En 1849, Arthur Cayley et George Salmon démontrent que toute surface cubique contient exactement vingt-sept droites. Résultat célèbre de la deuxième moitié du 19ème siècle, ce théorème a notamment donné lieu à des recherches sur une équation algébrique particulière appelée "équation aux vingt-sept droites". Dans notre thèse, nous étudions les rapprochements entre groupes, équations et géométrie opérés dans ces recherches. Après un travail préparatoire mettant en place certains points mathématiques et chronologiques associés aux vingt-sept droites, nous nous intéressons au Traité des substitutions et des équations algébriques de Camille Jordan, publié en 1870. Cet ouvrage contient une section consacrée à l'équation aux vingt-sept droites dont nous analysons en détail les mathématiques. Pour mettre en contexte certains points, un corpus plus large est ensuite construit autour des "équations de la géométrie", famille d'équations associées à des configurations géométriques dont les vingt-sept droites ne sont qu'un exemple. Ce corpus s'étend de 1847 à 1896, et ses principaux auteurs sont Jordan, Alfred Clebsch et Felix Klein. Dans le but de rendre compte de l'organisation particulière du savoir partagé dans le corpus, nous discutons et utilisons alors la notion de "culture". Enfin, nous étudions précisément deux textes du corpus proposant de géométriser certaines parties de l'algèbre et nous montrons en quoi les équations de la géométrie ont participé à une compréhension géométrique de la théorie des substitutions ainsi qu'à l'élaboration des idées du Programme d'Erlangen de Klein (1872). / In 1849, Arthur Cayley and George Salmon proved that every cubic surface contains exactly twenty-seven lines. A famous result in the second half of the 19th century, this theorem gave rise to research about a particular algebraic equation called the "twenty-seven lines equation." In our thesis, we study how groups, equations, and geometry interact throughout this research. After a preparatory work presenting some mathematical and chronological points about the twenty-seven lines, we look into Camille Jordan's Traité des substitutions et des équations algébriques, published in 1870. This book contained a section devoted to the twenty-seven lines equation, the mathematics of which we thoroughly study. In order to contextualize some elements, a larger corpus is then built around "geometrical equations," a family of equations linked to geometrical configurations among which the twenty-seven lines are just one example. The corpus extends from 1847 to 1896 and its main authors are Jordan, Alfred Clebsch, and Felix Klein. Aiming at describing the particular organization of the knowledge shared in the corpus, we then discuss and use the notion of "culture." Finally, we closely study two texts of the corpus, each of them presenting a geometrization of a part of algebra, and we ascertain that geometrical equations participated to a geometrical understanding of substitution theory as well as the elaboration of the ideas of Klein's Erlanger Programm (1872).

Belgian composer Joseph Jongen (1873-1953) was an eclectic composer who successfully maintained his own unique musical vocabulary—particularly in his piano compositions. Jongen composed very little between 1940-1941—the period in which he and his family fled to the countryside of Mazères, France, living as refugees for several months before returning to Sart-lez-Spa, Belgium, due to the outbreak of WWII. Reflective of this time in his life, Vingt-quatre petits préludes dans tous les tons pour piano, op. 116 is composed in a particularly intimate and despairing way. Through a complete Schenkerian analysis and outline of the musical framework of op. 116—Jongen's last collection of piano pieces—this dissertation sheds light on the technique, imagination, and uniqueness of Jongen's WWII-period piano compositions. More specifically, this research outlines the deep-level tonal and formal structures, investigates the cryptic semantic meaning and intimate personal expression, and defines the aesthetic achievements of Jongen's Twenty-four Little Preludes in All Keys for Piano, op. 116.

