Orientador: Fernão Vitor Pessoa de Almeida Ramos / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-06T18:48:00Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Peron_MauroLuiz_D.pdf: 14030018 bytes, checksum: 7043dda53b78c6d2a8c953a574a75cf7 (MD5) Previous issue date: 2006 / Resumo: O objetivo desta pesquisa é demonstrar que a atenção de Hitchcock aos confrontos, tanto no tratamento dos temas quanto na construção dos personagens, está presente em diferentes articulações narrativas que desenvolveu, assim destacadas: No primeiro capítulo, a reflexão objetiva demonstrar que os personagens são construídos de modo a viverem o confronto entre culpa e inocência, e que esse perfil narrativo aciona o espectador perante diferentes inflexões de identificação com os personagens. No segundo capítulo, o objetivo é explorar o mecanismo que articula ocultação e revelação de informações tanto de personagens quanto do espectador, apontando como o diretor radicaliza as relações interrogantes, de engano e de ambigüidades e, nesse particular, como o nexo entre desvendamento e dissimulação aciona o suspense. No terceiro capítulo, a reflexão aponta para duas questões centrais, vinculadas à atenção do diretor para o nexo entre a imagem e o som, como o deslocamento da câmera de um diálogo para depositar-se em outra ação, sem diálogo. Simultaneamente, sua atenção à fonte sonora ganhará destaque, na fase muda e sonora de sua obra, na medida em que o ponto de vista assume ora a posição de ponto de escuta, ora a posição de silêncio. No quarto e último capítulo, a reflexão está centrada na maneira pela qual Hitchcock explora o corpo, de forma a traçar na superfície corpórea um tensionamento de várias ordens, desde a carga de injusta condenação até os desdobramentos morais de seus atos, elaboração que constitui um exercício estético na direção da construção de um corpo que demonstra, em sua presença, em seu gesto e em seu timing, um caráter eminentemente visual e, por isso, cinematográfico. A investigação, ao explorar os diferentes mecanismos narrativos do diretor, aponta para a prioridade visual que conferiu aos confrontos presentes nos temas e personagens eleitos para o seu cinema / Abstract: The objective of this research is to demonstrate that Hitchcock¿s attention to confrontations, both in the treatment of themes and in the construction of characters, is present in different narrative structures that he developed, in this manner highlighted. The first chapter shows that characters are built so as to live the confrontation between guilt and innocence, and that this narrative profile affects viewers through different inflexions of identification with characters.In the second chapter, the objective is to explore the mechanism that integrates the hiding and revelation of information both from characters and from viewers, indicating how the director radicalizes doubtful, misleading and ambiguous relationships and, in this respect, how the link between disclosure and dissimulation feeds suspense. The third chapter goes towards two core questions, related to the attention of the director to the link between image and sound, as the camera moves from one dialogue to set on another action, without dialogue. At the same time, Hitchcock¿s attention to sound sources will gain prominence as the point-of-view is sometimes in the listening position and other times in the silent position, even in his silent movies. Finally, the fourth and last chapter is centered on the way Hitchcock explores the body, outlining on the corporal surface many orders of tension, from the burden of unfair conviction to the moral consequences of one¿s acts, an elaboration that is an esthetical exercise towards building a body that shows, in its presence, in its gestures, and in its timing, an eminently visual feature and, for this reason, cinematographic. The investigation, by exploring the different narrative mechanisms of the director, indicates the visual priority that he assigned to the confrontations present in the themes and characters chosen for his movies / Doutorado / Doutor em Multimeios

Orientador: Marcius Cesar Soares Freire / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-07-21T02:28:54Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Bizello_MariaLeandra_M.pdf: 6890414 bytes, checksum: 55b390e5cbc5db5e0a6fbd762cb7f635 (MD5) Previous issue date: 1995 / Mestrado

Orientador: Elide Rugai Bastos / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-07-22T22:34:17Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tolentino_CeliaAparecidaFerreira_D.pdf: 9913011 bytes, checksum: c43e3bffce2dd8cd1fbc7c31aee4913e (MD5) Previous issue date: 1997 / Resumo: Este estudo discute a tematização dos aspectos rurais da cultura brasileira segundo a abordagem realizada pelo cinema nacional das décadas de 50 e 60. Decodificando o narrador de cada obra cinematográfica, debate-se as condições e perspectivas deste que apreende o tema em questão, explicitando o tempo histórico a partir do qual fala. As duas décadas são tratadas como três tempos distintos: a década de 50 é observada a partir do cinema industrial paulista; a década de 60 divide-se em duas partes, antes e depois do golpe de 64, e ambas são discutidas através da cinematografia politizada da época. Ao final, este trabalho tenta demonstrar que o rural constitui um tema fugidio, mas central na vida brasileira, que, em acordo com as ambigüidades da nossa própria identidade, é tratado com amor ou ódio segundo os projetos de nação com os quais dialoga. Cangaceiros, caipiras, jagunços, beatos, retirantes podem ora compor a mais genuína identidade nacional, ora o retrato do atraso brasileiro e, também, as duas coisas ao mesmo tempo. Invariável é o ponto de vista que entende como rural aquilo que está no passado ou em vias de superação, nunca, entretanto, o vigente. Resumindo, para o cinema brasileiro do período estudado, rural é sempre o outro / Abstract: Not informed. / Doutorado / Doutor em Sociologia

