Cette thèse porte sur les rapports qu’a la pratique du yoga contemporain avec le néolibéralisme. Celui-ci est présenté non pas tant comme une doctrine économique n’intervenant que dans la sphère dont elle ressortit, mais davantage comme une forme de discours moral qui s’articule à une vaste étendue de pratiques et de représentations sociales. L’enquête ethnographique qui a été menée sur le yoga nous conduit également à voir dans cette pratique la formation d’une morale mobilisant un ensemble de discours, de valeurs et de techniques afin de s’ériger en guide de conduite. La constitution d’une morale du yoga est alors mise en rapport avec ce que nous appelons la morale du néolibéralisme qui enjoint les individus à faire de leur autonomie, de leur réalisation personnelle ou encore de la gestion d’eux-mêmes des principes à la fois moraux et économiques. Celui qui s’engage dans la pratique du yoga peut ainsi, tout en poursuivant des objectifs de développement personnel ou spirituel, contribuer à son propre façonnement d’homo œconomicus.

Au croisement de la philosophie et des études théâtrales, cette thèse présente un double objectif. Montrer en quoi une réflexion sur le théâtre permet de prolonger et de renouveler des problématiques d’esthétique générale portant sur le statut ontologique de l’art, d’un côté. Proposer une interprétation de l’expérience esthétique des scènes théâtrales, d’un autre côté. Nous nous intéressons aux conditions d’expérience de la scène et à ses effets sur notre existence à partir de l’analyse des démarches artistiques de Stanislas Nordey, Claude Régy et François Tanguy, ainsi que d’un metteur en scène émergent, Simon Gauchet. Notre approche méthodologique articule les apports des phénoménologies de la perception (Merleau-Ponty) et de l’événement (Claude Romano) avec ceux du pragmatisme anglo-américain (John Dewey, Richard Shusterman, Stanley Cavell) ou d’inspiration angloaméricaine (Marielle Macé, Sandra Laugier). Le théâtre participe à des processus d’individualisation que nous pouvons comprendre comme des éléments de stylisation pour nos existences. Il a également une force éthique en ce qu’il contribue chez les individus au développement des dispositions du care. Ainsi, le théâtre peut-il être défini comme un art de l’existence / The purpose of this dissertation, at the crossroad of philosophy and theatre studies, is twofold. On one hand, the dissertation aims to point out how a study of theatre helps extend and renew problems of aesthetics concerning the ontological status of art. On the other hand, this work tries to suggest an interpretation of the aesthetic experience of theatrical stages. We are looking into in the experimental conditions of the stage and its effects on our existence, based on the analysis of the artistic approaches of Stanislas Nordey, Claude Régy and François Tanguy, along with a rising director, Simon Gauchet. Our methodological approach combines the contributions of the phenomenologies of perception (Merleau-Ponty) and of event (Claude Romano) with those of the Anglo-American pragmatism (John Dewey, Richard Shusterman, Stanley Cavell) as well as a pragmatism motivated by the Anglo-American tradition (Marielle Macé, Sandra Laugier). Theatre participates to individualization processes which can be interpreted as elements of stylization of our life. It also yields an ethical power by helping individuals to develop care skills. As such, it is possible to define theatre as an art of existence

