La politique dans trois pièces d´Hélène Cixous : L’Histoire (qu’on ne connaîtra jamais) (1994) ; L’Histoire terrible mais inachevée de Norodom Sihanouk, roi de Cambodge (1985) et La Ville parjure ou le réveil des Erinyes (1994). L´objectif est de mettre les pièces dans leur contexte historique, contemporain, politique et philosophique. Leur forme d’intervention est étudiée tout autant que la littérature, les archives, la théorie et le contexte qui les informent. Les questions plus générales de la dimension politique dans l’esthétique et les interventions du littéraire sur le champ politique ou idéologique sont aussi au centre de l´analyse. La lecture vise plus particulièrement à identifier les sources et les réalités sur lesquelles les pièces s’appuient (la crise politique et démocratique ; le colonialisme et l´impérialisme occidentaux ; la géopolitique et les guerres civiles et fratricides, tout comme les résistances à ces situations ou événements politiques/historiques) mais aussi les positions prises à leur égard ainsi que les enjeux décisifs qu’elles dégagent. La thèse est composée de deux parties : "La scène du Livre" et "La scène de l’Histoire". La première comporte un parti pris méthodologique ; elle s´ouvre sur une mise en perspective théorique et propose dans un deuxième chapitre l’analyse de L’Histoire (qu’on ne connaîtra jamais) en tant que mise en abyme de l´écriture théâtrale et de la fonction du poète face à l’Histoire. Dans la deuxième partie, l’accent est mis sur l’histoire et la politique contemporaines ainsi que sur les questions de pouvoir, de violence, de territorialité, de démocratie et de justice auxquelles L’Histoire terrible et La Ville parjure cherchent à répondre. L´étude met en évidence deux devoirs qui sous-tendent l´écriture théâtrale d´Hélène Cixous : d’une part, celui de la responsabilité devant la mémoire et, de l´autre, celui de la résistance critique à tout pouvoir injuste. / The thesis explores the role of history, memory, responsibility, and politics in three plays by Hélène Cixous: The History (We Will Never Know) (1994), The Terrible but Unfinished Story of Norodom Sihanouk, King of Cambodia (1985) and the Perjured City or the Awakening of the Erinyes (1994). The purpose is to put the plays in their philosophical and political contexts and to engage the questions they raise from literary, archival, and theoretical perspectives. The broader political and ideological dimensions of Cixous’s aesthetic and literary writing are also central to the analysis. The thesis specifically examines the historical and contemporary issues addressed in the plays, such as the crisis of the political order and democracy; colonial and imperial practices; the linkages between geopolitics, civil wars and genocides; and the various forms of individual and collective resistance to power. In addition, it analyzes the discourses and subject positions staked out by the participants in the narratives the plays describe. The thesis is divided into two parts: The first one, entitled "The Scene of the Book", opens with a methodological and theoretical chapter followed by an analysis of The History (We Will Never Know), with emphasis on the mise en abyme of the process of writing and the relationship between the poet and history. In the second part, "The Scene of History", the focus is on contemporary history and politics, using The Terrible but Unfinished Story of Norodom Sihanouk and the Perjured City as case studies, addressing issues of power, violence, territoriality, democracy and justice. The thesis stresses the dual obligation, underpinning the theatrical writings of Hélène Cixous: the responsibility toward memory and the duty to resist unjust power in all its forms.

