Ce mémoire décrit une approche interdisciplinaire transposée à la composition musicale, s’appuyant sur le texte et les arts visuels, en passant par des principes humanistes. L’interdisciplinarité artistique est élaborée dans trois sections : premièrement, les arts visuels comme guide sonore explore les liens théoriques, esthétiques et philosophiques entre la musique et les arts visuels. Deuxièmement, la textualité à l’œuvre musicale élabore l’importance des mots et du langage comme guides aidant le compositeur et l’auditeur dans l’expérience musicale. Troisièmement, musique inclusive examine la musique folklorique et d’autres techniques de composition musicale avec l’intention de communiquer et de transmettre un message précis à l’auditeur. Ces trois idées sont ensuite appliquées dans une analyse détaillée de mes compositions musicales écrites dans le cadre de la maîtrise sous la supervision de Denis Gougeon. / This memoire describes an interdisciplinary approach to musical composition using text and visual arts based on the principles of humanism. Artistic interdisciplinarity is elaborated in three sections: Firstly, Visual Arts as a Sonic Guide explores the theoretical, esthetic, and philosophical connections between music and visual arts. Secondly, The Textuality of the Musical Work elaborates the importance of words and language to lead the composer and the listener within the musical experience. Thirdly, Inclusive Music examines folkloric music and other compositional techniques that possess the intention of communicating and transmitting a specific message to the listener. These three ideas are then applied in a detailed analysis of my musical compositions written during the frame of my master’s under the supervision of Denis Gougeon.

La façon dont les bandes sonores ont été abordées dans le cinéma péruvien au cours des dernières décennies a changé. Depuis l'apparition des techniques numériques de réalisation de films en 1996, les films ne suivent pas les mêmes conventions qui ont été établies durant la seconde moitié du XXe siècle. Cette étude vise à comprendre comment les musiques afro-péruviennes et créoles péruviennes traditionnelles ont été utilisée dans la bande originale des longs métrages commerciaux péruviens entre 1996 et 2015. Après l'observation de 113 des 146 films péruviens commercialisés au cours de cette période, les 13 films contenant de la musique afro-péruvienne ou créole traditionnelle ont été sélectionnés afin d'analyser leur bande sonore. Chaque analyse se concentre sur les aspects généraux du film, la musique diégétique et les chansons, le style et le concept, les techniques de composition et présente une évaluation de la bande sonore. La comparaison des résultats des analyses a montré que la façon dont la musique traditionnelle a été utilisée dans le cinéma péruvien a changé par rapport aux décennies précédentes et que certains modèles de son utilisation sont apparus. / The way soundtracks have been approached in Peruvian cinema during the last decades has changed. Since the apparition of digital filmmaking techniques in 1996, movies don’t follow the same conventions that were established during the second half of the 20th century. This study aims to understand how traditional Afro-Peruvian and Peruvian creole music has been used in the soundtrack of commercial Peruvian feature films between 1996 and 2015. Based on the observation of 113 of the 146 commercially released Peruvian films during this period, the 13 movies that contain traditional Afro-Peruvian or creole music were selected in order to analyse their soundtrack. Each analysis focuses on general aspects of the film, the source music and songs, the style and concept, the compositional techniques and presents an evaluation of the soundtrack. The comparison of the results from the analyses showed that the way traditional music has been used in Peruvian cinema has changed in relation to previous decades and that some patterns in its use have appeared.

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Ce mémoire porte sur le fruit de mon travail accompli lors de ma maîtrise en composition instrumentale de l’Université de Montréal. J’y présente mon approche poétique envers lacomposition où des expériences imaginées de paysages et de déroulements sont évoqués par des éléments musicaux. J’y discute également des méthodes que j’utilise pour parvenir aux agencements intervalliques afin de créer ces expériences. J’y traiterai aussi de ma nouvelle approche intervallique vis-à-vis la modalité à travers les modes multicycliques, la majorité de mon travail ayant été le développement de ce système. J’y aborderai ensuite les explorations hors mode dans des stades moins avancés, mais qui m’ont amené des solutions pour des procédés intervalliques moins réalisables dans un contexte strictement modal, à travers des traitements de cellules, des jeux d’intervalles purs et des sonorités provenant des idiomes folkloriques Européen de l’est, précisément des Balkans. Enfin, j’analyse également la forme de chaque œuvre composée lors de ma maîtrise en approfondissant davantage sur l’imaginaire extramusical qui détermine la forme ainsi que le caractère de chaque groupe thématique, y compris le choix du mode s’il y a lieu. / This memoir elaborates on the outcome of my work during my master's degree in the instrumental composition program of Université de Montréal. It begins with a presentation of my poetic approach towards composition, where experiences of landscapes and happenings within them are illustrated through musical devices. What follows is a discussion of all methods I apply to harness the power of intervals to create these experiences. A significant chapter will be devoted to a rather intervallic approach towards modality in the form of multicyclical modes, as most of my work of this master's degree focuses on development of their use. The next chapter focus on all my explorations outside the modal structures, which are at earlier stages of development but have already given me solutions to procedures that are less applicable in a strictly modal context. That includes the treatment of cells, working with just pure intervals and integration of colours derived from the folk traditions of Eastern Europe, more specifically the Balkans. Finally, there will be a chapter that analyzes every individual work included here while digging deeper into the extra-musical imagination behind every work, determining its form and the character of all the sections including the mode of choice if there is one.