Orientador: Lucia Nagib / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-07-26T02:12:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Coelho_SandraStraccialano_M.pdf: 2668337 bytes, checksum: acd7d8cbd30a71ff09b350411f6e8b48 (MD5) Previous issue date: 1999 / Resumo: Questionando a prática da adaptação de textos literários para o cinema, neste trabalho se analisa Vale Abraão, fTuto da parceria entre a romancista portuguesa Agustina Bessa-Luís e o cineasta Manoel de Oliveira. Romance publicado em 1991 e posteriormente levado às telas em 1993, em Vale Abraão as possibilidades de reflexão sobre a adaptação se ampliam à medida em que se trata de uma releitura do mito da Bovary, agora transportada para o norte de Portugal pós-Revolução dos Cravos. Através da análise do ponto de vista, ou foco narrativo, nas duas realizações, percebeu-se a adoção, em ambos os casos, de uma postura antiilusionista que visa desnaturalizar aos olhos do leitor/espectador o discurso da ficção. No romance, é na presença de um narrador onisciente em 3' pessoa bastante peculiar que se distancia constantemente o leitor da história que é narrada. Já no filme, vários recursos concorrem para esse mesmo fim: a posição muitas vezes desprivilegiada assumida pela câmera, a representação anti-naturalista dos atores, a presença marcante de uma voz over em frequente assincronia com as imagens, etc. No ponto de vista adotado é possível perceber, também, uma concepção particular de adaptação orientando Vale Abraão em suas duas realizações - adaptar, agora, não mais significando, exclusivamente, a transposição de uma determinada história de um meio narrativo a outro. O que importa, no caso singular que aqui se escolheu analisar é tomar o texto literário a ser adaptado em sua especificidade discursiva, já que o texto, e não unicamente a história que por ele é veiculada, também é passível de ser filmado / Abstract: Not informed. / Mestrado / Mestre em Multimeios

Orientador: Adilson Jose Ruiz / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-09T01:19:20Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Colucci_MariaBeatriz_D.pdf: 570060 bytes, checksum: 2c375530ab71bdafaabdd1bc3609857a (MD5) Previous issue date: 2007 / Resumo: Esta tese analisa a violência urbana em quatro documentários brasileiros lançados no período de 1999 a 2003: Notícias de uma guerra particular (1999), O rap do pequeno príncipe contra as almas sebosas (2000), Ônibus 174 (2002) e O prisioneiro da grade de ferro (2003). Como um painel sobre a contemporaneidade, estes filmes conformam uma certa etnografia audiovisual da violência urbana brasileira, vista como um campo complexo de relações articuladas a esse contexto histórico específico. Tais relações apontam para o rompimento da invisibilidade dos setores sociais que vivem nos espaços de exclusão brasileiros; e sua presença na mídia, especialmente no cinema, forma, então, um conjunto significante acerca do momento histórico vivenciado no Brasil no início do século XXI, e permite identificar diferentes estratégias utilizadas para o filme representar, ou representificar essa realidade histórica. Neste sentido, quatro modos se destacam: (1) as relações com o contexto histórico, que evidenciam a violência urbana brasileira no período; (2) o tipo de negociações entre os "sujeitos" documentaristas e documentados, suas implicações e determinações, o discurso construído e sua articulação na estrutura da narrativa; (3) as passagens entre imagens que permitem níveis diferenciados de recepção do tema e remetem às relações midiáticas inseridas no imaginário contemporâneo; e (4) a superação de modelos e a renovação na linguagem, que manifestam fragmentação, hibridismo e reflexividade, marcas do cinema contemporâneo. Tendo por base a trajetória do filme documentário até a contemporaneidade, suas diversas definições e categorizações; este trabalho situa seus principais marcos e discussões, levando em conta, ainda, a contribuição da antropologia e das pesquisas e críticas sobre a imagem e o filme documentário, além da tematização da violência pelo cinema brasileiro. / Abstract: This thesis analyses urban violence represented in four Brazilian documentaries that were released between 1999 and 2003: News of a private war (1999), Little Prince's Rap against nasty souls (2000), Bus 174 (2002), and The prisoner of the iron bars (2003). As an overall view of contemporary times, these films present an audiovisual ethnography of Brazilian urban violence, seen as a complex field of relationships that are articulated in this specific historical context. Such relationships