Cette dissertation traite de la manière selon laquelle les actrices noires se constituent ellesmêmes à partir de la formation théâtrale et de l’exercice professionnel au théâtre. À partir du témoignagne de cinq actrices noires, de Porto Alegre au Brésil, ce travail aborde le discours du blanchiment, engendré par le projet colonisateur comme moyen de subjectivisation qui agit fréquemment sur les femmes noires. Il démontre l’occurence de pratiques sociales qui révèlent l’influence d’un tel discours sur les corps des actrices et sur la manière dont elles se conduisent dans le monde. Il examine la reproduction de stéréotypes rapportés à l’image des femmes noires dans la dramaturgie en tant que vestiges du discours du blanchiment dans ces domaines, qui font obstacle au développement professionnel des actrices noires. Il établit une relation entre les éléments abordés par la formation théâtrale et par les pratiques théâtrales contemporaines et les études de Michel Foucault, à la lumière du concept d’attention à soi et d’une pratique ascétique à lui associée, l’écriture de soi. Grâce à cette relation, cette recherche présente des alternatives pour l’élaboration de la subjectivité des actrices noires comme résistance aux processus de blanchiment, montrant la formation comme possibilité de dire de soi au théâtre. / A dissertação trata sobre o modo como mulheres atrizes negras constituem a si mesmas a partir da formação teatral e do exercício profissional em teatro. A partir do depoimento de cinco atrizes negras de Porto Alegre, Brasil, o trabalho aborda o discurso do embranquecimento, engendrado pelo projeto colonizador como modo de subjetivação que frequentemente atua sobre as mulheres negras. Em um diálogo com questões apontadas pelo feminismo negro, demonstra a ocorrência de práticas sociais que revelam a influência de tal discurso sobre os corpos das atrizes e sobre a forma como elas se conduzem no mundo. Examina a reprodução de estereótipos relacionados à imagem das mulheres negras na dramaturgia como rastros do discurso do embranquecimento nessas áreas, que obstaculizam o desenvolvimento profissional das atrizes negras. Relaciona os elementos abordados pela formação teatral e pelas práticas teatrais contemporâneas com os estudos de Michel Foucault, à luz do conceito de cuidado de si e de uma prática ascética associada a ele, a escrita de si. Por meio dessa relação, a pesquisa apresenta alternativas para a elaboração da subjetividade das atrizes negras como resistência aos processos de embranquecimento, mostrando a formação como possibilidade de dizer de si no teatro.

L’écriture théâtrale de Giraudoux est une traversée du miroir. Elle donne à l’évanescence du reflet les contours définis d’une réalité nouvelle. Il suffit d’ailleurs de situer l’œuvre de Giraudoux dans son contexte historique et littéraire et de se débarrasser de l’image convenue d’un écrivain précieux pour apprécier toute la modernité du texte. Car c’est au cœur même de cette pratique du langage dramatique qu’éclate avec le plus de force la particularité de Giraudoux. En apportant au théâtre la force incantatoire d’une langue littéraire, l’auteur affirme son refus du prosaïque. Notre problématique s’inscrit dans une optique de création et d’agencement, le théâtre est un art de la composition. L’auteur dramatique compose avec les différents éléments de l’écriture théâtrale : le langage, la construction du personnage, le temps, l’espace ou encore les différents impératifs du système dramatique. Par ailleurs, le succès de Giraudoux doit beaucoup au talent de Jouvet qui, en véritable artisan du théâtre, a su transposer sur scène, avec un mélange subtil de sensibilité et de grandeur, de passion et d’émotion, le texte à entendre et le texte à voir, l’éclat unique du théâtre de Giraudoux.Giraudoux a cette particularité d’introduire une sorte de jeu avec les poncifs du langage dramatique pour en tirer des effets inattendus. Le jeu, c’est peut-être là le maître mot du théâtre de Giraudoux tant son écriture joue avec le texte et se joue des contraintes du genre. Son écriture didascalique, sans pour autant complètement s’affranchir des canons classiques, se transforme ainsi en espace d’écriture ; sans être un didascale prolixe, Giraudoux est l’un de ceux qui redorent le blason d’un texte circonscrit jusque-là dans une fonction purement utilitaire. L’espace, le temps, les personnages, les conventions dramatiques tout obéit chez Giraudoux à une sorte de pratique ludique de l’écriture qui s’inscrit bien souvent à contre-courant des attentes critiques. On veut coûte que coûte le faire entrer dans une case alors qu’il échappe aux codes de classification établis. Son écriture refuse de se soumettre aux confinements génériques. Son théâtre repose sur un désir de transcender le réel en donnant à la fantaisie les couleurs du quotidien et au quotidien les allures d’une féerie, Intermezzo, Ondine ou encore La Folle de Chaillot sont des exemples parfaits de cette dichotomie qui traverse toute l’œuvre. Nous nous sommes posé deux questions mais qui nous semblent essentielles : Comment se construit l’écriture théâtrale de l’auteur? Et comment s’opère cette traversée du miroir qui est le propre du passage du texte à