Submitted by EMANUELLA MORAES (emanuellaleiterodrigues@gmail.com) on 2016-07-14T14:42:29Z No. of bitstreams: 1 TESE COMPLETA.doc: 31070720 bytes, checksum: dcbc16aab7593e9fcbef68c8776875c9 (MD5) / Approved for entry into archive by Alda Lima da Silva (sivalda@ufba.br) on 2016-07-14T15:59:24Z (GMT) No. of bitstreams: 1 TESE COMPLETA.doc: 31070720 bytes, checksum: dcbc16aab7593e9fcbef68c8776875c9 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-07-14T15:59:25Z (GMT). No. of bitstreams: 1 TESE COMPLETA.doc: 31070720 bytes, checksum: dcbc16aab7593e9fcbef68c8776875c9 (MD5) / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado da Bahia, FAPESB. / Esta tese investiga os caminhos trilhados por protagonistas femininas, criadas por cineastas mulheres, no âmbito do cinema brasileiro contemporâneo, para formular outras realidades capazes de manifestar o desejo – associado aqui a todas as formas de viver. Como corpus de análise, foram eleitos os filmes O diabo a quatro (Alice de Andrade, 2005), Antônia (Tata Amaral, 2006) e Sonhos roubados (Sandra Werneck, 2010), cuja maioria das jovens protagonistas femininas pertence a realidades semelhantes, ainda que se portem de maneiras distintas. A pesquisa procura refletir sobre as diferentes ressignificações de mulheres formuladas por elas mesmas, de modo a revelar suas variadas experiências, articulando questões de gênero com eixos específicos de poder (sexualidade, raça, classe, território e geração) a partir de certas imagens temáticas que constituem as obras fílmicas sob estudo. Esse trabalho, de caráter multidisciplinar, recorre a aportes teóricos provenientes de diferentes campos epistemológicos, como Cinema, Ciências Sociais, Filosofia, Geografia, Estudos Culturais, Estudos Pós-Estruturalistas, Estudos Pós-Coloniais, Estudos Subalternos, com incursões específicas nas questões de gênero. Pretende-se, a partir da análise do cinema brasileiro contemporâneo feito por/sobre mulheres, contribuir para a produção de conhecimento sobre as múltiplas cartografias existenciais que constituem o feminino.

Rubim, Linda Silva Oliveira ver Rubim, Lindinalva Silva Oliveira / Submitted by Rangel Sousa Jamile Kelly (jamile.kelly@ufba.br) on 2012-06-27T19:58:54Z No. of bitstreams: 1 Dissertação Final.pdf: 927235 bytes, checksum: b28c1a3cd941c8a684f103f06beaadb3 (MD5) / Made available in DSpace on 2012-06-27T19:58:54Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertação Final.pdf: 927235 bytes, checksum: b28c1a3cd941c8a684f103f06beaadb3 (MD5) / FAPESB / O cinema brasileiro é admirador do movimento do cangaço a décadas. Muitas são as narrativas em que este tema e seus personagens são centrais. A maioria dos filmes traz os homens como protagonistas destes filmes, o que não significa que não aja espaço para as mulheres. O presente estudo buscou mostrar como os filmes Corisco e Dadá (1996) e Baile Perfumado (1997) fogem à regra desta representação do cangaço como um movimento de participação exclusiva de homens. Mais do que isso, estas películas oferecem enredos sobre as relações de gênero presentes nestes filmes. O objetivo desta pesquisa foi perceber como são construídas estas representações das relações de gênero entre Corisco e Dadá; Lampião e Maria Bonita nas referidas obras. As análises mostraram que existem quebras nos padrões patriarcais e machistas vivenciadas no contexto da época destas histórias, décadas de 1920 e 1930, em produções realizadas na década em 1990, no chamado “Cinema da Retomada”. Além disso, buscou-se avaliar como as identidades destes personagens foram construídas nos filmes. Para tanto, este estudo lançou mão dos estudos feministas, embasado principalmente nas discussões sobre patriarcado e gênero; e da teoria das representações sociais. Assim, foi possível concluir que o cinema nacional é uma ferramenta de diminuição das tensões referentes aos papéis e relações de gênero, possibilitando a aparição de outras linhas de representações e construções de identidades dos seus personagens. Nas películas que serviram de corpus deste estudo, vemos os cangaceiros e cangaceiras também como homens e mulheres, constituídos de sentimentos como afeto, amizade, companheirismo. Podemos enxergar estas personalidades sem as armaduras de guerreiros, visualizar os seres humanos por debaixo dos bornais e armas. / Salvador

