Em Busca de uma Poética do Vazio é uma pesquisa teórico-prática fomentada no Núcleo de Pesquisa Beckett-we – espaço de criação, desconstrução e de transbordamentos criativos a partir do universo de Samuel Beckett. Criado no ano de 2012 em Canoas/RS, o Núcleo dá voz aos aqui chamados esgotados, sujeitos contemporâneos que encontram em Beckett uma possibilidade de diálogo e caos. Os participantes não são atores, nem bailarinos, nem pesquisadores, são PIM: massa de corpos que não aguentam mais, unidos por uma pequena vida – extrato de existência em comum, que transcende as referências culturais, geográficas, étnicas ou históricas – PIM é plural. Este escrito é composto pelas vozes de esgotados, de Beckett, por minha voz, por fluxos de pensamento que me atravessaram durante a pesquisa e pela voz de referências significativas neste estudo: Gilles Deleuze, Suely Rolnik, Peter Pál Pelbart, dentre outros tantos. São analisadas performances criadas durante três anos do Núcleo, a partir dos textos: Todos os que Caem (Beckett - 1957) que se transformou em Eu, Ser Pulsante e Semivivo (2013) e Eleutheria (Beckett - 1947) metamorfoseado em sobre.vida (2015), Ensaio sobre a Liberdade (2014) e inspiração (2014). Buscando fazer um paralelo estrutural com a obra Como É (Beckett, 1961), que se passa em um buraco enlameado, no qual um personagem procura seu parceiro – PIM -, esta pesquisa se propõe a investigar os caminhos que foram inventados durante as práticas, visando se aproximar de uma possível metodologia que se encontra no vazio, buscando constantemente a instabilidade – seja através da tentativa de esvaziamento de referências, no diálogo com os esgotados que são desconhecedores de Beckett ou na renovação constante de PIM. No ato de esvaziar-se e se deixar atravessar pelas vozes e impulsos dos envolvidos, alimentados pelo universo beckettiano, esta dissertação sugere a figura do cartógrafo, desenvolvida por Rolnik, como um possível caminho para a prática criativa no vazio. / In Search of a Poetic of Emptiness is a theoretical-practical research fomented in the Núcleo de Pesquisa Beckett-we (Research Group Beckett-we) - space of creation, deconstruction and creative overflows based on the universe of Samuel Beckett. Created in the year of 2012 in Canoas/RS, the group gives voice to the ones here called the exhausted , contemporary subjects that find in Beckett a possibility of dialogue and chaos. The participants are not actors, nor dancers, nor researchers, they are PIM: a mass of bodies that cannot bear anymore, united by a little life - extract of a common existence, that transcends the cultural, geographical, ethnic or historical references - PIM is plural. This writing is composed by the voices of the exhausted, Beckett’s voice, my own voice, by flows of thoughts that crossed me while researching and by the voice of significative references in this study: Gilles Deleuze, Suely Rolnik, Peter Pál Pelbart, among so many others. Here we analyse performances created during the three years of the group, based on the texts: All that fall (Beckett - 1957) that became Eu, ser pulsante e semivivo [Me, pulsing being and halfalive (2013) and Eleutheria (Beckett - 1947) metamorphosed in sobre.vida [about.life] (2015), Ensaio sobre a Liberdade [Essay about Freedom] (2014) and inspiração [inspiration] (2014). Aiming to create a structural parallel with the work How it is (Beckett - 1961), that passes in a muddy hole, in which one character looks for his partner - PIM -, this research proposes itself to investigate the paths that were invented during the practices, aiming to approach a possible methodology found in the emptiness, searching constantly the instability - be it through the attempt of emptying references, in the dialogue with the exhausted who are unfamiliar with Beckett or in the constant renovation of PIM. In the act of emptying itself and letting it be crossed by the voices and impulses of the involved, fed by the beckettian universe, this dissertation suggests the figure of the cartographer, developed by Rolnik, as a possible path for the creative practice in the emptiness.