la scène ? / Redefining the reality, Giraudoux’s playwriting seems to be a sort of passing through the looking glass.Only when situating Giraudoux’s work in its historical and literary context and getting rid of the conventional image of preciousness that one can appreciate the modernity of the text. For it is in the deep of the playwriting practice that Giraudoux’s virtuosity appears.Bringing the incantatory power of a poetic language to the theatre, the author affirms his rejection of prosaic. Playwriting is an art of composition. The playwright is dealing with the different elements of dramaturgy: language, character, time, space, and dramatic impulse… Moreover, the success of Giraudoux owes much to the talent of Jouvet. The theatre director knew how to transpose on stage, with a subtle blend of sensitivity and grandeur, passion and emotion, the unique glow of Giraudoux's poetic fantasy.In this thesis we intend to demonstrate that Giraudoux's playwriting is an area of an undiscovered modernity. His specificity is to play with the clichés of dramatic language in order to produce unexpected effects. This study starts with the specifics of the playwriting: language, stylistic elegance, stage directions, characters, time, space and play structure. Then, we investigate in Jouvet’s direction through the play’s premiere and finally we try to point out the specifics of the close collaboration between the two men.

L’étude proposée accompagne une traduction en espagnol d’un extrait du Chant du Dire-Dire de Daniel Danis en vue d’une production de la pièce par la compagnie Tiatro à Santiago du Chili. La méthodologie utilisée s’appuie sur la théorie fonctionnaliste du skopos (Vermeer 1978). Celle-ci envisage chaque traduction comme un acte de communication à part entière, indépendant de celui du texte source, puisqu’elle est destinée à un système socio-culturel différent et ainsi s’adresse à des usagers différents ; d’où la nécessité de soumettre le dispositif du texte source à ces nouveaux paramètres au moment d’établir le « projet » de la traduction. Cette approche fonctionnaliste remet en question le caractère prescriptif de certains concepts proposés pour traduire le théâtre, comme celui de « playability », « performability » ou de « théâtralité ». On constate que ces notions sont trop ambiguës et ne tiennent pas compte des particularités esthétiques de chaque pièce ou du contexte de la représentation. L’établissement du skopos, c’est-à-dire de l’objectif de notre propre traduction destinée à un public chilien, repose principalement sur une analyse dramaturgique et esthétique de la pièce de Danis. Les particularités du texte sont décrites, en particulier, le traitement de la langue, qui constitue le principal défi de la traduction. Celle-ci est étudiée dans ses rapports avec le théâtre québécois de « l’époque du joual » et avec l’oralité populaire pour cerner une singularité porteuse du projet dramaturgique de l’auteur. L’étude détaillée de la pièce est suivie d’une traduction commentée d’un « dire » intitulé Les traces du chaos dans la maison Durant. Cette traduction est présentée sous forme bilingue et accompagnée d’un commentaire explicitant les problèmes rencontrés et les solutions micro-structurelles proposées en fonction du skopos préalablement établi. The present research complements a Spanish translation of an excerpt of Daniel Danis’ Le Chant du Dire-Dire (Song of the Say-Sayer) for a future production by the theatre company Tiatro in Santiago de Chile. The methodology is based on Vermeer’s skopos theory (1978), a functionalist approach to translation. This theory considers every translation an independent communicational act, different from the one established by the source text since it is destined to a different socio-cultural system and thus, different users. As such, it is necessary to adapt the source text system to these new parameters when defining the translation “project”. This functionalist approach puts into question some of the best known concepts advanced in theatre translation during the past twenty years, such as “playability”, “performability” or “theatricality”. They prove too vague and do not take into considering the aesthetic specificities of each play or the context to which they are destined. The parameters of the skopos, in the present case, that of a translation intended to be performed in front of a Chilean audience, is based on a detailed analysis of Danis’ play. This analysis defines the unique attributes of the text, specifically in regards to the use of language. The research also examines the relationship between the play’s language and the “époque du joual” (1960-1970’s) in québécois theatre, as well as its rapport with québécois vernaculars, insofar as they are key in the articulation of the playwright’s dramaturgical project. The analysis of the play is followed by an annotated translation of the “dire” entitled Les traces du chaos dans la maison Durant (Traces of chaos in the Lasting home). This translation, presented in a bilingual format, provides commentary explaining the different problems encountered during the process as well as the micro-structural adaptations proposed according to the pre-established skopos.

