Contrairement à la conception traditionnelle de la figure poétique considérée soit comme simple ornement du discours soit comme écart par rapport à un niveau ordinaire et neutre du langage, la poésie de Victor Hugo et de Michel Deguy incite à penser le langage figuré et le langage ordinaire dans leur continuité, en les opposant à l’absence du langage. Ce travail tend à circonscrire le langage figuré à partir des représentations de l’indicible et de l’invisible dans Les Contemplations de Victor Hugo et dans l’œuvre poétique et théorique de Michel Deguy qui dévoilent la nature collective profonde du langage, de la perception et de la pensée. De là, les racines rhétoriques et herméneutiques du langage permettront de nourrir une réflexion sur le phénomène de partage comme articulation entre le subjectif et l’intersubjectif, entre l’intime et le commun et entre la sensation, l’affect et la forme. L’objet du partage intersubjectif se dessine dans la forme élémentaire de l’affect étendu de la douleur à la joie, du bon au mauvais et de la pitié à la jouissance. La réunion de la pensée du corps et de l’abstraction au sein d’une pensée de l’éthique constitue une proposition de relecture des deux poètes de la menace d’une apocalypse à la fois langagière, conceptuelle et morale. / Contrary to the dominant conception of the poetic figure as a simple discourse ornament or as a stylistic deviation from the ordinary and neutral language, Victor Hugo’s and Michel Deguy’s poetry leads to a continuity between ordinary and poetic language by jointly contrasting both of them to absence of language. This work tends to define poetic language on the basis of representations of the unspeakable and the invisible in Victor Hugo’s Les Contemplations and in Michel Deguy’s poetic and theoretical writings, revealing deep collective nature of the language, perception and reasoning. Rhetoric and hermeneutic roots of language then enable contemplation on the act of sharing that reflects a joint between subjective and intersubjective, intimate and common as well as between affect and form. The object of a sharing act is being drawn within the elementary form of the affect, laying between pain and joy, the good and the bad, and, finally, pity and sexual pleasure. The junction of the concept of body with the concept of abstraction as an ethical problem contributes to a new comprehension of these two poets of approaching linguistic, conceptual and moral apocalypse.

En studie som inriktar sig på de förändringar som sker med den antika grekiska krigsföringen mellan perserkrigen och de peloponnesiska krigen - med fokus på den grekiska hopliten och det grekiska kavalleriet.

Among the various studies written on the voluminous artistic production relating to the clownish figure in the XIXth century, more specifically on its melancholic form in the second half of the century, very few have carried interest to the novel. The objective of this master's thesis is to study the clown as a novel character, through Gavroche (Victor Hugo, Les Miserables ), Kenwell and Cox (Jules Claretie, Le Train 17) and the brothers Zemganno (Edmond de Goncourt, Les Freres Zemganno ). We will focus on the way those hyperbolic figures spread out their marginality, their laughter and their illusions within the novel, thus providing information on this one. Our analysis of the clown's passage through the novel, which always deploys in three phases (the marginal entrance, the ascension and the fall), demonstrates the incompatibility between the realistic material from the XIXth century and this nevertheless infinitely novelistic being.

La présente recherche porte sur les liens intertextuels entre L'Ange des ténèbres (Abaddón el exterminador) d'Ernesto Sábato et Don Quichotte de la démanche de Victor-Lévy Beaulieu. Partant du constat selon lequel ces deux romans mettent en scène des personnages écrivains qui s'approprient un nombre important de textes canoniques pour nourrir leur entreprise d'écriture, ce mémoire cherche à montrer, dans une perspective qui emprunte à la fois à l'analyse intertextuelle et au concept de figures de l'écrit, comment la présence de réseaux intertextuels partagés permet, d'une part, d'effectuer des rapprochements entre certaines réflexions spéculaires sur la fonction de la littérature et, d'autre part, d'étudier la façon dont les références communes s'intègrent dans les projets énonciatifs de chacun des romans. Après avoir exposé, dans un premier chapitre, les notions théoriques entourant le concept d'intertextualité et celles reliées à l'inscription matérielle des textes dans la fiction (figures de l'écrit, bibliothèques imaginaires), le deuxième chapitre s'emploie à analyser, à l'aide de la taxinomie de Genette, l'utilisation que font les deux romans de certaines références communes récurrentes, notamment celles liées à Don Quichotte de la Manche, de Miguel de Cervantès. Le troisième chapitre est consacré, quant à lui, à dégager l'ensemble des références intertextuelles partagées, de façon à constituer une carte des liens thématiques qui forment les métadiscours des romans étudiés. L'analyse de ce réseau souterrain, tissé autour de références intertextuelles secondaires, permet de comparer la conception de la fonction de la littérature et de déterminer la façon dont les discours quant au rôle de l'écrivain s'inscrivent dans un entrecroisement d'intertextes communs. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : intertextualité, figures de l'écrit, Victor-Lévy Beaulieu, Ernesto Sábato.