La multiplication des crises rend imprévisible l'avenir du monde alors que la lourdeur du modèle productif entrave les possibilités d'imaginer un monde alternatif. Au plan individuel, le nombre de trajectoires de vie possible a explosé. À travers les concepts d'individualisation, de régime d'historicité et de temporalités sociales, ce mémoire étudie la projection individuelle des jeunes québécois(es) dans le futur individuel et l'avenir collectif. Pour la cerner, j'ai réalisé quinze entrevues qualitatives auprès de quinze jeunes de profils socio-économiques variés. À l'analyse apparaît une grande variation dans la longueur des projections des jeunes qui peuvent aller d'un an à une vie entière. De même, ce qui constitue le cœur de la projection varie considérablement : équilibre entre domaines de la vie ; expériences de vie ; famille ; engagement social ; travail. Les répondant(e)s partagent un optimisme généralisé quant à leur futur personnel et considèrent avoir toutes les cartes en main pour se forger un futur à leur convenance même si deux tiers n'ont pas de plan de vie arrêté. L'horizon de la projection dans l'avenir collectif ne dépasse pas la vie humaine. Certain(e)s jeunes identifient des dimensions clefs – environnement, économie, conflit armé – qui auront un impact sur les autres facettes de l'avenir tandis que d'autres les réfléchissent en silo et font abstraction de leur interdépendance : l'utilisation incivile du cellulaire étant aussi préoccupante que la corruption ou que les changements climatiques. Deux tiers des jeunes s'attendent à une détérioration du monde, mais considèrent les menaces collectives à venir comme trop distantes spatialement et temporellement pour s'en inquiéter outre mesure. Dans la société individualiste, la promotion à l'autoréalisation est source d'angoisse pour les jeunes qui doivent renoncer à une multitude de potentialités en choisissant un programme d'étude ou un emploi. L'optimisme devant le futur personnel et l'impression d'une identité fixe dans un monde en mouvement résultent d'un sentiment de séparation du monde qui se renforce dans la société individualiste. Cette permanence semble aussi appuyer la thèse du présentisme de François Hartog (2012) soit la propension de la société contemporaine à donner plus d'importance au présent qu'au passé ou au futur. / The proliferation of crises makes the future unpredictable while the cumbersome nature of the productive model hampers the possibility of imagining an alternative. At an individual level, the number of possible life trajectories has exploded. Through the concepts of individualization, regime of historicity and social temporalities, this thesis studies the individual projection of young Quebecers in the individual and the collective future. To identify it, I conducted fifteen qualitative interviews with young people of various socio-economic background. The analysis shows a great variation in the length of the projections of the young people which can go from one year to a whole life. Similarly, what constitutes the center of the projection varies considerably - balance between life dimensions ; life experiences ; family ; social engagement ; work. The young Quebecers share a general optimism and consider having everything needed to forge a personal future at their convenience even though ten of them do not yet have a detailed life plan. The horizon of projection into the common future does not go beyond the length of human life. Some young people identify key dimensions – environment, economy, armed conflict – that will impact the future while others reflect them separately and disregard their interdependence. For example, the uncivil use of the cell phone seems as worrying as political corruption or climate change. Two thirds of the participants expect a deterioration of the world, but consider the threats too distant spatially and temporally to worry about it beyond measure. In the individualistic society, promotion of self-realization is a source of anguish for young people who have to give up a multitude of potentialities presented to them during childhood when choosing a curriculum or a job. Secondly, optimism about personal future and the impression of a fixed identity in a world in motion are the result of a feeling of separation from the world which is strengthened in the individualistic society. The perceived permanence also seems to support the hypothesis of François Hartog's presentism (2012), namely the propensity of contemporary society to give more importance to the present than to the past or the future.