L’étude proposée accompagne une traduction en espagnol d’un extrait du Chant du Dire-Dire de Daniel Danis en vue d’une production de la pièce par la compagnie Tiatro à Santiago du Chili. La méthodologie utilisée s’appuie sur la théorie fonctionnaliste du skopos (Vermeer 1978). Celle-ci envisage chaque traduction comme un acte de communication à part entière, indépendant de celui du texte source, puisqu’elle est destinée à un système socio-culturel différent et ainsi s’adresse à des usagers différents ; d’où la nécessité de soumettre le dispositif du texte source à ces nouveaux paramètres au moment d’établir le « projet » de la traduction. Cette approche fonctionnaliste remet en question le caractère prescriptif de certains concepts proposés pour traduire le théâtre, comme celui de « playability », « performability » ou de « théâtralité ». On constate que ces notions sont trop ambiguës et ne tiennent pas compte des particularités esthétiques de chaque pièce ou du contexte de la représentation. L’établissement du skopos, c’est-à-dire de l’objectif de notre propre traduction destinée à un public chilien, repose principalement sur une analyse dramaturgique et esthétique de la pièce de Danis. Les particularités du texte sont décrites, en particulier, le traitement de la langue, qui constitue le principal défi de la traduction. Celle-ci est étudiée dans ses rapports avec le théâtre québécois de « l’époque du joual » et avec l’oralité populaire pour cerner une singularité porteuse du projet dramaturgique de l’auteur. L’étude détaillée de la pièce est suivie d’une traduction commentée d’un « dire » intitulé Les traces du chaos dans la maison Durant. Cette traduction est présentée sous forme bilingue et accompagnée d’un commentaire explicitant les problèmes rencontrés et les solutions micro-structurelles proposées en fonction du skopos préalablement établi. The present research complements a Spanish translation of an excerpt of Daniel Danis’ Le Chant du Dire-Dire (Song of the Say-Sayer) for a future production by the theatre company Tiatro in Santiago de Chile. The methodology is based on Vermeer’s skopos theory (1978), a functionalist approach to translation. This theory considers every translation an independent communicational act, different from the one established by the source text since it is destined to a different socio-cultural system and thus, different users. As such, it is necessary to adapt the source text system to these new parameters when defining the translation “project”. This functionalist approach puts into question some of the best known concepts advanced in theatre translation during the past twenty years, such as “playability”, “performability” or “theatricality”. They prove too vague and do not take into considering the aesthetic specificities of each play or the context to which they are destined. The parameters of the skopos, in the present case, that of a translation intended to be performed in front of a Chilean audience, is based on a detailed analysis of Danis’ play. This analysis defines the unique attributes of the text, specifically in regards to the use of language. The research also examines the relationship between the play’s language and the “époque du joual” (1960-1970’s) in québécois theatre, as well as its rapport with québécois vernaculars, insofar as they are key in the articulation of the playwright’s dramaturgical project. The analysis of the play is followed by an annotated translation of the “dire” entitled Les traces du chaos dans la maison Durant (Traces of chaos in the Lasting home). This translation, presented in a bilingual format, provides commentary explaining the different problems encountered during the process as well as the micro-structural adaptations proposed according to the pre-established skopos.