Cette thèse de doctorat envisage la formation théâtrale comme une possibilité de création de soi. Elle met en relation cette formation avec les modes de fiction de soi-même, c’est-à-dire les manières d'invention et de transformation de soi-même. Elle présente une réflexion sur la formation de l'acteur-enseignant à partir de l’analyse d'un ensemble de rapports de stages professionnels et de mémoires de fin d’année, effectués par des étudiants en Licence en Théâtre de l’Universidade Estadual do Rio Grande do Sul – UERGS et de la Fundação Municipal de Artes de Montenegro –FUNDARTE. L’analyse de ce matériau empirique a été réalisée grâce notamment à quelques outils théorico-méthodologiques comme les concepts d’éthique, de vérité et de souci de soi, tel qu’ils sont envisagés par Michel Foucault. Cette analyse s’appuie encore sur d’autres concepts comme celui d’expérience, de création, d'invention et de fiction, empruntés notamment à Marilena Chauí, Virginia Kastrup, Jacques Rancière, René Passeron et Paul Valéry. D’autres notions encore, comme celle de seconde nature et de corps fictif, ont été empruntées au champ théâtral et problématisées principalement par Constantin Stanislavski, Franco Ruffini, Eugenio Barba et Nicola Savarese. À partir de ces notions et concepts, des récits ont été créés, mélangeant les trajectoires des étudiants (ainsi que leurs processus de créations et leurs processus pédagogiques respectifs), les concepts signalés et les images de différents personnages de la littérature dramatique. Parallèlement, la notion de fiction a été utilisée en tant qu’outil et procédé pour mener la réflexion elle-même, dans la mesure où cette notion a fonctionné aussi bien comme une grille d'analyse pour traiter les données empiriques qu’en tant que support pour l’écriture du texte. La thèse soutient donc l’idée que la formation peut être envisagée comme la possibilité de faire de sa propre existence une expérience constante de création, en montrant les processus de transformation des étudiants-acteurs-enseignants comme un mode d’invention de soi-même, comme une manière de dépasser la création artistique, par la force d’une relation ethopoïétique ― pratique qui se caractérise par un mouvement éthico-esthétique. / Esta tese trata sobre a formação teatral como possibilidade de criação de si. Relaciona-se essa formação a modos de ficcionar a si mesmo, ou seja, a maneiras de invenção e transformação de si. Discute-se a formação do ator professor a partir da análise de um conjunto de relatórios de estágio e trabalhos de conclusão, oriundos do Curso de Graduação em Teatro: Licenciatura, da Universidade Estadual do Rio Grande do Sul – UERGS e da Fundação Municipal de Artes de Montenegro – FUNDARTE. Para a análise do material empírico, foram usados como ferramentas teórico-metodológicas, entre outros, os conceitos de ética, verdade e cuidado de si, conforme tratados na obra de Michel Foucault; outros conceitos, igualmente, foram tratados, como os de experiência, criação, invenção e ficção, principalmente, a partir das obras de Marilena Chauí, Virginia Kastrup, Jacques Rancière, René Passeron e Paul Valéry. Além disso, do campo teatral trouxemos as noções de segunda natureza e corpo fictício, problematizadas a partir de Constantin Stanislavski, Franco Ruffini, Eugenio Barba e Nicola Savarese. Na companhia de tais noções e conceitos, foram criadas narrativas, entrelaçando as trajetórias dos alunos (bem como os respectivos processos criativos e pedagógicos) aos conceitos aludidos e às imagens de diferentes personagens da literatura dramática. Ao mesmo tempo, trabalhou-se com a noção de ficção como mote e procedimento para efetuar a própria discussão, à medida que tal noção funcionou tanto como categoria de análise para pensar o material empírico quanto como fundamento para a constituição da escrita do texto. A tese defende, portanto, a noção de formação como possibilidade de fazer da própria existência uma experiência de constante criação, mostrando os processos de transformação dos alunos-atores-professores como uma forma de invenção de si, de extrapolar o âmbito da criação artística, por força de uma relação ethopoiética ― prática movida por um movimento