point to the end of the invisibility of social sectors that have lived in spaces of exclusion in Brazil; and the presence of such a subject in the midia, especially in the movies, forms, therefore, a significant set about the historical moment lived in Brazil at the beginning of the XXI century, and it allows identifying different strategies used by the movie to represent or re-represent this historic reality. In this sense, four strategic ways are highlighted: (1) the relationships with the historical context that show Brazilian urban violence in that period; (2) the type of negotiation between the "subjects" who made the documentaries and the ones represented in the documentaries, their implications and determinations, the discourse that was built and its articulation in the structure of the narrative; (3) the passages between images that allow different levels of perception of the theme and that lead to the media relationships involved in contemporary thinking; and (4) the overcoming of models and the renovation in language that show fragmentation, hybridism and reflection, trademarks of contemporary cinema. Taking the history of the documentary film up to contemporary times as a base, with its diverse definitions and categories, this work presents its main achievements and discussions, even taking into consideration the contribution of anthropology, research, and critique of the image and of the documentary film, going beyond the theme of violence represented by the Brazilian cinema. / Doutorado / Multimeios / Doutor em Multimeios

A dissertação Design e narrativa visual na linguagem cinematográfica localiza as origens do cinema e do design no contexto do projeto da modernidade e busca entender o papel que o artista moderno deve desempenhar neste fluxo de transformações e ambiguidades que teve início no século XIX. Assim, procura traçar como as novas formas de representação, consumo e entretenimento convergiram para o discurso visual da linguagem cinematográfica. Faz algumas considerações a respeito de recursos técnicos do cinema, a fim de tornar mais clara a discussão sobre narrativa visual. No texto dedicado às origens do design, localiza a fundação da Bauhaus no contexto da redefinição do papel do pensamento artístico e do artesanato em face da produção mecânica seriada. Propõe a Bauhaus como ponto de convergência da formulação teórica, da aplicação prática e do ato criativo que levariam ao desenvolvimento do design no século XX. Explicita a mudança da idéia de desenho como meio gráfico pelo qual se abstrai a forma, para desenho no sentido ativo de projeto: intuição de relações construtivas ou espaciais dentro da matéria. A partir deste estudo, realiza uma investigação dos aspectos imagéticos e projetuais nas concepções fílmicas do production designer Alex McDowell, assim como a descrição e a análise de quatro filmes desenhados por ele: Invasão de Domicílio, O Terminal, Minority Report e A Fantástica Fábrica de Chocolate. A apresentação desses filmes não segue uma ordem cronológica, sendo, sim, orientada por critérios estéticos e narrativos. A linha traçada parte da representação da realidade contemporânea de Invasão de Domicílio; passa pela experiência de O Terminal no qual parte de um aeroporto foi construída em estúdio ; é quebrada pela ficção científica Minority Report; até chegar ao cinema de fantasia de A Fantástica Fábrica de Chocolate. / This thesis, Design narrative and visual language in film locates the origins of cinema and design in the project of modernity trying to understand the role that the modern artist should play in this world of change and ambiguity that has beginning in the nineteenth century. The intent is to discover how new forms of representation, consumption and entertainment converged to the discourse of visual language film. The work makes some considerations about the technical resources of the cinema in order to clarify the discussion of visual narrative. In the text about the origins of the design, mentions the foundation of the Bauhaus in the context of redefining the role of artistic thought and craft in the face of mechanical serial production. The thesis proposes the Bauhaus as a point of convergence of the theoretical formulation, the implementation and practice and the creative act that would lead to the development of design in the twentieth century. Explains the change of the idea of the pictures as a graphic related to the abstract form, in order to the idea of a picture as an active project: intuition of constructive relations or space in the object. It is made an investigation of the image and design aspects in the process of filming of the production designer Alex McDowell. Four movies he designed have also been analyzed: Breaking and Entering, The Terminal, Minority Report and Charlie and the Chocolate Factory. These movies are not mentioned following a chronological order; the criteria was narrative and aesthetic. A line of the analysis of these selected movies begin at the representation of contemporary reality of Breaking and Entering; then goes to the experience of The Terminal in which part of an airport was built in the studio ; and is broken by the science fiction of Minority Report. Finally it ends with the fantasy movie of Charlie and the Chocolate Factory.

