Orientador: Eliana Maria de Melo Souza / Banca: Rosângela Patrota / Banca: José Adriano Fenerick / Banca: Natália M. Fernandes / Banca: Renata Soares Junqueira / Resumo: O final da década de 1950 marca o início do percurso que levou ao desenvolvimento do teatro épico de Bertolt Brecht no Brasil. No ano de 1958,a primeira encenação profissional do dramaturgo alemão e o sucesso da apresentação de Eles não Usam Black-tie, de Gianfrancesco Guarnieri, no Teatro de Arena, levaram à criação do Seminário de Dramaturgia do Arena, aos estudos da obra de Brecht e à apropriação dos procedimentos artísticos brechtianos. Por sua vez, os Centros Populares de Cultura (CPC), criados em 1962 e extintos pelas forças militares em 1964, foram fortemente influenciados pela teoria e prática teatral brechtiana. O direcionamento da cena teatral brasileira ao teatro épico coadunou-se com o movimento ascensional das massas do início dos anos 1960 e à perspectiva de transformação social via revolução socialista. O golpe militar de 1964, no entanto, que interrompeu a mobilização política do início da década e pôs em refluxo a agitação cultural, teria retirado a perspectiva empírica de transformação que embasava o teatro épico de Brecht e tornado-o obsoleto. Portanto, nos anos 1990, no contexto de retomada do teatro político, coloca-se a questão da atualidade de Brecht, da potência crítica de suas técnicas artísticas, como o efeito de distanciamento. O presente trabalho, nesse sentido, analisa a peça Ópera dos Vivos. Estudo Teatral em Quatro Atos, da Companhia do Latão, grupo teatral paulistano que se propõe a efetivação de um teatro épico brechtiano, como ponto de partida da discussão da atualidade do dramaturgo na sociedade brasileira contemporânea / Abstract: The end of the 1950s marks the beginning of the path that led to the development of the Bertolt Brecht epic theater in Brazil. In 1958, the first professional staging of the German dramatist and success submitting They do not Wear Black-tie, by Gianfrancesco Guarnieri, at the Arena Theatre, led to the creation of the Dramatic Arena Workshop, to the studies Brecht's work and the appropriation of Brechtian artistic procedures. On the other hand, the Popular Culture Centers (CPC), created in 1962 and abolished by the military in 1964, were strongly influenced by Brechtian theater theory and practice. The direction of the Brazilian theater scene to the epic theater conformed to the ascension movement of the masses in early 1960s and the prospect of social change through socialist revolution. The military coup in 1964, however, interrupted the political mobilization in the decade beginning and put in reflux cultural agitation, it would have removed the empirical perspective transformation that based the Brecht epic theater and became obsolete. Therefore, in the 1990s, in the context of renewed political theater, there is the issue of Brecht relevance, the critical power of his artistic techniques, such as distancing effect. This research, in this sense, examines the Living Opera play. The Theatrical Study in Four Acts, the Latão Company, São Paulo theater group proposes to establish a Brechtian epic theater, as the starting point of the discussion of today's playwright in contemporary Brazilian society / Doutor

Orientador: Fernando Brandão dos Santos / Banca: Edvanda Bonavina da Rosa / Banca: Filomena Yoshie Hirata / Resumo: Esta pesquisa visa a compreender a questão do espaço n' As bacantes de Eurípides desde a forma como ele é criado através do diálogo entre as personagens até a influência que esse mesmo espaço exerce na ação. O teatro representa visualmente em cena, através de gestos e falas dos atores, linguagens que são processadas mentalmente no público. Ao ler uma peça, deve-se estar ciente de que elementos concretos são usados pelo dramaturgo para criar o teatro mental. N'As bacantes de Eurípides, a ação, em certos momentos, remete a um universo mítico, como o nascimento de Dioniso, ou a um espaço exterior à cena, o monte Citerão, por exemplo, que se concretiza apenas na mente do espectador ateniense do século V a.C. Isso torna necessário recuperar e compreender esse espaço mutável para a leitura consciente da peça. / Abstract: This research seeks to comprehend the space subject in Euripides' Bacchae from the way it is created through characters' dialogue to the influence this space puts on the action. The theater performs visually, by actors' voice and action, the language that is mentally processed in the audience. When we read a play, we must be aware that concrete elements are been used by the dramatist to create the mental theater. In Euripides' Bacchae, the action, sometimes, refers to a mythic universe, like Dionysus' birth, or to an offstage space, like mount Cithaeron, for example, that is materialized only in the fifth-century Athenian spectator's mind. It makes necessary the recovery and the comprehension of this shifting space for the conscientious reading of the play. / Mestre