ético-estético. / This thesis deals with theatrical education as a possibility for creation of the self. This kind of education is connected to different forms of fiction of the self, that is, different ways of inventing and transforming oneself. We discuss the training of actors and teachers based on the analysis of a set of trainee reports and dissertations from the Undergraduate Theatre Programme of Universidade Estadual do Rio Grande do Sul – UERGS and Fundação Municipal de Artes de Montenegro – FUNDARTE. For the analysis of the empirical data, we used as theoretical-methodological tools, among others, the concepts of ethics, truth and care of the self, as addressed in the work of Michel Foucault; other concepts were also discussed, such as experience, creation, invention, and fiction, based mainly on the works of Marilena Chauí, Virginia Kastrup, Jacques Rancière, René Passeron, and Paul Valéry. Moreover, we brought from the field of theatre notions of second nature and fictional body, problematised according to the ideas of Constantin Stanislavski, Franco Ruffini, Eugenio Barba and Nicola Savarese. With these notions and concepts as companions, narratives were created, intertwining the student's experiences (as well as their respective creative and pedagogical processes) to the concepts which were mentioned and to images of different characters from dramatic literature. At the same time, we have dealt with the notion of fiction as a theme and procedure to start the discussion itself, as this notion has worked both as a category of analysis to think the empirical material related to a foundation to the constitution of the process of writing. This thesis argues, therefore, for the notion of education as a possibility to turn existence itself into an experience of constant creation, exposing the transformations of students-actors-teachers as a form of self-invention and extrapolation of the scope of artistic creation, by virtue of an ethopoietic relationship ― a practice driven by an ethical-aesthetic movement.

Este trabalho tem como objetivo analisar a peça Não te assusta, Zacaria!, estreada em Porto Alegre, no Theatro São Pedro, em 6 de abril de 1956, com texto e direção de Barbosa Lessa, com base no método de análise contextual. Marco de Marinis (1997) descreve esse método de análise como “uma prática exegética particular, ou seja, ler os documentos e relacioná-los com outros documentos, iluminando-os e complementando-os reciprocamente”. Em nosso caso, implica que não nos restringimos à análise do texto dramático e à discussão do texto espetacular de Não te assusta, Zacaria! – também detalhamos e analisamos os vários contextos que serviram de pano de fundo para sua criação, sejam eles sociais, econômicos, políticos, culturais ou estéticos. Para tanto valemo-nos de documentos como o roteiro dramático da peça, da pesquisa bibliográfica e em arquivos de jornais e revistas da época, e de depoimentos colhidos junto a pessoas envolvidas diretamente na produção, jornalistas que cobriram a peça, artistas ligados ao teatro àquele tempo em Porto Alegre e público que esteve na plateia de Não te assusta, Zacaria!. / This paper aims at carrying out a contextual analysis of the play Não te assusta, Zacaria!, written and directed by Barbosa Lessa and performed at the São Pedro Theater, in Porto Alegre, on April 6, 1956. Marco de Marinis (1997) describes the contextual analysis as "an exegetical practice that involves reading documents and relating them to other documents, enlightening them and complementing one another". In our case, this implies that the analysis will not be restricted to the dramatic or the spectacular text of Não te assusta, Zacaria!, but that it will take into consideration the contextual background of its creation, namely the social, economic, political, cultural or aesthetic circumstances surrounding both its playwriting and its performance. The documents analyzed include the script, newspapers and magazines clippings about the performance and testimonies given by the people directly involved in the production, journalists covering the play, actors and other artists who participated in the cultural scene of Porto Alegre at that time and spectators.