In seinen Vingt Leçons d’Harmonie von 1939 versieht Olivier Messiaen zum Zweck des Studiums verschiedener harmonischer Stile von Monteverdi bis zur Gegenwart seine zwanzig selbst verfassten drei- bis fünfstimmigen Stilkopien mit bezifferten Bässen. Im Sinne einer Harmonie- und Kompositionslehre ist insbesondere die letzte Übung von Interesse, weil Messiaen in deren Titel keinen Komponisten als Vorbild der Stilübung nennt, sondern durch den Hinweis auf einen »sehr eigenartige[n], den indischen Gesängen etwas verwandte[n] Stil« auf seine eigene musikalische Sprache verweist. Dieser Beitrag zeigt anhand der 14. Übung (»sehr vielfältiger Stil: ein wenig Schumann, ein wenig Fauré, ein wenig Albeniz«), wie aus Messiaens Bezifferung eine Fundamentalbassfortschreitung, harmonische Prolongationen und harmoniefremde Töne abgelesen werden können. Eine analytische Interpretation der Bezifferung der letzten Übung nach denselben Kriterien ermöglicht es dann, für Messiaens eigene Musik typische syntaktische Harmoniefolgen zu definieren und zwischen harmonieeigenen und -fremden Tönen in seiner oft unter Verwendung der ›modes à transpositions limitées‹ komponierten Musik zu unterscheiden. Diese Einblicke in Messiaens Generalbassdenken werden in Analysen von Ausschnitten aus dem ersten und dritten Satz aus La Nativité du Seigneur (1935) sowie des fünften Lieds aus Poèmes pour Mi (1936) vertieft. / In Vingt Leçons d’Harmonie (1939) Olivier Messiaen offers twenty model compositions in three to five voices in harmonic styles ranging from Monteverdi to the present. All compositions are illustrated with figured-bass symbols, which is particularly revealing in the last example because Messiaen does not identify a composer whose music served as model but simply states that the movement is “in a very special style, somewhat approaching Hindu cantilenas,” in other words, written in his own idiom. This essay first demonstrates in the 14th example (“in a very hybrid style: a little Schumann, a little Fauré, a little Albeniz”) how Messiaen’s figured bass illuminates the fundamental-bass progression, harmonic prolongations, and non-harmonic tones. Read in a similar way, the figured-bass labels in the last example are then shown to bring to light syntactic harmonic progressions and distinctions between chordal and non-harmonic tones typical of Messiaen’s own music, which at the time often employed his modes of limited transpositions. These glimpses into Messiaen’s figured-bass thinking are further contextualized in analyses of excerpts from the first and third movement of La Nativité du Seigneur (1935) and of the fifth song from Poèmes pour Mi (1936).

Réquisitoire contre un temps déraisonnable; analyse sociocritique du scénario commenté de La bête lumineuse de Pierre Perrault. Le début de la décennie 1980 marque une rupture au Québec, tant au point de vue politique que culturel, en raison des événements majeurs qui secouent la société (échec référendaire, crises économique et constitutionnelle). Il est possible de reconnaître la marque de cette cassure dans les oeuvres des artistes qui ont vécu l'avant et l'après. Pierre Perrault et le scénario commenté de La bête lumineuse offrent un bon exemple de cette conception de la littérature qui veut que tout créateur crée une oeuvre en prise directe sur le réel et que son oeuvre soit un acte relevant du dialogue entre la société et l'artiste. Cette étude présente une analyse en trois temps. Elle cherche d'abord à bien cerner l'état des champs politique et artistique québécois du début de la décennie 1980, au moment où Pierre Perrault prend la plume. Puis en deuxième partie, elle procède à une analyse détaillée du scénario commenté de La bête lumineuse. Dans un troisième temps, ces deux analyses sont rapprochées l'une de l'autre, ce qui permet de replacer l'oeuvre dans son contexte d'émergence et d'ainsi qualifier la posture de l'auteur. Les théories de renonciation linguistique de Maingueneau et la sociocritique constituent les assises méthodologiques du présent mémoire.

Titre de l'écran-titre (visionné le 16 octobre 2023) / Ce mémoire cherche à définir l'action environnementale de trois fondations philanthropiques états-uniennes -- le Rockefeller Brothers Fund, le German Marshall Fund et la Charles Stewart Mott Foundation -- en Europe centrale entre 1989 et 2003. Il met en évidence leur discours, leurs choix et leurs processus et montre comment leur aide à des donataires du milieu environnemental s'insère dans une démarche plus large de démocratisation de la région. Il postule en effet que l'action des fondations est indissociable de leur volonté de contribuer au développement et plus tard au maintien de la société civile en Pologne, en Hongrie, en République tchèque et en Slovaquie. Cette volonté repose elle-même sur la conception fondamentalement états-unienne qu'entretiennent les fondations sur le fonctionnement d'une démocratie, qui présuppose la nécessité de l'existence d'un secteur à but non lucratif professionnalisé. / This thesis seeks to define the environmental action of three American philanthropic foundations -- the Rockefeller Brothers Fund, the German Marshall Fund and the Charles Stewart Mott Foundation -- in Central Europe between 1989 and 2003. It highlights their discourse, their choices and their processes and shows how their assistance to donors from the environmental sector fits into a broader process of democratization of the region. It postulates that their action is inseparable from their desire to contribute to the development and later to the continuous support of civil society in Poland, Hungary, the Czech Republic and Slovakia. This desire is itself based on a fundamentally American conception of what is a democracy, which presupposes the need for a professionalized non-profit sector.