Erik Satie fut toujours considéré comme un personnage énigmatique dans le monde musical français au tournant du siècle dernier. Sa personnalité marginale et ses œuvres dépouillées aux titres étranges ont maintes fois suscité questionnements et polémique. En 1917, Erik Satie écrivit une œuvre qui ne ressembla aucunement au répertoire antérieur du compositeur. Socrate, qui fut représenté publiquement pour la première fois en janvier 1920 à la Société Nationale de Paris, laissa le public et la critique perplexe et mitigé. Qu’avait donc de si particulier cette œuvre qui, d’un côté, passa pour une blague mais qui, pour certains dont le compositeur lui-même, fut considérée comme une manifestation pure de sagesse et de sincérité ? Socrate fut conçu au même moment où Satie entretenait des liens étroits avec le monde cubiste. Pablo Picasso et Georges Braque furent désormais les maîtres d’un courant artistique qui allait révolutionner le monde artistique. De concert avec les valeurs avant-gardistes prônées par Erik Satie, les cubistes cherchèrent à bousculer les attentes du public en modifiant l’approche visuelle de manière à stimuler les différentes perceptions sensorielles. Avec le ballet Parade, représenté en mai 1917, le compositeur collabora avec Picasso et ceci eût grandement influencé son style musical puisqu’il employa des techniques se rapprochant grandement du cubisme. Comme le soutient Daniel Albright, Satie trouva dans le cubisme son analogue artistique. Selon moi, outre Parade, Erik Satie bénéficiera de l’esthétique cubiste pour développer son œuvre Socrate. Cette thèse se concentre sur la signification de l’œuvre Socrate, plus particulièrement comment celle-ci pourrait représenter un autoportrait d’Erik Satie. De surcroît, elle examine comment cette représentation est camouflée derrière des méthodes cubistes traduites musicalement. La thèse s’appuie sur une littérature variée portant sur divers sujets relatant Socrate, dont la biographie du compositeur et sa relation avec des réseaux artistiques, intellectuels et sociaux. Cette thèse est la première étude d’envergure à suggérer une possibilité d’autoportrait cubiste musical puisque peu d’auteurs se sont attardés à résoudre cette problématique. Cette thèse décrit comment Socrate est une manifestation personnelle de sincérité et d’humilité d’un compositeur qui, persécuté tout au long de sa vie, se dévoila aux yeux de tous par le recours à cette figure emblématique de l’histoire : Socrate.

Thesis (D. Min.)--Trinity International University, 2006. / Abstract. Includes bibliographical references (leaves 142-147).

Thesis (D. Min.)--Trinity International University, 2006. / Abstract. Includes bibliographical references (leaves 142-147).

Submitted by Maurílio Figueiredo (maurilioafigueiredo@yahoo.com.br) on 2013-03-04T22:30:02Z No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO_LucienFebvreMarc.pdf: 844008 bytes, checksum: 16a7ef77c5a058b2f538b32bf317ce51 (MD5) / Approved for entry into archive by Neide Nativa (neide@sisbin.ufop.br) on 2013-03-13T19:34:30Z (GMT) No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO_LucienFebvreMarc.pdf: 844008 bytes, checksum: 16a7ef77c5a058b2f538b32bf317ce51 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-03-13T19:34:30Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO_LucienFebvreMarc.pdf: 844008 bytes, checksum: 16a7ef77c5a058b2f538b32bf317ce51 (MD5) Previous issue date: 2010 / Lucien Febvre (1878-1956) e Marc Bloch (1886-1944), dois dos mais importantes historiadores do século XX, são estudados neste trabalho por meio de uma abordagem própria da história da historiografia. A investigação tem como foco as relações desses intelectuais com as ciências históricas alemãs, sobretudo a historiografia, mas também a economia política e a sociologia. No contexto das “guerras culturais” entre intelectuais franceses e alemães, analisa-se a convivência e a crítica produzida por Febvre e Bloch a respeito do pensamento histórico alemão, entre 1928 e 1944. A partir de um conjunto de fontes composto principalmente por resenhas produzidas pelos dois historiadores e por cartas trocadas entre ambos, investiga-se o peso da presença germânica em suas trajetórias, a influência de historiadores conhecedores da produção acadêmica alemã, como Henri Berr e Henri Pirenne, e o contato com acadêmicos alemães e austríacos, como Alfons Dopsch. Demonstrando como a crítica foi instrumento fundamental para Marc Bloch e Lucien Febvre, e como as ciências históricas alemãs ocuparam nela lugar privilegiado, procura-se compreender a relação ambivalente dos fundadores dos Annales com a Alemanha. _______________________________________________________________________________ / ABSTRACT: Lucien Febvre (1878-1956) and Marc Bloch (1886-1944), two of the most important historians of the twenty century, in this work are investigated by an approach typical of the history of historiography. The investigation focuses on the relatioship of intellectuals to the German historical sciences, almost the historiography, but also the political economy and sociology. In the context of "culture wars" between French and German intellectuals, it looks at the coexistence and the critical produced by Febvre and Bloch thought about German history, between 1928 and 1944. From a group of fonts composed mostly of book reviews produced by the two historians, and letters exchanged between them, we investigate the weight of the German presence in their trajectories, the influence of kowledgeable historians of German academic, as Henri Berr and Henri Pirenne, and the contact with German and Austrian scholars, as Alfons Dopsch. Demonstrating how the criticism was fundamental tool for Marc Bloch and Lucien Febvre, and how the German historical sciences occupied a privileged place in it, seeks to understand the ambivalent relationship of the founders of the Annales with Germany.

