Ce mémoire de maîtrise propose des outils d’analyse permettant de souligner la cohérence harmonique du langage de Franz Schubert, en particulier dans les œuvres tardives de sa production. L’analyse d’un corpus incluant principalement sa musique de chambre, ses sonates pour piano et une sélection de lieder, nous a permis d’observer des constantes dans le discours harmonique du compositeur. Confrontée à la fois à la richesse de l’écriture tonale de Schubert et aux limites d’un mémoire de maîtrise, nous avons été amenée à concentrer notre étude sur deux traits caractéristiques de son style harmonique, soit le majeur-mineur et sa pratique modulatoire. D’une part, la typologie des emplois du majeur-mineur développée dans ce travail permet de préciser la nature des différents phénomènes s’y rapportant, tout en soulignant l’importance structurelle qu’ils occupent au sein de la forme. Ainsi, nous avons identifié trois types d’emploi de l’interchangeabilité des modes majeur et mineur : l’ornementation à l’intérieur d’un accord (coloration), l’emprunt d’accords au mode opposé à l’intérieur d’une unité structurelle harmonique (mode mixte), et le changement de modes entre deux unités structurelles harmoniques successives (opposition de modes). D’autre part, les mécanismes modulatoires expliqués dans ce mémoire, soit l’emploi du majeur-mineur lors de l’accord pivot, l’altération de la fonction VII ainsi que l’utilisation de dominantes contrariées, entraînent un accroissement de la tension tonale en reliant des zones très éloignées entre elles et agissent comme marqueurs formels dans les œuvres du compositeur. Les mécanismes présentés dans ce mémoire permettent ainsi de préciser la logique harmonique qui sous-tend les œuvres de Schubert, en mettant en valeur l’interaction entre la microstructure et la macrostructure. / This master’s thesis provides analysis tools to highlight the internal consistency of Schubert’s harmonic language, especially in his late works. The analysis of a corpus including mainly his chamber music, his piano sonatas, and a selection of lieder, reveals some constants in the composer’s harmonic organization. Confronted with both the richness of Schubert’s tonal writing and the limits of a master’s thesis, I have chosen two characteristic features of his harmonic style for study : his use of major-minor harmonies and his modulatory practice. First, the typology of the major-minor usages developed in this thesis allows for the specification of the nature of different phenomena related to them, while emphasizing their structural importance in the form. Thus, three types of application of the interchangeability of major and minor modes are identified: ornamentation within a chord (colouration), borrowing of chords from the opposite mode inside a harmonic structural unit (modal mixture), and modal shift between two successive harmonic structural units (mode opposition). Furthermore, the modulatory mechanisms explained in this thesis including the use of major-minor at pivot chords, chromatically altered VII chords, as well as the use of what Serge Gut identifies as « dominantes contrariées » cause an increase in tonal tension by linking remote tonalities and act as formal markers in the works of Schubert. The mechanisms presented in this thesis advance our understanding of the harmonic logic that underlies Schubert’s works by drawing attention to the interaction between microstructure and macrostructure.

This working paper is part of a larger research project on emerging visualities and imaginaries of living together in plurality and on equal terms. Against the background of growing majoritarianism in India and the normalization of violence against religious minorities and marginalized communities, the search for new visual forms and aesthetic means to counter increasing divisiveness and conflict has acquired exceptional urgency. It is a search pursued by many and in multiple directions, occasionally even in the realm of marketing and advertising which is the focus of this article. The larger project considers documentaries, fictional films and transmedia interventions in order to understand how different actors seek to create new visualities that are markedly different from earlier form(at)s used to visually mediate the normative project of political secularism for many decades, but nevertheless draw on the idea that secularity is a mode of living together and socially interacting in plural societies.

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La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université́ de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / Ce mémoire est une analyse de mon langage musical à travers trois œuvres récentes composées entre 2011 et 2013. Il présente une analyse en détail de trois compositions d’instrumentations différentes : - Akme, pour piano seul - Les Yeux d’une fille dans un cimetière, pour piano, violon, violoncelle, flûte et clarinette - Epitafe, pour orchestre Avec des exemples musicaux tirés de ces trois compositions, j’étudie plusieurs volets de mon approche de la composition musicale, notamment les influences extra-musicales, la forme, la mélodie, l’harmonie et l’orchestration. En guise d’introduction, on retrouve également un chapitre qui traite de la place que les influences extra-musicales, la forme et la métrique occupent dans mon travail en général. / This memoir is a musical analysis of my musical language through the study of three of my recent works that were composed between 2011 and 2013. It presents a detailed analysis of three compositions of varied instrumentation : - Akme, for solo piano - Les Yeux d’une fille dans un cimetière, for piano, violin, cello, flute and clarinette - Epitafe, for orchestra With musical examples taken from these works, I study various components of my approach to musical composition such as extra-musical influences, form, melody, harmony and orchestration. As introduction to these studies, we find a chapter that speaks of the role that extra-musical influences, form and musical time holds in my work as a composer in general.