Considérant la plurivocité de la pièce Cyrano de Bergerac d'Edmond Rostand, cette recherche vise à découvrir comment les discours conflictuels qu'elle implique peuvent être soutenus sur scène à la fois par la voie du texte et par la voie du corps. Ce que dit le texte devrait pouvoir être complété par le langage du corps et vice-versa, de façon à révéler les conflits intérieurs des personnages de Rostand. Ce mémoire s'attarde d'abord à l'étude de l'œuvre d'Edmond Rostand, Cyrano de Bergerac. L'auteur est influencé par les divers courants de son époque: le drame romantique, la pièce historique, la «pièce bien faite». Il s'inspire également du classicisme, de même que de Cyrano, le personnage historique, poète et mousquetaire du XVIe siècle. Ainsi, ces matériaux hétéroclites utilisés par Rostand dans son processus de création font l'objet d'une réappropriation: il y a recyclage, selon l'appellation proposée par Guy Scarpetta. Nous nous penchons également dans cette recherche sur l'interdisciplinarité scénique, les diverses possibilités de dialectiques entre texte et mouvement, plus particulièrement le genre de la danse-théâtre, élaboré dans sa forme contemporaine par la chorégraphe Pina Bausch. Ce choix se base sur le contrepoint ainsi développé entre la densité du texte de Rostand, s'adressant à l'intellect, et l'abstraction d'un vocabulaire gestuel dansé, tout aussi élaboré, qui parle davantage aux sens. Ce sont certains procédés tirés du processus des artistes de la danse-théâtre - le dialogue corps-texte, la mise en scène de l'intériorité et la répétition - que nous avons utilisés dans la création accompagnant ce mémoire, Les Larmes et le sang. Ce travail de création a, en partie, porté sur l'étude des thèmes qui sont exploités dans la mise en scène: la théâtralité, le double, l'identité rêvée. Quelques procédés du recyclage ont, en outre, servi de base à l'élaboration de cette mise en scène. C'est d'ailleurs aussi le cas pour le texte de la création, un collage élaboré à partir du texte original d'Edmond Rostand. Dans le processus d'exploration, nous avons tenté de cerner les moyens de faire cohabiter sur scène le discours textuel et le discours du corps. En élaborant un vocabulaire gestuel indépendant de sa source littéraire, en différenciant chacun des discours, en mettant en évidence la trame narrative et en étudiant le rôle du souffle dans le travail des comédiens, nous avons cherché l'équilibre des moyens d'expression. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Danse-théâtre, expression corporelle, Cyrano de Bergerac, théâtre du XIXe siècle, dialectique texte-corps.

L’étude proposée accompagne une traduction en espagnol d’un extrait du Chant du Dire-Dire de Daniel Danis en vue d’une production de la pièce par la compagnie Tiatro à Santiago du Chili. La méthodologie utilisée s’appuie sur la théorie fonctionnaliste du skopos (Vermeer 1978). Celle-ci envisage chaque traduction comme un acte de communication à part entière, indépendant de celui du texte source, puisqu’elle est destinée à un système socio-culturel différent et ainsi s’adresse à des usagers différents ; d’où la nécessité de soumettre le dispositif du texte source à ces nouveaux paramètres au moment d’établir le « projet » de la traduction. Cette approche fonctionnaliste remet en question le caractère prescriptif de certains concepts proposés pour traduire le théâtre, comme celui de « playability », « performability » ou de « théâtralité ». On constate que ces notions sont trop ambiguës et ne tiennent pas compte des particularités esthétiques de chaque pièce ou du contexte de la représentation. L’établissement du skopos, c’est-à-dire de l’objectif de notre propre traduction destinée à un public chilien, repose principalement sur une analyse dramaturgique et esthétique de la pièce de Danis. Les particularités du texte sont décrites, en particulier, le traitement de la langue, qui constitue le principal défi de la traduction. Celle-ci est étudiée dans ses rapports avec le théâtre québécois de « l’époque du joual » et avec l’oralité populaire pour cerner une singularité porteuse du projet dramaturgique de l’auteur. L’étude détaillée de la pièce est suivie d’une traduction commentée d’un « dire » intitulé Les traces du chaos dans la maison Durant. Cette traduction est présentée sous forme bilingue et accompagnée d’un commentaire explicitant les problèmes rencontrés et les solutions micro-structurelles proposées en fonction du skopos préalablement établi. The present research