Este trabalho registra criticamente a experiência de implantação e coordenação do Projeto Teatro Vocacional do Departamento de Teatro da Secretaria Municipal de Cultura de São Paulo, entre os anos de 2001 e 2004. Para tanto, analisa alguns princípios de ação, abordando pressupostos teóricos e práticos. Orienta esta análise a avaliação dos fatores envolvidos na efetivação da proposta artístico-pedagógica do Projeto, principalmente no que concerne ao processo de apropriação pelos artistas vocacionados dos meios de produção estética - através da articulação do discurso cênico-, a partir de uma pedagogia emancipatória e visando a ocupação do espaço público. Nossa principal suposição é de que estes objetivos podem ser alcançados através do entendimento de uma atitude épica/dialética em relação à matéria cênica. / This paper critically records the experiment of implanting and coordinating the Projeto Teatro Vocacional do Departamento de Teatro da Secretaria Municipal de Cultura de São Paulo from 2001 to 2004. For that, it analyses action principles approaching theoretical and practical assumptions. This analysis is guided by the assessment of factors involved in the effectiveness of the projects artistic and pedagogical proposal, mainly in that it regards the process to be held by the called artists in the aesthetic production field through the articulation of a scenic speech from an emancipating pedagogy and aiming the occupation of the public space. It is strongly believed that these goals can be achieved through the understanding of an epic and dialectic attitude concerning the scenic topic.

Este trabalho registra criticamente a experiência de implantação e coordenação do Projeto Teatro Vocacional do Departamento de Teatro da Secretaria Municipal de Cultura de São Paulo, entre os anos de 2001 e 2004. Para tanto, analisa alguns princípios de ação, abordando pressupostos teóricos e práticos. Orienta esta análise a avaliação dos fatores envolvidos na efetivação da proposta artístico-pedagógica do Projeto, principalmente no que concerne ao processo de apropriação pelos artistas vocacionados dos meios de produção estética - através da articulação do discurso cênico-, a partir de uma pedagogia emancipatória e visando a ocupação do espaço público. Nossa principal suposição é de que estes objetivos podem ser alcançados através do entendimento de uma atitude épica/dialética em relação à matéria cênica. / This paper critically records the experiment of implanting and coordinating the Projeto Teatro Vocacional do Departamento de Teatro da Secretaria Municipal de Cultura de São Paulo from 2001 to 2004. For that, it analyses action principles approaching theoretical and practical assumptions. This analysis is guided by the assessment of factors involved in the effectiveness of the projects artistic and pedagogical proposal, mainly in that it regards the process to be held by the called artists in the aesthetic production field through the articulation of a scenic speech from an emancipating pedagogy and aiming the occupation of the public space. It is strongly believed that these goals can be achieved through the understanding of an epic and dialectic attitude concerning the scenic topic.

O objetivo desta tese é tratar da poesia de Joaquim de Sousândrade (1832-1902) como invenção no âmbito das práticas literárias da estética romântica do século XIX. Em especial serão estudados os seus processos de estilização e revisão crítica dos modelos da tradição literária do gênero épico. Ao longo do trabalho, será analisado o poema narrativo O Guesa (1888), eleito como representativo de uma perspectiva distinta do romantismo nacionalista brasileiro acerca do trabalho do poeta em relação às formas e aos gêneros poéticos. Nele pode ser observada a dissolução da noção de gênero épico, tal como na tipificação presente em preceptivas poéticas anteriores ao romantismo, possibilitando a produção de uma obra original. A narração de O Guesa assimila características do gênero épico e, no entanto, não pode ser classificada como tal, uma vez que apresenta elementos que não estão previstos na preceptiva desse gênero. É importante ressaltar que esse poema não sugere uma tentativa de reabilitação do gênero épico, mas como será estudado mais a fundo o poeta engendra uma