Orientador: José Luís Vieira de Almeida / Coorientador: Teresa Maria Grubisich / Banca: Vicente Concílio / Banca: José Eduardo de Oliveira Santos / Banca: Maria Eliza Brefere Arnoni / Banca: Renata Soares Junqueira / Resumo: O presente trabalho caracteriza-se como pesquisa bibliográfica e tem como objetivo a compreensão da didática a partir do estudo das peças didáticas de Bertolt Brecht (1898-1956), as quais são uma tipologia do teatro épico brechtiano e compreendem as seguintes obras: "O voo sobre o oceano" (escrita em 1928/1929); "A peça didática de Baden-Baden sobre o acordo" (escrita em 1929); "Aquele que diz sim"/"Aquele que diz não" (encenadas sempre em conjunto, escritas em 1929/1930); "A decisão" (escrita em 1929/1930); "A exceção e a regra" (escrita em 1929/1930) e "Os Horácios e os Curiácios" (escrita em 1934); além dos fragmentos "O malvado Baal, O Associal" e "Decadência do egoísta Johann Fatzer". A didática é a categoria central deste trabalho, o universo são as peças didáticas de Bertolt Brecht e o método de análise é o materialismo histórico e dialético. Pretendemos contribuir com a discussão dos processos pedagógicos, sobretudo no que se refere à práxis pedagógica escolar e, para tanto, os caminhos trilhados em nossa pesquisa partiram da análise do conceito de didática presente na obra "Didática Magna", de Comênio (1592-1670), que é um marco referencial da Pedagogia Moderna, e se dirigiram ao estudo da didática nas peças didáticas brechtianas. Compomos um panorama sobre as condições sócio-históricas do teatro europeu, em fins do século XIX e início do século XX; enfatizamos as aproximações e distanciamentos do expressionismo e do teatro político de Erwin Piscator (1893-1966) em relação ao desenvolvimento do teatro épico brechtiano; discutimos o elemento didático presente em peças anteriores às didáticas; e, por fim, analisamos as peças didáticas e seus fundamentos. Assim, consideramos que a didática compreendida a partir das peças didáticas propicia que o ensino seja posto em cena e aponta... / Abstract: This work is characterized as bibliographic search and has aimed to understand the teaching from the study of learning plays of Bertolt Brecht (1898-1956) which are a type of Brechtian epic theater and consist the following works: "The Ocean Flight" (written in 1928/1929); "The learning play of The Baden-Baden Lesson on Consent" (written in 1929); "He Who Says Yes"/ "He Who Says No" (always together staged, written in 1929/1930); "The Decision" (written in 1929/1930); "The Exception and the rule" (written in 1929/1930) and "The Horations and the Curiatians" (written in 1934); beyond the fragments "Bad Baal, the Antisocial Man" e " Demise of the Egotist Johann Fatzer". The teaching is the central category of this work, the universe are the learning plays of Bertolt Brecht and the method of analysis is the historical and dialectical materialism. We intend to contribute to the discussion of pedagogical processes, particularly with regard to school pedagogical praxis and, therefore, the paths in our research set out the teaching this concept analysis in the work "Magna Didactics", of Comênio (1592-1670), wich is a reference point of the Modern Education, and headed to the study of teaching in Brechtian learning plays. We compose an overview of the socio-historical conditions of european theater, in the late nineteenth century and early twentieth century; we emphasize the similarities and differences of expressionism and political theater of Erwin Piscator (1893-1966) for the development of Brechtian epic theater; we discuss this didactic element in previous parts to learning; and finally, we analyze the learning plays and its fundamentals. Like this, we consider that the didactic understood from the learning plays provides that education be put into play and points out possibilities for dialogue between theater and education from the perspective... / Doutor

