El presente informe de la obra “Protección Ignífuga del Teatro Nacional” detalla las características principales de la obra, el desarrollo de su ejecución y conclusiones técnicas - económicas de acuerdo a los resultados obtenidos. Siendo el Fireproofing un sistema novedoso que brinda una solución pasiva para eventuales incendios, se hace de gran importancia en el mercado Peruano, con el desarrollo y ampliación de plantas de Hidrocarburos, construcción de lugares de comercio y entretenimiento de considerable afluencia de público, donde el riesgo de incendio es latente, por tanto se deben cumplir normas y estándares de seguridad para la protección pasiva contra el fuego. Analizaremos también los beneficios económicos que entrega la aplicación de este sistema en comparación del sistema tradicional de concreto convencional con un espesor mayor para la protección contra el fuego, debido a su rápida aplicación y mejora del rendimiento.

Memoria para optar al título de periodista / En 1857, la imponente figura del Teatro Municipal de Santiago se recortaba sobre un paisaje de casas bajas de adobe y un peñón deshabitado y carente de belleza. Con él, había nacido a la vida capitalina un edificio que albergaría no sólo las manifestaciones más grandes de la música sinfónica, la ópera y el ballet, sino que a la par hospedaría entre sus paredes parte importante de la historia política y social de Chile. Repasando sus más de 150 años de vida, nos encontramos con que el Teatro Municipal ha sido más que una sede política o un lugar de encuentro para determinado espectro social, sobrepasando su función meramente cultural para convertirse más bien en el reflejo vivo de cada época del desarrollo social, económico y cultural del país. El Teatro Municipal es, sin lugar a dudas, “un espacio arquitectónico cargado de significados socialmente compartidos”, o en otras palabras, un espacio de representatividad de la sociedad chilena.

Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Ciências de Educação, Programa de Pós-Graduação em Educação, Florianópolis, 2016. / Made available in DSpace on 2016-09-20T04:01:37Z (GMT). No. of bitstreams: 1 341817.pdf: 1658652 bytes, checksum: 65b46f640362030261b0d2d3cdd13306 (MD5) Previous issue date: 2016 / O que pode o corpo de uma professora de teatro? Seguindo o paralelismo afetivo (mente/ corpo) spinozista, essa tese quer ?provar? o saber pelo qual as coisas passam pela capacidade de afetar e ser afetado. Essa lógica promove os ?encontros? da pesquisa: com a atriz, com o mímico, com o palhaço e com a encenadora. Tais encontros levaram ao que procuramos caracterizar, em chave de diferença com o senso comum, como ?uma política da amizade?. A escrita tenta dramatizar os eventos pela articulação de pensadores da filosofia da diferença com pensadores de uma pedagogia do teatro: Artaud, Lecoq, Barba, Burnier, Copeau, entre outros. Os relatos se tornam índices de singularidade. O que pode a escrita da vida? Análogos à dramaturgia, esses relatos são divididos em atos, cenas (dinamismos espaços-temporais) e estudos (ideias?força). Os dramas da pesquisa querem, assim, torcer a ideia da docência, gerando dados, ao invés de coletá-los; pensando modos de se fazer, no lugar de moldes a serem reproduzidos. Formam-se, à guisa de conclusão, "mimagens" da docência: escuta do corpo.<br> / Abstract : What can the body of a drama teacher? Following the affective parallelism (mind / body) Spinozist, this thesis wants to "prove" knowledge by which things pass by the ability to affect and be affected. This logic promotes the "meetings" of the research with the actress, with mime, with the clown and the stage directress. These meetings led to what we seek to characterize in key difference with common sense, as "a policy of friendship." The writing attempts to dramatize the events by the articulation of philosophy of difference with thinkers of a pedagogy of theater: Artaud, Lecoq, Barba, Burnier, Copeau, among others. The reports become singularities indexes. What can the writing life? Analogous to dramaturgy, these reports are divided into acts, scenes (spatio-temporal dynamics) and studies (ideas-force). The research dramas want, thus, twisting the idea of teaching, generating data instead of collecting them; thinking ways of doing, instead of molds to be produced. Make up, in conclusion, "mimagens" of teaching: listening from the body.