Com referencial teórico de Pierre Bourdieu, esta pesquisa propõe refletir sobre as maneiras de produzir teatro na cidade de Porto Alegre no período de 1985 a 2005. Observando o teatro como campo social em que se estabelecem disputas internas de poder e amparado por um estudo interdisciplinar de história, antropologia e sociologia a partir da memória e da narrativa oral dos produtores entrevistados, distingue categorias entre a atividade de produção do teatro. Este trabalho do Programa de Pós-Graduação em Arte Cênicas da Universidade Federal do Rio Grande do Sul – PPGAC UFRGS -pretende analisar as transformações das políticas culturais de Porto Alegre e verificar, se houve, quais as influências das legislações na prática do trabalho do produtor de teatro de grupos, companhias e tribos que atuaram durante este período, de forma ininterrupta, na cidade. Assim a pesquisa vislumbra oferecer base teórica para a inclusão de estudos sobre os conceitos campo do teatro e produção de teatro para a formação de artes cênicas, considerando que as discussões do teatro no momento atual não devem ficar apenas sobre as questões estéticas, mas também relacionadas a questões de história, poder público e sociedade. / Based on Pierre Bourdieu´s theoretical reference, this research proposes to reflect on ways of producing theater in the city of Porto Alegre, from 1985 to 2005. Observing theater as a social field in which internal power disputes are established and supported by an interdisciplinary study of history, anthropology and sociology from the memory and the oral narrative of the producers interviewed, categories among theater production acitivity are distinguished. This paper of the Graduate Program in Performing Arts of the Federal University of Rio Grande do Sul - PPGAC UFRGS - intends to analyze cultural policies transformations in the city of Porto Alegre and verify, the influence of these legislations in the practice of Group Theather Producers, as well as companies and tribes that also acted throughout this period of time, in the city. Therefore, this research aims to offer a theoretical basis for the inclusion of studies on theater and theater production concepts for the formation of performing arts, considering that theater discussions at the present time should not only be about aesthetic issues, but also related to issues of history, public policy and society.

O presente trabalho investigou o processo artístico de diferentes vocalidades a partir de histórias reais, experimentando aproximações e verticalizações entre duas linguagens: a cênica e a radiofônica. O objetivo principal da pesquisa foi encontrar na vocalidade de cada depoimento pessoal e em suas palavras o impulsionador criativo de um processo radiocênico. Durante o processo, foi investigada a ideia de um caminho radiocênico, bem como: de que forma este caminho contribui para o trabalho de atriz; de que maneira os dispositivos cênicos e radiofônicos entram em comunhão; e quais são suas especificidades. O conceito “radiocênico” foi criado pela pesquisadora durante a construção deste trabalho. A reflexão teórica e prática deste memorial artístico deu-se de maneira conjugada, a partir de ensaios práticos e percepções acerca dos conceitos operatórios trabalhados. São eles: escuta, vocalidade e radiocênico. Desta forma, lembranças e memórias de mulheres desconhecidas foram a matéria-prima para um trabalho de atuação que se propôs a construir, a partir de diferentes vocalidades, uma dramaturgia que contemplou personagens inspirados em histórias reais. Os quatro depoimentos que compõem este trabalho foram coletados em um espaço público da cidade de Porto Alegre: o Brique da Redenção, através da intervenção ESCUTO SUAS HISTÓRIAS. O intuito foi descobrir na riqueza do dia a dia o mundo sonoro de poesias e tragédias que cada um carrega em formato de histórias. / El presente trabajo investigó el proceso artístico de diferentes voces a partir de historias reales. Experimentando aproximaciones y verticalidades entre dos lenguajes: la escénica y la radiofónica. El objetivo principal de la búsqueda es encontrar en la vocalidad de cada testimonio personal y en sus palabras el impulso creativo de un proceso radioescénico. Durante el proceso se investigó la idea de un camino radioescénico, y de qué forma contribuye al trabajo de actriz, de qué manera los dispositivos escénicos y radiofónicos entran en comunión y cuáles son sus especificidades. Este conceito, radiocênico, foi criado pela pesquisadora durante la construcción desse trabajo. La reflexión teórica y práctica de ese memorial artístico se dio de manera conjugada, a partir de ensayos prácticos y percepciones a cerca de los conceptos operativos trabajados. Son ellos: escucha, vocalidad y radioescénico. De esta forma, recuerdos y memorias de mujeres desconocidas fueron la materia prima para un trabajo de actuación que se propone construir, a partir de diferentes voces, una dramaturgia que contempló personajes inspirados en historias reales. Los cuatro testimonios que componen ese trabajo fueron recogidos en un espacio público de la ciudad de Porto Alegre: El Brique de la Redención, a través de la intervención ESCUCHO SU HISTORIAS. Con el fin de descubrir en la riqueza del día a día el mundo sonoro de poesías y tragedias, que cada uno lleva en formato de historias.