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2015. / Submitted by Ana Cristina Barbosa da Silva (annabds@hotmail.com) on 2015-05-06T17:58:34Z No. of bitstreams: 1 2015_GlauberGonçalvesdeAbreu.pdf: 6294731 bytes, checksum: c142a3e404008a436f1c7589e5c38ebc (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2015-05-14T15:39:55Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2015_GlauberGonçalvesdeAbreu.pdf: 6294731 bytes, checksum: c142a3e404008a436f1c7589e5c38ebc (MD5) / Made available in DSpace on 2015-05-14T15:39:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2015_GlauberGonçalvesdeAbreu.pdf: 6294731 bytes, checksum: c142a3e404008a436f1c7589e5c38ebc (MD5) / Esta dissertação apresenta os resultados de uma pesquisa que consistiu na investigação e na formulação de práticas artístico-pedagógicas para a mediação de espetáculos teatrais contemporâneos. Parte de uma abordagem que considera o contato entre espectador e obra como uma situação de experiência em potencial. Considera, ainda, que determinadas condições podem provocar o abandono dessa possibilidade por parte do espectador. O objetivo geral do trabalho é gerar uma reflexão sobre a mediação como espaço dialógico de reconhecimento de si e do outro que favorece a contenção desse abandono. Como objetivos específicos, visa diagnosticar alguns tipos de abandono, que se verificaram no contexto do público-alvo envolvido na pesquisa, delinear seus possíveis disparadores e sistematizar conceitual e metodologicamente a prática da mediação. O público das ações de mediação constituiu-se de estudantes de escolas públicas localizadas em zonas periféricas nos estados do Acre, Distrito Federal, Espírito Santo e São Paulo (majoritariamente estudantes de Ensino Médio) e estudantes do curso de Licenciatura em Teatro da Universidade Aberta do Brasil (UAB/UnB). Aproximadamente seis mil estudantes foram levados ao teatro para assistirem a quatro espetáculos e participaram de intervenções artístico-pedagógicas antes e depois das peças. As intervenções foram descritas e sistematizadas em um formato que denominamos espelho, a partir do qual pudemos compartilhar com os estudantes de Licenciatura em Teatro os movimentos e os princípios da mediação, conforme a entendemos. Apreender e compreender os resultados das mediações foi desafiador em decorrência da incipiência de indicadores. Foi necessário, assim, constituir um escopo teórico metodológico fundamentado no conceito de experiência, seguindo os passos de Heidegger, Larossa, Dewey e dos ensaios de desmontagem de Desgranges; de experiência estética, de Gumbrecht; de aisthesis e desígnio, segundo Medeiros; de conversão da atenção, Kastrup, e comunidade emancipada, Rancière; e de mediação, a partir de Bohner, Pupo, Coelho e Desgranges. Por meio do estudo de tais conceitos foi possível delinear e nomear alguns indicadores, ainda que os instrumentos de aferição sigam com certo grau de imprecisão: olhar; escuta; interação; capacidade de suscitar elementos do espetáculo; capacidade de relacionar narrativas do espetáculo com narrativas da mediação; capacidade de relacionar narrativas do espetáculo com narrativas do cotidiano. A análise de tais indicadores deve levar em conta a contenção do abandono e não a feitura da experiência, haja vista que a experiência do outro não se mensura. É demonstrado, a partir dessa análise, que a mediação teatral, de fato, pode ativar os princípios da experiência (exterioridade, alteridade, alienação, reflexividade, subjetividade, transformação) delineados de modo a favorecer a contenção do abandono, assim como desativar seus inibidores (excesso de informação, excesso de opinião, excesso de trabalho e excesso de falta de tempo) e atuar sobre os quatro tipos de abandono que detectamos: abandono por dificuldade de desativar os inibidores da experiência; abandono por desconhecimento do sentido das práticas; abandono por não conseguir se relacionar com o modo de expressão e suas variáveis; e abandono posterior. Assim, mediar não é explicar nem simplificar nem mesmo conduzir o olhar do espectador pela obra. A mediação, ao contrário, se baseia no devir pedagógico da experiência. / This mémoire presents results of a research undertaken as part of an investigation on the formulation of pedagogical and artistic practices to mediate the contact of scholarship audiences along with contemporary