A escola tem mostrado que o processo de ensino e aprendizagem formalmente constituído parece não responder adequadamente às novas exigências da sociedade contemporânea. No entanto, a arte sempre foi uma janela para a humanização, tanto no aprendizado quanto na construção da visão de mundo com olhar mais humano. Neste sentido, o teatro é uma das grandes janelas para este objetivo, acima citado. Esta Dissertação traz a experiência do Projeto que culminou com a implantação do Prêmio Cultura de Teatro Escolar, na cidade de Suzano (SP), tendo a Diretoria de Ensino de Suzano como a grande alavanca da proposta. A pesquisa apresenta a fundamentação teórica do processo e sua motivação, bem como o histórico da trajetória do Prêmio Cultura, juntamente com os resultados da pesquisa com os participantes, entre os anos de 2001 e 2006. A pesquisa revela que, especialmente para os alunos, o Projeto foi de extrema relevância para a compreensão da construção de uma peça teatral e seus meandros, bem como as dificuldades nela encontradas. De outro lado, mostra o grande potencial do ponto de vista da sociabilidade do processo, no que tange às relações humanas e sociais, e para os diretores, o ganho substancial no encontro e na articulação do Projeto como um todo. A pesquisa revela que o teatro oferece condições de desenvolvimento intelectual, corporal, sensitivo para aquém e além dos processos de ensino e aprendizagem encontrados na escola e, por conseguinte, a experiência da montagem do espetáculo traz ganhos importantes para o desempenho posterior dos alunos no ambiente escolar. / The school experience has been showing that the formal learning process does not appropriately meet the needs of the contemporary society. Nevertheless, Arts have been considered an open window for humanization, not only in relation to the learning process, but also in terms of the construction of a more humanistic perception of the world. For this reason, Theater is one of the greatest windows to reach the goal mentioned above. This paper brings the experience of the Project which ended with the implementation of Prêmio Cultura de Teatro Escolar (School Theater Prize), in the city of Suzano (SP), with the Suzano Teaching Direction as its main support. The research presents the theory basis of the Project and the reasons which motivated its development. Also, it describes the history of School Theater Prize, together with the results of the survey conducted with the participants, from 2001 to 2006. The research shows that, particularly for the students, the Project was extremely important as it brought a better understanding of how a play is organized, considering all the aspects and difficulties related to it. On the other hand, it reveals the great potential of the Theater in terms of socialization, considering human and social features. Also it explains how the Project provided the educators, who were play directors, an opportunity of development since they managed the activities as a whole. Last but not least, the research shows that the Theater offers conditions for the intellectual, body and sensitive development beyond the learning process inside classrooms. Therefore, the experience of creating a play brings important results which will have a positive impact on the students performance at school.

