Aquest estudi té l’objectiu d’oferir una anàlisi de conjunt de la producció proverbial de Ramon Llull. L’autor mallorquí va escriure cinc col·leccions de proverbis entre la darrera dècada del s. XIII i la primera del s. XIV. Tres d’aquests reculls només contenen proverbis —els Proverbis de Ramon (1296), els Mil proverbis (1302) i els Proverbis d’ensenyament (1299-1301? 1309?)—, mentre que l’Arbre exemplifical (1295-1296) està format per narracions breus i proverbis, i la Retòrica nova (1301) és un tractat que, en un apartat sobre el proverbi, inclou un petit recull de mostra de cinquanta unitats. Per dur a terme l’anàlisi, en primer lloc s’ha explorat els trets de la literatura gnòmica i sapiencial medieval, amb una especial atenció als recursos d’estructuració que s’utilitzen per organitzar els materials de les col·leccions i als seus contextos de recepció. D’altra banda, també s’ha repassat l’estatus teòric del proverbi i la sentència en la tradició retòrica medieval. A continuació, s’ha contextualitzat les col·leccions de proverbis lul·lianes en el marc de l’evolució de l’obra i el pensament de l’autor, i s’ha constatat que el període de producció dels reculls de proverbis coincideix amb una efervescència de la formulació sentenciosa i aforística en l’obra de Llull. Finalment, s’han analitzat les obres que formen part del corpus de forma monogràfica, centrant-se en el context de redacció, l’estructura, la forma dels proverbis, la finalitat i, en alguns casos, la recepció de cada una de les col·leccions. D’altra banda, una part important de la tesi està dedicada a oferir una edició crítica dels Mil proverbis i els Proverbis d’ensenyament. Cal remarcar que en el cas del primer text es tracta de la primera edició que ha tingut en compte tota la tradició manuscrita conservada. / This study aims to offer a global analysis of the collections of proverbs composed by Ramon Llull (1232-1316). The Majorcan author wrote five books of proverbs during the last decade of the thirteenth century and the first of the fourteenth. Three of those only contain proverbs —Proverbis de Ramon (1296), Mil proverbis (1302) and Proverbis d’ensenyament (1299-1301? 1309?)—, while the Arbre exemplifical (1295-1296) is made up of brief stories and proverbs, and the Retòrica nova (1301) is a treatise that includes a little sequence of fifty examples in a section about the rhetorical use of proverbs. To carry out the analysis, we have first described the principal features of the gnomic and wisdom literature of the Middle Ages, with a special focus on the means used by the compilers to organize the proverbial materials and the contexts of reception of the collections. We have also explored the theoretical status of the proverbium and the sententia in medieval rhetorical tradition. Secondly, we have studied the Lullian proverb collections in the context of the evolution of his work and thought. We have noted that Llull wrote his proverbial books during a period of effervescence of the aphoristic and sententious thinking in his work. Finally, we have analysed the texts of the Lullian proverbial corpus monografically, focusing our attention on the context of the composition of the books, the structure and the purpose of the collections, the form of the proverbs and, in some cases, the reception of each of them. The second part of the thesis is devoted to philological editions of the Mil proverbis and the Proverbis d’ensenyament. In the first of these, we have to stress that our edition is the first one that takes into account the entire textual tradition preserved.