plays. It considers that such contact carries on an inherent potential to be turned into an effective experience. On the other hand it suggests that some conditions might bring spectators to abandon such potential. The study’s main goal aims at considering mediation as a dialogical space that favours to avoid abandonment and where one is able to recognize him/herself as well as the other. Specific goals are disclosing different types of abandonment related to this particular audience, outlining its most likely triggers, organizing and conceptualizing an achievable mediation practice. The audience was formed by public High School students from several parts of the country such as Acre, Distrito Federal, Espirito Santo and Sao Paulo in addition to a group of Licensee of Theatre students from Universidade Aberta do Brasil (UAB/UnB). The majority of those High School students used to live on the outskirts of big cities. Close to six thousand students have been taken to the theatre. They have watched four plays and joined pedagogical and artistic activities we ran right before and just after watching the plays. Activities have been described and organized in such a base we’ve called mirror. Later on we used this mirror as a starting point to share with a group of Licensee of Theatre students the mediation principles and movements we had found out. Learning and understanding the results of these mediation practices have been defying since we had very incipient markers. Setting up a consistent theoretical background happened to be necessary. So we went to follow Heidegger, Larrosa and Dewey on a possible definition for experience; as Desgranges on his disassembling rehearsals; Gumbrecht on the idea of aesthetic experience; Medeiros on the ideas of aisthesis and denomination; Kastrup on the idea of attention conversion; Rancière on the idea of emancipated community; and finally Bohner, Pupo, Coelho and Desgranges on the definition of mediation. Studying such definitions made it possible to identify and describe some markers yet measuring tools remained imprecise: attentive eyes; listening; interaction; ability to bring up issues addressed by the plays; ability to relate issues addressed by the plays to mediation practices issues; ability to relate issues addressed by the plays to everyday issues. Only abandonment avoidance but not experience accomplishing must be considered when analysing such markers since someone else’s experience will not be measurable. We’ve demonstrated through markers that theatrical mediation might actually activate experience principles (exteriority, otherness, alienation, reflexivity, subjectivity, transformation) in such a way they help to avoid abandonment even as to deactivate experience inhibiters (excess of information, excess of opinion, excess of work and excess of lack of time). Nevertheless mediation is able to act on the four types of abandonment we have disclosed: abandonment because of inability to deactivate experience inhibiters; abandonment because of failing to notice some theatre practices’ senses; abandonment because of inability to get along with theatrical expression mode and its variables; and aftermost abandonment. So mediating is not explaining nor simplifying not even leading someone else’s view over the work of art. Mediating, on the contrary, is looking at experience through its pedagogical devir.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Educação, 2009. / Submitted by Suelen Silva dos Santos (suelenunb@yahoo.com.br) on 2010-07-23T16:54:38Z No. of bitstreams: 1 2009_JussaraMendonçadeOliveiraSeidel.pdf: 507283 bytes, checksum: 638ee4eee21f463a4ea9090d65084376 (MD5) / Approved for entry into archive by Lucila Saraiva(lucilasaraiva1@gmail.com) on 2010-07-24T01:47:29Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2009_JussaraMendonçadeOliveiraSeidel.pdf: 507283 bytes, checksum: 638ee4eee21f463a4ea9090d65084376 (MD5) / Made available in DSpace on 2010-07-24T01:47:29Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2009_JussaraMendonçadeOliveiraSeidel.pdf: 507283 bytes, checksum: 638ee4eee21f463a4ea9090d65084376 (MD5) Previous issue date: 2009 / O objetivo deste trabalho é investigar o conceito “protagonista” e sua utilização entre educadores de psicodrama sócio-educacional e educadores de teatro-educação. Participaram desta pesquisa onze profissionais de psicodrama sócio-educacional e sete de