nova organicidade formal, que assimila a riqueza das formas poéticas prescritas nas doutrinas antigas e as articula com os procedimentos da estética romântica, sobretudo aqueles que como as quais dialoga. Logo, é preciso iniciar-se nos usos das categorias estéticas que conferem significação e sentido aos termos românticos gênio, sublime, fragmento, entre outros, na época de Sousândrade, visto que favorecem a criação artística baseada em critérios teóricos expressivos, diferentes dos preceitos normativos das artes poéticas que regulavam a imitação nas obras dos antigos. Ressalta-se que, em Sousândrade, o emprego dessas categorias estéticas na concepção de sua obra tem papel fundamental, permitindo ao poeta a experimentação com os gêneros literários que a torna distinta da produção poética de outros poetas românticos brasileiros. / This dissertation aims at portraying the poetry of Joaquim Sousândrade (1832-1902) as a creation in the field of literary practices in the 19th century Romantic aesthetic. His stylization processes and critical revision on models of literary tradition from the epic genre will be particularly studied. Along the work, the narrative poem The Guesa (1888) will be analyzed which is considered representative of a distinct perspective from Brazilian Romantic Nationalism referring to the poets work related to forms and poetic genres. It can observed a dissolution of the notion from the epic genre, as such the classification in poetic precepts previous to Romanticism, enabling the creation of an original work. The narration of The Guesa assimilates characteristics of the epic genre; however, it cannot be classified as such, as it features elements that are not provided in the perceptive of that genre. Importantly, The Guesa does not suggest an effort to rehabilitate the epic genre; but as it will be studied further the poet engenders a new formal organicity that assimilates the beauty of prescript poetic forms in old doctrines and articulates them with Romantic aesthetic procedures, especially those that need a start in the use of aesthetic categories that give meaning and sense to the Romantic terms genius, sublime, fragment, among others, at the time of Sousândrade. Such terms may favor artistic creation based on significant theoretical criteria, different from normative precepts of poetic arts that used to regulate imitation in works of the Ancients. It is important to emphasize that, in the work of Sousândrade, the use of those aesthetic categories during the conception of his work has an essential role, allowing the poet to make experiences with literary genres that make it distinct from the poetic creation of other Brazilian Romantic poets.

A presente dissertação examina a transposição da biografia para o palco em três peças do autor irlandês Thomas Kilroy: Double Cross (1986), The Secret Fall of Constance Wilde (1997) e My Scandalous Life (2004), analisando o modo como o dramaturgo adaptou os registros históricos para a linguagem teatral e explorou as lacunas biográficas por meio de elementos ficcionais; e de que forma foram empregados os recursos épicos na forma dramática. Double Cross baseia-se em duas figuras históricas, Brendan Bracken e William Joyce, que atuaram em lados opostos durante a Segunda Guerra Mundial. The Secret Fall of Constance Wilde transpõe para o teatro episódios da vida de Constance, esposa de Oscar Wilde. O monólogo My Scandalous Life retoma a personagem Lord Alfred Douglas, presente em The Secret Fall of Constance Wilde. / The present dissertation examines the transposition from biography to stage in three plays by Thomas Kilroy: Double Cross (1986), The Secret Fall of Constance Wilde (1997) e My Scandalous Life (2004), analyzing how the Irish playwright adapted the historical records for theatrical language and filled in the biographical gaps through fictional elements; and how epic features were used in dramatic form. Double Cross is based on two historical figures, Brendan Bracken and William Joyce, who were on opposite sides during the Second World War. The Secret Fall of Constance Wilde transposes events of Constances life, Oscar Wildes wife, to the stage. The monologue My Scandalous Life concentrates on Lord Alfred Douglas, also present in The Secret Fall of Constance Wilde.