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la bibliothèque de musique de l'Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU) / Ce mémoire présente les résultats de mes deux années d’études à la maîtrise en composition instrumentale à l’Université de Montréal. J’ai concentré mes recherches sur l’intégration du synthétiseur dans la musique de concert instrumentale, en plus de tenter de développer un langage personnel, en particulier en ce qui a trait à l’harmonie et au rythme. Ce texte présentera une analyse de ces différents éléments, à travers l’étude du corpus d’œuvres composées en vue de ce mémoire. En ce qui concerne la recherche sur l’intégration du synthétiseur, il sera question de la relation entre cet instrument électronique et les instruments acoustiques traditionnels, que ce soit par opposition, fusion ou dialogue musical. De plus, les problématiques propres à cet instrument seront abordées (programmation des sonorités, interprétation, notation, etc.). / This masters thesis presents the results of my two-year study in musical composition at Université de Montréal. My research focused on developing an original and personal musical language, with an emphasis on harmony and rhythm. It focused also on the integration of the synthesizer in a traditional concert setting. This paper will analyze these elements by studying a body of pieces composed for this masters degree. Regarding the study of the synthesizer, this text will be about the relationship between this electronic instrument and the traditional acoustic instruments, whether it be opposition, blending to an ensemble or musical dialogue. Furthermore, some questions about this instrument will be addressed (patch programming, live interpretation, notation problems, and so on).

Ce mémoire fait état de ma démarche de compositeur à l'intérieur d'un cadre plus large qui inclue une démarche de direction. Croyant que ces disciplines vont de pair, j'ai consacré ma maîtrise à composer du matériel pour orchestre et pour chœur, deux ensembles qui exigent la présence d'un chef. Je pouvais ainsi approfondir ma connaissance de ces « instruments » à l'intérieur du cadre rigoureux offert par la Faculté de Musique de l'Université de Montréal. Parallèlement, mes activités de chef ont aussi eu une influence sur ma compréhension de ces ensembles et donc sur mon écriture. Ce travail récapitule donc le matériel que j'ai écrit pour ces ensembles, prenant soin de souligner à la fois où mon expérience d'écriture grandie, et où mon expérience de chef impacte mes choix de composition. / This work is about the composition part of a larger ambition that also includes conducting. Believing that those two disciplines are closely related, I took most of my time as a master's student composing for orchestra and for choir, two ensembles that require a conductor. This way I could deepen my understanding of those "instruments" with the help of rigorous teachers at Université de Montréal's music faculty. At the same time, my conducting activities also had an influence on my understanding of those ensembles therefore on my composition. This work goes through the material I wrote for those ensembles, pinpointing where I felt my experience as a composer was growing, and where my experience as a conductor influenced my composition choices.

(česky) Hlavním předmětem diplomové práce je nástin a charakteristika hudebního života a analýzy hudebních aktivit na dvoře Josefa Adama knížete ze Schwarzenbergu s teritoriálním zaměřením na oblast Českého Krumlova v období 2. poloviny 18. století jako příslušníka vyšších vrstev společnosti. Osvíceného knížete s hlubokým zájmem o společenský a umělecký život, štědrého mecenáše umění a především hudebního znalce a vynikajícího organizátora hudebního programu na svých panstvích. Jedním z úkolů je rovněž zachytit drobný příspěvek do problematiky studia šlechtické hudební kultury (období baroka a klasicismu) a socioekonomického okruhu s touto kulturou související či vzájemně se ovlivňující na konkrétním příkladě schwarzenberského dvora v souboru označovaném jako dechová harmonie. Společně s vývojem souboru dechové harmonie dojde ke stručné charakteristice divadelních aktivit a schwarzenberské hudební sbírky, úzce provázaných s hudebním provozem na dvoře Josefa Adama knížete ze Schwarzenbergu. Abstract (in English): The main aim of the diploma thesis is to provide characteristics of the musical life and analysis of the musical activities at the court of Prince Joseph Adam of Schwarzenberg, who belonged to higher society, with territorial focus in the area of Český Krumlov during the second half of the...