teatro-educação, além de dezessete estudantes de graduação da Universidade de Brasília (UnB). Os princípios questionadores foram: (1) a afirmação das semelhanças e diferenças entre os grupos quanto à conceituação de “protagonista”; (2) como esses grupos utilizavam esse conceito; (3) qual o objetivo de seu trabalho. Os dados foram coletados mediante entrevista semiestruturada com questões abertas. Algumas entrevistas foram gravadas e outras foram concedidas por escrito, atendendo à preferência e à disponibilidade dos entrevistados. Utilizou-se a Análise de Conteúdo de Bardin para as questões subjetivas. Os resultados mostram convergência em relação à importância do termo “protagonista” como conceito fundamental, e divergência em relação ao seu uso. De modo geral, para psicodramatistas sócio-educacionais o protagonista é aquele que emerge do grupo num contexto dramático e tem um caráter de transformação pessoal e do grupo em que está inserido. A ênfase recai na singularidade de cada pessoa, nas suas configurações afetivas e redes de comunicação dentro do grupo; para educadores de teatro-educação, o protagonista é ator do teatro formal, que estuda para exercer o melhor papel, e tanto ele como todo o grupo trabalham para mostrar o enredo, a trama, o conflito em cena. A ênfase recai sobre o trabalho do grupo, apontando principalmente para uma preocupação estética. Sem que se coloque um ponto final, conclui-se que as diferentes práticas têm contribuído para a definição, o esclarecimento e a ampliação do conceito. Que as diferenças percebidas não são excludentes, muito menos negativas; ao contrário, contribuem para tornar o termo “protagonista” um conceito vivo, dinâmico, que evolui continuamente, e que há uma tendência à ampliação de sua utilização nos âmbitos social e pessoal. _________________________________________________________________________________________ ABSTRACT / The objective of this work was to investigate the concept and the use of the term “protagonist” between educators of social-educational psychodrama and educators of theater-education. Eleven professionals of psychodrama, 7 of theater-education and 17 students of graduation of the Universidade de Brasília (UnB) had participated of this partner-educational research. They had been orientations principles the affirmation of the similarities and differences between the groups how much to the protagonist conceptualization, as these groups used this concept and which would be the objective of the work for the sprouting of the same. For collection of data, an interview halfstructuralized with open questions was used. The interviews had been recorded or wrote, taking care of to the preference and availability of the interviewed ones. It was used Analysis of Content of Bardin for the subjective questions. The results show to convergence in relation to the importance of the term “protagonist” as a basic concept in each area and divergence in relation to its use. All consider the protagonist as the main figure, as main element of the action. He is that one that has the basic paper. The principal actor. In general way for professionals of the social-educational psychodrama the protagonist is that one that emerges of the group, in a dramatical context and has a character of personal transformation and the group where he is inserted. The emphasis is given in the singularity of each person, its affective configurations and its nets of communication, inside of the group. For theater-education educators the protagonist is actor of the formal theater, that studies to exert optimum paper. It (the protagonist) and all the group works to show the plot, the tram, the conflict in scene. The emphasis is in the work of the group, pointing mainly with respect to an aesthetic concern. Without placing an end point, one concluded that different the practical ones have contributed for the definition, clarification and magnifying of the concept. That the perceived differences are not exculpatory much less negative. In contrast, an alive, dynamic concept contributes to become the term “protagonist”, that it evolves continuously. E that has a trend to the magnifying of the use in the social and personal scope