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2017-01-10T11:33:08Z No. of bitstreams: 1 Aurélio Costa Rodrigues.pdf: 1261237 bytes, checksum: 59cb18a428cfce5f6307d4d6e0d3648e (MD5) / Made available in DSpace on 2017-01-10T11:33:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Aurélio Costa Rodrigues.pdf: 1261237 bytes, checksum: 59cb18a428cfce5f6307d4d6e0d3648e (MD5) Previous issue date: 2016-12-16 / The purpose of this work is to look at the theatrical text of a little known author: Timochenko Wehbi (1946-1986). Because of this, the first part of this paper offers an overview of the author and his production. In the second part, we present the main ideas about the piece Clowns, so that it is possible to glimpse the general construction of the plot and the constitution of the characters. In the third part, we point out the possible links of his writing with epic elements of Brechtian bases. Timochenko Wehbi wrote his texts in the 1970s-80s, within a historical period with demarcated characteristics, and the piece Clowns is from the beginning of 1970, ie, his beginning as a writer. From the very first, he wrote from a foundation that we could treat as sociologically oriented, first because of his academic background - he was a sociologist and teacher in the field - which seems to have determined his interest in certain characters and the way of Treat them. Second, his interest in theater sociology and by Brecht tends to reinforce certain inclinations and direct elements that are inscribed in his texts, making possible to connect his creation with postulates of the Brechtian epic. We must emphasize that there are no studies on the author's text, which obliges us to deal with his production without starting from previous formulations that can serve as a consistent critical basis, except for newspapers of the period, which are generally quite generic / Este trabalho tem por propósito lançar o olhar sobre o texto teatral de um autor pouco conhecido: Timochenco Wehbi (1946-1986). Por conta disso, a primeira parte deste escrito oferece uma panorâmica sobre o autor e sua produção. Na segunda parte, apresentamos as ideias principais a respeito da peça Palhaços, de modo que seja possível vislumbrar a construção geral do enredo e a constituição das personagens. Na terceira parte, apontamos as possíveis vinculações de sua escritura com elementos épicos de bases brechtianas. Timochenco Wehbi escreveu seus textos nas décadas de 1970-80, dentro de um período histórico com características demarcadas, e a peça Palhaços é do princípio de 1970, ou seja, de seu principiar como escritor. Desde o primeiro momento, ele escreveu a partir de uma base que poderíamos tratar como sociologicamente orientada, primeiro por conta de sua formação acadêmica – ele era sociólogo e professor na área –, o que parece ter determinado seu interesse por certas personagens e a maneira de tratá-las. Em segundo lugar, seu interesse por sociologia do teatro e por Brecht tende a reforçar determinadas inclinações e direcionar elementos que se inscrevem em seus textos, possibilitando ligar sua criação com postulados da épica brechtiana. Devemos destacar que não há estudos sobre o texto desse autor, o que nos obriga tratar de sua produção sem partir de formulações anteriores que possam nos servir de base crítica consistente, salvo as de jornais da época, que no geral são bastante genéricas

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2017-07-11T12:46:41Z No. of bitstreams: 1 Luciana Moura Barreto.pdf: 2966425 bytes, checksum: 0b98d971d7f505cb9ce14840bb743e73 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-07-11T12:46:41Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Luciana Moura Barreto.pdf: 2966425 bytes, checksum: 0b98d971d7f505cb9ce14840bb743e73 (MD5) Previous issue date: 2017-06-26 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / The main purpose of this study is to analyse the different method executions from Brecht in the cinema. This concerns more particularly on finding the strangeness effect, as proposed in Brechtian epic theatre, in the context of the following group of cinematographic achievements scripted by the playwright himself: Zeitprobleme:wie der Arbeiter wohnt (1930; How the berliner worker lives), by Slatan Dudow, Kuhle Wampe oder: Wem gehort die Welt? (1932; Kuhle Wampe or Who owns the worls?) by Slatan Dudow and Hagmen also die! (1943) by Fritz Lang. The theoretical references are from Brechtian doctrinaire along his main enshrined studies, for instance, those studies proposed by playwrights like Fredreric Ewen, Walter Benjamin, Frederic Jameson and, in Brazil, Gerd Bornheim and Fernando Peixoto. In addition to this first theoretical position about theory of cinema and works of filmic analysis, such as Eisenstein, Robert