complements a Spanish translation of an excerpt of Daniel Danis’ Le Chant du Dire-Dire (Song of the Say-Sayer) for a future production by the theatre company Tiatro in Santiago de Chile. The methodology is based on Vermeer’s skopos theory (1978), a functionalist approach to translation. This theory considers every translation an independent communicational act, different from the one established by the source text since it is destined to a different socio-cultural system and thus, different users. As such, it is necessary to adapt the source text system to these new parameters when defining the translation “project”. This functionalist approach puts into question some of the best known concepts advanced in theatre translation during the past twenty years, such as “playability”, “performability” or “theatricality”. They prove too vague and do not take into considering the aesthetic specificities of each play or the context to which they are destined. The parameters of the skopos, in the present case, that of a translation intended to be performed in front of a Chilean audience, is based on a detailed analysis of Danis’ play. This analysis defines the unique attributes of the text, specifically in regards to the use of language. The research also examines the relationship between the play’s language and the “époque du joual” (1960-1970’s) in québécois theatre, as well as its rapport with québécois vernaculars, insofar as they are key in the articulation of the playwright’s dramaturgical project. The analysis of the play is followed by an annotated translation of the “dire” entitled Les traces du chaos dans la maison Durant (Traces of chaos in the Lasting home). This translation, presented in a bilingual format, provides commentary explaining the different problems encountered during the process as well as the micro-structural adaptations proposed according to the pre-established skopos.

Cette dissertation traite de la manière selon laquelle les actrices noires se constituent ellesmêmes à partir de la formation théâtrale et de l’exercice professionnel au théâtre. À partir du témoignagne de cinq actrices noires, de Porto Alegre au Brésil, ce travail aborde le discours du blanchiment, engendré par le projet colonisateur comme moyen de subjectivisation qui agit fréquemment sur les femmes noires. Il démontre l’occurence de pratiques sociales qui révèlent l’influence d’un tel discours sur les corps des actrices et sur la manière dont elles se conduisent dans le monde. Il examine la reproduction de stéréotypes rapportés à l’image des femmes noires dans la dramaturgie en tant que vestiges du discours du blanchiment dans ces domaines, qui font obstacle au développement professionnel des actrices noires. Il établit une relation entre les éléments abordés par la formation théâtrale et par les pratiques théâtrales contemporaines et les études de Michel Foucault, à la lumière du concept d’attention à soi et d’une pratique ascétique à lui associée, l’écriture de soi. Grâce à cette relation, cette recherche présente des alternatives pour l’élaboration de la subjectivité des actrices noires comme résistance aux processus de blanchiment, montrant la formation comme possibilité de dire de soi au théâtre. / A dissertação trata sobre o modo como mulheres atrizes negras constituem a si mesmas a partir da formação teatral e do exercício profissional em teatro. A partir do depoimento de cinco atrizes negras de Porto Alegre, Brasil, o trabalho aborda o discurso do embranquecimento, engendrado pelo projeto colonizador como modo de subjetivação que frequentemente atua sobre as mulheres negras. Em um diálogo com questões apontadas pelo feminismo negro, demonstra a ocorrência de práticas sociais que revelam a influência de tal discurso sobre os corpos das atrizes e sobre a forma como elas se conduzem no mundo. Examina a reprodução de estereótipos relacionados à imagem das mulheres negras na dramaturgia como rastros do discurso do embranquecimento nessas áreas, que obstaculizam o desenvolvimento profissional das atrizes negras. Relaciona os elementos abordados pela formação teatral e pelas práticas teatrais contemporâneas com os estudos de Michel Foucault, à luz do conceito de cuidado de si e de uma prática ascética associada a ele, a escrita de si. Por meio dessa relação, a pesquisa apresenta alternativas para a elaboração da subjetividade das atrizes negras como resistência aos processos de embranquecimento, mostrando a formação como possibilidade de dizer de si no teatro.