Dissertação (mestrado)-Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Teoria Literária e Literaturas, 2010. / Submitted by Patrícia Nunes da Silva (patricia@bce.unb.br) on 2011-06-14T13:30:00Z No. of bitstreams: 1 2010_JamesLewisGormanJunior.pdf: 1472628 bytes, checksum: 0337f73cb2d93dcdcf20302be683e102 (MD5) / Approved for entry into archive by Patrícia Nunes da Silva(patricia@bce.unb.br) on 2011-06-14T13:32:19Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2010_JamesLewisGormanJunior.pdf: 1472628 bytes, checksum: 0337f73cb2d93dcdcf20302be683e102 (MD5) / Made available in DSpace on 2011-06-14T13:32:19Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2010_JamesLewisGormanJunior.pdf: 1472628 bytes, checksum: 0337f73cb2d93dcdcf20302be683e102 (MD5) / A partir de um panorama histórico-teatral, este trabalho analisa comparativamente a peça Eles não usam black-tie, de Gianfrancesco Guarnieri (1958) e o filme homônimo (1981) com direção de Leon Hirszman. Demonstramos que o texto de Guarnieri, que inaugura tardiamente o protagonismo da classe operária brasileira em nossa dramaturgia, na transposição da linguagem teatral para a linguagem cinematográfica, sofre significativas mudanças, ditadas pelos momentos diversos de nossa história política. Desta forma, percebemos como, a partir de nossa matéria estética, podemos compreender o nosso devir histórico. ______________________________________________________________________________ ABSTRACT / From a historical and theatrical panorama, this works analyses comparatively the play Eles não usam Black-tie, by Gianfrancesco Guarnieri (1958) and the homonym movie (1981) with the direction of Leon Hirszman. Demonstrated that Guarnieri text, opening late in the leadership of the Brazilian working class in our drama, in transposing theatrical language to cinematic language, undergoes significant changes, dictated by the different moments of our political history. Thus, we see how, from our aesthetic matters, we understand our historical development.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, 2011. / Texto parcialmente liberado pelo autor. Conteúdo: Considerações Iniciais, Considerações Finais, Referências Bibliográficas. / Submitted by Shayane Marques Zica (marquacizh@uol.com.br) on 2011-07-01T17:27:44Z No. of bitstreams: 1 2011_ConstantinoIsidoroFilhoParcial.pdf: 776380 bytes, checksum: 4f2af4d6693532595a96eb10e3adb135 (MD5) / Approved for entry into archive by Elna Araújo(elna@bce.unb.br) on 2011-07-07T21:53:25Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2011_ConstantinoIsidoroFilhoParcial.pdf: 776380 bytes, checksum: 4f2af4d6693532595a96eb10e3adb135 (MD5) / Made available in DSpace on 2011-07-07T21:53:25Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2011_ConstantinoIsidoroFilhoParcial.pdf: 776380 bytes, checksum: 4f2af4d6693532595a96eb10e3adb135 (MD5) / Esta dissertação tem como objetivo investigar a ocorrência da teatralidade na estrutura criativa e organizativa do hip hop. Essa arte se constitui como um movimento sócio-artísticocultural formado por quatro elementos principais: o grafite, a dança do Bboy, a discotecagem dos DJ e o canto dos MC. Na pesquisa realizada identificamos nos quatro elementos a utilização consciente de procedimentos técnicos que visam produzir um tipo particular de experiência estética, na qual a realidade social é índice que anima a produção artística. Ao mesmo tempo em que serve de material poético, a realidade vivida fornece o contexto que identifica os atores envolvidos na prática cultural. Há na sua materialização uma postura de protagonismo ambivalente e polifônico, cujo acento ora reside no artista, ora no público. Com a mesma contundência, a perspectiva expressiva que canta, dança, desenha e sonoriza o espaço social com a visão íntima, sensível e feroz dos excluídos postula e provoca nos envolvidos uma atitude concreta de atuação na realidade social, forjando uma estética intimamente vinculada a uma ética, que se reflete tanto na produção artística quanto na postura cidadã do ativista deste movimento. Dessa forma, hip hop configura-se como um modo de vida com a sua própria língua, estilo de música, vestimentas e de mentalidade. Esse modo próprio de vida procura construir no espaço social de marginalização um novo patamar para a qualidade de vida desses excluídos. É justamente no controle exercido para a articulação dessa estética hip hop com as outras dimensões de sentido da sociedade que verificamos a forte presença da teatralidade como dispositivo capaz de atuar tanto na dimensão artística, quanto no campo social do cotidiano. Essa inteligência simbólica e criativa é para nossa pesquisa