Desde la crisis que experimentó la cultura europea a finales del siglo XIX en el lenguaje de las artes, las correspondencias entre arquitectura y literatura que se formulan alrededor del estudio micro histórico de la gestación de las Duineser Elegien (1912-1922) de Rainer Maria Rilke, plantean un triple interrogante: ¿existe un origen a la figura del ángel en el mencionado ciclo? ¿Qué arquitecturas acogen su presencia? ¿Es dicha presencia un pretexto del poeta para reformular los límites de la mirada del hombre a través del lenguaje? Hasta el momento, como respuesta a la primera cuestión, tres tesis avalaban un posible origen dispar a la presencia del ángel en el ciclo de Duino. La primera, presentada por el jesuita Jaime Ferreiro Alemparte, defendía un origen místico y literario a la figura alada. La segunda, del investigador japonés Ito Takatatsu, sostenía su origen desde las representaciones pictóricas de El Greco. Y una última, defendida por Helmunt Naumann, encontraba en Chartres el origen primordial de dicha figura. Literatura, pintura y arquitectura se articulaban como tres de las materias desde las que Rilke construyó un imaginario poético en el que “el ángel de las Elegías no tenía nada que ver con el ángel del cielo cristiano”. Es en la carta de 13 de noviembre de 1925 en la que Rilke, una vez concluido el ciclo, parece querer transmitir a Witold V. Hulewicz el sentido último de éste: “el ángel de las Elegías es esa criatura en que aparece ya cumplida la transformación de lo visible en invisible que nosotros realizamos”. ¿No es tarea del lenguaje transformar la realidad visible del mundo en invisible a través de las palabras? No es de extrañar que las arquitecturas que acogen la presencia del ángel en el ciclo sean precisamente eso: palabras. Atender a la raíz estructural de las arquitecturas que recorrían cada una de las fuentes del ángel en las Elegías, respondía al segundo interrogante, y suponía someter tales secuencias arquitectónicas al orden cronológico de su gestación. Diez años que vieron nacer una nueva imagen del mundo. Así, una primera etapa de creación, entre enero y marzo de 1912 en el Castillo de Muzot, acogerá desde los textos místicos una arquitectura celestial, que como imagen interior, corresponde a la estructura circular de un tiempo eterno: son las arquitecturas de la I y II Elegía, junto a fragmentos de la VI, la IX y la X. Una segunda etapa, ya en tierras españolas por noviembre de 1912, constataba a través de la experiencia de la pintura la necesaria nupcia entre el cielo y la tierra, y las palabras que hasta entonces generaban un espacio a interpretar desde un tiempo Sub Specie Aeternitatis, son ahora vistas como un tránsito tras la caída: son las arquitecturas de la III Elegía junto a fragmentos de la X. Estructuras que insisten en la profunda crisis que sufre la mirada del poeta frente a la transitoriedad del mundo, y que arrojarían a Rilke a la más estéril improductividad. No sería hasta febrero de 1922 cuando, encerrado en el torreón de Muzot, culminaría el ciclo de Duino: son el umbral de la V y VII Elegía, junto al final de la IX y X. Y el tiempo solar como devenir, movimiento, sombra y muerte encontraba en Chartres su primera estructura de la inversión. Le seguiría Munich, ciudad en la que la tradición oriental operaba con fuerza, y de ella un mundo nunca más dual. Los límites de la mirada del hombre a través del lenguaje quedaban entonces reformulados. Auguste Rodin, Alexander von Bernus, Karl du Prel, Georg Simmel, Sigmund Freud, Rudolf Kassner, Paul Klee, Hermann Haller, Lotte Pritzel, Hugo von Hofmannsthal, Frank Kafka o Paul Valéry constituyen algunos de sus compañeros de viaje. El guía no fue otro que el ángel. Y el espacio y el tiempo tanto para la poesía como para la arquitectura del futuro, aquél que media hacia la última acepción de la expresión rilkeana "Das Offen" (lo abierto) en su obra: la estética de un nuevo umbral de la creación quedaba así constituida. / Ever since the crisis experienced by European culture in the late nineteenth century in the language of the arts, the correlation between architecture and literature formulated around the micro-historical study of the gestation of Duineser Elegien (1912-1922) by Rainer Maria Rilke, poses a threefold question: is there an origin to the figure of the angel in this cycle? Which constructs include his presence? Is that presence a pretext for the poet to reformulate the boundaries of man's viewpoint through language? Thus far, in response to the first question, three disparate theses support a possible