FundaÃÃo de Amparo à Pesquisa do Estado do Cearà / Este trabalho examina representaÃÃes de dramas Ãntimos, do questionamento das mulheres frente Ãs desigualdades de poder, nas relaÃÃes entre os sexos, e, ainda, imagens da busca de autonomia e de liberdade sexual, nos filmes Os cafajestes, A falecida e O desafio, nos anos 1960. Aqui, dramas Ãntimos sÃo definidos como situaÃÃes ou experiÃncias vivenciadas por homens e mulheres, em espaÃos nos quais se circunscrevem suas relaÃÃes afetivas e sexuais. A escolha do cinema para analisar esta temÃtica deve-se ao fato de entendÃ-lo como veÃculo que dialoga com o contexto histÃrico, embora empregue uma linguagem especÃfica para transmitir mensagens - associaÃÃo de imagens, movimento de cÃmera, efeitos de iluminaÃÃo e uso de sons. Assim, a pesquisa se insere dentro de uma perspectiva sociolÃgica que adota como princÃpio bÃsico o estabelecimento de um vÃnculo da obra com o conjunto das relaÃÃes histÃricas, culturais, econÃmicas e polÃticas. Apesar da filmografia do Cinema Novo voltar-se caracterÃsticamente para representaÃÃes dos problemas econÃmicos e polÃticos do paÃs, a pesquisa realizada identificou que cineastas envolvidos com este movimento cultural abordaram, tambÃm, questÃes referentes aos "dramas Ãntimos", construindo novas representaÃÃes do feminino e do masculino. Nos filmes analisados, percebe-se a atribuiÃÃo de valores que contribuem para denegrir as imagens femininas, o que, por sua vez, reforÃa modelos masculinos referendados por padrÃes de atitudes agressivas e violentas contra a mulher. PorÃm, hÃ, simultaneamente, representaÃÃes de mulheres determinadas e decididas, que escolhem os caminhos que querem trilhar e, neste sentido, mantÃm relaÃÃes de poder com os homens. A despeito de emergirem traÃos nÃo unÃvocos no que se refere Ãs prÃticas de homens e mulheres, em Ãltima instÃncia, estÃo presentes representaÃÃes de regras sociais rÃgidas no que concerne a comportamentos de mulheres que ousam enfrentar as determinaÃÃes sociais. / This study examines representations of intimate dramas on the question of women facing the inequality of power, in relationship between the sexes, as well as images of the search for autonomy and sexual liberty in the films Os Cafajestes, A Falecida and O Desafio, which are part of the New Cinema, a cultural movement which arose in the 60s. Here, intimate drama is defined as situations or experiences which men and women have in the space which surrounds their affective and sexual relationships. The choice of cinema to analyze this theme was due to the fact of understanding that cinema is a dialogue with a historical context, even though it uses a specific language to transmit messages ? having an association to images, movement of the camera, the lighting effects and the use of sound. Thus, this study is set in a sociological perspective which adopts the establishment of a link of the work (the film) with the group of historical, cultural, economic and political relationships as a basic principle. In spite of the filmography of the New Cinema being characteristically directed towards the representation of economic and political problems of the county, the study done, identified the movie directors involved with this cultural movement who also approached questions referring to ?intimate dramas? forming new representations of being feminine and of being masculine. In the films analyzed, one perceived the attribution of values which contribute to the denigration of feminine images, which, in turn, reinforces masculine models confirmed by patterns of aggressive, violent attitudes towards women. However, at the same time there are representations of women who are determined and decided, who choose paths which they want to take, and in this way maintain relationships of power with men. Despite emerging traces which are not homogenous in that which refers to the practices of men and women, there are, in summary, representations of continuing strict social rules concerning the behavior of women who dare to face social determinations.

