Barba (2010), Masetti (2011), Foucault (2011), Deslandes (2006), Boal (1996), Boff (1999), entre outros. O modelo metodológico escolhido para este estudo foi de caráter qualitativo, mais especificamente com a abordagem no estudo de caso, dialogando com Yin (2005). Na etapa de coleta de dados, utilizei a análise dos documentos e entrevista semi-estruturada com atores e coordenadores dos grupos. A análise do material de pesquisa foi baseada em três categorias de analise, a saber: a primeira - intervenção cênica e o espaço, pela qual verifiquei que o encontro entre arte e saúde pode provocar um olhar ressignificativo para estes aspectos quando as intervenções cênicas podem aparecer com as mais variadas possibilidades de criações de formas teatrais, engrandecendo o trabalho do artista para a percepção de como a arte pode dialogar dentro do hospital. A segunda - a criação para a intervenção, que diante das análises realizadas, revelou uma riqueza de elaboração, formação, organização, gerando a qualidade do trabalho, em um diálogo com o universo do hospital dentro de possibilidades criativas e materiais, podendo trazer potência para a ação artística no que se refere à arte da cena. E a terceira - ator/palhaço/paciente, quando verifiquei que as intervenções materializadas nos encontros no espaço hospitalar, pode traçar uma direção para um novo reencontro com a saúde, pois o teatro, ao chegar a um hospital, pode estar envolvido em um caminho de cura, no sentido de cuidado: do espaço, das relações, do outro. / This Master Research is based on the different intervention strategies scenic in the hospital space, among the groups: Clowndoctors (SP) , The Universe as Scenic Hospital (RJ) and Infirmary of Laughter (RJ) . My goal is to identify and analyze , from the experience of the groups mentioned, the conceptions of art and health support groups in their scenic interventions in the hospital. Among the authors who dialogued, is important to highlight: Beard (2010), Masetti (2011), Foucault (2011), Deslandes (2006), Boal (1996), Boff (1999), among others. The methodological model chosen for this study was qualitativ , more specifically with the approach in the case study, according to Yin (2005) . In the stage of data collection, I used the analysis of documents and semi-structured interviews with actors and group coordinators. The analysis of the research material was based on three categories of analysis, namely: the first intervention - scenic and space, in which I found that the encounter between art and health can cause distinguished look for these aspects when interventions may appear with scenic the most varied possibilities for creations of theatrical forms, praising the work of the artist 's perception of how art can engage within the hospital. The second - setting for intervention, before the analyzes revealed a consistence of preparation, training, organization, producing quality work, in a dialogue with the world of the hospital within creative possibilities and materials, and can bring power to artistic action regarding the art of scene. And the third - actor/clown/patient, when I found that interventions materialized in meetings in the hospital, can trace a direction for a new encounter with the health, because the theater, introduced in the hospital, may be involved in a road of cure, in the sense of caution: of the space, the relationships, the others.

Magíster en artes con mención en dirección teatral

A presente dissertação se assume como um trabalho introdutório sobre as peculiaridades de uma prática de Teatro Documentário, demonstrando como o seu caráter estético traz em si mesmo os elementos de caráter educacional. Para isso, levantamos, teoricamente, conceitos e dados históricos, a fim de aprimorarmos nossa visão acerca do que chamamos Teatro Documentário, estabelecendo uma ponte direta com a conceituação de Documentário em Cinema, presente, em especial, nos escritos do teórico norte-americano Bill Nichols. Em seguida, exemplificamos nossas idéias com uma experiência, dentro de uma instituição de ensino, centrada em práticas embebidas por preceitos constantes no sistema de Jogos Teatrais. A encenação resultante abordou a busca por um menino romeno que, segundo algumas indicações, tocava sanfona na Praça do Patriarca, no centro da cidade de São Paulo. O tema foi pretexto para a construção palmilhada de um longo caminho urbano pelo qual se [des]escreveram muitas histórias de dor, de decepções, de desilusões e desencantos, na contramão de histórias de alegrias, de risadas, de sobrevivência, de encontro e arte. Duas estátuas-vivas, dois homens-placa, um poeta, uma moradora de rua, uma transeunte e uma gari despontaram como estrelas, numa constelação despercebida por muitos, todos os dias, nas ruas, nas praças, sob os viadutos... Uma trajetória que, enfim, revelou o próprio processo. As fontes documentais exploradas foram, em grande parte, depoimentos registrados em vídeo, evidenciando o trabalho com a imagem captada. / This dissertation presents itself as an introductory work on the peculiarities of Documentary Theater, focusing its discussion in how the approachs aesthetic aspect brings in itself the education elements. For that, theoretical concepts and historical data were collected in order to characterize our vision of Documentary Theater, establishing a link with the concepts of the documentary in Cinema, especially in the writings of the North-American scholar Bill Nicols. Secondly, we exemplify that with an experience at an educational institute, focused in practices based on the system of Theater Games. The resulting play dealt with the search of a Romanian boy that, according to some indications, played accordion at Praça Patriarca, in the downtown area of São Paulo. The theme was a pretext for the constructions of a long urban path in which many stories of pain, deception and disillusion in opposition to many stories of joy, laughter, survival, encounters and art were written. Two living statues, two homem-placas, a poet, a homeless woman, a walker and a garbage woman emerged as stars in an unnoticed constellation, everyday on the streets, squares and under the bridges. A path that revealed the process itself. The documental materials that were explored were in great part video testimonies, making evident the work with the captured image.