Le théâtre pour la jeunesse en France s’est depuis la fin du vingtième siècle constitué en un répertoire fécond qui explore le rapport au monde de ses jeunes lecteurs-spectateurs dans une perspective éthique et esthétique. Sous forme d’une constellation de textes, ce répertoire témoigne d’une richesse thématique et d’une inventivité stylistique qui participent du renouvellement des écritures dramatiques dans leur ensemble et qui interpellent quant au geste de transmission d’un auteur adulte qui écrit pour un jeune destinataire. Nous pensons dans ce cas que l’adresse à l’enfant conditionne le rapport de l’auteur à son œuvre et influence sa démarche artistique. La littérature dramatique pour la jeunesse affiche ainsi une double contrainte. En effet, les auteurs semblent soucieux de ne pas heurter le jeune destinataire dans sa sensibilité tandis qu’ils lui transmettent une réalité sombre dans la perspective de conscientiser et d’éveiller la jeunesse face à la société contemporaine, et de lui suggérer d’agir sur le réel. L’auteur engage alors sa responsabilité d’écrivain et ses textes deviennent des lectures possibles du monde. Sa démarche consiste à confronter le jeune destinataire à de grandes questions aux enjeux sociaux affichés d’une part, tout en faisant l’éloge de l’enfance comme un temps consacré, d’autre part. De multiples détours sont alors utilisés pour permettre d’énoncer une réalité certes quelquefois cruelle mais néanmoins avérée. Les auteurs de notre corpus, œuvrant en direction de la jeunesse, ont fait de l’enfance un sujet moral, social et politique en dénonçant, depuis la focale de l’enfance et par le truchement de personnages dramatiques d’enfants, les travers du monde contemporain. Ainsi, lorsque l’enfant paraît, c’est souvent pour livrer le constat d’une société défaillante où la nature de l’humain est revisitée et questionnée, sans pour autant réduire toute possibilité d’envisager l’avenir. Les auteurs font de l’enfance un réceptacle qui peut rendre compte d’une vision du monde, et ce sont précisément l’enfant et l’enfance qui constituent le premier détour d’un théâtre qui souhaite aborder le réel dans ses perspectives les plus tragiques, mais de manière optimiste. En effet, même lorsque le matériau que les écrivains travaillent est redoutable, le théâtre pour la jeunesse est à la fois beau et lisible, il raconte des choses importantes du présent, et l’une de ses fonctions premières est bien celle d’apporter du plaisir. En présentant notamment des « esthétiques de la résilience » avec des personnages d’enfants qui témoignent d’une grande ferveur pour la vie malgré les tragédies qui se jouent, le théâtre pour la jeunesse exhibe sa capacité à la fois à métaphoriser la violence – à convertir le réel par besoin et par choix – et à enchanter la vie des jeunes protagonistes ; et peut-être par extension celle des lecteurs potentiels de ce théâtre qui se situe à la frontière des âges, lu à la fois par les adultes et les enfants qui semblent chacun trouver les réponses aux questions qu’ils se posent. C’est aussi parce que l’enfance habite ces écritures que l’enfant n’est finalement pas le seul destinataire de ces œuvres. Il s’agit pour les auteurs d’écrire l’enfance et d’écrire à partir de l’enfance, en tant que valeur aussi intime qu’universelle, donnant au théâtre pour la jeunesse une portée transgénérationnelle. Cette thèse propose en somme d’analyser les dispositifs d’écriture à l’œuvre dans le théâtre pour la jeunesse, d’appréhender en quoi ces écritures sont de puissants révélateurs de l’état du monde et comment elles permettent de donner une voix à ce qui ne peut s’exprimer – l’infans –, révélant ainsi certaines situations d’oppression et d’injustice, tout en dessinant une poétique de l’enfance lorsque l’infantia se fait figure de création. / French theatre for young people has an increasing repertoire which explore children’s relationship with the world in an ethic and aesthetic context. This repertoire is a grouping of text which use a lot of different themes and which renew theatre in general. It also questions the message transmission from the author to the