La notion d’exercice spirituel, proposée par Hadot, désigne des pratiques nées en Grèce antique et qui se prolongent dans les méditations chrétiennes. Opposées à une philosophie théorique, elles poursuivent l’ambition d’apprendre à mieux agir et à se connaître soi-même. La thèse propose une vue d’ensemble de cette tradition associée à l’examen de textes précis de diverses périodes, afin de mettre en perspective les Essais de Montaigne qui se la réapproprient en poursuivant le projet de définir un art de vivre. À la fin du XVIe siècle, la confiance que les Anciens portaient à la raison n’est plus de mise : peut-on encore envisager de se maîtriser ou même de se connaître ? Les Chrétiens le croient possible en ayant recours à la grâce divine. Montaigne propose des exercices proprement humains et ordinaires. Prenant exemple sur une figure de Socrate idéalisée et associée à celle de l’Indien cannibale, il entend promouvoir un rapport à soi plus « naïf » et « primitif ». Cela lui demande d’effectuer un travail sur lui-même que seuls des exercices naturalisés pourront réaliser. Les élans de la fantaisie participent à cette démarche au même titre que le travail de la raison, tandis que cette dernière acquiert le droit de rêver. Il ne renonce pas pour autant à se poser en maître de lui-même, reprenant la méthode stoïcienne qui transforme en choix ce contre quoi on ne peut pas lutter. Au moment où la Contre-Réforme réclame le repentir, l’exercice permet à Montaigne de découvrir et d’assumer ce qu’il est. Et tandis que de nombreux traités cherchent la tranquillitas animi, il endosse le rôle d’agitateur, proposant des exercices qui maintiennent le mouvement, conçu comme élan vital. / The concept of spiritual exercise, proposed by Hadot, refers to practices born in ancient Greece and prolonged in Christian meditations. Opposed to theoretical philosophy, they pursue the ambition of learning to act better and to know oneself. The thesis proposes an overview of this tradition which is associated with examining precise texts of various periods, in order to put into perspective the Montaigne Essays which reclaim this tradition by pursuing the project of defining an art of living. At the end of the sixteenth century, the trust that the ancients brought to reason is no longer applicable : can we still consider mastering ourselves or even knowing ourself ? The Christians believe this is possible, by having recourse to divine grace. The exercises that Montaigne proposes are strictly human and ordinary. Taking the example of an idealized figure of Socrates, also associated with that of the Indian cannibal, the author of the Essays intends to promote a more « naïve » and « primitive » relationship to oneself. It requires to do self-work that only naturalized exercises can achieve. The impulses of fantasy participate in the process in the same way as the work of reason, whereas the latter acquires the right to dream. He does not give up the idea of setting himself up as a master of himself, taking up the Stoic method of transforming the inevitable into a choice. At the moment when the Counter-Reformation requires repentance, spiritual exercises allow Montaigne to discover and assume what he is. And when Neo-Stoic treatises look for tranquillitas animi, he assumes the role of agitator, proposing exercises that maintain movement, conceived as vital impetus.

Dans une première partie, une approche sociohistorique permet de dénaturaliser les catégories d'arts martiaux et de sports de combat forgées par des acteurs sociaux en lutte pour le contrôle d’un champ. Cette première étape permet d'identifier trois idéaux types : les combats codifiés, les combats culturalisés et les pratiques de self-defense. La deuxième partie démontre à partir des données de terrains recueillies que le Tai-chi peut être analysé comme une technique de soi et l’école de Tai-chi comme un dispositif visant à l’incorporation d’un éthos confucéen par les élèves. La troisième partie montre la subjectivation des élèves repose sur l’incorporation d’une culture kinesthésique. Cependant, les élèves transforment le dispositif d’éthopoïèse confucéen du maître en un dispositif d’exopoïèse. Le « Ren », forme idéalisée du lien social confucéen, devient une forme de non-lien social permettant d’enraciner l’école dans un imaginaire exotique. L’école devient ainsi un espace d'altérité radicale permettant un déplacement récréatif, une sublimation du quotidien. Cet espace devient ainsi un lieu privilégié de réinvention de soi. / In the first part of thesis, a socio-historical analysis allows an unnaturalision of the concept of martial arts and combat sport created by social actors in their struggle for controlling a field. This first step enables us to identify three ideal types : the codified combat, culturalised combat and self-defence practice. The second part shows from the field data that Tai-chi could be analysed as a technology of the self and the Tai-chi school as an apparatus aiming at the embodiment of a Confucian ethos by the students. The third part points out that the student subjectivation lies on the embodiment of a kinaesthetic culture. However, the student transforms the Confucianist éthopoïesis apparatus into an exopoïesis apparatus. The « Ren », an idealised form of Confucianist social relations became a form of non-social relations rooting the school in an exotic imaginary. The school thus became a space of radical alterity enabling a recreative shift, a sublimation of everyday life. Thus, the school became a favoured place of self-reinvention.

