Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Letras/Inglês e Literatura Correspondente, Florianópolis, 2014. / Made available in DSpace on 2015-04-29T21:10:09Z (GMT). No. of bitstreams: 1 332963.pdf: 977312 bytes, checksum: fa3cffee6169ee9d7ae988e1f5717f1e (MD5) Previous issue date: 2015 / Abstract : The problem discussed in this study regards the analysis of the construction of Folias d'Arte's production of Otelo in relation to the cultural and political scenario that involved the Iraq war, more specifically concerning the depiction of the character Iago in selected scenes of the production. Folias' Otelo, which premiered in 2003 in São Paulo, was directed by Marco Antonio Rodrigues and had the text translated by Maria Sílvia Betti. The scene analysis concentrated mainly on the study of Folias' portrayal of Iago's intellectual tactics in relation to George W. Bush's administration's political games to invade Iraq in 2003. Such event caused a feeling of unfairness around the world concerning the real motives and strategies that Bush's administration deployed to go to war. I have relied on Edward Rocklin's notions of conception, enactment, and critical reception to structure this study. Also, I have counted on Alan Dessen's concepts regarding the subject of text alteration, and Dennis Kennedy's comments concerning the significance of the visual in theatrical productions. As for the discussion on parameters to investigate the performance of actors, and the translation of dramatic texts, I have brought to this investigation Patrice Pavis' thoughts on such subjects. The present thesis demonstrates that Folias' Otelo offers, in different stages of its construction, elements that propose a critical view on the cultural and political scenario related to the Iraq war. Additionally, the connection between Iago's intellectual tactics and Bush's administration's schemes to invade Iraq can be vastly observed in the analysis of scenes.<br> / O problema a ser discutido neste estudo diz respeito à análise da construção do Otelo da companhia de teatro Folias d'Arte em relação ao cenário político e cultural associados à guerra do Iraque, mais especificamente quanto à representação do personagem Iago em cenas selecionadas da produção teatral. O Otelo do Folias, que estreou em 2003 em São Paulo, foi dirigido por Marco Antonio Rodrigues e teve o texto traduzido por Maria Sílvia Betti. A análise de cenas concentrou-se principalmente no estudo da representação das táticas intelectuais de Iago na produção do Folias com relação ao jogos políticos da administração de George W. Bush para invadir o Iraque. Tal evento gerou um sentimento de injustiça que se espalhou mundialmente devido aos reais motivos e estratégias que a administração de Bush utilizou para efetivar a guerra. Para a estruturação deste estudo, utilizei as noções de concepção, produção e recepção crítica de Edward Rocklin. Também adotei os conceitos de Alan Dessen para abordar o assunto de alteração de texto, e comentários de Dennis Kennedy relacionados à importância do visual em produções teatrais. A respeito da discussão sobre parâmetros para a investigação da performance de atores e sobre a tradução de textos dramáticos, inclui neste estudo noções de Patrice Pavis relacionadas a tais assuntos. Esta dissertação mostra que o Otelo do Folias oferece, em variados estágios da sua elaboração, elementos que sugerem uma visão crítica do cenário político e cultural relacionado à guerra do Iraque. Além disso, por meio da análise de cenas, é possível observar em diversos momentos a conexão entre as táticas intelectuais de Iago e os esquemas da administração de Bush para invadir o Iraque.

Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Literatura, Florianópolis, 2014. / Made available in DSpace on 2015-09-08T04:04:09Z (GMT). No. of bitstreams: 1 334121.pdf: 6708940 bytes, checksum: 360e8454a0862f176ffb974397839a3f (MD5) Previous issue date: 2014 / Entre 1967 e 1969, Hilda Hilst escreveu oito peças de teatro: A empresa, O rato no muro, O visitante, Auto da barca de Camiri, As aves da noite, O novo sistema, O verdugo e A morte do patriarca. Esta tese se concentrará nessa experiência criativa de Hilda Hilst e buscará responder por que tal experiência se tornou um voo solitário na dramaturgia brasileira. No primeiro capítulo ?Viver para a escrita. Escrever para a vida.? abordamos a relação de Hilda Hilst com a escrita literária. Entendemos aqui que a escrita, para Hilda Hilst, aproxima-se daquilo que Maurice Blanchot chamou de ?reviravolta radical?. Em ?Do poema à dramaturgia?, propomos uma leitura sobre os livros de poemas publicados entre 1959 e 1967. Partimos do princípio que esses poemas foram um dispositivo pelos quais Hilda Hilst trouxe questões como a morte, o amor, o divino, a liberdade e o lugar do poeta no mundo. Defendemos que o teatro hilstiano tem profunda ligação com estes pensamentos que nortearam a escritora nos anos de 1960. No segundo capítulo, ?A chegada ao texto dramático?, trazemos uma leitura teórica a respeito do texto dramático: sua força, sua primazia e sua saída do centro do palco no século XX. Em ?O poético no teatro hilstiano?, fundamentados em pensadores como Octávio Paz e Martin Heidegger, entre outros, abordamos como o poético se dá na dramaturgia hilstiana. Na sequência, analisamos criticamente e estruturalmente como Hilda Hilst torna alguns poemas escritos anteriormente em diálogos em O rato no Muro e A empresa, além da aproximação que ela faz com o drama poético de cunho mais simbolista na peça O visitante. Por fim, analisamos Auto da barca de Camiri na qual Hilda se apropria de algumas características do Auto, gênero clássico da poesia ibérica. No terceiro capítulo da tese, nos deteremos nos aspectos do engajamento do teatro hilstiano. Primeiramente, abordamos a questão do engajamento e do teatro político tendo por base as ideias de Jean Paul Sartre, Albert Camus, Paul-Louis Landsberg, Dias Gomes, e Jacques Rancière. Na sequência do capítulo, defendemos que o engajamento do teatro de Hilda Hislt é um engajamento poético, pois ela não se filia a nenhuma das correntes predominantes do teatro no período, partindo para um voo solitário em que buscava não apenas denunciar as mazelas e a falta de liberdade no cenário político e social, mas também levar aos palcos a volta de um olhar poetizado e espiritualizado sobre a vida. No quarto capítulo, analisamos sete peças, justamente, para trazer à tona as diversas facetas do engajamento poético de Hilda Hislt. Apoiamo-nos em diversos autores, tais como Hannah Arendt, Simone Weil, Karl Jaspers, Albert Camus, Alain Badiou, Peter Sloterdijk para fundamentar a hipótese de que o teatro hilstiano é engajado poeticamente, por se tratar de um canto de luto pela desumanização e pela perda da poesia na humanidade, mas, ao mesmo tempo, uma advertência para que os homens recuperem a humanidade e a poesia perdidas. No quinto capítulo, ?As tentativas de montagem e as encenações que chegaram ao palco: um percurso?, contextualizamos o teatro brasileiro no período: principais grupos, tendências e lutas dos artistas contra a ditadura, e de que maneira o teatro hilstiano se inseriu nesse contexto. Traçamos um percurso pela divulgação e pelas tentativas de montagem das peças, bem como uma análise das montagens feitas entre 1969 e 1973 das peças O rato no muro, O visitante, O novo Sistema e O verdugo. Esse capítulo é resultado de uma pesquisa que fizemos nos arquivos de Hilda Hilst, bem como nos acervos de diversos jornais e revistas do período. A pesquisa nos mostrou que, apesar das tentativas de divulgação e publicação e das montagens ocorridas, o teatro de Hilda Hilst, com sua proposta de um engajamento poético, não dialogou de forma efetiva com aquele período, permanecendo como uma experiência híbrida entre teatro e poesia e permanecendo um voo solitário na dramaturgia brasileira.