origin for the presence of the angel in the Duino cycle. The first, presented by the Jesuit, Jaime Ferreiro Alemparte, defended a mystical and literary origin for the winged figure. Second, the Japanese researcher, Takatatsu Ito, claimed its origin was from the pictorial representations of El Greco. Lastly, the theory defended by Helmut Naumann, found the primary source of that figure in Chartres. Literature, painting and architecture were laid out as three of the subject areas from which Rilke built a poetic mindset in which, ¿The angel of the Elegies had nothing to do with an angel from the Christian Heaven? It is in the letter dated 13 November 1925 in which Rilke, having completed the cycle, seems to wish to convey to Witold V. Hulewicz the ultimate meaning of this figure, ¿The angel of the Elegies is that creature in which the now complete transformation of that which we have visibly created becomes that which is invisible.? Is it not language's task to transform the word's visible reality into something invisible through words? It is no wonder that the architectures that include the presence of the angel in the cycle are just that: words. The second question was answered by addressing the structural roots of the architectures that ran throughout each of the sources of the angel in the Elegies, and supposed submitting those architectural sequences to the chronological order of their gestation. Those ten years saw the birth of a new image of the world. Hence, a first stage of creation, between January and March 1912 at Duino Castle, will host, based on the mystical texts, a celestial architecture that, as an interior image, corresponds to the circular structure of an eternal time: they are the architectures of Elegies I and II, along with fragments from Elegies VI, IX and X. A second stage, and now on Spanish soil in November 1912, he observed through experiencing painting the necessary marriage between heaven and earth, and words that, until then, created a space for interpreting from a time "Sub Specie Aeternitatis" are now seen as a transition after the fall. They are the architectures of Elegy III together with fragments from Elegy X. They are the constructs that emphasize the profound crisis of the poet's point of view when facing the transience of the world, which would cast Rilke into completely sterile unproductiveness. It was not until February 1922 when, closed in the tower of Muzot, the Duino cycle would culminate. They are the threshold of Elegies V and VII, together with the end of Elegies IX and X. And it was solar time as transformation, movement, shadows and death he found in Chartres his first structure of reversal. Later he came to Munich, a city in which Eastern tradition ran strong, and from it a dual world no more. The limits of man's viewpoint through language were then reshaped. Auguste Rodin, Alexander von Bernus, Karl du Prel, Georg Simmel, Sigmund Freud, Rudolf Kassner, Paul Klee, Hermann Haller, Lotte Pritzel, Hugo von Hofmannsthal, Frank Kafka and Paul Valéry are some of his fellow travellers. The guide was none other than the angel. And space and time both for poetry and for the architecture of the future, one that mediated to the last meaning of the rilkeana expression Das Offen (The Open) in his work: the aesthetics of a new threshold of creation was thus established.

Aquesta tesi doctorall estudia el conjunt de l’obra escrita de Josep Anselm Clavé, tant la literària com la periodística de caire cultural. La recerca s’ha concebut de tal manera que comprèn no només una anàlisi global de l’obra poètica coneguda i de les publicacions «Eco de Euterpe» i «El Metrónomo», sinó també l’edició crítica de l’obra poètica completa de Josep Anselm Clavé i la indexació dels continguts de les dues publicacions periòdiques. En el context de la tradició cultural catalana, la figura i l’obra de Josep Anselm Clavé es va relacionar des de ben aviat amb el moviment de la Renaixença, i la seva mitificació va introduir elements de distorsió en moltes de les anàlisis efectuades a final del segle XIX i durant tot el segle XX. És per aquest motiu que aquest treball planteja la necessitat d’estudiar la poesia de Clavé i el seu context cultural per certificar fins on arriba aquesta mitificació i en quina mesura ha afectat la seva interpretació. A més, s’hi analitzen també les publicacions periòdiques de caire cultural que va fundar i dirigir el músic i poeta barceloní amb la finalitat d’evidenciar la confluència de plantejaments, d’objectius i de discursos que permeten parlar amb propietat de