FundaÃÃo Cearense de Apoio ao Desenvolvimento Cientifico e TecnolÃgico / A presente dissertaÃÃo examina a construÃÃo do espaÃo em duas narrativas: o romance Howards End (1910), de E. M. Forster, e o filme Retorno a Howards End (1992), dirigido por James Ivory. Nossa hipÃtese à de que a narrativa fÃlmica serve-se de elementos espaciais para tecer comentÃrios sobre o gÃnero ao qual pertence: os filmes de heranÃa; e, assim, reformula a discussÃo inicial a que essas narrativas estavam atreladas. Desse modo, a funÃÃo do espaÃo no filme difere daquela empregada no romance. Trata-se, portanto, de uma estratÃgia tradutÃria que coloca o texto de Ivory em diÃlogo com a sua Ãpoca, apesar de buscar recriar o perÃodo eduardiano na tela. Para demonstrar a nossa interpretaÃÃo, examinamos primeiramente o espaÃo no romance de Forster. ConcluÃmos que, nesse texto, a construÃÃo do espaÃo apresenta as seguintes funÃÃes: discutir simbolicamente a complexidade dos gÃneros masculino e feminino, o modo arbitrÃrio com que a questÃo era percebida no inÃcio do sÃculo XX, e a representaÃÃo da casa como local de refÃgio contra o sentimento de fragmentaÃÃo na sociedade; os espaÃos externos funcionam como cenÃrio no qual refletem-se as profundas transformaÃÃes trazidas pela modernidade no inÃcio do sÃculo passado. No filme, por outro lado, o espaÃo faz uso da estÃtica da exposiÃÃo, uma caracterÃstica tÃpica dos filmes de heranÃa, para redimensionar a discussÃo sobre a identidade inglesa. Se, em seu inÃcio, o discurso do gÃnero em questÃo procurava resgatar o ideÃrio imperialista britÃnico, o filme de Ivory desconstrÃi tal noÃÃo e aponta para a impossibilidade deste retorno. Nosso trabalho ampara-se em conceitos oriundos dos Estudos Descritivos de traduÃÃo, partindo da teoria dos polissistemas de Even-Zohar (1990), o conceito de reescritura de Lefevere (2007), e em estudos que enfocam a narrativa cinematogrÃfica, como Vanoye & Goliot-LÃtà (1994), Aumont (1995), Silva (2007) e Gaudreault & Jost (2009). / This dissertation examines the construction of space in two narratives: the novel Howards End (1910), by E. M. Forster, and the homonymous film (1992), directed by James Ivory. Our hypothesis is that the film makes use of spatial elements to comment on the film genre itself: the heritage films; and so, it reformulates the initial discourse with which such narratives were related to. Thereby, the function of space in the film is different from that function used in the novel. It is, therefore, a translation strategy which places Ivoryâs text in a dialectical relation with its own time, although it tries to recreate Edwardian period on screen. In order to demonstrate our interpretation, we firstly examined the space in the novel. We concluded that, in this text, the space has the following functions: to symbolically discuss the complexity of male and female genres, showing the arbitrary way by which this question was seen at the beginning of the 20th century, and the representation of the house as a place of refuge from the feeling of fragmentation in society; exterior places function as sceneries in which the deep changes brought by modernity are reflected. In the film, however, space is used to construct the aesthetics of display, a typical characteristic of heritage films, to modify the notions on English identity commonly related to these narratives. If, at the beginning, heritage films discourse attempted to redeem British imperialistic position, Ivoryâs film deconstructs such attempt and indicates its impossibility. Our work is based on concepts from Descriptive Translation Studies, from polysystem theory by Even-Zohar (1990), Lefevereâs concept of rewriting, and on studies that deal with film narratives such as Vanoye & Goliot-LÃtà (1994), Aumont (1995), Silva (2007) and Gaudreault & Jost (2009).