um dispositivo teatral de alto valor para a produção das artes cênicas na contemporaneidade. _________________________________________________________________________________ ABSTRACT / This thesis aims to investigate the occurrence of theatricality in the creative and organizational structure of hip hop. This art is constituted as a socio-cultural-artistic movement consisting of four main elements: graffiti, dancing Bboy, the disco rithms of the DG’s and the MC’s way of sing the songs. In the survey we identified on all four elements the conscious use of technical procedures that aim to produce a particular kind of aesthetic experience, in which social reality is the content that drives the artistic production. While serving as poetic material, the lived reality provides the context that identifies the actors involved in the cultural practice. Due to its materialization there is a polyphonic and ambivalent protagonism posture whose enphasys laiys sometimes on the artist, sometimes in the public. With the same forcefulness, the expressive prospect that sings, dances, draws and sonorizes the social space with the inner vision, sensitive and fierce by the excluded postulates and causes on the involved a concrete attitude of action in the social reality, forging an aesthetic closely linked to an ethics, which is reflected both in the artistic production as a citizen activist posture of the movement. That way hip hop is configured as a way of life with its own language, style of music, clothing and mindset. This particular way of life seeks to build in the social marginalization a new bar for the quality of life of those excluded. It is precisely in control and exercised to this articulation of this hip hop aesthetic with the other dimensions of meaning in society, we find that the strong presence of theatricality as a device capable of acting both in the artistic dimension, as in the social sphere of everyday life. This symbolic and creative intelligence is for our research a theatrical device of high value to the production of performing arts in contemporary society.

Este ensayo intentará poner en contacto dos tradiciones dramáticas dístanciadas por la geografía y la cronología. Se trata de las tradiciones indígenas peruanas alrededor de la prisión y muerte del Inca Atahuallpa que aparecieron desde los momentos mástempranos de la conquista, y la obra del dramaturgo inglés Peter Shaffer que lleva el título Thc Royal Hunt of the Sun (La real cacería del sol).

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Departamento de Artes Visuais, Programa de Pós-Graduação em Artes, 2014. / Submitted by Jaqueline Ferreira de Souza (jaquefs.braz@gmail.com) on 2014-05-15T14:35:29Z No. of bitstreams: 1 2014_CileneRodriguesCarneiroFreitas.pdf: 2136238 bytes, checksum: 3e8962f310c61e5c77162b7407739a5b (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2014-05-16T14:59:45Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2014_CileneRodriguesCarneiroFreitas.pdf: 2136238 bytes, checksum: 3e8962f310c61e5c77162b7407739a5b (MD5) / Made available in DSpace on 2014-05-16T14:59:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2014_CileneRodriguesCarneiroFreitas.pdf: 2136238 bytes, checksum: 3e8962f310c61e5c77162b7407739a5b (MD5) / Esta dissertação tem por objetivo investigar o processo da inclusão dos atores surdos, enquanto sujeitos culturais, no teatro. A escolha desse tema foi por acreditar que a linguagem teatral pode ser um grande diferencial no estudo sobre a diversidade e na inclusão de pessoas surdas na sociedade. Para tanto aborda as questões relacionadas à diversidade, pautadas nos Estudos Culturais e suas implicações na pós-modernidade, como cultura, construção da identidade, teatro pós-dramático, inclusão e deficiência. Apresenta discussões importantes referentes á surdez e o sujeito surdo, como o debate sobre diferença e deficiência, culturas e identidades surdas, filosofias educacionais utilizadas com os surdos e a Língua Brasileira de Sinais. Relata também alguns estudos sobre a trajetória histórica dos surdos e faz um apanhado das experiências coletivas de teatro com surdos. No que se refere aos instrumentos metodológicos, além da revisão bibliográfica, a investigação foi através de uma pesquisa qualitativa, com estudo etnográfico. A pesquisa de campo partiu do desenvolvimento do Projeto Vendo Vozes: oficina de teatro para surdos e ouvintes, constituída de quinze