Resumo : Esta dissertação consiste numa investigação sobre as relações entre personagem e espaço nas narrativas de Victor Giudice. 0 ponto de partida é a analise e o levantamento de espaços ficcionais que apresentam correlatos objetivos, os quais possuem ligações com a própria biografia do autor. Sob esse aspecto, aborda-se as variadas perspectivas com que Giudice se refere a certos lugares ao torná-los parte importante de sua ficção. Após esse enfoque inicial, partese para a análise específica de uma situação recorrente nas narrativas de Giudice que diz respeito aos vários personagens confinados em diferentes espaços de isolamento. As relações entre esses personagens e seus espaços de isolamento são ainda confrontadas com as reações de outros personagens. Nessa trama relacionai revelam-se os valores que regem o comportamento de muitos personagens. Entre os espaços de isolamento identificados tem-se o local de trabalho, a casa, o quarto, o banheiro, a prisão e também alguns espaços híbridos que revelam uma troca ou mistura de funções para o mesmo espaço, como os quartos-hospitais e os hotéis-prisões. Por fim, reconhece-se, entre os espaços de isolamento, uma categoria especifica que neste estudo é denominada como museu pessoal e que se refere ao acervo de objetos guardados por um sujeito-organizador.

Orientador: Jorge Sidney Coli Junior / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-15T03:08:25Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Miyoshi_AlexanderGaiotto_D.pdf: 47320743 bytes, checksum: fdb0ea22a0086d29898e0044c8c42df3 (MD5) Previous issue date: 2010 / Resumo: Voltado inicialmente ao estudo da pintura Moema (1866), de Victor Meirelles, e da escultura homônima de Rodolpho Bernardelli (1895), este trabalho ampliou-se às compreensões da personagem desde o seu surgimento, no poema épico Caramuru (1781), até as primeiras décadas do século 20. Moema foi convertida num emblema da cultura brasileira. No processo de transformação, a obra de Meirelles tem um especial sentido. O corpo nu e inerte da índia, em meio à natureza do quadro, foi a adequação de um gênero pictórico à nação que adotou a imagem idealizada do índio como símbolo. O bronze de Bernardelli, mais provocante, acompanha as inquietações decadentistas do fim de século. Para além das duas obras, Moema inspirou outros autores, cujas visões e modos de abordagem contribuíram à permanência da personagem. Mas é a pintura de Meirelles, até hoje pouco compreendida, a sua versão mais brilhante, além de um poderoso comentário do seu tempo / Absctract: This work was initially devoted to a painting and a sculpture, they both named Moema, the former completed in 1866, by Victor Meirelles, and the latter in 1895, by Rodolpho Bernardelli. But it was expanded to understand the character since her creation, in 1781, by Caramuru, an epic poem, until the 20th century beginning. A Native woman, Moema became a Brazilian symbol. Meireles' painting has a special role in that transformation. Moema's naked dead body was an adjustment, concerning to a country that, in the 19th century, took the allegorical image of the Indian as a national symbol. Bernardelli molded a much more provocative Moema. In his bronze, she became more disturbing, taking part of the fin de siècle delight and morbid feelings. Beyond they both, Moema inspired several authors, important to consolidate the character. But Meireles' Moema is the brighter version, a powerful comment of its time, disregarded even in our days / Doutorado / Historia da Arte / Doutor em História