construcció d’un projecte cultural claverià. Així, s’aporten dades que permeten valorar quin va ser el rendiment que va treure el fundador de les societats corals a l’ús de l’escriptura, en un sentit ampli. Atès que no es coneixia fins ara la totalitat de la producció escrita de Clavé, aquesta recerca fa accessible la més gran quantitat de textos poètics conservats de l’autor i presenta de manera indexada el contingut de les dues revistes esmentades. L’estudi particular d’aquests dos «corpus textuals» posa de manifest les relacions que existeixen entre una obra poètica de gran complexitat —per la seva evolució, per la seva aproximació tant als referents cultes com als populars, per la seva vinculació amb molt diverses formes de representació de la cultura, per la confluència entre les tradicions poètiques catalana i espanyola, i per la seva influència en el procés de modernització de la literatura catalana, etc.— i una obra periodística que s’havia interpretat amb relació a la realitat de les societats corals i mai com a manifestació de la voluntat de transformació i regeneració culturals. Els anys culminants i més representatius de la relació entre poesia i periodisme en la trajectòria de Clavé van ser els compresos entre el final dels cinquanta i mitjan dècada dels seixanta del segle XIX, quan li va interessar que les publicacions que dirigia es fessin ressò de l’orientació de la seva poesia cap a la representació imitativa, i de la necessitat de convertir la música en una forma de representació col•lectiva. Aquest retorn de la poesia a les escenes i a la realitat més propera al públic català, juntament amb la voluntat esmentada de valer-se de la música com a element aglutinador demostra els paral•lelismes entre aquest fenomen de recuperació i regeneració de la cultura popular de masses protagonitzat per Clavé i la necessitat que per aquelles dates també sentia la intel•lectualitat liberal catalana renaixencista de projectar, en un estrat cultural més culte, la restauració dels Jocs Florals, amb la consegüent construcció poètica de la pròpia realitat. De la mateixa manera com les elits liberals promotores i legitimadores de la Renaixença vetllaven per la construcció d’uns referents que mostraven en un terreny culte les moltes possibilitats d’un país, l’obra poètica i musical de Josep Anselm Clavé, avalada i acompanyada pel mitjà de comunicació més modern i efectiu —la premsa—, perseguia uns objectius semblants en un àmbit cultural més popular. En definitiva, el treball Josep Anselm Clavé i l’escriptura: obra poètica i periodisme cultural. Edició, índexs i estudis arriba a la conclusió que existeix un «projecte cultural claverià», com a tal, atès que s’ha pogut demostrar la unitat de plantejaments, d’objectius, d’idees, etc., del conjunt de l’obra escrita de Josep Anselm Clavé, tant la poètica com la periodística. / This doctoral thesis studies the whole of the written work of Josep Anselm Clavé, the literary one as well as the journalistic one. The research has been conceived in such a way that it includes not only a global analysis of his known poetic work and of the «Eco de Euterpe» and «El Metrónomo», but also the critical edition of the complete poetic work of Josep Anselm Clavé and the indexing of the contents of the two magazines. In the context of the Catalan cultural tradition, the figure and the work of Josep Anselm Clavé has been correlated with the cultural movement called Renaixença, and its mythification has conditioned the analyses made at the end of the 19th century and during all the 20th century. Therefore, this work studies the poetry of Clavé and its cultural context to certify this mythification and to make evident how it affects its interpretation. Moreover, this doctoral tesis analyzes the magazines that were directed by Clavé —«Eco de Euterpe» and «El Metrónomo»— in order to show the confluence of approaches, objectives and ideas that allow us to speak about construction of a cultural project. The more representative years of the relation between poetry and journalism in Clavé were the ones between 1859 and 1865, when a) he published in «Eco de Euterpe» and «El Metrónomo» a kind of poetry based in the imitative representation, and b) when he changed their musical works into a kind of collective expression. This poetry, with more realistic scenes, and the use of the music as an agglutinative element of worker class let us expose the parallelisms between this phenomenon of regeneration of the popular culture of masses and the recovery of the tradition of Jocs Florals during the Renaixença.