Ce mémoire porte sur la convergence des compositeurs français Georges Migot (1891-1976) et André Jolivet (1905-1974) au cours des années 1930 sur le plan de leurs idées en esthétique musicale, de leur démarche compositionnelle, et de leur implication administrative sur la scène musicale parisienne. Ceci a pour but de mieux comprendre l’amitié spéciale entre Migot et Jolivet, mesurer son influence sur leurs personnalités musicales, observer son impact sur leur engagement commun au sein de la société de concert La Spirale, et, plus globalement, évaluer sa portée sur l’ensemble de la scène musicale française. Actuellement, Stravinsky, Ravel et le Groupe des Six prennent une grande place dans les histoires de la vie musicale française de l’entre-deux-guerres. Ultimement, cette étude cherche à favoriser une meilleure compréhension de la variété des manifestations musicales dans le Paris des années 1930. Le premier chapitre de ce mémoire examine les idées esthétiques respectives de Migot et Jolivet et discute leurs similitudes. Le deuxième chapitre se penche sur l’engagement des deux compositeurs au sein de la société de concert La Spirale (1935-1937). Relativement peu étudié, cet organisme est néanmoins connu pour avoir servi d’incubateur au groupe La Jeune France (1936-1942), une association réunissant Olivier Messiaen, Daniel-Lesur, André Jolivet et Yves Beaudrier. À travers l’examen des activités de La Spirale, ce mémoire propose non seulement une liste revue et corrigée de toutes les œuvres présentées dans ses concerts, mais rend également compte de la nature de l’engagement de Jolivet et Migot en son sein. Finalement, le troisième chapitre propose une analyse comparative d’une sélection de mouvements tirés de deux recueils pour piano solo de Migot et Jolivet, respectivement Le Zodiaque (1931-1932) et Mana (1935). Les analyses se concentrent sur les structures de hauteurs et l’organisation motivique (pratiques modales ou sérielles, constructions accordiques inspirées par la série des harmoniques, procédés motiviques) et sur les proportions temporelles. Dans certains mouvements, les événements structurels semblent être gouvernés par des notions mathématiques telles que le Nombre d’or ou les nombres de la suite de Fibonacci. / This Master’s thesis explores the convergences between the French composers Georges Migot (1891-1976) and André Jolivet (1905-1974) during the 1930s, in terms of their respective musical aesthetics, compositional techniques, and involvement in the Parisian music scene. The aim is to provide a clearer picture of the relationship between Migot and Jolivet, to evaluate its influence upon their musical ideas and shared interest in the development of the concert society La Spirale, and to assess its significance in the wider sphere of French music. Currently, music history of this period is saturated with writings on Stravinsky, Ravel, and the Groupe des six. This study seeks to provide a better understanding of the other various musical manifestations in 1930s Paris. The first chapter of this thesis consists of an examination of Migot and Jolivet’s respective aesthetics ideas and a discussion of their similarities. The second chapter explores a shared project of the two composers: the concert society La Spirale (1935-1937). While largely un-studied, this organization is known for having given rise to the group La Jeune France (1936-1942), an association formed by Olivier Messiaen, Daniel-Lesur, André Jolivet, and Yves Beaudrier, as the first three also took part in the executive of the former society. Through an exploration of La Spirale’s activities, this thesis not only provides a complete and revisited list of all works performed at its concerts, but also qualifies the involvement of Jolivet and Migot. Finally, this research will conclude with a comparative analysis of select movements from solo piano collections by Migot and Jolivet, Le Zodiaque (1931-1932) and Mana (1935), respectively. While Migot uses a more modal language to convey his lyrism, Jolivet employs an emancipated post-tonal idiom. This analysis will take into consideration pitch and motivic structure (modal and serial practices) and temporal sequences. Moreover, it will provide an examination of the use of the Golden Mean and the Fibonacci series in some pieces.