Cette dissertation traite de la manière selon laquelle les actrices noires se constituent ellesmêmes à partir de la formation théâtrale et de l’exercice professionnel au théâtre. À partir du témoignagne de cinq actrices noires, de Porto Alegre au Brésil, ce travail aborde le discours du blanchiment, engendré par le projet colonisateur comme moyen de subjectivisation qui agit fréquemment sur les femmes noires. Il démontre l’occurence de pratiques sociales qui révèlent l’influence d’un tel discours sur les corps des actrices et sur la manière dont elles se conduisent dans le monde. Il examine la reproduction de stéréotypes rapportés à l’image des femmes noires dans la dramaturgie en tant que vestiges du discours du blanchiment dans ces domaines, qui font obstacle au développement professionnel des actrices noires. Il établit une relation entre les éléments abordés par la formation théâtrale et par les pratiques théâtrales contemporaines et les études de Michel Foucault, à la lumière du concept d’attention à soi et d’une pratique ascétique à lui associée, l’écriture de soi. Grâce à cette relation, cette recherche présente des alternatives pour l’élaboration de la subjectivité des actrices noires comme résistance aux processus de blanchiment, montrant la formation comme possibilité de dire de soi au théâtre. / A dissertação trata sobre o modo como mulheres atrizes negras constituem a si mesmas a partir da formação teatral e do exercício profissional em teatro. A partir do depoimento de cinco atrizes negras de Porto Alegre, Brasil, o trabalho aborda o discurso do embranquecimento, engendrado pelo projeto colonizador como modo de subjetivação que frequentemente atua sobre as mulheres negras. Em um diálogo com questões apontadas pelo feminismo negro, demonstra a ocorrência de práticas sociais que revelam a influência de tal discurso sobre os corpos das atrizes e sobre a forma como elas se conduzem no mundo. Examina a reprodução de estereótipos relacionados à imagem das mulheres negras na dramaturgia como rastros do discurso do embranquecimento nessas áreas, que obstaculizam o desenvolvimento profissional das atrizes negras. Relaciona os elementos abordados pela formação teatral e pelas práticas teatrais contemporâneas com os estudos de Michel Foucault, à luz do conceito de cuidado de si e de uma prática ascética associada a ele, a escrita de si. Por meio dessa relação, a pesquisa apresenta alternativas para a elaboração da subjetividade das atrizes negras como resistência aos processos de embranquecimento, mostrando a formação como possibilidade de dizer de si no teatro.

Le sujet central de cette recherche est une investigation sur le statut de la fiction dans le théâtre occidental contemporain. En ligne avec les transformations sociales de son temps, les contours du théâtre ont perdu de leur netteté. En ce moment de mise en question radicale, la permanence, la mutation ou la disparition de la fiction est l’une des caractéristiques principales pour la reconfiguration de l’art théâtral. En diagnostiquant l’environnement de méfiance par rapport aux méthodes et résultats de la représentation, nous avons étudié ce nouveau lieu qu’occupe, ou peut occuper, la fiction théâtrale. Par le débat théorique et par l’analyse des expériences théâtrales des trois dernières décennies, nous avons identifié une préoccupation avec le réel et avec l’innovation formelle qui ne sont pas incompatibles avec un projet théâtral critique. / The main subject of this research is the investigation on the role of fiction in western contemporary theatre. In line with the social changes of our times, theatre has lost its clear definition. At a time of radical questioning, the mutation or disappearance of fiction is central in the discussions around the definition of theatrical art. To understand an environment of disbelief in methods and results of representation, we research into a potential new place that theatrical fiction occupies [or can occupy]. Through the theoretical debate and analysis of theatrical experiences of last the three decades, we identify a concern with the real, and formal innovations that are not incompatible with a critical theatrical project.