Orientador: Claudio Bertolli Filho / Banca: Jose Carlos Marques / Banca: Marcelo Magalhães Bulhões / Banca: Márcia Neme Buzalaf / Banca: José Miguel Arias Neto / Resumo: Esta pesquisa visa investigar como Leni Riefenstahl usou o cinema, um instrumento da modernidade, para explorar elementos pertencentes ao romantismo histórico presentes no Zeitgeist, o "espírito do tempo", e assim redefinir a identidade ariana em sua obra cinematográfica, como almejada por Adolf Hitler. As quatro produções selecionadas para análise são A Luz Azul (Das blaue Licht, 1932), O Triunfo da Vontade (Triumph des Willens, 1935), Olympia (Idem, 1938) e Tiefland (Idem, 1954). Embora as películas contemplem temas distintos e tenham sido produzidas com um intervalo de 22 anos, elas possuem unicidade identária em seu cerne. Esta tese percorre os contextos histórico, político e cultural, respectivamente, por meio das obras de Richard Evans (2014), Ian Kershaw (2010), Peter Gay (1978), Siegfried Kracauer (1988) e Lotte Eisner (1985); os conceitos de cultura e identidade são adotados a partir da perspectiva de Denys Cuche (1999) e Clifford Geertz (2015). Para a análise das películas, elegeu-se como metodologia o esquema quaternário de Massimo Canevacci (1990) e a binariedade proposta por Claude Lévi-Strauss (2012 e 2013). Os filmes selecionados fornecem elementos que permitem aferir o espírito do tempo na Alemanha, assim como a ideologia da diretora, que mesmo após a queda do regime nazista manteve em sua obra elementos identitários alinhados com o propósito de Hitler. / Abstract: This research seeks to investigate on how Leni Riefenstahl used a modernity instrument such as cinema, to explore elements of historical romanticism in Zeitgeist, the "spirit of time" and therefore redefine the Aryan identity in his cinematographic work, as longed by Adolf Hitler. Four productions were chosen for the analysis, including: The Blue Light (Das Blaue Licht, 1932), Triumph of the Will (Triumph des Willens, 1935), Olympia (Olympia, 1938) and Tiefland (Tiefland, 1954). Although the movies contemplate different themes and were produced with an intermission of 22 years, they share an identity oneness in their core. This present thesis travels through the historical, political and cultural contexts, respectively, by means of Richard Evans' (2014), Ian Kershaw's (2010), Peter Gay's (1978), Siegfried Kracauer's (1988) and Lotte Eisner's (1985) works; the concepts of culture and identity are adopted from the perspective of Denys Cuche (1999) and Clifford Geertz (2015). For the movies' analysis, the methodology chosen were the quaternary scheme by Massimo Canevacci (1990) and the binarity proposed by Claude Lévi-Strauss (2012 and 2013). The selected movies provide elements that allow assess to the spirit of time in Germany, as well as the directors' ideology, that even after the fall of the Nazi regime she kept identity elements in her works, aligned with Hitler's purpose. / Doutor

