Depuis le début du XVIII siècle, la société russe a connu des évolutions très rapides. L’entrée de la Russie sur la scène politique européenne a modifié les relations internationales, imposant à l’Europe de tenir compte de ce nouvel acteur. Cependant ce récent statut s’accompagnait aussi de profonds changements dans les comportements culturels russes : le développement du goût pour le théâtre comme divertissement privilégié d’une élite éclairée autorisait cette dernière à partager avec ses homologues européens une culture commune et un intérêt pour les mêmes débats sur le rôle, les effets et les évolutions de l’art dramatique. Pour favoriser ces échanges, les périodiques, dont la naissance et le développement en Russie interviennent presque simultanément, furent vite identifiés comme un instrument exceptionnel de communication. Ils contribuent à la transmission rapide tant de l’information récente que des éléments nécessaires à la culture générale du lecteur, en particulier en lui procurant les références considérées comme essentielles à sa participation aux discussions. Ils aident également à constituer des réseaux de journalistes et des zones d’intertextualité qui ouvrent la discussion virtuelle à l’échelle internationale.Nous souhaitons attirer l’attention sur un corpus d’articles de presse sur le théâtre, majoritairement constitué d’articles russes, peu exploités sous cet angle, publiés dans différents journaux entre 1759 et 1793. L’édition de ces articles permet de les analyser dans leur contexte européen, dans le dialogue avec leurs sources et leurs destinataires. Il s’agit d’abord de montrer comment le transfert et la réappropriation des genres journalistiques est un laboratoire formel pour les contributeurs, et un espace d’éducation à de nouvelles pratiques de lecture pour des lecteurs critiques, potentiels spectateurs avertis des théâtres. Cette analyse globale est accompagnée d’analyses de détails, centrées sur l’enjeu de la représentation des productions dramatiques nationales dans la presse européenne : l’image du théâtre russe, français ou anglais dans les journaux correspondants est un indicateur des relations entre les pays ou de l’efficacité des stratégies de politique culturelle. Au cœur de ces faisceaux d’intérêts convergents ou divergents, les problématiques de la réception des nouvelles formes théâtrales se manifestent, à la fin du siècle, dans un paysage recomposé de la presse européenne. / Since the beginning of the 18th century, society in Russia has evolved very rapidly. Russia’s arrival in the European political landscape changed international relations as European nations learned to count with this new player. This new status also brought forth profound changes in Russian cultural behaviours: as the taste for the theater as an exclusive, enlightened form of entertainment grew among the Russian elite, its members started to share with their European counterparts a common culture and an interest in debating the role, impact and evolution of drama. Periodicals, which appeared and spread in Russia almost at the same period, were quickly identified as an exceptional means to communicate and facilitate these exchanges. They enabled both the quick transmission of the latest pieces of information and the diffusion of the background elements necessary to the reader’s general knowledge – specifically by procuring them with the references considered as essential to participate in the ongoing discussions. They also helped with building networks of journalists and zones of intertextuality, which opened the virtual discussion on an international scale.We wish to shed light on a corpus of press articles relating to the theater, mostly consisting in Russian articles little read under that angle until now, which were published in a number of journals between 1759 and 1793. The publication of these articles allows us to analyse them in their European context, engaging in a dialogue with their sources and their recipients. We will show how the transfer and the reappropriation of journalistic genres provides contributors with a space to experiment, and also enables readers/critics, who are also potentially the informed spectators of the plays, to educate themselves to new reading practices. This overall approach is compounded by more detailed analysis on how national drama productions are represented in the European press: the respective image of the Russian, French or English theater in corresponding journals also reflects relationships between countries, and the efficiency of their cultural policy strategies. At the heart of those converging or diverging interests lie questions relating to the reception of new theatrical modes of expression at the end of the century in a changed European press landscape.