<br> / Abstract : This thesis focus on this Hilda Hilst creative experience and intends to answer why such experience become a lonely flying in the Brazilian theater. In the first Chapter, ?Viver para a escrita. Escrever para a vida?, we will discuss the relation that Hilda Hilst kept to the literary writing. We understand that, for Hilda Hilst, her writing is close to what Maurice Blanchot called ?radical turnaround?. In ?Do poema à dramaturgia?, we propose a reading of her poetry books, which were published between years 1959 and 1967. We have assumed that her poems were a device responsible for bringing o Hilda Hilst themes such as death, love, divine, freedom, and the place of poet in the world. We defend that the drama of Hilda Hilst is deeply intertwined with these themes, which guided the writer in the 1960th. In the second chapter, ?A chegada ao texto dramático?, we bring a theoretical reading to what concerns the dramatic text: its power, its primacy and how it leaves the center of attentions in the 20th century. In ?O poético no teatro hilstiano?, based on thinkers such as Octávio Paz and Martin Heidegger, among others, we state how poetry is present in Hilda Hilst drama. Not long after that, we critically and structurally analyze how Hilda Hilst transformed some former poems into dialogues in O rato no muro and A empresa in addition to the nearness that she makes with the poetic drama demonstrated in the symbolist play O visitante. At the end, we analyze Auto da Barca do Camiri in which Hilda appropriates to her writing the Auto, classic genre of Iberian poetry. In the third chapter, we focus on the engagement of the Hilda's plays. Firstly, taking into consideration ideas of Jean Paul Santre, Albert Camus, Paul-Luis Landsberg, Dias Gomes and Jacques Rancière, we discuss the engagement and the politicized theater. Soon after, we state that the Hilda Hilst presented a poetic engagement because she was not related to any current idea at that moment, choosing a lonely flying in which she not only searched for denouncing pains and lack of freedom in the political and social scenery but also brought to the stage a former spiritual and poetic view about life. In the fourth chapter, we analyze seven plays as a way to bring many facets of Hilda Hilst's poetic engagement. We are based on several authors such as Hannah Arendt, Simone Weil, Karl Jaspers, Albert Camus, Alain Badiou, Peter Sloterdijk. Theses authors sustains the hypothesis that the Hilstian drama is poetically engaged because it is a mourning chant for dehumanization and for loss of poetry in humanity, but, at the same time, an advice for human being recovers lost humanity and poetry. In the fifth chapter, ?As tentativas de montagem e as encenações que chegaram ao palco: um percurso?, we contextualize the Brazilian theater at that moment: key groups, tendencies and the fight of artists against dictatorial regime, and how the Hilda Hilst's plays was inserted at that context. We mapped the route for publishing and for tempting to stage the plays, as well as an analysis of the plays O rato no muro, O visitante, O novo Sistema and O verdugo, which were staged between the years 1969 and 1973. This chapter is a result of a research in the Hilda Hilst personal files and in many others collections of newspapers and magazines. The research demonstrates that, despite several attempts of publishing, Hilda Hilst plays, immersed in poetic engagement, did not effectively harmonized with that age and remained as a hybrid experience between theater and poetry: a lonely flying throughout Brazilian theater.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Estudos da Tradução, Florianópolis, 2015. / Made available in DSpace on 2015-09-29T04:07:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 334764.pdf: 3470881 bytes, checksum: cc3f39db9f374b4664719c4ea5c4dbc8 (MD5) Previous issue date: 2015 / Este trabalho apresenta a tradução, do francês ao português brasileiro, do único texto teatral escrito por Erik Satie, Le Piège de Méduse (1913). Em todas as áreas em que atuou - música, teatro e literatura -, sua arte exibe características como: ironia, despreocupação, repetição, nonsense, jogos de palavras. Esses atributos são tratados aqui como ?armadilhas?, conceito chave de leitura para a peça A Armadilha de Medusa, título desta tradução. Como artifício para enganar, iludir e confundir o leitor, as armadilhas do texto de Satie se tornam potência de leituras múltiplas. O tradutor é um desses leitores, que deve ser capaz de jogar com o texto e cair em suas ciladas, para poder traduzir propondo suas próprias armadilhas.<br> / Abstract : This work presents the translation, from French into Brazilian Portuguese, of the single theatrical text written by Erik Satie, Le Piège de Méduse (1913). In every field in which he has worked - music, theater and literature -, his art displays characteristics such as: irony, unconcern, repetition, nonsense, game of words. These attributes are treated here as ?traps?, key concept for reading the play A Armadilha de Medusa, title of this translation. As an artifice to delude, deceive and confuse the reader, the traps from Satie?s text become power for multiple readings. The translator is one of these readers who must be able to play with the text and fall into its traps in order to translate by proposing their own traps.