This interdisciplinary dissertation examines the relationship between exile and collaborative authorship in the films of blacklisted American director Joseph Losey and British-Jewish playwright/screenwriter Harold Pinter. During the 1960s and early 1970s, they collaborated on the celebrated British art-house films The Servant (1963, based on the novella by Robin Maugham), Accident (1967, based on the novel by Nicholas Mosley), and The Go-Between (1971, based on the novel by L.P. Hartley), which won the prestigious Palme d'Or at the 1971 Cannes International Film Festival. Both Losey and Pinter commented frequently on the synergistic nature of their successful collaboration, but Anglo-American film scholarship tends to often incorrectly interpret the collaboration as a disproportionate alliance of talent with Losey serving subordinately to the Nobel laureate Pinter's dramatic genius. Moving beyond the auteur critics' emphasis on solitary film authorship, this dissertation reads the Losey and Pinter collaboration through the lens of exilic cinema. Losey and Pinter's shared exilic vision--the synthesis of the exiled blacklistee Losey and the British-Jewish insider-outsider Pinter--interrogated a British culture that, during the 1960s and early 1970s, possessed a new allure due, in large part, to the international popularity of the Beatles, James Bond, and the fashion of designer Mary Quant. Yet this veneer of sex appeal and economic prosperity veiled ongoing class and racial tension, gender inequality, homosexual oppression, and a dissolving Empire. Losey and Pinter foreground these socio-political issues through a complex modernist film aesthetic, which challenged the classical Hollywood and British narrative film structure by bending genre conventions and archetypes in The Servant, and later fusing elements of modernist literature and Continental European art-house cinema, particularly the films of the French Nouvelle Vague and Rive Gauche filmmakers, in Accident and The Go-Between. This dissertation analyzes The Servant, Accident, and The Go-Between against the socio-political climate of Britain in the 1960s and early 1970s, as well as the creative and economic alliance between the British and Hollywood film industries during this significant filmmaking period. The goal is not only to illustrate that the Losey-Pinter collaboration cannot be placed easily within a single author paradigm, but also that studies of film collaboration need to consider relevant historical, socio-political, and industrial factors.

In recent years, South Korean filmmakers have repeatedly drawn upon the nation’s experience of Japanese colonialism as an element in the construction of their films. This thesis examines the multiple ways in which contemporary South Korean cinema has drawn upon this period in the nation’s history, through both direct representation, and allegory and evocation. I demonstrate how new perspectives have emerged, creating a space to construct more nuanced considerations of the colonial period beyond nationalist paradigms, whilst not shying away from the traumatic elements which had heretofore defined the dominant perceptions of the era. Utilising trauma theory as a key framework, I argue that by restaging the traumatic events of the past on-screen, filmmakers have provided an opportunity for audiences to come to terms with this past. Turning towards the Korean concept of han, which addresses the accumulation of negative affect and how these negative emotions can be purged through the expression of han, I explore how the folk song Arirang has been mobilised as a way of connecting a film to this legacy of sorrow. By invoking the feeling of han in their work, South Korean filmmakers have tied their personal concerns to a wider national sentiment. I then draw upon the notion of spectrality, and the depiction of ghosts in contemporary films, in order to demonstrate the ways in which the present is haunted by the unaddressed actions of the past. Finally, I argue that a series of films featuring amnesiac protagonists serve to allegorise the ‘settling the past’ movement, which saw the establishment of a number of ‘truth councils’ tasked with investigating aspects of the nation’s twentieth century history. Ultimately, this thesis argues that it is only by addressing and coming to terms with the traumatic elements of our past that we can ever hope to be rid of their negative influence.