As lacunas nos processos de comunicação entre as personagens dramáticas de Anton Tchékhov (1860-1904) apresentam-se como um traço básico e definitivo de sua poética. A análise dos processos comunicativos entre as personagens das quatro principais peças do autor - A gaivota (1896), O tio Vânia (1897), As três irmãs (1900) e O jardim das cerejeiras (1904) - elucida a criação de um novo paradigma artístico em seu sistema dramático, cujas inovações marcaram profundamente todo o teatro do século XX e exercem enorme influência até os dias de hoje. O presente trabalho apresenta um recorte das obras selecionadas em relação ao contexto russo da época, evidenciando inquietações que anunciavam transformações profundas na sociedade. Neste intuito, retoma a teoria dos gêneros literários e suas principais críticas, que realçaram a importância da relação entre os gêneros e o momento histórico em que se consolidavam; assim, adquire relevo nas análises o conceito de \"romantização\" dos gêneros proposto pelo filósofo e teórico literário russo Mikhail Bakhtin (1895-1975), a partir da ideia de \"supremacia\" do único gênero em devir. Com a emersão de elementos épicos e líricos na dramaturgia tchekhoviana, observa-se como o diálogo, forma do gênero dramático por excelência, motor das ações que impulsionam o avanço do enredo no sistema dramático tradicional, tem sua unidade enfraquecida, fazendo com que o drama tchekhoviano necessite da encenação para realizar-se plenamente. O \"invisível\" e o \"indizível\", aquilo que subjaz às réplicas, que está latente justamente nas lacunas dos processos comunicativos entre as personagens, torna-se vital a este novo teatro, que acolhe e conta com a imaginação de leitores/espectadores. / The gaps in the communication processes between the dramatic characters of Anton Chekhov (1869-1904) consist on a basic and definite trait of the author\'s dramatic poetics. The analysis of the communication processes of four of Chekhov\'s major plays - The seagull (1896), Uncle Vanya (1897), Three sisters (1900) and The cherry orchard (1904) - elucidate the creation of a new artistic paradigm in the author\'s dramatic system, the innovations of which deeply affected the twentieth century theatre and have exerted a major influence until today. The study approaches the selected plays firstly considering the Russian context of the period, highlighting historical transformations that were already on course. Secondly, it examines the literary genres theory, as well as the most important criticism it suffered. The concepts developed by the Russian philosopher and literary critic Mikhail Bakhtin (1895-1975), which took into account the relationship between the literary genres and the historical moments when they were being shaped, acquire great importance in our analysis. Specially the notion of the novel as a contemporary genre, which embraces and affects all the other genres. After clarifying this influence by identifying the presence of epic and lyric elements in Chekhov\'s plays, we observe how the dialogue, the traditional form of the dramatic genre, motor of the actions that push the plot forward, has its unit weakened. As a consequence, chekhovian drama needs staging to be fully achieved: what is not visible and cannot be reduced to words, what is latent in the gaps of communication, underlying the characters\' speeches, become vital to this new theatre, which welcomes and counts on the imagination of its audience.

A presente pesquisa, pautada por quase dez anos de constante aprendizado e prática artística no Centro de Pesquisa Teatral (CPT), aborda a Arte do ator pela perspectiva da prática formativa desenvolvida e aplicada por Antunes Filho. O estudo pretende refletir sobre a experiência proposta na formação dos atores no CPT e organizar o conceito de Manifestação elaborado pelo diretor. A dissertação analisa a origem da metodologia e contempla a investigação da recente prática formativa coordenada por Antunes, somando-se aos escassos, porém importantes, estudos sobre a trajetória do diretor, diferenciando-se desses por articular na análise do objeto de pesquisa a experiência cênica e a prática didática do pesquisador no contexto do CPT / This study, based on nearly ten years of constant learning and artistic practice at the Center of Theatre Research (CPT), discusses the Art of the actor through the perspective of formative practice developed and applied by Antunes Filho. The study aims to reflect about the experience proposed on the actor\'s training within the CPT and to organize the concept of Manifestation, created by the director. The dissertation examines the methodology\'s origin and contemplates the investigation of the recent formative practice leaded by Antunes, adding to the scarce, but important, studies on the director\'s trajectory, but differentiating from those by the articulation of the researcher\'s acting experience and teaching practice in the context of CPT.

Tomo 1. Parte didáctica.Estudio sobre las relaciones entre arte y vida y sus consecuencias sobre la forma del espacio escénico moderno.Tomo 2. Parte reflexiva.Definición de lo tragicómico como género del arte moderno desde el romanticismo hasta nuestros días.