Tese (doutorado) - Universidade do Estado de Santa Catarina, Centro de Artes, Programa de Pós-Graduação em Teatro, Florianópolis, 2016. / Made available in DSpace on 2017-08-28T16:23:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 344927.pdf: 2909076 bytes, checksum: 666194cea86c842436e4e4be78564a7c (MD5) Previous issue date: 2016 / Esta tese aborda o Sistema de Stanislávski como uma base de sustentação da arte da atuação e da encenação teatral. O Sistema é aqui tratado como um espaço de princípios moventes, capazes de gerar potências de vida cênica. Esse conhecimento é compreendido como forma de possibilitar ao/à ator/atriz a conquista de sua vivência na cena pela criação de ações físicas reais, independentemente da proposta estética da encenação. Na tentativa de problematizar as compreensões que relacionam o Sistema de Stanislávski à estética realista, mas também à forma dramática, um processo criativo, pedagógico e investigativo foi realizado. Para a montagem, foi escolhida uma dramaturgia que à primeira vista parece avessa à aplicabilidade dos princípios stanislavskianos. O Homem, a Mulher, o Pássaro e a chave é, pois, resultado dessa pesquisa prático-teórica, que teve como material textual Descrição de Imagem, de Heiner Müller, e como forma de operar a poética do espetáculo, o Sistema de Stanislávski.<br> / Abstract : This thesis approaches the Stanislavski System as a basis to support the art of acting and staging. The System is here regarded as a space of moving principles that are able to generate forces of scenic life. Such knowledge is understood as a way to enable the actor or actress to achieve his or her experience on the stage through the creation of real physical actions, independently on the aesthetical proposal of the staging. In an attempt to problematize the understandings that have related the Stanislavski System to the realistic aesthetics, but also to the dramatic form, a creative, pedagogical, investigative process was carried out. For the theatrical production, we chose a dramaturgy that at first glance seems to be opposed to the applicability of Stanislavski s principles. The Man, the Woman, the Bird, and the key has resulted from this theoretical-practical research that had Description of a Picture by Heiner Muller as textual material, and the Stanislavski System as a way to run the poetics of the theatrical spectacle.

Magíster en artes mención dirección teatral / Una de las tareas más críticas de un director teatral es la composición escénica, labor que no sólo da cuenta de su poética, sino que también influye en la recepción de los espectadores, sobre todo cuando se contraponen estéticas tan disímiles como lo bello y lo feo en una obra teatral. Es por esta razón que el contraste como elemento perceptivo es clave para construir escenas en el contexto contemporáneo actual. En el presente documento se muestran algunas definiciones del contraste según áreas como la psicología, la plástica, la música, el teatro, etc.); y las estrategias de composición en las que interviene como recurso visual y perceptual: coloración, tratamiento lumínico, actuación, música, entre otras. Se expone una panorámica de la aplicación del contraste en la acción teatral, especialmente la realizada por los directores Tadeusz Kantor y Rodrigo García, quienes han confrontado las normas del teatro tradicional para dar paso a la irrupción de estéticas de la fealdad en la realización escénica. Por este motivo se analiza la existencia histórica en el arte de lo bello y lo feo, en tanto grotesco, monstruoso, ominoso y abyecto. De este modo se articulan las decisiones prácticas para el uso del contraste como herramienta perceptiva en la puesta en escena De Inmunda, pieza teatral que escenifica el impacto de las enfermedades catastróficas en el cuerpo de los pacientes y en las relaciones familiares, develando los paradigmas que existen entre lo bello y lo feo; la salud y la enfermedad; y la vida y la muerte, a través del contraste perceptivo.