Hem considerat la traducció de l'Orestea d'Èsquil feta per P.P. Pasolini analitzant el passatge des del text d'origen (el grec, juntament, però, amb la traducció francesa que Pasolini feia servir - P. Mazon, Les belles lettres) fins al d'arribada per tal d'evindenciar els trets peculiars de la interpretació pasoliniana de la trilogia. Per tal de focalitzar la consideració del mite d’Orestes, també hem tingut en compte obres posteriors com ara el “Pilade” o el documental “Appunti per un’Orestiade africana”. La història dels Àtrides és vista des de la perspectiva del seu desenvolupament polític, entès com a síntesi. Pasolini, a la seva pròpia introducció, declara obertament aquesta lectura de la trilogia. Mitjançant l’anàlisi vers per vers ens permet esbrinar com, concretament i amb quines eines lingüístiques, aquesta interpretació pren forma, partint del text d’Èsquil i passant pel de Mazon i, alhora, de quina manera aquest procés de síntesi està estrictament lligat a la condició existencial de l'home: la transició, política, de la barbàrie ancestral fins a la democràcia atenesa és paral•lela al passatge des de l'inconsciència fins a la consciència, des de l’obsessió fins a la pau i a la concòrdia. Des d’un punt de vista més estilístic, hem subratllat el procediment traductiu de Pasolini: mitjançant una traducció "per analogia", Pasolini recupera la força expressiva del grec i, per mitjà d’"arrossegaments" del sentit (forçant ara el lèxic, ara l'estil), sobreposa el seu prisma interpretatiu al text d'Èsquil. Així, hom pot reconèixer per una banda el lèxic propi de Pasolini, funcional en la seva intenció poètica; per una altra la seva personal visió dels personatges, que desenvolupats sota la seva perspectiva prenen matisos peculiars (Agamèmnon irònicament menyspreat i Clitemestra tan apassionada com tràgicament gran, per exemple); o bé, encara, hom pot constatar i valorar com tracta el tema de la guerra o el de l'amor.Finalment, cal destacar que molt sovint Pasolini "corregeix" el francès de Mazon en què s'inspira, donant mostra d'una sensibilitat pel grec que sovint ha estat deixada de banda als comentaris d’aquesta traducció. La traducció destaca, doncs, tot i estar marcada per una visió política gens defensable (la progressió “marxista” de Thomson), per ser una de les interpretacions de l’Orestea més pregones i modernes, capaç de transmetre a l’home modern les inquietuds que Èsquil posà en escena. / I have examined P. P. Pasolini's translation of Aeschylus's Orestea by analysing the transition from the original Greek text - along with the French translation used by Pasolini (P. Mazon: Les Belles Lettres) to the final text in order to show the particular features of Pasolini's interpretation of the trilogy. I have also taken into account some of his later works such as Pilade and the documentary Appunti per un 'Orestiade Africana in order to bring into focus the myth of Orestes. The story of the Atrides is considered in the light of its political development understood as a synthesis. This reading of the trilogy is openly stated by Pasolini himself in his introduction. By a line by line analysis of the text one can discern how and with which language tools he constructed his interpretation starting from Aeschylus's text and through his use of Mazon's translation. I have also indicated how Pasolini's synthesis is closely related to man's existential condition the entirely political transition from the old barbarism to Athenian democracy parallels the transition from unconsciousness to consciousness , from obsession to peace and harmony. From the linguistic point of view I have underlined Pasolini's process of translation. Translating " by analogy", he regains the expressive power of the original Greek and superimposes his own perspective on Aeschylus's text by "shifting" meanings (forcing either the words or the style). Thus one can note on one hand Pasolini's original vocabulary which functions in its poetical intent and on the other hand his unique and very personal grasp of the characters which under his interpretation acquire a distinctive indivisuality ( Agamemnon ironically despised and Clytemnestra as passionate as she is tragically heroic). Nevertheless one can state and assess how war and love are treated. Finally, Pasolini often "corrects" Mazon's French by which he is inspired, displaying a sensibility for the Greek that has often been neglected in commentaries on this translation. Despite the bias of an untenable point of view (Thomson's "Marxist" progression) this translation of the Orestea stands out as one of the most penetrating and most contemporary attempts to convey the matters that Aeschylus put on the stage to a modern reader.