young addressee. Then, we think that addressing children may determine the writer artistic work. The double bind is very large with dramatic literature for young people. Indeed, it seems so important for authors not to hurt in a manner the addressee who is child-sensitive while plays they write deal with hard reality. And this in order to raise children awareness towards society and to suggest them to act in the world. The author engages his responsibility and his texts offer rich readings of the world. On one hand he faces the youth audience with broad society issues while on the other hand he wants to assert the sanctity of childhood. Several detour are used to enable them to read the world in its tragic aspects. Playwrights use childhood as a moral, social and political subject to condemn the problems of the modern world with children characters. When the child is present as a character it is often to criticize the society and to question human nature. However, plays are optimistic. It is precisely the specificity of childhood that uses the first detour to expose an unfortunate reality. Childhood is also use as a possibility to offer a worldview. Even if the authors present some dreadful situations, their creations are nice and understandable. It talks about important things of our present and one of its main purpose is to bring enjoyment. In introducing « aesthetics of resiliency » with children characters who are clinging to life and survive in spite of hard situations, young people theatre show its capacity to transform violence and enchant people’s lives : characters’ lives and even maybe readers’ lives. It is a crossover theatre because readers are simultaneously old or young and everyone seems to find some answer inside this literature. Indeed, childhood is a writing process therefore these texts might concern everyone. Childhood would be a personal and an universal value. Young people theater is therefore intergenerational. In short, the aim of this thesis was to examine the theatrical writing for young people and to examine the relation of the artists with the reality. This writing reveal the reality of the world and give a voice to what cannot be expressed itself – infans – revealing those oppression or injustice situations. A poetic of childhood spread though this theatre.

When Hubert Le Blanc published his Défence de la basse de viole in 1741, the cello had already established itself as a solo instrument in Parisian musical life. Several cellists, both French and foreign, had performed to acclaim at the Concert Spirituel, and the instrument had a rapidly expanding repertoire of published solo sonatas by French composers. Among the most significant of the early French cellist-composers were Jean Barrière (1707-47), François Martin (c. 1727-c. 1757), Jean-Baptiste Masse (c. 1700-1757), and Martin Berteau (1708/9-1771). Their cello sonatas are innovative, experimental, often highly virtuosic, and, in spite of unashamedly Italianate traits, tinged with a uniquely French hue. Yet notwithstanding its repertoire and the skill of its performers, this generation of French cellist-composers has remained undervalued and underexplored. To a large extent, this neglect has arisen because a succeeding generation of French cellists of the late eighteenth century - the Duport brothers, Jean-Pierre (1741-1818) and Jean-Louis (1749-1819), the Janson brothers, Jean-Baptiste-Aimé (1742-1823) and Louis-Auguste-Joseph (1749-1815), and Jean-Baptiste Bréval (1753-1823) - are widely acknowledged as the creators of the modern school of cello playing. This dissertation focuses exclusively on the early French cello school. It seeks to examine the rise of the solo cello in France within its socio- cultural and historical context; to provide biographies of those com- prising the early French cello school; to explore the repertoire with particular emphasis on the growth of technique and idiom, detailing features that may be described as uniquely French, and to assert the importance of and gain recognition for this school, not as a forerunner of the so-called Duport school but as an entity in itself.