Cette recherche explore l’harmonie mise en œuvre par Jean-Philippe Rameau (1683-1764) dans ses tragédies en musique : Hippolyte & Aricie (1733, seconde version en 1742, troisième en 1757), Castor & Pollux (1737 et 1754), Dardanus (1739 et 1744), Zoroastre (1749 et 1756) et Les Boréades (1764). L’étude du parcours harmonique de chaque œuvre, sur la base d’un relevé exhaustif du corpus des partitions gravées, suscite l’invention de procédures d’aide à l’analyse traduites en algorithmes – les traités théoriques du compositeur étant employés à des fins d’interprétation des chiffrages écrits dans les partitions ; l’analyse est ainsi menée de façon exhaustive à toutes les échelles temporelles repérables, depuis le parcours tonal des ouvrages pris dans leur ensemble jusqu’au travail de détail de la rhétorique harmonique dans les dialogues. Par delà les découpages dramatiques (épisodes, répliques) ou spectaculaires (tableaux, changements), des modes de structuration proprement musicaux apparaissent, révélant une architecture harmonique des œuvres. Des exercices comparatifs entre les œuvres, entre leurs différentes versions et avec quelques ouvrages d’autres compositeurs complètent l’approche en isolant quelques traits caractéristiques du style singulier de Rameau. / Jean-Philippe Rameau (1683-1764) has left five tragédies en musique: Hippolyte & Aricie (1733, second version in 1742, third in 1757), Castor & Pollux (1737 and 1754), Dardanus (1739 and 1744), Zoroastre (1749 and 1756) and Les Boréades (1764). This research is devoted to the study of the harmony implemented by the composer in these works, seen through the homogeneous corpus of the engraved scores. To this purpose, algorithmic procedures have been developed to assist the exhaustive analysis of the five tragédies’ music – the composer’s theoretical writing serving as reference to understand the scores’ harmonic figures. The analysis has been carried at all temporal scales, from the characterization of the overall form to the detail of the harmonic rhetoric in dialogs. Beyond the dramatic or performative structures of the operas, the musical shaping reveals a harmonic architecture of each work. Comparisons between the tragédies or with works by other composers offer new insights on Rameau’s particular musical style.

Cette étude porte sur la notion de μέτρον dans l’antiquité grecque d’Homère à Aristote. Le μέτρον désigne la notion de mesure : il traverse à la fois l’histoire des idées et les différents domaines de la réflexion philosophique. Il est question de déterminer la signification et la fonction de la mesure dans la pensée philosophique. Dans un premier temps, l’étude entreprend la détermination de la notion éthique et pratique de la « juste mesure » dans la pensée archaïque, de la poésie archaïque (Homère, Hésiode) aux Sept sages et à la poésie élégiaque (Solon et Théognis). Ensuite, elle entreprend de montrer comment la « mesure » s’est élevée à une fonction scientifique grâce au développement mathématique. Par ce développement, la notion de « mesure » est intégrée à la rationalité (λόγος) et à l’étude de la physique par les premiers philosophes présocratiques (Milésiens, Pythagoriciens, Héraclite et Parménide) : la « mesure » est appliquée au temps et à l’espace dans l’étude de l’univers. Puis, la notion de mesure est intégrée par Platon qui fait du μέτρον une idée centrale de sa pensée philosophique comme notion éthique, épistémologique et métaphysique. Il développe une conception de la « mesure » qui tente de répondre au relativisme hérité de la sophistique (Protagoras et Gorgias). Enfin, l’étude se clôt sur un examen de la fonction du μέτρον dans la métaphysique, la physique et l’éthique d’Aristote. / This study is concerned with the notion of μέτρον in Greek Antiquity from Homer to Aristotle. This notion means the « measure ». Mέτρον is a term which goes across in the same time the History of Ideas and the different domains of the philosophical thought. So the question is the determination of the meaning and function of μέτρον. In the first time, the study undertakes the determination of the ethical and practical notion about the « due measure » in the archaïc thought, from archaïc poetry (Homer, Hesiod) to Seven Wise Men and Elegy (Solo and Theognis).Then, the study undertakes to show how the « measure » is elevated to a scientifical function thanks to the mathematical development. By this development, the notion of « measure » is integrated in the rationality (logos) and study of the Physics by the first Presocratic Philosophers (Milesians, Pythagoreans, Heraclitus and Parmenides) : the « measure » is applicated to the Time and Space in Universe. Then, Plato makes metron a central notion of his philosophical thought as an ethical, epistemological and metaphysical term. He develops his own conception of « measure » against the relativism of the measure inherited from the sophistic (Protagoras and Gorgias). Finally, this study is closed on an examen about the function of μέτρον in Aristotle’s Metaphysics, Physics and Ethics.