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À l’image des théories de la bande dessinée imprimée, la BD numérique est elle aussi accaparée par les analyses formalistes, dont la plus connue, celle de Scott McCloud, est critiquable, car elle réduit le média à un langage. Or, les mutations provoquées par la remédiation numérique ne sont pas uniquement formelles : l’expérience du lecteur, de l’auteur, et le rapport qu’ils entretiennent ensemble sont modifiés. Ce nouveau rapport influence le contenu des œuvres : on ne raconte pas la même chose dans le livre que sur Internet. L’autobiographie en BD, courant qui a explosé dans l’édition indépendante des années 1990, puis a été largement repris par les blogueurs, permet d’observer les différences de contenus et d’approches véhiculées par le livre et le numérique. Le dispositif du blogue propose un outil de liberté d’expression et de réflexion, mais les paramètres de son exécution (immédiateté, interactivité, désir de popularité, etc.) peuvent détourner cet objectif. Ainsi, beaucoup d’auteurs de blogues n’ont pas produit une autobiographie singulière, mais ont reproduit un courant de pensée existant (en exposant une libido fortement orientée vers la consommation) ainsi qu’un genre codifié, au sein duquel les autobiographies deviennent uniformes. Pour qualifier leurs blogues, on ne peut pas vraiment parler d’autobiographies, car ils ne mettent pas en scène un passé rétrospectif. Il s’agirait davantage de journaux intimes dont l’intimité est communiquée (ou publicisée) plutôt qu’expérimentée. Ce à quoi ces blogues ressemblent finalement le plus, c’est à une sorte de télé-réalité, une « bédé-réalité ». / Digital comics, like their printed counterparts, are heavily analyzed in a formalist approach: the most famous analysis, Scott McCloud's, could be criticized for it reduction of the media form to a language. But the changes that stem from the digital remediation aren't solely formal: the reader's experience, the author's, and the relation they share are all modified. This new relation changes the work's content: one doesn't tell the same thing in print and online. Autobiography in comics (a trend that exploded in the independent wave of the 90s and was later re-appropriated by bloggers) allows us to compare differences in approach between books and digital formats. The blog offers a tool for free speech and reflection, but at the same time diverts from such goals by the parameters of its execution (immediacy, interactivity, social networking, etc.). Indeed, many blog authors don't produce a singular autobiography as much as reproduce an existing trend (with a consumption-oriented libido) and a now-codified genre, in which autobiographies become uniform. Those blogs can't be completely considered as autobiographical anymore, as they don't tell of a retrospective past; they are more akin to personal diaries whose intimacy would be communicated (or publicized) instead of experienced. In that way, such blogs are closer to reality shows and could therefore be considered as a form of "reality comic".

Nous proposons, dans ce mémoire, d’explorer les possibilités pratiques et pédagogiques d’une approche autopoïétique de la création sonore au cinéma. Notre principal souci sera de saisir les modalités de l’ascèse propre aux artistes qui se livrent à une telle activité, comprise comme un « apprentissage de soi par soi » (Foucault), afin de faire celui qui peut faire l’œuvre (processus de subjectivation), et le rôle descriptif et opératoire de cet exercice - en tant qu’effort pour penser de façon critique son propre savoir-faire -, dans le faire-œuvre et l’invention de possibles dans l’écriture audio-visuelle cinématographique. Pour ce faire, d’une part, nous étudierons, à partir de témoignages autopoïétiques, le rapport réflexif de trois créateurs sonores à leur pratique et leur effort pour penser (et mettre en place) les conditions d’une pratique et d’une esthétique du son filmique comme forme d’art sonore dans un contexte audio-visuel, alors qu’ils travaillent dans un cadre normalisant : Randy Thom, Walter Murch et Franck Warner. D’autre part, nous recourrons à différentes considérations théoriques (la théorie de l’art chez Deleuze et Guattari, la « surécoute » chez Szendy, l’histoire de la poïétique à partir de Valéry, etc.) et pratiques (la recherche musicale chez Schaeffer, la relation maître-apprenti, les rapports entre automatisme et pensée dans le cinéma moderne chez Artaud et Godard, etc.), afin de contextualiser et d’analyser ces expériences de création, avec l’objectif de problématiser la figure de l’artiste-poïéticien sur un plan éthique dans le sillage de la théorie des techniques de soi chez Foucault. / It is our aim, in this study, to explore the practical and pedagogical possibilities of an auto-poietic approach to sound designing in cinema. Our main concern is to grasp the modalities of the asceticism unique to artists of this trade, understood as a apprenticeship of the self, by the self (Foucault) in order to generate the one who can make the work of art, and the descriptive and operational roles of this exercise - as a means of producing critical thought with respect to one’s own know-how-, in the making of the film and the invention of possibilities in audio-visual cinematographic “writing”. To do this, firstly, based on various forms of autopoietic testimony, we study the reflexive relation of three sound designers (Randy Thom, Walter Murch and Frank Warner) with respect to their practice and their efforts to think (and put in place) the conditions of a practice and an esthetics of film sound as a form of sound art in the audio-visual context, while these are working in normative framework. Secondly, we will use various theoretical (the art theories of Deleuze and Guattari, the “surécoute” of Szendy, the history of poietic from Valéry, etc.) and practical (Schaeffer’s musical research, the master-student relationship, the relationship between automatism and thought in the modern cinemas of Artaud and Godard, etc.) considerations to help contextualize and analyze these experiences of artistic creation, with the objective of problematizing the figure of the poietic-artist in the wake of Foucault’s theories on the techniques of self.