La dictature de la Junte militaire du Chili (11 septembre 1973 – 1990), dont la violence est d’autant plus marquante qu’elle opère dans une période très récente de l’histoire du pays, interroge l’autonomie du système symbolique des textes littéraires produits dans ce contexte. En effet, c’est la première fois dans l’histoire de la littérature chilienne qu’une grande quantité de textes sont écrits et publiés depuis l’exil ou depuis des centres de détention.Considérant ce phénomène spécifique dans son temps, cette étude s’attache à identifier les figures de la mémoire dans le langage poétique à partir de la figuration de la violence, telle qu’elle s’exprime dans la production de six poètes, qui s’étend sur une période de quarante ans (1950-1980). L’analyse de ces œuvres met en évidence la capacité du langage poétique à transcender la codification d’un contexte aussi important qui n’est pourtant pas l’unique évènement marquant de violence d’Etat dans l’histoire du Chili. L’analyse d’un corpus de textes écrits par Nicanor Parra, Enrique Lihn et Jorge Teiller, références majeures de la poésie de Gonzalo Millán, Tomás Harris et Rodrigo Lira, est présentée selon une double perspective, linguistique et socio-littéraire. La première partie de cette thèse mobilise le concept de « sujet en procès », emprunté à la théorie du langage de Julia Kristeva, Cette perspective a pour ambition d’analyser dans quelle mesure et comment la figuration de la violence constitue une parole de la mémoire et un questionnement sur l’identité nationale dans la poésie chilienne. La deuxième partie s’appuie sur la perspective de la « théorie des champs » et du « pouvoir symbolique » tel que l’envisage Pierre Bourdieu pour analyser l’impact du discours historique de l’identité nationale et sa représentation de l’exercice de la violence dans les champs de la production politique et littéraire.Envisagées dans une perspective moins restreinte à leur contexte socio-historique immédiat de production, les relations qu’entretiennent le langage, la violence et le pouvoir figurent ainsi au cœur de cette recherche. / The dictatorship of the military junta in Chile (09.11.1973-1990), the violence of which is all the more striking as it covers a very recent period in the history of this country, questions the autonomy of the symbolical system of the literary texts produced in this context. Indeed,it is the first time in the history of Chilean literature such an amount of texts have been written and published from exile or detention centres.Taking into account that this phenomenon is specific to its period, this study aims at studying the representations of memory in poetic language. It starts from the figuration of violence as it is expressed over a period of forty years (1950-1980) in six poets' production.The analysis of these works highlights the ability of poetic language to transcend the codification of so important a context, which is not, however, the only striking event of State violence in the history of Chile.The analysis of a collection of texts written by Nicanor Parra, Enrique Lihn and Jorge Teiller, major references of Gonzalo Millán, Tomás Harris and Rodrigo Lira 's poetry, is presented according a double perspective, linguistic as well as socio-litterary. The first part of this thesis focuses on the concept of the « subject in process », taken from Julia Kristeva's theory of language.This perspective aspires to analyze to what extent and how the representation of violence constitutes an expression of memory and a questioning about national identity in the Chilean poetry.The second part is based on the perspective of the theory of fields and the symbolic power as seen by Pierre Bourdieu in order to analyze the historical speech about national identity, and its representation of the exercise of violence in the fields of political and litterary production.Considered in a perspective which is less limited to their immediate socio-historical context of production, the relations maintained by language, violence and power, appear at the heart of this research. / Una época tan violenta e históricamente cercana como la de la dictadura de La Junta Militar (11 de septiembre de 1973 / 1990), problematiza, entre otras, la autonomía del sistema simbólico de los textos literarios producidos dentro de ese contexto. A partir de lo anterior, nuestro estudio se interesa en la identificación de la memoria en el lenguaje poético desde la figuración de la violencia, principalmente aquel de seis poetas que abarca un periodo de cuarenta años (1950-1980). El interés del análisis versa sobre la capacidad del lenguaje poético para trascender la especificidad de un contexto tan importante y significativo, que sin embargo no es el único hito de violencia de Estado en la historia de Chile. La relación entre lenguaje poético y violencia se vuelve así central para la presente investigación.El estudio de textos de Nicanor Parra, Enrique Lihn y Jorge Teillier, como antecedentes poéticos mayores para la poesía de Gonzalo Millán, Tomás Harris y Rodrigo Lira, se presenta bajo una doble perspectiva : lingüística y socio-literaria. La primera parte del análisis implica un concepto de lenguaje poético acorde a la teoría del « sujeto en proceso » de Julia Kristeva. Esta perspectiva ambiciona verificar si las figuras de la violencia constituyen un discurso de memoria y de identidad en la poesía chilena. La segunda parte, se basa en la « teoría de campos » y del « poder simbólico » de Pierre Bourdieu, para analizar el impacto del discurso histórico de identidad nacional y la representación del ejercicio de la violencia en los campos de producción política y literaria.