Submitted by Marlene Santos (marlene.bc.ufg@gmail.com) on 2016-08-29T19:55:07Z No. of bitstreams: 6 Tese - Marcelo Rodrigues Souza Ribeiro - 2016 - parte 1.pdf: 17763625 bytes, checksum: 452d0673b2f69c9355ffa27826677de7 (MD5) Tese - Marcelo Rodrigues Souza Ribeiro - 2016 - parte 2.pdf: 18452916 bytes, checksum: 25df9d4e0752a9245b2b8431b686819d (MD5) Tese - Marcelo Rodrigues Souza Ribeiro - 2016 - parte 3.pdf: 17100355 bytes, checksum: 4cce80dcf9db6ab7a144d627489984d5 (MD5) Tese - Marcelo Rodrigues Souza Ribeiro - 2016 - parte 4.pdf: 18172859 bytes, checksum: af0ff4f4ac5c0a31d004c313b54b1318 (MD5) Tese - Marcelo Rodrigues Souza Ribeiro - 2016 - parte 5.pdf: 6057501 bytes, checksum: 771b028e9f81cb0c6e67c7d1f49bfb35 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2016-08-30T11:27:55Z (GMT) No. of bitstreams: 6 Tese - Marcelo Rodrigues Souza Ribeiro - 2016 - parte 1.pdf: 17763625 bytes, checksum: 452d0673b2f69c9355ffa27826677de7 (MD5) Tese - Marcelo Rodrigues Souza Ribeiro - 2016 - parte 2.pdf: 18452916 bytes, checksum: 25df9d4e0752a9245b2b8431b686819d (MD5) Tese - Marcelo Rodrigues Souza Ribeiro - 2016 - parte 3.pdf: 17100355 bytes, checksum: 4cce80dcf9db6ab7a144d627489984d5 (MD5) Tese - Marcelo Rodrigues Souza Ribeiro - 2016 - parte 4.pdf: 18172859 bytes, checksum: af0ff4f4ac5c0a31d004c313b54b1318 (MD5) Tese - Marcelo Rodrigues Souza Ribeiro - 2016 - parte 5.pdf: 6057501 bytes, checksum: 771b028e9f81cb0c6e67c7d1f49bfb35 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2016-08-30T11:27:55Z (GMT). No. of bitstreams: 6 Tese - Marcelo Rodrigues Souza Ribeiro - 2016 - parte 1.pdf: 17763625 bytes, checksum: 452d0673b2f69c9355ffa27826677de7 (MD5) Tese - Marcelo Rodrigues Souza Ribeiro - 2016 - parte 2.pdf: 18452916 bytes, checksum: 25df9d4e0752a9245b2b8431b686819d (MD5) Tese - Marcelo Rodrigues Souza Ribeiro - 2016 - parte 3.pdf: 17100355 bytes, checksum: 4cce80dcf9db6ab7a144d627489984d5 (MD5) Tese - Marcelo Rodrigues Souza Ribeiro - 2016 - parte 4.pdf: 18172859 bytes, checksum: af0ff4f4ac5c0a31d004c313b54b1318 (MD5) Tese - Marcelo Rodrigues Souza Ribeiro - 2016 - parte 5.pdf: 6057501 bytes, checksum: 771b028e9f81cb0c6e67c7d1f49bfb35 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2016-05-17 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / This thesis interrogates the relation between film and human rights, based upon a fundamentally theoretical and conceptual approach whose ultimate goal is the openning of a broader research program: the elaboration of what I call a cosmopoetic atlas. Historically, the main modes of relation between film and human rights consist in the uses of images as documents to denounce violations and as part of the work of memory which surrounds those violations. In this kind of context, film takes part in the construction of an archive of evil, against which the “conscience of mankind” declares the principles of universal dignity of the cosmopolitical project of human rights. At the same time, film takes part in the construction of an archive of the common, in which the principles of human rights take up sensible forms. While interrogating the problem of the becoming-sensible of the “conscience of mankind”, one must acknowledge that one of the recurring motifs of the relation between film and human rights consists in the theme of the unimaginable and the problem of the missing images. Introduced through the reading of the 1948 Universal Declaration of Human Rights, the historical and paradigmatic example of the images picturing the Nazi camps and concentrationary experience rises up to a prominent place among the several studied objects, in an analysis of the archiving process of the camps’ images as sensible evidences of the unimaginable and of the forms of montage of the camps’ images as attempts at thinking their meanings and constructing the archive of their memory. While the fiction of Samuel Fuller and Orson Welles, for instance, tends to revisit the archive