À l’image des théories de la bande dessinée imprimée, la BD numérique est elle aussi accaparée par les analyses formalistes, dont la plus connue, celle de Scott McCloud, est critiquable, car elle réduit le média à un langage. Or, les mutations provoquées par la remédiation numérique ne sont pas uniquement formelles : l’expérience du lecteur, de l’auteur, et le rapport qu’ils entretiennent ensemble sont modifiés. Ce nouveau rapport influence le contenu des œuvres : on ne raconte pas la même chose dans le livre que sur Internet. L’autobiographie en BD, courant qui a explosé dans l’édition indépendante des années 1990, puis a été largement repris par les blogueurs, permet d’observer les différences de contenus et d’approches véhiculées par le livre et le numérique. Le dispositif du blogue propose un outil de liberté d’expression et de réflexion, mais les paramètres de son exécution (immédiateté, interactivité, désir de popularité, etc.) peuvent détourner cet objectif. Ainsi, beaucoup d’auteurs de blogues n’ont pas produit une autobiographie singulière, mais ont reproduit un courant de pensée existant (en exposant une libido fortement orientée vers la consommation) ainsi qu’un genre codifié, au sein duquel les autobiographies deviennent uniformes. Pour qualifier leurs blogues, on ne peut pas vraiment parler d’autobiographies, car ils ne mettent pas en scène un passé rétrospectif. Il s’agirait davantage de journaux intimes dont l’intimité est communiquée (ou publicisée) plutôt qu’expérimentée. Ce à quoi ces blogues ressemblent finalement le plus, c’est à une sorte de télé-réalité, une « bédé-réalité ». / Digital comics, like their printed counterparts, are heavily analyzed in a formalist approach: the most famous analysis, Scott McCloud's, could be criticized for it reduction of the media form to a language. But the changes that stem from the digital remediation aren't solely formal: the reader's experience, the author's, and the relation they share are all modified. This new relation changes the work's content: one doesn't tell the same thing in print and online. Autobiography in comics (a trend that exploded in the independent wave of the 90s and was later re-appropriated by bloggers) allows us to compare differences in approach between books and digital formats. The blog offers a tool for free speech and reflection, but at the same time diverts from such goals by the parameters of its execution (immediacy, interactivity, social networking, etc.). Indeed, many blog authors don't produce a singular autobiography as much as reproduce an existing trend (with a consumption-oriented libido) and a now-codified genre, in which autobiographies become uniform. Those blogs can't be completely considered as autobiographical anymore, as they don't tell of a retrospective past; they are more akin to personal diaries whose intimacy would be communicated (or publicized) instead of experienced. In that way, such blogs are closer to reality shows and could therefore be considered as a form of "reality comic".

Pour respecter les droits d’auteur, la version électronique de ce mémoire a été dépouillée d'un document visuel. La version intégrale du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal. / L'action interactive avec le numérique est quotidienne. Toutefois, peu de réflexions sur le sujet mettent en avant l'importance de la trace dans cette relation qui nous lie à la machine. Une expérience interactive engendre souvent une trace et c'est à partir de cet élément capital que nous réfléchissons, dans ce mémoire, sur la relation entretenue avec notre environnement numérique interactif. La trace est alors comprise comme une nouvelle approche épistémologique des arts numériques interactifs. Penser le numérique comme immatériel suppose une quasi-inexistence de la trace présente au sein d'une oeuvre numérique, impliquant une mystification. Tout au long de cette recherche, notre objectif est donc de redonner une matérialité à la trace, afin qu'elle puisse s'intégrer dans notre paysage que l'on dit matériel. C'est l’oeuvre Pulse Room (2006) de Rafael Lozano-Hemmer qui va nous permettre de constater les ambivalences et les convergences qui existent dans l'approche d'une société informatisée face à la machine numérique, et de saisir la manière dont nous évaluons la trace qui est laissée dernière chacune de nos prestations numériques. C'est uniquement au moment où la trace numérique intégrera une certaine matérialité que nous serons capables de nous considérer en tant qu'objet de réflexion, de distinguer la manière dont nous nous comportons face à cet environnement et d'apprendre à être critiques. / The interactive action with the digital is daily. However, few thoughts on the subject highlight the importance of the trace in this relationship which links us to the machine. Often, an interactive experience generates a trace and it is from this important element that we are thinking, in this master’s thesis, on the relationship with our interactive digital environment. The trace is then understood as a new epistemological approach to interactive digital arts. To think the digital as immaterial generates an almost non-existent of the trace within a digital work, involving a mystification. Throughout this research, our goal is to give back materiality to this trace, so that it can fit into our landscape called material. The work Pulse Room (2006) by Rafael Lozano-Hemmer will enable us to reflect on the ambivalences and convergences that exists in the approach of a computerized society in front of the digital machine, and understand how we evaluate the trace that is left behind each of our digital performances. It's only when the digital trace will incorporate a certain materiality, that we will be able to see ourselves as an object of reflection, to discern how we behave facing this environment and learn to be critical.