Dans la dernière décennie, la profonde mutation de l’industrie musicale québécoise impose aux artistes le renouvellement de l’offre à travers de nouveaux lieux virtuels désormais fréquentés par les consommateurs. Longtemps tenus à l’écart de la culture de masse, les artisans du rap québécois développent cependant depuis déjà plusieurs années des stratégies maximisant ces nouvelles possibilités offertes par le Web. La présente recherche met donc en lumière le rôle structurant joué par le numérique dans le développement du rap québécois alors que ses artistes n’ont eu d’autres choix que d’optimiser les outils de promotion et de diffusion alternatifs. En posant d’abord un regard sociohistorique sur l’articulation autonome du mouvement hip-hop dans la province, nous identifierons les raisons de sa marginalisation et le rôle qu’y ont joué les dispositifs virtuels. Nous nous pencherons ensuite sur la forte croissance des pratiques de consommation numériques des publics québécois depuis 2000, encore plus marquée chez les publics ayant démontré un goût pour le rap. Puis, nous étudierons les dynamiques communicationnelles qui se développent entre les rappeurs et leurs publics au sein des communautés Web. Ainsi, nous retracerons la construction d’activités alternatives au sein du réseau qui permet au rap de s’implanter au Québec. Nous serons alors en mesure de mieux comprendre les comportements novateurs qui permettent au genre de faire face aux défis actuels de l’industrie musicale de la province. / In the past decade, profound transformations of Quebec’s music industry forced artists to channel their service offer through new virtual spaces henceforth frequented by their audiences. For a long time, Quebec’s rap artists were excluded from mainstream culture and had no other choice but to work apart from the industry’s principal broadcasting channels. This resulted in the articulation of an autonomous network developed since the early 2000s in the virtual environment. This research therefore highlights the structuring role played by digital technology in the development of Quebec’s rap scene, while its artists have had no choice but to optimize alternative promotional and distribution tools. Going back on Quebec’s history of the hip-hop movement through its social dynamics, we will identify the reasons for its marginalization and the role that virtual apparatus have played in it. We will then study the strong growth of digital consumption practices by Quebec audiences since 2000, which has been even more marked among audiences who have demonstrated a taste for rap. In the end, we will look at the communicational dynamics developed between rappers and audiences within Web communities. Thus, we will trace the elaboration of alternative activities within the network that allowed rap to take root in Quebec. We will then be able to better understand the innovative digital behaviours that helped the genre to meet the current challenges of the province’s music industry.

Mémoire en recherche-création / Creative dissertation / Cette thèse de maîtrise traite du processus créatif et de la recherche qui y est associée afin de produire deux performances en direct dans le domaine de la musique électroacoustique. À l’aide de ces deux œuvres, mon intention était de concevoir une pratique artistique qui réunit plusieurs modes autour de la gestuelle et du son, influencée par des algorithmes. Une tentative approfondie d’extraire un processus de composition à partir des réactions de la matière en vibration englobe une grande partie de la recherche. Cette recherche découle de ma transition d’une pratique artistique basée sur la représentation (soucieuse des haut-parleurs, manettes et boutons) vers une pratique imprégnée par la performance (soucieuse de la transformation continuelle du son en relation avec les modulations de la matière). Tout au long de cette recherche, j’ai mené un examen approfondi des rythmes au-delà de la pure mesure de leurs expressions musicales, pour considérer les nombreuses notions du rythme qui se dévoilent dans les interactions quotidiennes de l’expérience vécue. Les micro-rythmes perçus par l’oreille comme des textures, les gestes répétitifs perçus par l’œil comme un mouvement linéaire et les rythmes observés lors de circonstances sociales communes, comme la cadence de la conversation sont, parmi les caractéristiques du rythme qui ont suscité mon intérêt. Le tout se situe dans un récit historique éclairé qui étudie l’influence de l’algorithme et de la matière tout au long de la musique et de l’art sonore du XXe siècle. La recherche conceptuelle est enrichie par des expériences exhaustives en composition algorithmique, analyse gestuelle et modélisation gestuelle. Dans chacun de ces domaines, bien que soutenue par des lectures fondamentales en philosophie et en art, une approche primaire de la création s’est faite dans un processus « réfléchir-en-faisant » qui ont généré de nombreuses ex- périences tant avec la matière physique qu’avec la conception d’instruments numériques. Au- delà de la création des performances qui constituent la base des résultats de cette recherche, un vaste