Esse estudo teve por objetivo compreender os processos de aprendizagem a partir das práticas de produção teatral dos espetáculos teatrais de uma organização não governamental à luz da perspectiva cultural. Desenvolveu-se uma pesquisa de natureza qualitativa, utilizando as técnicas de entrevista em profundidade com roteiro semiestruturado, entrevistas semiestruturadas, entrevistas informais, observação participante, grupo focal e pesquisa documental para coleta de dados. A observação participante envolveu 13 meses de pesquisa de campo, com suporte de anotações em diário de campo, fotografias, vídeos e registros sonoros. Os registros foram decorrentes de momentos formais e informais, quando realizou-se as distintas entrevistas, grupos focais, acompanhamento de ensaios, apresentações dos espetáculos, reuniões, festas e gravações de videotapes, com coleta de dados espontâneas realizadas com profissionais dos elencos do Projeto Vida Urgente no Palco da Fundação Thiago de Moraes Gonzaga. Também foram pesquisados documentos, tais como: folders, flyers, banners, propagandas, material didático, vídeos, manual de descrição de cargos, organogramas, organização de itinerários de apresentações, fichas de avaliação das escolas etc. Para realizar o tratamento e a interpretação dos dados coletados, utilizou-se a análise interpretativista. Entre os principais resultados encontrados tem-se: sob a ótica dos membros do Projeto Vida Urgente no Palco, pôde-se compreender que esses entendem a produção teatral de forma difusa e associada, predominantemente, ao trabalho do produtor teatral. Além disso, percebe-se uma confusão entre os termos produção teatral, produção cultural e produção artística. Sobre as práticas de produção teatral, foi possível identificar que nessa organização ela ocorre em três fases distintas: a pré-produção, a produção e a execução. Os profissionais envolvidos nessas etapas variam de ano para ano, no entanto, as tarefas costumam ser divididas e realizadas coletivamente. Todos entendem como elementos que identificam e diferenciam o trabalho do Projeto Vida Urgente no Palco: a preocupação em passar a mensagem, a maneira tradicional de pensar uma montagem de teatro, ou seja, vinculada ao texto; não haver muito espaço para criação de personagem; ser um processo coletivo e colaborativo. Percebeu-se que suas práticas eram permeadas de momentos de humor, descontração, colaboração, interações e compartilhamento de conhecimento tácito. As práticas de produção teatral também permitiram visualizar momentos de justaposição de ordem e desordem – preservação e inovação ocorrendo simultaneamente – principalmente em função da escolha do campo de estudo (Fundação Thiago de Moraes Gonzaga), que atua há mais de 10 anos por meio do teatro. Em função desta organização trabalhar há bastante tempo com espetáculos, houve a possibilidade de encontrar uma cultura e um know-how próprios, que a diferencia das demais, e, por isso, encontrou-se várias linguagens comuns como ações rotineiras e artefatos materiais compartilhados que permitiram examinar a fecunda tensão entre aprender e organizar. Em relação à aprendizagem dos membros do Projeto Vida Urgente no Palco, pôde-se encontrar como principais processos a aprendizagem na prática, aprendizagem de um ofício, embora também tenham apontado outros processos de aprendizagem que possibilitaram desenvolver o conhecimento sobre seu trabalho, tais como: aprender com experts, aprender observando, aprender pela troca, aprender em cursos, aprender sozinho, aprender com os próprios erros, aprender pela reflexão e aprender resolvendo problemas. Dentre os principais momentos e facilitadores de aprendizagem, destaca-se a justaposição de ordem e desordem pela prática do humor e da