Neste trabalho, proponho caminhos para uma educação musical no teatro, partindo da crença de que a cena pode ser compreendida como um evento regido e estruturado sobre bases musicais, a partir da similaridade existente nos modos de percepção do tempo na música e no teatro. É possível entender a cena a partir do conceito de mousiké, compreendido como a organização de som, silêncio, movimento e palavra no tempo-espaço. A mousiké funciona assim como o princípio organizador da obra artística como um todo. Tomo o conceito de cronotopo artístico, tal como utilizado por Patrice Pavis, como instrumento para a análise e elaboração da musicalidade cênica. Nesse contexto, torna-se essencial a questão do tempo, o que demanda do ator meios para sua percepção, apreensão e controle. Esta foi uma preocupação marcante na obra de diversos encenadores do século XX, examinados neste trabalho. A prática da música pode ser o ponto de partida ideal para encontrar esses meios e elaborar outros, os quais, por sua vez, podem ser encontrados em novas propostas - presentes na produção musical do século XX, e também examinadas aqui -, que transformaram os paradigmas de escuta vigentes. Proponho então uma educação do ator para a musicalidade da cena, a partir de uma pedagogia da escuta, necessariamente ligada à consciência e ao uso do corpo como centro da ação musical. Dessa forma, o ator deve tornar-se o ordenador da temporalidade cênica. Isto pode ser alcançado através da improvisação e do jogo, recursos presentes nas pedagogias do teatro e da música desde o início do século XX. Esses recursos proporcionam um tipo de aprendizado em rede, no qual tanto o conhecimento específico quanto as próprias metodologias de elaboração de aprendizagem são construídos coletivamente. A fim de apoiar meu pensamento pedagógico, elaborei um modelo, baseado no trinômio Escuta-Escrita-Execução. A improvisação e o jogo são aí trabalhados de forma simultânea, estabelecendo uma rede de ações que propicia o exercício conjunto da criação, da pesquisa e do aprendizado técnico. A formação musical para o teatro aqui proposta deve, portanto, contemplar as necessidades específicas da cena e proporcionar ao ator autonomia de criação e de construção de conhecimento nesse campo. / On this thesis, I propose new ways for musical education in the theater, based on the belief that the scene can be understood as an event guided and structured on musical foundations, supported by the similarity that exists in the ways of perception of time in music and drama. It is possible to understand the scene on the grounds of the concept of mousiké, understood as the organization of sound, silence, movement and the spoken word in time and space. The mousiké becomes an organizing principle of the artistic work as a whole. I use the definition of artistic chronotope, as presented by Patrice Pavis, as an instrument for the analysis and elaboration of scenic musicality. On that context, the matter of time becomes essential, and that forces the actor to develop his perception, apprehension and control. That has been a constant concern in the work of many metteurs en scène of the 20th century investigated in this research. The practice of music can be the starting point to find these means and elaborate others, which may be found in new proposals existing in musical production of the 20th century and analyzed here - that have changed existing paradigms on hearing. I propose the education of the actor for the musicality of the scene, based on hearing pedagogy, strictly connected to the conscience and the use of the body as center of musical action. In that way, the actor must become the organizer of scenic temporality. That can be reached through improvisation and games, resources that are present in theater and music pedagogies since the beginning of the 20th century. These concepts provide a kind of net learning in which specific knowledge as well as personal methodology elaboration are built collectively. As means of support for my pedagogical thought, I worked on a model based on the triangle Hearing-Writing-Performing. Improvisation and game in that circumstance are developed simultaneously, establishing a net of actions that benefits collective learning, research and technical learning. The music formation for the theater proposed in here must contemplate the specific needs of the scene and fulfill the actor with autonomy of creation and the building of knowledge in that field.

Tesis para optar al titulo de actor. / Desde que comencé a estudiar actuación, hace ya más de diez años en el Departamento de Teatro de la Universidad de Chile, mi inquietud sobre el vínculo existente entre el movimiento y la actuación ha ido en aumento. Comencé tomando distintos seminarios, clínicas y cualquier tipo de enseñanza que tuviera relación con el tema. Es así como en el segundo año de carrera surgió la necesidad de enlazar los ocho esfuerzos básicos de la Teoría de Movimiento de Laban y la interpretación. El método entregado por la académica Mg. Jenny Pino Madariaga, con quien realicé ayudantía en la cátedra de Movimiento I durante cuatro años luego de haber egresado, fue el punto de partida para la investigación actoral. La inquietud tenía que ver con profundizar en la relación existente entre las disciplinas de movimiento y las de actuación, impartidas en esos años (2008 – 2012) en el DETUCH / 22 agosto 2019

Memoria para optar al título de Actriz / La siguiente investigación aborda la dimensión teatral y cultural de Luis Emilio Recabarren, quien además de dirigente político y social, fue un activo impulsor en la formación de instancias culturales donde los obreros pudieron participar y organizarse. La memoria establece una mirada sobre la vida y pensamiento del autor, analizando su obra ensayística y praxis política en relación a su producción cultural y obras dramáticas, poniendo énfasis en el análisis de su obra teatral Desdicha Obrera, reconociendo una concordancia en sus contenidos. Para abordar la materia se investigó la realidad social, política y cultural de inicios del siglo XX en Chile, que posibilitó la emergencia de una cultura obrera y popular. La investigación además indaga en los diferentes escenarios, espacios y representaciones del Teatro Obrero donde Luis Emilio Recabarren jugó un rol muy importante. / Diciembre 2021