and to reorganize its elements following plots and interests which do not belong to the original contexts of the images, the documentary of Claude Lanzmann, for instance, finds its impulse in the refusal or, more precisely, in the denegation of the archive. Between the fictional rearchiving and the denegation, some experimental possibilities of remontage of the archive emerge, based upon the anarchivic openness which destructures and reorganizes its images, in films by Alain Resnais, Mikhail Romm and Jean-Luc Godard. Just as the cosmopolitical project of human rights depends on the becoming-sensible of the “conscience of mankind” for its universal dissemination, juridical concepts such as “genocide” or “crime against humanity” find one of their privileged forms of sensible inscription in film images. / Esta tese interroga a relação entre cinema e direitos humanos, com base em uma abordagem fundamentalmente teórica e conceitual que tem como objetivo último a abertura de um programa mais amplo de pesquisa: a elaboração do que denomino atlas cosmopoético. Historicamente, os principais modos de relação entre cinema e direitos humanos consistem nos usos de imagens como documentos para denunciar violações e como parte do trabalho de memória em torno dessas violações. Nesse tipo de contexto, o cinema participa da construção de um arquivo do mal, contra o qual a “consciência da humanidade” declara os princípios de dignidade universal do projeto cosmopolítico dos direitos humanos. Ao mesmo tempo, o cinema participa da construção de um arquivo do comum, no qual os princípios dos direitos humanos assumem forma sensível. Ao interrogar o problema do devir- sensível da “consciência da humanidade”, é preciso reconhecer que um dos motivos recorrentes da relação entre cinema e direitos humanos consiste no tema do inimaginável e no problema das imagens que faltam. Introduzido a partir da leitura da Declaração Universal dos Direitos Humanos de 1948, o exemplo histórico paradigmático das imagens dos campos nazistas e da experiência concentracionária assume um lugar central entre os diversos objetos estudados, numa análise do processo de arquivamento das imagens dos campos como evidências sensíveis do inimaginável e das formas de montagem das imagens dos campos como tentativas de pensar seus sentidos e de construir o arquivo de sua memória. Enquanto a ficção tende, com Samuel Fuller e Orson Welles, por exemplo, a revisitar o arquivo e a reorganizar seus elementos em função de narrativas e de interesses alheios aos contextos originários das imagens, o documentário encontra na denegação do arquivo o seu impulso, como evidencia a obra de Claude Lanzmann. Entre o rearquivamento ficcional e a denegação, emergem possibilidades experimentais de remontagem do arquivo, com base na abertura anarquívica que desestrutura e reorganiza suas imagens, em filmes de Alain Resnais, Mikhail Romm e Jean-Luc Godard. Assim como o projeto cosmopolítico dos direitos humanos depende do devir-sensível da “consciência da humanidade” para sua disseminação universal, conceitos jurídicos como “genocídio” e “crime contra a humanidade” encontram nas imagens cinematográficas uma de suas formas privilegiadas de inscrição sensível.

O texto é uma análise acerca dos sentidos atribuídos ao tema trabalho difundidos pelos meios de comunicação, utilizando, como recorte destes, o cinema. Trata-se de um estudo sobre como o trabalho é representado e quais as percepções reveladas acerca de suas transformações decorrentes de mudanças nos modos de produção, ocasionando diferentes formações sociais ao longo do tempo. / This text is an analysis about the meanings conferred to the theme \"work\" by the communication mediums, using, for this analysis, the cinema. It is a study about how work is represented and which are the perceptions revealed about its transformations due to changes in the methods of production, resulting different social formations from time to time.