improvisação, manutenção versus inovação. / This study aimed to understand the learning processes from the practices of theatrical stage production of a non-governmental organization in light of the cultural perspective. A qualitative research was developed using techniques of in-depth interviews with semi-structured script, interviews with semi-structured script, informal interviews, participant observation, focus groups and documentary research for data collection. Participant observation involved 13 months of field research, with support of daily field notes, photographs, videos and sound recordings. The records were a result of formal and informal moments, when different interviews, focus groups, rehearsals, performances of the plays, meetings, parties and recordings of videotapes were carried out, with spontaneous data collection by professionals of the team of the project Vida Urgente on the Stage of the Thiago de Moraes Gonzaga Foundation. Were also analyzed documents such as: folders, fliers, banners, advertisements, teaching material, videos, manual of job descriptions, organization charts, organization and schedule of performances, evaluation reports of the schools, etc. Interpretative analysis was used to conduct the processing and interpretation of the data collected. Among the main results we have: from the perspective of members of the Project Vida Urgente on Stage, we understood that they see theater production in a diffuse and associated manner, predominantly, related to the work of theatrical producer. Furthermore, we perceived confusion between the terms theatrical production, cultural production and artistic production. On the practices of theatrical production, it was possible to identify that in this organization it occurs in three distinct phases: pre-production, production and performance. The professionals involved in these phases vary from year to year, however, the tasks are usually divided and accomplished collectively. Everyone understands as elements that identify and distinguish the work of the project Vida Urgente on the Stage: the concern in getting the message out, the traditional way of thinking a theatrical set-up, i.e., connected to the text; the lack of room for character creation; that it is a collective and collaborative process. It was noticed that their practices were permeated by moments of humor, fun, collaboration, interaction and sharing of tacit knowledge. The practices of theatrical production also allowed us to visualize moments of juxtaposition of order and disorder - preservation and innovation occurring simultaneously - mainly due to the choice of the field of study (Thiago de Moraes Gonzaga Foundation), which has operated for over 10 years through theater plays. Since this organization works for a long time with performances, it was possible to find a singular culture and know-how, which differentiates it from others, and therefore we found several common languages as shared routine actions and material artifacts that allowed us to examine the fruitful tension between learning and organizing. Regarding the learning process of members of the project Vida Urgente on Stage, we could find as the main one learning in practice, learning a profession, but they also have pointed other learning processes that enabled the development of knowledge about their work, such as: learning from experts, learning by watching, learning by exchanging, learning in courses, teaching yourself, learning from their own mistakes, learning through reflection and learning by solving problems. Among the key moments and facilitators of learning, we highlight the juxtaposition of order and disorder through the practice of humor and improvisation, maintenance versus innovation.