L’étude proposée accompagne une traduction en espagnol d’un extrait du Chant du Dire-Dire de Daniel Danis en vue d’une production de la pièce par la compagnie Tiatro à Santiago du Chili. La méthodologie utilisée s’appuie sur la théorie fonctionnaliste du skopos (Vermeer 1978). Celle-ci envisage chaque traduction comme un acte de communication à part entière, indépendant de celui du texte source, puisqu’elle est destinée à un système socio-culturel différent et ainsi s’adresse à des usagers différents ; d’où la nécessité de soumettre le dispositif du texte source à ces nouveaux paramètres au moment d’établir le « projet » de la traduction. Cette approche fonctionnaliste remet en question le caractère prescriptif de certains concepts proposés pour traduire le théâtre, comme celui de « playability », « performability » ou de « théâtralité ». On constate que ces notions sont trop ambiguës et ne tiennent pas compte des particularités esthétiques de chaque pièce ou du contexte de la représentation. L’établissement du skopos, c’est-à-dire de l’objectif de notre propre traduction destinée à un public chilien, repose principalement sur une analyse dramaturgique et esthétique de la pièce de Danis. Les particularités du texte sont décrites, en particulier, le traitement de la langue, qui constitue le principal défi de la traduction. Celle-ci est étudiée dans ses rapports avec le théâtre québécois de « l’époque du joual » et avec l’oralité populaire pour cerner une singularité porteuse du projet dramaturgique de l’auteur. L’étude détaillée de la pièce est suivie d’une traduction commentée d’un « dire » intitulé Les traces du chaos dans la maison Durant. Cette traduction est présentée sous forme bilingue et accompagnée d’un commentaire explicitant les problèmes rencontrés et les solutions micro-structurelles proposées en fonction du skopos préalablement établi. The present research complements a Spanish translation of an excerpt of Daniel Danis’ Le Chant du Dire-Dire (Song of the Say-Sayer) for a future production by the theatre company Tiatro in Santiago de Chile. The methodology is based on Vermeer’s skopos theory (1978), a functionalist approach to translation. This theory considers every translation an independent communicational act, different from the one established by the source text since it is destined to a different socio-cultural system and thus, different users. As such, it is necessary to adapt the source text system to these new parameters when defining the translation “project”. This functionalist approach puts into question some of the best known concepts advanced in theatre translation during the past twenty years, such as “playability”, “performability” or “theatricality”. They prove too vague and do not take into considering the aesthetic specificities of each play or the context to which they are destined. The parameters of the skopos, in the present case, that of a translation intended to be performed in front of a Chilean audience, is based on a detailed analysis of Danis’ play. This analysis defines the unique attributes of the text, specifically in regards to the use of language. The research also examines the relationship between the play’s language and the “époque du joual” (1960-1970’s) in québécois theatre, as well as its rapport with québécois vernaculars, insofar as they are key in the articulation of the playwright’s dramaturgical project. The analysis of the play is followed by an annotated translation of the “dire” entitled Les traces du chaos dans la maison Durant (Traces of chaos in the Lasting home). This translation, presented in a bilingual format, provides commentary explaining the different problems encountered during the process as well as the micro-structural adaptations proposed according to the pre-established skopos.

La mondialisation n’est plus seulement une réalité économique et commerciale, elle concerne aussi les domaines culturels et artistiques. Dans ce contexte, la traduction joue un rôle majeur car elle facilite les échanges tout en conservant la diversité des langues et des cultures. En permettant la circulation des œuvres dramatiques et lyriques dans leur dimension spectaculaire, le surtitrage répond à cet enjeu du dialogue interculturel. Ainsi, il s’est imposé comme une technique de traduction à part entière, à mi-chemin entre la traduction théâtrale et la traduction audiovisuelle. Sa pratique connaît d’ailleurs un essor constant depuis son apparition, posant ainsi la question de sa professionnalisation et exigeant, par là-même, que l’on s’interroge sur les outils nécessaires au surtitreur. Pour y répondre, une analyse théorique du surtitrage est indispensable car ce dernier présente des spécificités propres qui concernent aussi bien les textes source et cible que l’opération de traduction qu’il engage. La réflexion traductologique doit être accompagnée d’une réflexion théâtrologique car le surtitrage apparaît, de fait, comme un élément qui s’ajoute à une scénographie. Quel que soit son degré d’intégration à la mise en scène, il n’est pas sans incidence sur le spectacle qu’il traduit. Outre cette approche théorique, ce travail s’appuie sur une expérience pratique du surtitrage pour en cerner les différents enjeux. Une telle articulation entre théorie et pratique a conduit à la conception de nouveaux outils, méthodologiques et informatiques (cahier des charges fonctionnel du logiciel Surtitéa), pour faciliter l’activité du surtitreur et accompagner sa professionnalisation. / Globalization is no longer restricted to the economic and commercial spheres as the cultural and artistic worlds are now also affected by it. Within this context, translation plays a major role since it makes exchanges easier while maintaining the diversity of languages and cultures. In making possible the circulation of dramatic and lyrical works in their entire theatrical dimension, the practice of surtitles contributes to the elaboration of this intercultural dialogue. Hence, it came to be recognized as a specific technique of translation, half-way between theatrical translation and audiovisual translation. The practice of surtitles has been developing at a regular pace since its creation, raising thus the question of its professionalization and that of the tools required for such specific types of translation. To answer those questions, a theoretical analysis of surtitling is necessary because of its specificities concerning both the source and target texts and the very process of translation which it implies. A reflection on the theories of translation should be combined with a reflection on the theatrical field since the surtitles are, as a matter of fact, part of the scenography. No matter how much the surtitles are taking into consideration in the elaboration of the staging, their integration always has a consequence on the play they translate. Alongside this theoretical approach, this study is based on a practical experience in surtitling which has helped us to further delineate its features. This combination of theory and practice has resulted in the creation of new tools in the field of methodology and computing (practical guidelines for the users of the software Surtitéa) to ease the task of the translator and helps his professionalization.