Stam, Jacques Aumont, Laurente Jullier, Michel Marie, Michèle Lagny and, in Brazil, Ismail Xavier. It will be considered theatrical elements which are part of the studied filmography as well as text, music, players acting, scenario, clothing, camera angle and installation, trying to highlight the existence of Brechtian methodology in these film productions / Esta pesquisa tem como principal objetivo analisar as diferentes execuções do método de Brecht no cinema. Trata-se mais especificamente de reencontrar o efeito do estranhamento, tal como foi proposto no teatro épico brechtiano, no âmbito do seguinte conjunto de realizações cinematográficas roteirizadas pelo próprio dramaturgo: Zeitprobleme:wie der Arbeiter wohnt (1930; Como vive o trabalhador berlinense), de Slatan Dudow, Kuhle Wampe oder: Wem gehort die Welt? (1932; Kuhle Wampe ou A quem pertence o mundo?) de Slatan Dudow e Hagmen also die! (1943; Os carrascos também morrem!) de Fritz Lang. Os referenciais teóricos contemplados vão dos textos doutrinários brechtianos aos principais estudos que lhes foram consagrados, a exemplo daqueles propostos por autores como Fredreric Ewen, Walter Benjamin, Frederic Jameson e, no Brasil, Gerd Bornheim e Fernando Peixoto. Acrescentam-se a esta primeira frente teórica trabalhos sobre teoria do cinema e obras de análise fílmica, a exemplo daqueles propostos por Eisenstein, Robert Stam, Jacques Aumont, Laurente Jullier, Michel Marie, Michèle Lagny e, no Brasil, Ismail Xavier. Serão analisados elementos cênicos que compõem a filmografia pesquisada, a saber: texto, música, atuação dos atores, cenário, indumentária, ângulo de câmera e montagem, que tentem evidenciar a existência do método brechtiano nessas produções cinematográficas

Esta tese investiga a obra do autor português Gonçalo M. Tavares, Uma Viagem à Índia (2010), texto que encarna uma dupla possibilidade de leitura: a de uma narrativa versificada, (anti)épica; e, a de um conjunto de pequenos poemas líricos organizados pelo instrumento visual contido no final do livro. Tavares subverte a forma épica em um movimento que, ao mesmo tempo em que recorre ao modelo épico na origem da literatura, também nos remete a uma temporalidade pósmoderna, pós-figurativa e pós-representativa, num arranjo estético e temático bastante contemporâneo. A temática extraída deste corpus de investigação é a possibilidade de sobrevivência do modelo épico na literatura de viagem contemporânea. Tavares, ao estabelecer profunda intertextualidade com Os Lusíadas, joga com a forma híbrida e inacabada do romance, convertendo-o num longo poema narrativo, mas também numa lírica breve e numa extensa profusão aforística, mapeados ao final da obra por meio de uma interessante invenção paratática. Este instrumento visual “ilumina” a feitura textual épica fragmentada em lírica, garantindo a sua “sobrevivência”, conceito tomado de Georges Didi-Huberman em sua obra Sobrevivência dos vaga-lumes (2011). Tal subversão, ocorrida no interior da épica, forma poética seminal e grandiloquente – portanto, uma forma poética “maior” –, imputa-lhe um índice subversivo que a “minoriza”, isto é, torna-a uma “poética menor” no contemporâneo, movimento este semelhante ao teorizado por Deleuze & Guattari em Kafka por uma literatura menor (1975). / This thesis investigates the work of the Portuguese author Gonçalo M. Tavares, Uma Viagem à Índia (2010). This text embodies a double possibility of reading: that of a (anti)epic versified narrative; and that of a set of small lyric poems organized by the visual instrument presented at the end of the book. Tavares subverts the epic form in a movement that, while appealing to the epic model in the origin of literature, also refers to a postmodern, postfigurative and post-representative temporality, in a very contemporary aesthetic and thematic arrangement. The thematic extracted from this corpus of investigation is the possibility of survival of the epic model in the contemporary travel literature. Tavares, by establishing deep intertextuality with Os Lusíadas, plays with the hybrid and unfinished form of the novel, making it in a long narrative poem, but also in a brief lyric and an extensive aphoristic profusion, charted at the end of the work through an interesting paratactic invention. This visual tool "illuminates" the fragmented epic textual making in lyric, ensuring its "survival", concept taken from Georges Didi-Huberman in his work Sobrevivência dos vaga-lumes (2011). Such subversion, occurring within the Epic, a seminal and grandiloquent poetic form - therefore a "major" poetic form - impute to it a subversive index that "minorizes" it, that is, makes it a "minor poetic" in the contemporary. This movement is similar to the theorized by Deleuze & Guattari in Kafka por uma literatura menor (1975).