Made available in DSpace on 2016-08-29T15:08:59Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_8658_Dissertação - Luana Ferraz.pdf: 1287284 bytes, checksum: 1f3660c6cd3c30322a72c4a3de1d4772 (MD5) Previous issue date: 2015-02-20 / Esta dissertação aborda a construção retórica da comicidade em peças teatrais. Para tanto, propõe a investigação das estratégias retóricas que enfatizam o efeito cômico no esquete A encalhada, de Ingrid Guimarães e Aloísio de Abreu uma das nove cenas que compõem o espetáculo Cócegas (EMI, 2004), interpretado pelas atrizes brasileiras Heloísa Périssé e Ingrid Guimarães. O embasamento teórico para este trabalho é fornecido, principalmente, pelos tratados da Retórica Antiga (ARISTÓTELES, 1991, 2000a, 2005; CÍCERO, 1950, 1991; QUINTILIANO, 1836), pelos estudos da Nova Retórica (PERELMAN; OLBRECHTS-TYTECA, 1996; REBOUL, 1998; MEYER, 1994, 2007a, 2007b) e por obras que versam sobre a comédia (FRYE, 1973; MENDES, 2008). Finda a análise dos componentes verbais e não verbais do esquete, constata-se que a recorrência de algumas técnicas no plano da expressão, como o disfemismo, a repetição, a alusão; e a constituição do caráter ansioso e imoderado da protagonista são estratégias fundamentais na produção do efeito cômico em A encalhada. Além disso, verifica-se que interação entre os diferentes expedientes retóricos do esquete é capaz de incitar, no auditório, paixões eufóricas, como a confiança e a simpatia; e disfóricas, como a inveja.

Tese (Doutorado) - Universidade de São Paulo, Faculdade de Filosofia, Letras e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2016-01-08T12:58:31Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 1972

Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Letras/Inglês e Literatura Correspondente, Florianópolis, 2011 / Made available in DSpace on 2012-10-26T08:51:40Z (GMT). No. of bitstreams: 1 289277.pdf: 2113437 bytes, checksum: 532fd1b6221228666a000dd1340b9616 (MD5) / This dissertation discusses the use of theatricalizing devices in four stage productions of William Shakespeare's The Winter's Tale. The selected performances were staged by the Royal Shakespeare Company (England, 1992), Théâtre de la Complicité (England, 1992), Folger Theatre (United States, 2009), and Companhia Atores de Laura (Brazil, 2004-2005). The discussion is structured following the notion of "performance text", proposed by Marco de Marinis (1993), which testifies to the importance of analyzing a performance in terms of its stage elements and also its contextual circumstances. Hence, the notion of "theatricalizing devices" is proposed in the present study as a tool to look at those devices employed on stage that can, simultaneously, comment on the theatrical medium and its conventions and help a production address themes and concerns related to the world outside the theater building. Additionally, the referred devices have to do with further fictionalizing the already fictional stage reality, without losing sight of the fact that those making and attending any given performance are inserted in an outside context. / A presente tese discute o uso de recursos teatricalizantes em quatro produções teatrais de O Conto do Inverno, de William Shakespeare. As performances selecionadas foram produzidas pela Royal Shakespeare Company (Inglaterra, 1992), Théâtre de la Complicité (Inglaterra, 1992), Folger Theatre (Estados Unidos, 2009), e Companhia Atores de Laura (Brasil, 2004-2005). A discussão está estruturada seguindo a noção de "texto espetacular" proposta por Marco de Marinis (1993), a qual testemunha a favor da importância de se analisar uma performance em termos de seus elementos de palco e também de suas circunstâncias contextuais. Dessa forma, a noção de "recursos teatricalizantes" é proposta na presente tese como ferramenta para olhar aqueles recursos empregados no palco que podem, simultaneamente, comentar o meio teatral e suas convenções e ajudar uma produção a tratar temas e preocupações relacionados ao mundo existente para além do auditório do teatro. Além disso, os referidos recursos associam-se com ficcionalizar mais profundamente a realidade já fictícia do palco teatral, sem perder de vista o fato que os indivíduos que realizam e assistem a qualquer performance estão inseridos em um contexto exterior.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Florianópolis, 1980. / Made available in DSpace on 2013-12-05T19:23:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 321993.pdf: 3102579 bytes, checksum: f07cae36ba96145fff4d152377b1d44c (MD5)

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Florianópolis, 1982. / Made available in DSpace on 2013-12-05T19:29:26Z (GMT). No. of bitstreams: 1 322039.pdf: 6106197 bytes, checksum: 723ec5b85fe7bf2f7e060df04d864963 (MD5)