Ce travail interroge le rapport entre la parole et son contexte médiatique d’énonciation. À ces fins, nous avons choisi comme observable l’adaptation en vertu du fait que cette pratique comporte le passage du même contenu d’un média à un autre. Nous avons constitué un corpus contrastif formé du Petit Prince de Saint-Exupéry et de son adaptation théâtrale par Virgil Tanase, choisie parmi d’autres selon des critères de représentativité et pertinence par rapport à notre angle d’attaque linguistique. Afin de traiter ce corpus dans une perspective linguistique, nous avons convoqué des notions et des cadres théoriques issus de la théorie de l’énonciation, la pragmatique et la linguistique cognitive. Des notions sémio-narratologiques ont également été mises à contribution. L’analyse, divisée en trois parties, se focalise d’abord sur les propriétés sémiotiques (schéma actantiel et macroséquence) et linguistiques (point de vue et isotopie) communes au conte et à la mise en scène. Ces caractéristiques assurent l’équivalence entre adapté et adaptation. Ensuite, sont brièvement analysées les propriétés linguistiques qui permettent le passage du média livre au média théâtre (relation hyponymie/hyperonymie des noms communs et dialogues). Enfin, nous nous focalisons sur les marqueurs qui enregistrent le passage d’un média à un autre en termes de traitement cognitif du référent (déictiques, actes de nomination) de la part de l’instance de réception. Les résultats de cette analyse mettent en lumière l’influence du contexte médiatique sur l’acte d’énonciation selon un double cadre théorique : celui d’une perspective élargie de l’énonciation qui prend en compte l’inscription volontaire et autonome de l’allocutaire dans une situation d’énonciation et celui d’une approche symétrique et réaliste dans le traitement de la référence / Our work enquires about the relation between enunciation and media. We chose the adaptation as a case study, since it is a semiotic practice that requires transferring the same content from one media to another. Hence, we built a contrastive corpus based on Le Petit Prince by Antoine de Saint-Exupéry and its theatrical adaptation by Virgil Tanase, which we consider to be the most representative for our linguistic approach. In order to adopt a linguistic perspective, we articulate notions and frameworks from the French theory of enunciation, pragmatics and cognitive linguistics. Notions from a narratology background are also contributive. The corpus analysis is organized in three main sections. The first one states the equivalence between the adapted story and its adaptation through some semiotic (actantial model and model of narrative sequence) and linguistic parameters (point of view and isotopy) shared by the book and the play. The second part briefly points out the features that enable the story to transfer from one media to another (dialogues, lexical choices). The third and final part focuses on verbal marks (deictic expressions, naming) that encode the media change (from the book to the play) and require the audience to perform some cognitive processing to properly understand the theatrical play. Results of this analysis show the influence of media context on enunciation while relating this kind of context to two linguistic frameworks : an extended enunciation theory, in which the addressee is actively taking part in the meaning production, and a reference theory based on a symmetric relationship between word and object in meaning production

Au fil des ans j’ai constaté qu’il y a peu de théâtre destiné aux pré-adolescents : il s’adresse soit au public enfant, soit au public adolescent. Pourtant, la préadolescence constitue un tournant majeur dans la vie d’un jeune, car c’est à cet âge, entre autres, que se développe la pensée formelle, qui permet de résoudre des situations problématiques, d’imaginer des possibilités. Le fait qu’on ne s’adresse pas spécifiquement à cette clientèle soulève un certain nombre de questions sur l’adaptation à leur réalité et à leurs besoins des contenus qui leur sont présentés, ainsi que leurs effets ou impacts potentiels, dans l’optique d’un théâtre social. Est-ce qu’il y a des contenus qui sont plus adaptés à cette période de transition et comment pourrais-je les présenter rapidement et les évaluer efficacement? Ce mémoire de recherche-création vient donc éclairer, dans un premier temps, les particularités du public ciblé et l’offre de services qui lui est faite, puis décrit une méthode d’animation théâtrale qui permet d’évaluer des contenus auprès de groupes scolaires de 5 ème et 6ème année, l’adaptation d’une pièce de théâtre en fonction d’objectifs didactiques, pour finalement exposer les résultats de l’expérimentation, procéder à leur analyse et en tirer des