O presente estudo volta-se para a construção estética do drama documental O Inferno (1967) de Bernardo Santareno. Esta peça tem por argumento outra peça, de fato encenada empiricamente nas barras de um tribunal do júri que, em 1966, acusa, julga e condena os réus Ian Brady e Myra Hindley, etiquetados pelas mídias por \"amantes diabólicos\". Ambos foram protagonistas de malfadados sucessos ocorridos na Grã-Bretanha, daquela época. Com zelo cruel, eles assassinaram o adolescente homossexual Edward Evans, de 17 anos, e duas crianças: uma judia Lesley Ann Downey de 10 anos e, outra negra John Kilbride de 12 anos. Que forças teriam, pois, motivado esse fatídico casal inglês a cometer tais atrocidades? Essa pergunta animou a enunciação das mídias inglesas, que exploraram à farta esses episódios no fito de noticiar espetacularmente os fatos empíricos. Assim, na medida em que as histórias sobre as perversidades macabras dos \"nascidos para matar\", Ian Brady e Myra Hindley, eram divulgadas, acendia-se a comoção e o clamor da opinião pública, que recobriu essas figuras com a película da monstruosidade. Esse processo de patemização ajudou a tingir os fatos empíricos com a coloração ideológica, que deles abstraiu o caráter histórico-social e circunstancial do fenômeno. Será, portanto, navegando a contrapelo da patemização midiática e, ao mesmo tempo, incorporando-o de forma paródica que Santareno reconstruirá, em O Inferno, o julgamento dos ilustres amantes Moors Murderers. Dessa maneira, um dos interesses deste estudo é compreender as relações estabelecidas entre o fato empírico e o processo de modelização semiótica por ele sofrido ao ser apropriado pelas mídias. Outro elemento a permitir a interpretação dessa apropriação - forte influenciadora da transformação do casal de amantes em mito na sociedade unidimensional - é a (re)contextualização crítica do mito de Orfeu e Eurídice, de modo que se buscará analisar essa (re)contextualização a partir da leitura dos MoorsMurderers em chave mítica, bem como a persistência desse topos literário na tradição artística ocidental. Por último, pretende-se estudar a construção estética da peça e suas raízes em determinadas convenções estéticas e coordenadas históricas, somadas ao seu cariz metateatral, considerando que os trabalhos do tribunal do júri são reconfigurados, em O Inferno, como uma encenação forense de um drama positivista/naturalista, que enreda e contém outras formas dramáticas, literárias e sociais. As chaves teóricas mestras para a realização deste trabalho são as teorias da linguagem (lingüístico-literária) do Círculo de Mikhail Bakhtin, especialmente no que concerne às concepções dialógica e social da linguagem, associadas aos conceitos de dialogismo, modelização semiótica, polifonia e carnavalização. Acrescenta-se, também, a esse escopo teórico alguns dos postulados teóricos de Theodor Adorno e Horkheimer, de Guy Debord e de outros que discutem a onipresença e o papel das mídias na sociedade unidimensional, assim como os postulados teóricos de Peter Szondi a respeito do drama como forma teatral. / This research has set out to investigate the aesthetic construction of the documental drama O Inferno (1967), by Bernardo Santareno. The plot of this play is based on another play that has in fact been empirically staged in the bars of a jury court, which, in 1966, accuses, judges and condemns the defendants Ian Brady and Myra Hindley, labeled by the media as the \"diabolic lovers\". Both of them were the protagonists of unlucky happenings occurred in the Great Britain of that time. With cruel care, they murdered Edward Evans, a 17-year-old homosexual adolescent, and two children: one black, Lesley Ann Downey, 10 years old, and the other Jewish, John Kilbride, 12 years old. What forces would have, then, motivated this fatidic English couple to commit such atrocities? This question enlivened the English media headlines that intensely explored these episodes; with the purpose of spectacularly inform the empirical facts. Thus, as the stories about the macabre perversity of the \"born to kill\", Ian Brady and Myra Hindley were spread, people were filled with commotion and the clamour of the public\'s opinion re-covered these characters with a pellicle of monstrosity. This pathos-driven process helped to dye the empirical facts with the ideological colours that abstracted the historical-social and circumstantial characters of the phenomenon. It will be, therefore, by sailing against the pathos-driven media, and, at the same time by incorporating it in a parodic manner that Santareno shall reconstruct, in