ensemble d’outils interopérables d’analyse gestuelle en temps réel, de modélisation, de composition algorithmique et de traitement du son a été développé et publié pour l’environnement Max/MSP. / This master’s thesis concerns the creative process and related research for the production of two live performances in the domain of electroacoustic music. Across the creation of the two works, my intention has been to develop a unified multi-modal gesture, sound, and algorithm influenced performance practise. Encompassing the largest portion of the research is an earnest attempt to derive compositional process from the behavior of vibrating matter. This research is precipitated by my movement from an artistic practice based on representation (concerned with speakers, knobs, and buttons) towards a practice steeped in performance (concerned with the continuous transformation of sound correlated to material modulation). Across this research, an in-depth investigation was conducted into rhythms beyond their purely metric musical manifestations, and into the numerous alternative notions of rhythm which are revealed through daily interactions and lived experience. Rhythmic artifacts of interest have included micro-rhythms perceived by the ear as textures, repetitive gestures perceived by the eye as linear motion, and rhythms observed in ordinary social situations such as the cadence of conversation. This is all situated within an informed historical narrative which considers the influence of the algorithm and material primarily across 20th century music and sound art. The conceptual research is augmented by extensive experiments in algorithmic composition, gesture analysis, and gesture mapping. In each of these areas, though tied to fundamental readings in philosophy and art, a primary approach to creation has been thinking-through-making, which has led to extensive experimentation with both physical materials and digital instrument design. Beyond the performance creations which form the basis of this research output, a large set of interoperable tools for real-time gesture analysis, mapping, algorithmic composition, and sound processing was developed and published for the Max/MSP environment.

Au début du XIXe siècle, le paysage socio-politique européen est dominé par les bouleversements en provenance de France. Réagissant à ceux-ci, l’empereur Franz I restreint les libertés individuelles des sujets du Saint Empire Romain, tandis qu’au sein de l’aristocratie se trouvent au contraire des adeptes de l’Aufklärung, défenseurs de liberté et de tolérance. C’est dans ce contexte que Beethoven compose sa troisième symphonie en 1803-1804. Solomon (2004) a démontré que le compositeur a fréquenté sa vie durant des adhérents aux principes de l’Aufklärung, dont plusieurs francs-maçons. Des symboles maçonniques de sa main ornent d’ailleurs une page d’esquisses pour l’Eroica (Lockwood, 2013). Il semble donc naturel d’explorer cette œuvre sous cet angle. Une analyse formelle de l’Allegro con brio, la première selon la méthode de Caplin (1998), permet de faire ressortir une récurrence marquée du chiffre 3 à travers plusieurs paramètres (tonalité, métrique, rythme, forme, instrumentation). De plus, les trois étapes du rite initiatique (mort, enterrement et résurrection) sont représentées dans les trois premiers mouvements, tandis qu’on retrouve dans les trois derniers mouvements des évocations de la devise française Liberté, Égalité, Fraternité Cette relecture sous l’angle d’une interprétation maçonnique d’une œuvre fondamentale du canon symphonique apporte une contribution inédite à l’historiographie sur Beethoven ainsi qu’à l’histoire de la pensée et des sociétés. / At the beginning of the 19th century, the changes coming from France dominate the European sociopolitical landscape. In reaction to these, Franz I restricts individual freedom of the subjects of the Holy Roman Empire, while within the aristocracy, the numbers of adepts of the Aufklärung movement and believers in freedom and tolerance are growing. It is in this context that Beethoven composes his Third Symphony in 1803-104. Solomon (2004) has demonstrated that his whole life, the composer was surrounded with members of the Aufklärung, many of them also freemasons. Masonic symbols in Beethoven’s hand are even to be found on a page of his sketchbook for the Eroica (Lockwood, 2013). Therefore, it only seems logical to analyse the symphony from the angle of a masonic interpretation. A formal analysis of the first movement according to Caplin’s method (1998), the first of its kind to be applied to a whole movement from a Beethoven symphony, brings to the fore a marked recurrence of the number three throughout numerous parameters (tonality, measure, rhythm, form, instrumentation). Furthermore, all three steps of the masonic initiation rite (death, burial and resurrection) are represented in the first three movements, whereas one also finds references to the French motto of Liberté, Égalité, Fraternité in the last three. This new reading of a fundamental work of the symphonic canon represents a novel contribution to the historiography of Beethoven.