conclusions. / Over the years I have noticed that there is little theatre for pre-teens: it is intended for either a child or an adolescent audience. However, pre-adolescence is a major turning point in a young person’s life, because it is at this age, among other things, that formal thinking develops, which makes it possible to solve problematic situations, to imagine options. The fact that we are not specifically addressing this clientele raises several questions about the adaptation to their reality and to their needs of the contents that are presented to them, as well as their potential effects or impacts, in the context of a social theatre. Is there content that is more appropriate to this transition period and how could we present it quickly and evaluate it effectively? This research-creation brief will shed light on the particularities of the target audience and the services offered to it; describe a method of theatrical animation that makes it possible to evaluate content among grade 5 and 6 school groups; explain the adaptation of a play according to didactic objectives and, finally, present the results of the experiment, carry out their analysis and draw conclusions.

L'enjeu du présent travail consiste à saisir les différentes significations que peut prendre, sur la période 1989-2007, l'expression " théâtre politique ", aussi omniprésente dans la pratique et dans le discours des différents acteurs du théâtre - artistes, directeurs de théâtre, programmateurs, pouvoirs publics - que polysémique. Refusant une approche normative et téléologique, fondée sur un principe de dépassement chrono-logique d'une définition par une autre, et parce qu'il nous paraissait que coexistait sur cette période une pluralité mais non une infinité de significations à l'expression " théâtre politique ", nous avons adapté à la sphère théâtrale un concept emprunté au champ de la sociologie, et plus précisément aux travaux de Luc Boltanski et Laurent Thévenot : le concept de " cité ". Nous avons défini chaque " cité du théâtre politique " comme un discours théâtral cohérent, le terme discours recouvrant aussi bien les spectacles que les propos publics tenus par les artistes, par les pouvoirs publics et par la critique. Dans chaque cité, ce discours se fonde sur une vision du monde - induite par une conception spécifique de l'histoire et du politique - qui détermine une légitimation du théâtre et de l'artiste au sein du champ théâtral et au sein de la société. Nous avons distingué quatre cités du théâtre politique qui nous paraissaient actives sur cette période, quoiqu'à des degrés d'existence et de reconnaissance variables : la cité du théâtre postpolitique, la cité du théâtre politique œcuménique, la cité de refondation de la communauté théâtrale et politique et la cité du théâtre de lutte politique.

L’année 1629 voit la sédentarisation parallèle des deux troupes théâtrales parisiennes, celle du Théâtre du Marais, dirigée par Charles Le Noir, et la Troupe Royale, locataire du prestigieux Hôtel de Bourgogne. Ces deux compagnies – auxquelles se joint ponctuellement, en 1644-1647, l’Illustre Théâtre de Molière et des Béjart – se livrent une concurrence serrée, qui passe notamment par l’usage du doublage dramatique : deux pièces, composées par deux dramaturges différents, mais fondées sur le même sujet, sont présentées, à quelques semaines ou mois d’intervalle, sur deux scènes parisiennes distinctes. Les deux premières décennies de cette Guerre des théâtres présentent quarante et un doublons dramatiques de ce type. L’investigation s’attache d’abord à les replacer dans le contexte de leur création : au carrefour des thèmes dramatiques contemporains et de la rivalité théâtrale, les pièces jumelles épousent les courants du répertoire, qu’elles contribuent simultanément à alimenter, au gré de thématiques prédominantes : l’univers romanesque de la piraterie, la rivalité fraternelle, la thématique de l’Innocence persécutée, la figure de l’Illustre héroïne, parangon de vertu ou odieuse furie, et le théâtre lui-même, que la concurrence prend pour objet au sein de pièces qui figurent ses types (le Capitan), son univers quotidien (le Paris de 1640), ou encore ses plus grands succès (Le Cid, notamment). Cette section historique de l’enquête fait simultanément apparaître les correspondances qui se tissent non seulement entre les pièces jumelles, mais également avec le reste de la production contemporaine : le rival n’est pas toujours celui qu’on croit. La suite de l’étude s’attache aux modalités du fonctionnement de la concurrence. En premier lieu, celle-ci ne peut faire l’économie d’une publicité affichée, qui lui assure l’aura nécessaire à son efficacité et en fait bénéficier les pièces qu’elle soutient. L’investigation prend ensuite pour objet