Tesis para optar al grado académico de Magister en Artes mención : Dirección Teatral / El espacio y la espacialidad desde el punto de vista fenomenológico, pueden ser abordados mas allá de sus características métricas. La operación sobre el espacio es sin duda un hecho físico, pero unido al espacio están otras dimensiones que intervienen en su percepción, la inclusión del uso del espacio andino, precisa una perspectiva diferente del tratamiento del mismo, de ahí que el presente estudio se haya centrado en la investigación del espacio existencial como traductor del principio de coparticipación de espacios o Wiñay andino. La reflexión, realizada desde la práctica, ha ayudado a deconstruir el concepto anterior, al experimentar como nacen y se generan los conflictos en la coparticipación de diferentes espacialidades; este es uno de los hallazgos más significativos de la investigación: poder llevar desde la teoría hacia la práctica, operaciones de traducción sobre el espacio y la espacialidad andina, que detonan procedimientos de construcción escénica, en la búsqueda de una estética contemporánea

Tesis para optar al grado de Magíster en Artes mención: Dirección Teatral. / La presente investigación teórica y práctica, se centra en mejorar nuestro conocimiento en torno a las prácticas artísticas de la figura de la payasa, o la actriz clown, a partir de la construcción de una metodología basada en estudios teatrales y feministas para problematizar la estructura político estética de las artes tradicionales, con la finalidad de desestabilizar la representación patriarcal que ha asignado normas y roles sociales a la categoría de mujer en la escena local. Por consiguiente, esta tesis busca estrategias para orientar una mirada más humana de ampliar y diversificar las formas de narrar los cuerpos risibles de las mujeres, a través de la elaboración y aplicación de un diseño combinatorio de mecanismos teatrales, para poner a prueba en un objeto escénico, una construcción dramática que permita articular la comprensión de sucesos de la fábula con las composiciones gestuales de los personajes clownescos. Proceso de montaje que toma herramientas del género cómico y trágico para conseguir como resultado que los espectadores puedan reaccionar a distintos niveles de identificación o desidentificación con los personajes cómicos.

Tesis para optar al grado de Magíster en Artes con mención en Dirección Teatral . / En el año 1938 el francés Antonin Artaud, plantea en su manifiesto: “Un atletismo afectivo” la relación corporal de las emociones en el actor a partir de dos elementos físicos combinados: La respiración y el esfuerzo muscular, ambos elementos estarían asociados a la contracción y relajación muscular como un dispositivo generador de acciones físicas orgánicas. Sin embargo, este principio de musculatura afectiva del actor no fue desarrollada por su autor, a través de una metodología de trabajo que nos permita comprender de forma objetiva su visión sobre la interpretación de las emociones concentradas en puntos musculares, desarrollados en el cuerpo del actor. La tesis: Proceso de creación de puntos corporales a partir del atletismo afectivo de Antonin Artaud, es un trabajo de investigación teórica- práctica que tiene como problemática: La elaboración de un dispositivo corporal en el actor a partir del entrenamiento físico muscular del atleta. A través de la elaboración de un training físico secuencial se realizarán ejercicios físico- respiratorios, con el objeto de generar y reproducir una emoción orgánica a partir de un punto físico muscular, bajo un proceso experimental en teatro físico donde se intentará elaborar un dispositivo corporal analizando el manifiesto: “Un atletismo afectivo” de Antonin Artaud, como material de estudio y experimentación teatral basado en el trabajo de creación de puntos corporales que posibiliten al actor encontrar, y, proyectar las emociones de forma orgánica, articulando las ideas de Antonin Artaud al proceso de creación y construcción del personaje, a partir de la relación muscular de los puntos corporales donde se concentra la acción dramática y se manifiesta la emoción.