Dans le cadre de ma maîtrise, et plus généralement dans ma pratique musicale, le mixage et le matriçage sont les deux techniques d’écriture qui ont principalement retenu mon attention pour la composition de pièces électroacoustiques. La composition de ces oeuvres a servi de canevas de travail pour faire une recherche pratique sur mon utilisation de ces deux techniques, recherche menée en parallèle à des activités de documentation sur leur implémentation en musique acousmatique. Celles-ci ont révélé qu’un nombre très restreint de compositeurs et de pédagogues se sont aventurés à traiter de ce sujet, nommément parce qu’il n’existe aucune vision prescrite ou de norme sur la mise en oeuvre de ces techniques en acousmatique. La plupart des sources d’information substantielles sur le sujet du mixage et du matriçage proviennent du monde de la production audio commerciale. Ce faisant, je me suis inspiré des moyens de production usités pour la création sonore en film et en musique populaire. En démontrant comment ces recherches ont influencé mon propre travail de composition électroacoustique, je souhaite pallier un manque d’information sur les sujets du mixage et du matriçage en acousmatique et offrir une perspective originale aux compositeurs qui s’intéressent à ces pratiques. / Over the course of my Masters and in my musical practice at large, mixing and mastering have been the two most prominent compositional techniques featured in my electroacoustic pieces. Composing these electroacoustic pieces served as the framework for a practical research on my use of mixing and mastering, a project which also included documentational research on their implementation in acousmatic music. The research revealed that only a small number of composers and pedagogues had written about this topic, mostly because there is no prescribed vision or standard regarding the implementation of these techniques in acousmatic. Most of the substantial sources of information regarding mixing and mastering can be found in the realm of commercial audio production. Thus, I was inspired by the means of production used for the sound design in movies and pop music. By showing how this research has inspired my own electroacoustic compositions, I wish to fill an informational void on the subject of mixing and mastering in acousmatic music and to offer a fresh perspective to composers who are interested in these practices.

Les instruments et objets sonores du monde préhispanique mexicain ne sont pas couramment utilisés dans la création de la musique classique de notre époque. Cette utilisation sonore peut causer certains problèmes qui restent à être résolus pour pouvoir les utiliser de façon intégrale et universelle dans la réalité de la création musicale contemporaine. Cette thèse s'inscrit dans le cadre de l’introduction des sonorités du Mexique préhispanique dans l'orchestration moderne. Elle consiste en une recherche musicale de création et d’intégration des nouvelles propositions orchestrales dans une perspective contemporaine. Je me suis donc attachée dans ce travail, à analyser les propriétés sonores des dits instruments, ainsi qu’à confronter deux mondes différents dont les sonorités de base sont simples et d’aspect archaïque. Ce travail comporte sept chapitres, incluant l’analyse compositionnelle de quatre de mes œuvres. Il vise à proposer une démarche de création musicale en s’inspirant des éléments simples d’itération (entre autres) qui sont très caractéristiques des sifflets et des autres objets sonores mexicains. En introduisant certains instruments anciens dans un contexte tout à fait différent de leur origine, ces découvertes sonores m’auront permis de transformer mon écriture musicale. Œuvres soumises:  Nahui Ocelotl, pour percussion solo et instruments préhispaniques  El Evangelio de Judas, pour ensemble  Ikal pour trompette maya et percussion  Stáku pour ensemble Mots-clés : orchestration, composition, percussion, instruments préhispaniques, analyse musicale, itération, ingénieur Roberto Velázquez. / The musical instruments and objects of the Mexican pre-Hispanic world are not commonly used in the creation of modern classical music. The use of these sounds may cause some problems, which remain to be solved in order to use them fully and universally in contemporary musical creation. This thesis fits into the introduction of pre-Hispanic Mexican sounds in modern orchestration. It consists of a musical research of creation and integration of new orchestral proposals in a contemporary perspective. So far, my concern has been to analyse the sound properties of these instruments to confront them with two different worlds, whose basic nature is simple and take us to an archaic reality. This work is based on seven chapters, including the compositional analysis of four of my musical creations. It aims to propose an approach to musical creation by drawing simple iteration elements (among others), which are very characteristic of Mexican whistles and other sound objects. This sound discovery allowed me to create, compare and make several corrections in my musical language for assessing the sound phenomena of some ancient instruments by introducing them into a different context to their own origin. List of works submitted:  Nahui Ocelotl, pour percussion solo et instruments préhispaniques  El Evangelio de Judas, pour ensemble  Ikal pour trompette maya et percussion  Stáku pour ensemble Keywords: orchestration, composition, percussion, pre-Hispanic musical instruments, musical analyses, iteration, engineer Roberto Velázquez.