les enjeux dramaturgiques et scénographiques des pièces rivales. Les premiers sont l’affaire stricte des dramaturges, dont le rapport à l’Histoire ou la Fable se complique de celui qu’ils entretiennent avec leur rival. La perspective scénographique tente enfin de déterminer quels aspects du spectacle chaque troupe entend faire valoir, dans l’entreprise toujours éphémère de susciter le plaisir théâtral. / In the year 1629, two Parisian theatre companies settled down at the same time: the company of the Théâtre du Marais, led by Charles Le Noir, and the Troupe Royale, resident of the renowned Hôtel de Bourgogne. These two companies – which were sometimes joined by the Illustre Théâtre de Molière et des Béjart in 1644-1647 – were engaged in a fierce competition, mostly revealed by the common practice of twin plays : two plays, written by two different playwrights, but dealing with the same subject, were presented, at an interval of a few weeks or of a few months in two different Parisian theatres.Over the first two decades of this theatre War, forty-one dramatic twin plays were performed. The study first consists in explaining the context of their creation: with the combination of the theatrical themes of the time and the theatrical rivalry, the twin plays adopted the trends of the repertoire, and enriched them at the same time, through these main themes : the fabulous world of piracy, brotherly rivalry, the recurrent theme of persecuted Innocence, the figure of the Illustrious heroin, either a paragon of virtue or an odious shrew, and theatre itself, a subject chosen by the rivals for the plays which presented its great figures (le Capitan), its surroundings (Paris in 1640), or its greatest achievements (Le Cid, mainly). This historical part of the study simultaneously reveals the similarities between the twin plays and also their link with the other plays of the time : the rivals are not always the ones you would expect.What follows in the study deals with how this competition took place. Primarily, deliberate advertising was a key notion because it gave the prestige it needed to reach its goal and the plays it supported benefited from it. Then, the study focuses on the stakes in the dramatic and scenographic arts in rival plays. Dramaturgy was the business of playwrights only. Their relation to the Story or Fable was also influenced by their relationship with their rival. Finally, scenography was meant to choose the aspect of the show each company would focus on, whose aim always was theatrical enjoyment, short-lived as it may be.

Depuis vingt ans, le discours des sciences exactes apparaît régulièrement sur la scène britannique : la mécanique quantique, les mathématiques du chaos, la thermodynamique et les sciences naturelles sont aujourd’hui des matériaux dramaturgiques courants. Cette étude définit l’esthétique particulière et le nouveau rapport entre théâtre et savoir produits par ce phénomène, à partir d’un corpus reflétant la diversité de la création contemporaine, des dramaturges Tom Stoppard, Michael Frayn, Timberlake Wertenbaker ou Caryl Churchill aux compagnies de théâtre Complicite et On Theatre. Le discours scientifique joue dans ce théâtre un rôle simultanément épistémologique et poétique, car ses formes y sont détournées et activées dans de nouveaux contextes. Il fournit des métaphores et des structures narratives à des dramaturgies incertaines, caractérisées par une esthétique postmoderne de la vérité multiple et de l’ouverture du sens. Ces transferts discursifs sont ici abordés selon les trois grandes modalités du rapport à la science ainsi construit : l’imitation d’un modèle rationnel, la critique d’un lieu de pouvoir, et l’importation des schèmes poétiques de l’imaginaire scientifique. / Over the past twenty years, the discourse of hard science has appeared increasingly frequently on the British stage: quantum mechanics, chaos mathematics, thermodynamics and the natural sciences have provided dramatic material for contemporary artists. This thesis defines the resulting aesthetic, and the new relationship between theatre and knowledge that can be found in the work of dramatists such as Tom Stoppard, Michael Frayn, Timberlake Wertenbaker or Caryl Churchill, and theatre companies such as Complicite and On Theatre. The function of this scientific discourse is both epistemological and poetic: its forms are activated in new contexts, and bring metaphors and narrative structures to a postmodern drama characterised by uncertainty and multiple truths. These discursive transfers are analysed according to the relationship they create with science, which can involve imitating it as a rational model, criticizing it an instrument of power, or importing the shapes and patterns of scientific imagination.