Notre thèse se concentre sur la question des mécanismes de restructuration du système du monde de l’art à Bruxelles à la fin du XIXe siècle. Nous cherchons à démontrer comment une nouvelle scène artistique construite autour du cercle des XX à Bruxelles, dont l’épanouissement sera pris en charge par l’animateur d’art Octave Maus, produit un art qui est influencé par les enjeux sociaux et politiques portés par un milieu défini de manière sociale, culturelle et générationnelle.<p>Nous avons ainsi voulu replacer le groupe des XX dans son contexte économique, politique et social. La diversification des approches et des sources était donc un aspect essentiel de nos recherches. Plusieurs voies d’approche ont été empruntées, telles que l’histoire culturelle, la sociologie de l’art, l’histoire du marché de l’art, l’analyse politique ainsi que l’étude de la visual culture. <p>Dans un premier temps, nous analysons l’émergence de la nouvelle scène artistique construite autour du groupe des XX. Nous débutons par une analyse plus monographique du parcours de Maus afin de définir les qualités essentielles de l’animateur d’art qu’il incarne, ainsi que son rôle dans la reconfiguration du milieu culturel. Ensuite, notre étude se concentre sur la mobilisation d’un public autour des salons et la mise en place d’un nouveau marché de l’art aux XX. <p>Dans un second temps, notre étude se penche sur les œuvres créées par les XX et sélectionnées par le public d’amateurs fidèles au groupe. Nous éclairons cette production artistique en y décelant les influences des questionnements et des prises de position sociales et politiques du public des XX, défini précédemment. L’analyse iconographique et stylistique des œuvres s’accompagne d’un travail sur ce milieu culturel, et particulièrement sur ses positions face aux débats sociaux de l’époque. Cette étude aboutit, d’une part, à une description approfondie du public des XX, et, d’autre part, à une meilleure compréhension de l’originalité de la production esthétique des artistes du groupe. /<p><p>This PhD thesis concentrates on the mechanisms by which the artistic world in Brussels was reorganized at the end of the 19th century. The research focuses on the places, institutions, publics, art markets and aesthetic developments that characterized the new artistic scene constructed around the “Salon des XX”. The purpose of this study is to demonstrate that this artistic circle, led by Octave Maus, produced an art influenced by social, political and economic issues. Another aim has been to analyze the public that defended the artists by studying its social, cultural and generational nature.<p>This thesis, which is divided into two parts, for the first time explores the circle of the XX in its economic, political and social environment. The diversification of sources and scientific methods was therefore an essential aspect of the research. Different methods were applied such as, for example, the cultural history, the sociology of art, the history of the art market, political sciences and the visual culture.<p>The first part of this study is about the emergence of a new artistic scene founded around the “Groupe des XX”. The first objective was to investigate the personal and professional path followed by Octave Maus, the manager of the XX, who played a major role in the evolution of the cultural world. Subsequently the research focuses on the mobilization of a particular public and the creation of a new art market around the XX’s exhibitions.<p>The second part of this thesis considers the works of art created by the artists of the “Groupe des XX” and chosen by the public for private collections. New light is shed on this artistic production by the study of the social and political position of the XX’s public, considered as a social group. Hence the iconographic and stylistic analysis of the works goes together with a study of the XX’s milieu, and in particular with its political action. The present thesis, and the method that aims to study the works in parallel with the public’s social nature, lead to a better understanding of the cultural milieu and, at the same time, of the originality of the XX’s artistic creation. <p><p> / Doctorat en Histoire, art et archéologie / info:eu-repo/semantics/nonPublished