This thesis examines representations of identities that are specific to Francophone West Africa, as depicted in the films produced in the region since the 1990s. The films are set in the countries of Senegal, Mali and Burkina Faso, among the ethnic groups that form the diverse demographic landscape of the region, and they portray stories and characters that strongly relate these films to the local ways of belonging. While existing research in the field of African film studies focuses on how films from Francophone West Africa portray postcolonial or national identities, very little scholarly attention has been paid to the depiction of identities that are linked to the region’s ethnic cultures. This thesis demonstrates that the local ways of belonging and the practices, rituals and beliefs which these identities rely on continue to have vital significance for representation in Francophone West African cinemas. Using textual analysis as a base for its arguments, this thesis is underpinned by an interdisciplinary theoretical framework that combines extensive contextual research into various West African practices, rituals and beliefs with the philosophical works on cinema by Gilles Deleuze. A number of the concepts Deleuze defines help significantly in the understanding of time and identity in the films, and the interpretative nature of Deleuze’s work offers the opportunity to bridge the gap in film theory application in studies of Francophone African cinema. By applying this diverse theoretical approach to its investigation of the intertwining local identities, the thesis highlights the necessity of an intersectional approach to analysing identity representation in Francophone African cinemas. It is the first study of representations of ethnically-linked identities in the field of African film studies.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-graduação em Letras/Inglês e Literatura Correspondente, Florianópolis, 2009 / Made available in DSpace on 2012-10-24T14:50:37Z (GMT). No. of bitstreams: 1 276391.pdf: 500694 bytes, checksum: d6f89f008fa8d8944996cfc68e5d8f39 (MD5) / Esta dissertação discute o filme Brokeback Mountain (2005, dirigido por Ang Lee) sob a ótica de estudos de sexualidade e identidade nacional. O filme, que ganhou prêmios importantes e foi aclamado pelo grande público, trouxe bastante controvérsia também, na medida em que mostra cowboys que têm práticas homossexuais. Esta dissertação examina como o filme, apesar de parecer conservador pelo fato de que os homens nunca saem do armário e pelo seu final infeliz, ainda promove agenciamento na medida em que traz o que Judith Butler chama de performatividade paródica. Ademais, também há uma discussão de como o filme, ao trazer a subversão do mito do cowboy através da homossexualidade, representa um "queering" da identidade nacional dos Estados Unidos imaginada com base em tal mito. / This thesis discusses the film Brokeback Mountain (2005, directed by Ang Lee) under the light of studies on sexuality and on national identity. The film, which won important awards and was acclaimed by the great public, has brought around great controversy as well, to the extent that it depicts cowboys holding homosexual practices. The thesis examines how the film, although may look conservative by the fact that the men never come out of the closet and by its unhappy ending, still promotes agency to extent that it brings what Judith Butler calls parodic performativity. Moreover, there is also a discussion on how the film, by bringing the subversion of the myth of the cowboy through homosexuality, represents the queering of US national identity imagined with its basis on such myth.

Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Letras/Inglês e Literatura Correspondente, Florianópolis, 2009 / Made available in DSpace on 2012-10-24T16:09:44Z (GMT). No. of bitstreams: 1 270783.pdf: 7460448 bytes, checksum: 94de8f69c8a92d5acb8ec8c519b10292 (MD5) / This dissertation proposes study of contemporary Brazilian films focusing on the portrayal of violence in urban spaces in a number of films set in different cities, namely Estorvo, Cidade de Deus, Carandiru, O Invasor, Amarelo Manga, Cidade Baixa and Tropa de Elite. The problem to be discussed in these films concerns the possibility of understanding violence as a political force that destabilizes notions such as unified self, representation, agency, nationality and class. The films analyzed suggest a tension between images of violence, mimetic, coagulated, normalized violence, and violent images, violence as dissemination, irradiation, fragmentation, explosion. Following the recent theorizations about biopolitics and community (which include the thought of Giorgio Agamben, Roberto Esposito, Jean-Luc Nancy and Jacques Rancière), this work explores how this tension suggests a (re)configuration of ways of living together. / Esta tese propõe um estudo de filmes brasileiros contemporâneos, com ênfase na apresentação da violência e sua relação com o espaço urbano