Ce travail porte sur le spectacle “Les Aveugles”, de Maurice Maeterlinck, mis-en-scène par Denis Marleau, il se propose d’étudier l’effet de présence de l’acteur. Cet effet est produit par des masques vidéographiques. Sur scène les images de deux acteurs sont projetées sur douze masques en taille réelle et en trois dimensions, ce qui donne la sensation de présence aux corps physiquement absents des acteurs. Par ailleurs, la voix et les bruits étant mis en valeur, l’univers sonore contribue à l’effet de réalité. En outre, il s’agit de la concrétisation du rêve de l’auteur d’un théatre d’androïdes à travers les “fantasmagories technologiques” du metteur en scène. Ce mémoire met en évidence les potentialités des nouveaux moyens technologiques au service des arts scéniques. / A pesquisa analisa o espetáculo “Os Cegos”, de Maurice Maeterlinck, encenado por Denis Marleau, a fim de discutir o efeito de presença do ator gerado através das máscaras videográficas. Na peça, as imagens de dois atores projetadas em doze máscaras, de tamanho real e em três dimensões, dão a sensação de presença de seus corpos ausentes, uma vez que os atores não estão presentes fisicamente na cena. Além disso, como o ambiente sonoro potencializa a voz e os ruídos, a sonoridade do espetáculo contribui com este efeito de realidade. Outra questão é a concretização do sonho do autor por um teatro de androides através das “Fantasmagories Technologiques” do encenador. O trabalho evidencia as novas possibilidades surgidas nas artes cênicas em função dos novos recursos tecnológicos.

A significant group of Italian-style plays (i.e. stagings that made use of spectacular scenic resources) were performed in Lima in 1672-1747), always in connection with festivities of an imperial nature. Taking as its basis a corpus of fifteen theatrical works, this study examines the conditions of their reception as well as the material avenues that allowed for the development of this type of theater in the capital of the Peruvian viceroyalty. Topics of analysis include: the context and purpose of these representations, the place in which they were presented, their intended public, and the stage media they employed. / Desde 1672 hasta 1747 se documenta en Lima un significativo conjunto de representaciones teatrales «a la italiana» (es decir, montajes que hacen uso de recursos escénicos espectaculares), vinculadas siempre a celebraciones de carácter imperial. A partir de un corpus de quince obras teatrales, se estudian en este trabajo algunas de las condiciones de recepción y los medios materiales que permitieron este particular desarrollo del teatro en la sede del virreinato del Perú: el contexto y los fines de estas representaciones, el lugar donde se levantaba el escenario, el público al que se dirigían y los medios escénicos que se emplearon.

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No prefácio da peça Three Tall Women, o dramaturgo norte-americano Edward Albee declara ter-se baseado em sua mãe adotiva para a composição de sua personagem. Por esse motivo, a crítica teatral norte-americana passou a considerar a peça simplesmente como uma autobiografia de seu autor. É fato que Edward Albee se utilizou de elementos de sua própria vida na obra, mas a peça não se restringe a isso: a autobiografia serviu de ferramenta para a realização de uma crítica contundente aos valores cultivados pela classe média alta norte-americana. Grande parte da crítica norte-americana, ao se referir à peça Three Tall Women, ressalta seu aspecto autobiográfico, mas não toca, de forma alguma, no aspecto de crítica à ideologia norte-americana presente na obra. Dessa forma, a presente dissertação propõe-se a identificar e analisar os elementos de crítica à sociedade norte-americana encontrados na peça Three Tall Women, por meio da análise dos diálogos de seus personagens. Finalmente, este trabalho também analisará a convergência entre a forma e o conteúdo nessa obra, ou seja, a forma mais adequada, escolhida pelo autor, para a exposição de determinado conteúdo. / In the play Three Tall Women, the American playwright Edward Albee states that one of his characters is based on his adoptive mother. For this reason, American critics consider the play essentially an autobiography of its author. It is true that Edward Albee has used some elements of his life in his play, but Three Tall Women is not limited to that: Edward Albee\'s autobiography is like a tool for the crushing criticism concerning some values supported by the American high-middle class. A great part of the American critics emphasizes the autobiography element concerning the play Three Tall Women, but definitely they do not mention the aspect of criticism about the American ideology in the play. In this way, this paper aims to identify and to analyze the elements of criticism concerning the American society found in the play Three Tall Women through the characters dialogues. Finally, this paper also aims to analyze the convergence between form and theme; the most adequate form, chosen by the author, for the presentation of such theme.