pessoas, com idades entre 11 e 53 anos. A oficina foi estruturada em três fases, num período aproximado de quatro meses, de abril a setembro/2013. A apresentação e a análise dos resultados foram por meio de categorias temáticas com base nas proposições estudadas ao longo do trabalho e nos objetivos propostos. As evidências na pesquisa apontaram que a sociedade não está preparada para lidar com a diversidade presente, apesar dos discursos afirmarem o oposto. A problemática da inclusão dos surdos está nas representações dos ouvintes acerca dessas pessoas, nas quais estas são sinônimas de deficientes e incapazes, entre outros conceitos equivocados. A surdez ainda se encontra dentro do discurso da deficiência. Os surdos precisam ser reconhecidos nas suas múltiplas identidades e incluídos na sociedade com uma participação ativa. No teatro, os surdos podem ser inseridos, pois há varias maneiras de representação cênica, não se restringindo apenas a forma oral-auditiva, como por meio dos gestos e movimentos, que ocupam um espaço importante no espetáculo. A recepção da plateia depende da vontade em apreciar os códigos diversos. _________________________________________________________________________________ ABSTRACT / This thesis aims to investigate the process of inclusion of deaf actors as cultural subjects, in the theater. The choice of this topic was to believe that the theatrical language can be a great advantage in the study of the diversity and inclusion of deaf people in society. For that addresses issues related to diversity, guided Cultural Studies and its implications in postmodernity, such as culture, identity construction, post- dramatic theater, inclusion and disability. Presents important discussions related to deafness and deaf subject, as the debate about difference and disability, deaf cultures and identities, educational philosophies used with deaf and Brazilian Sign Language. Also reports some studies on the historical trajectory of the deaf and provides an overview of the collective experiences of deaf theater. With regard to methodological tools, in addition to literature review, research was through qualitative research with ethnographic study. The field research came from the development of the Project Seeing Voices: theater workshop for deaf and hearing, consisting of fifteen people, aged 11 to 53 years. The workshop was structured in three phases, within approximately four months from april to setembro/2013. The presentation and analysis of results through thematic categories based on proposals studied throughout the work and objectives. The evidence in the research show that society is not prepared to deal with this diversity, despite speeches asserting the opposite. The issue of inclusion of the deaf is in the representation of listeners about these people, in which they are synonymous with handicapped and the disabled, among other misconceptions. Deafness is still within the discourse of disability. Deaf people need to be recognized in their multiple identities and included in society with active participation. In theater, the deaf can be inserted as there are various ways of scenic representation, not restricted to auditory- oral form, such as through gestures and movements , which occupy an important space in the show. Reception depends on the willingness of the audience to appreciate the various codes.

Irrumpieron a comienzos de los noventa en la escena cultural chilena con una propuesta violenta y conmovedora. No apelaban a las violaciones a los derechos humanos ni a las víctimas políticas de la dictadura, sin embargo presentaban historias desoladas y enormemente emotivas que hacían olvidar la alegría que a Chile había llegado con la instalación de un sistema democrático. Se denominaron teatro La Memoria y bajo esa consigna pusieron el ojo en temas sensibles como la homosexualidad, el abandono, la locura y los asesinatos por amor, perturbando por las decisiones escénicas que tomaron, propuestas que difuminaban los límites entre lo real y lo ficcional de una obra de teatro, consiguiendo que el espectador sintiera que esas “excentricidades” puestas en escena parecieran demasiado cercanas y posibles. Con Alfredo Castro en la cabeza lograron la conjunción perfecta de elementos que les permitió la creación de un lenguaje escénico propio y distinguible, estilo con el que se convirtieron en uno de los referentes de las artes escénicas del país.