representado, em uma série de obras que se passam em diferentes cidades, a saber, Estorvo, Cidade de Deus, Carandiru, O Invasor, Amarelo Manga, que se passam em diferentes cidades Cidade Baixa e Tropa de Elite. O problema a ser discutido diz respeito à possibilidade de entender a violência como uma força política capaz de desestabilizar noções como self, representação, agência, nacionalidade e classe. Os filmes analisados sugerem uma tensão entre imagens da violência, violência mimética, coagulada, normalizadas, e imagens violentas, violência como disseminação, irradiação, fragmentação, explosão. Tendo como base teorizações recentes sobre biopolítica e comunidade (incluindo o pensamento de Giorgio Agamben, Roberto Esposito, Jean-Luc Nancy e Jacques Rancière), este trabalho explora como essa tensão sugere uma (re)configuração do modos de viver junto.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-graduação em Estudos da Tradução, Florianópolis, 2010 / Made available in DSpace on 2012-10-25T06:32:17Z (GMT). No. of bitstreams: 1 283015.pdf: 1716811 bytes, checksum: 568fdc649f406284c20d507a5f374101 (MD5) / Este trabalho tem por objetivo investigar a tradução de metáforas realizada no processo de legendação do filme de animação intitulado: A viagem de Chihiro, do diretor japonês Hayao Miyazaki. Para fazê-lo, será considerado o suporte teórico descritivista de van den Broeck (1981), complementado pela proposta de Toury (1995), descrevendo as opções existentes, a fim de analisar as escolhas feitas pelo tradutor/legendador para a tradução das metáforas selecionadas, levando-se em consideração as dificuldades de se lidar com a tradução destas sob a ótica linguística, bem como sob a perspectiva de culturalidade intrínseca de cada idioma. Nesta investigação levanta-se a suposição de que a parcela imagética está em consonância com o texto oral e escrito, e que neste espaço de diálogo entre as expressões semióticas imbricadas delineiam-se algumas das ações do tradutor a serem aqui investigadas e discutidas. Observaremos, particularmente, a questão da tradução interlinguística de metáforas, a saber: japonês/português, sob a influência dos aspectos culturais e interculturais, bem como sua circunscrição no âmbito das perspectivas técnicas da legendação. / This present work aims to discuss the translation of metaphors used in the process of creating subtitles for the animation movie entitled: "A Viagem de Chihiro", from the japanese director Hayao Miyazaki. While so doing, van den Broeck's (1981) descriptive theory support will be considered, complemented by Toury's (1995) proposition, describing the existing options in order to analyse the choices made by the translator/subtitler in the translations of the selected metaphors, taking into consideration the difficulties of dealing with said translations under a linguistic viewpoint as well as under the intrinsic culturality of each language. In this analysis a supposition is made that the imagery portion is in consonance with text, spoke and written, and that in this space of dialog between semiotic expressions some of the translator's actions here analysed and discussed take shape. We shall observe, specifically, the issue of interlinguistic translation of metaphors, i.e. Japanese/Portuguese, under the influence of cultural and intercultural aspects, in addition to their circumscription to the realm of subtitling techniques perspective.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-graduação em Estudos da Tradução, Florianópolis, 2010 / Made available in DSpace on 2012-10-25T09:55:51Z (GMT). No. of bitstreams: 1 276929.pdf: 721461 bytes, checksum: d79faa0fb9617744383210ea344ff2c9 (MD5) / Neste trabalho, à luz de recentes pesquisas que permeiam os estudos da tradução, objetiva-se examinar a contribuição da tradução cinematográfica para o ensino da leitura. Propõe-se o uso de filmes legendados para o desenvolvimento do nível de letramento em leitura dos estudantes, por meio da criação de espaços favoráveis e instigadores à formação de leitores eficientes, considerando a riqueza da linguagem sonora e visual, muito além do universo lingüístico, que constitui as obras cinematográficas. Quanto à organização, o desenvolvimento desta dissertação contempla, no segundo capítulo, discussão sobre letramento, leitura, processamento em leitura, tradução e legendação. O terceiro capítulo é dedicado à formação docente e ao ensino da leitura. Pensa-se o ensino da leitura sob novas nuanças, cruzando fronteiras e imergindo num mundo novo. O uso de filmes legendados como suporte para o ensino da leitura é um caminho. Assim, o quarto capítulo enfoca a relação entre cinema e ensino, demonstrando que os filmes têm sempre alguma possibilidade para o trabalho escolar. Aborda, ainda, com base em entrevista, como os professores trabalham com filmes legendados e o que é necessário para se trabalhar com esses filmes. Finaliza o quarto capítulo a seção que discute os benefícios para o ensino da leitura por meio do uso de filmes legendados.