Dans la présente thèse nous formulons une réflexion sur la traduction des classiques du théâtre à travers les trois catégories traductologiques de l’herméneutique, de l’oralité et de la temporalité. A cet effet, nous envisageons la traduction comme le résultat d’un processus herméneutique concernant l’œuvre dans sa totalité. Au centre de ce processus, nous plaçons le sujet traduisant, dont la culture individuelle – à son tour reflet et déclinaison de la culture collective de l’espace-temps cible – constitue l’horizon d’interaction avec l’œuvre source. En découle la saisie d’un Sens total, au-delà du simple sens textuel, qui inclut une inscription dans la temporalité et l’identification d’une théâtralité, tout particulièrement vocale. Posant cette construction comme hypothèse de fond, nous recherchons les marques d’une telle interprétation de l’œuvre dans l’oralité de la traduction. Nous imaginons cette dernière comme la projection d’une voix performée et la concevons comme un tissu composite dans lequel les dimensions linguistique, rythmique et vocale participent à la construction d’un discours contemporain sur l’œuvre classique, le théâtre du passé, le théâtre du présent, sur la traduction elle-même et sa relation au temps. Un corpus de traductions italiennes contemporaines de Phèdre et Dom Juan destinées à la représentation scénique constitue la pierre de touche pour la vérification de notre hypothèse, tout en apportant un éclairage sur la réception des classiques du théâtre français en Italie. / In this thesis, we focus on theatre classics and on the interaction between hermeneutics, orality and temporality. To this aim, we think of translation as the result of a hermeneutical process which goes beyond the text and includes an interpretation of the play as a whole. In this framework, the translator plays a central role as they interact with the source text through the hermeneutical horizon of their individual and collective culture, extracting a Sense which extends to the perception of a specific temporality and theatricality. Our hypothesis is that this Sense can be found in the orality of the translative writing, which we consider to be the projection of voice in performance and which we define as a combination of language, rhythm and vocality, resulting in a contemporary discourse about the classic work, about theatre – both past and present – and about translation itself, as well as about its relationship to time. A corpus of Italian translations of Phèdre and Dom Juan for the stage helps verify our hypothesis, while offering an insight into the reception of French classical theatre in Italy.

Notre recherche est d’abord motivée par une nécessité pratique d’amélioration de l’enseignement/apprentissage du français oral à l’université en Chine. La problématique permet de rechercher la possibilité et l’utilité d’intégrer la pratique théâtrale dans l’enseignement du français en milieu universitaire chinois, en offrant à nos apprenants un nouvel accès esthétique à la parole, qui réponde à l’acquisition de compétences diverses. Nous espérons que la pratique théâtrale constituera désormais un nouvel outil didactique du FLE en Chine, et que la mise en œuvre d’une approche esthétique et interculturelle deviendra une voie privilégiée dans le programme d’enseignement. La méthode de recherche est une exploitation de l’enquête, destinée aux étudiants chinois et aux professeurs, menée dans les départements de français de la faculté des langues étrangères dans trois universités, au sud et au nord, durant l’année universitaire 2014-2015. Ce travail s’inscrit dans le contexte d’une recherche didactique et linguistique portant sur l’analyse des stratégies d’apprentissage et des problèmes rencontrés par les apprenants chinois qui ont un niveau débutant et intermédiaire en FLE. / Our research is primarily motivated by the necessity of improving teaching level and learning efficiency of the oral French education in Chinese universities. First, our work proposes to find the opportunity and the requirement to introduce the theatre practice of teaching French language into Chinese universities by offering our students a new access to speech. So, we hope the theatre practice in foreign language will be a new teaching method of oral French in China and the implementation of an esthetic and intercultural approach and become a privileged way to develop this skill. Our research method is to conduct a survey for students and teachers in the higher education system in China. This survey is conducted in the French departments of three universities in the south and north of China during the academic year 2014-2015. Our research aimed to analyze the learning strategies and problems faced by these beginning-intermediate level's Chinese young learners of French. Our research method is to conduct a questionnaire survey for students and teachers in the higher education system in China. This survey is conducted in the French departments of three universities in the south and north of China during the academic year 2014-2015. In the didactic and linguistic context, our objective is to analyze the learning strategies and problems faced by these Chinese young learners who have the primary and intermediate level in leaning French.