O Inferno, the judgment of the illustrious lovers Moors Murderers. In this way, one of the interests of this study is to understand the established relationships between the empirical fact and the semiotic modelization process suffered by such fact when appropriated by the media. Another element to permit the interpretation of such appropriation -strong influencer of the lovers transformation into a myth in the one-dimensional society - is the critical (re)contextualization of the myth of Orpheus and Euridice. Thus, it will be attempted to analyse such (re)contextualization from the mythical key reading of Moors Murderers, as well as the persistence of such literary topos within the artistic western tradition. Finally, it is intended to investigate the aesthetic construction of the play and its roots in specific aesthetic conventions and historical co-ordinations, added to its metatheatre complexion, considering that the work of the Jury Court is reconfigured in O Inferno as a forensic acting of a positivist/naturalist drama that elaborates and contains other dramatic, literary and social forms. The theoretical master keys for the accomplishment of this work are the language theories (linguistic-literary) from the Mikhail Bakhtin?s Circle, specially in respect to the dialogic and social concepts of language, associated to the concepts of dialogism, semiotic modelization, polyphony and carnivalization. It is added to this theoretical skopos some of the theoretical postulations of Theodor Adorno and Horkheimer, Guy Debord and of others who discuss the omnipresence and the role of media in the one-dimensional society, as well as the theoretical postulations of Peter Szondi in respect to drama as a theatrical genre.

Este estudo pretende levantar as influências contidas na trilogia de Folheto de Cordel de Chico de Assis. Para tanto combinou a pesquisa sobre o folheto de cordel de modo geral com o estudo da formação do Teatro de Arena, do Seminário de Dramaturgia (SEMDA) conduzido pelo então diretor do grupo Augusto Boal, ambos em São Paulo e, a fundação do CPC da UNE no Rio de Janeiro. O autor, além de ter passado por todas essas atividades como integrante ativo, escreveu os três textos durante esses período (1954-1964). Foi também levantado o aproveitamento das propostas contidas no teatro épico de Brecht, utilizadas nos dois primeiros textos da trilogia; O Teatamento do Cangaceiro e As Aventuras de Ripió Lacraia e, por fim o levantamento das características do terceiro texto, a comédia de costumes Farsa com Cangaceiro, truco e Padre (Xandú Quaresma), todos esses elementos criaram um referencial possível para a análise da trilogia, que vai dos nomes dos episódios à função da música no trabalho de entrelaçamento das peças. / This survey wishes to raise the influences gained in these sustained cheap literature (Cordel) trilogy. In order to produce, it combined a survey on Brazilian cheap (Cordel) literature in general, with the formation of Teatro de Arena and the Drama seminary (SEMDA) conducted by the director of the group Augusto Boal, in São Paulo. And, studying of the settlement of the CPC- da UNE foundation (Popular Cultural Center of National Students Union) in Rio de Janeiro. The author besides passing through all these actions as an active member, created the three plays during this period (1954-!964). At last, the utilization of the purposes enclosed in Brecht epic theatre, in the first two plays; O Testamento do Cangaceiro and As Aventuras de Ripió Lacraia. Also raised the main characteristics of the third play Farsa com Cangaceiro, truco and Padre, (Xandú Quaresma). All these elements created a possible condition to analyze the trilogy, which goes from the name of the episodes to the music function interlacing the work of the plays.

Análise interpretativa do texto dramatúrgico Mão na Luva (ou Corpo a Corpo - 1966), de Oduvaldo Vianna Filho (1936-1974). São analisados, entre outros aspectos, as rubricas que dizem respeito à estrutura temporal e ao recurso do play-back como índices da presença dos gêneros épico e lírico junto ao dramático; assim como buscamos identificar relações estéticas deste texto com peças de outros autores. / This work has, as its main goal, the interpretative analysis of the play Mão na Luva (or Corpo a Corpo - 1966), from Oduvaldo Vianna Filho (1936-1974). Among other aspects, we will analyze the rubricas about time structure and play-back as signals of epic and lyric genres presence, joined to the dramatic; as well as we will search for the esthetic relation between this play and other authors\' works.