Esta tesis pretende estudiar el género de la novela de formación o bildungsroman, nacido en la Alemania de Goethe y en la Irlanda de Joyce con sus obras Los años de aprendizaje de Wilhelm Meister y Retrato del artista adolescente, en la literatura española contemporánea y, concretamente, en la obra narrativa de autoras españolas que escribieron y publicaron su obra durante el pasado siglo. Para ello, se realiza, en primer lugar, un análisis de las características propias del género y de sus posibles antecedentes en la literatura española previa al siglo XX (desde el Lazarillo, hasta la novela de artista de Emilia Pardo Bazán, pasando por el Quijote como referencia indispensable en la literatura no sólo española sino universal) , para, seguidamente, estudiar su clara entrada en la narrativa española a partir de principios del siglo XX de la mano de autores como de Pío Baroja, Azorín, Ramón Pérez de Ayala o Manuel Azaña, con títulos tales como Camino de perfección, La voluntad, A.M.D.G. y El jardín de los frailes, novelas que anteceden a las que van a estudiarse en el grueso de la tesis. Seguidamente, la tesis se centra en el desarrollo del bildungsroman en la narrativa de diez autoras clave del siglo XX español: Rosa Chacel, Carmen Laforet, Carmen Martín Gaite, Ana María Matute, Josefina Aldecoa, Clara Janés, Ana María Moix, Soledad Puértolas, Nuria Amat e Irene Gracia., analizándose los elementos comunes propios del género que pueden encontrarse en sus siguientes novelas: Barrio de maravillas, Nada, Entre visillos, Primera memoria, La Casa Gris, Jardín y laberinto, Julia, Cielo nocturno, La intimidad y Fiebre para siempre. El análisis de las obras se estructura alrededor de ocho temáticas propias del bildungsroman que se desarrollan en todas y cada una de las novelas : carácter autobiográfico de las obras analizadas, en las que, en ocasiones, la frontera entre autor y narrador queda difuminada; importancia de la labor artística como elemento integrante de la formación del protagonista y, muchas veces, finalidad última de evolución del personaje; la identidad diferencial de las protagonistas, todas ellas aisladas a menudo de su entorno por su condición de diferentes; el papel clave de las figuras paterna y materna y la trascendencia de su ausencia o de su omnipresencia; la importancia de los mentores femeninos que, en muchas de las novelas, se convierten en modelos a evitar precisamente por su papel represor o anti-evolutivo; la necesidad frustrada de comunicación con el otro, sea este otro el grupo de pares en el que debe desarrollarse el personaje, el primer amor o el alma gemela anhelada; el espacio físico como determinante de la evolución del protagonista, básicamente a partir de un contraste claro entre un interior impuesto y claustrofóbico y un exterior que se identifica con la ansiada libertad; y el logro o no de la meta última de convertirse en adulto individual e independiente. Finalmente, s e proponen algunas correlaciones con otras obras pertenecientes al género del bildungsroman pero que, por la limitación de la tesis, no han quedado recogidas en ella. / This thesis tries to analyse the bildungsroman or coming of age novel genre, born in Goethe’s Germany and Joyce’s Ireland with the two representative novels Wilhelm Meisters Lehrjahre and Portrait of an Artist as a Young Man, throughout the Spanish Contemporary Literature and, especially, throughout the novels of Spanish women writers who build their work during the 20th century. First of all, there is a detailed explanation of the genre characteristics as well as the tradition of this genre in Spanish literature before the 20th Century (from the Lazarillo to Emilia Pardo Bazán’s artist novel, also considering the influence of the Quijote as a compulsory reference not only in Spanish literature but also in literature in any language). Secondly, this work studies the genre at the beginning of 20th Century Spanish literature through the works of Pío Baroja, Azorín, Ramón Pérez de Ayala and Manuel Azaña, Camino de perfección, La voluntad, A.M.D.G. and El jardín de los frailes. Following with these two introductory chapters, the main chapter of this thesis is the approachment to the bildungsroman novels of ten Spanish women authors in 20th Century Spanish literature: Rosa Chacel, Carmen Laforet, Carmen Martín Gaite, Ana María Matute, Josefina Aldecoa, Clara Janés, Ana María Moix, Soledad Puértolas, Nuria Amat and Irene Gracia, taking into account the common elemnts we can find in their novels: Barrio de maravillas, Nada, Entre visillos, Primera memoria, La Casa Gris, Jardín y laberinto, Julia, Cielo nocturno, La intimidad and Fiebre para siempre. The common elements analysed in the thesis are: the autobiographica character of the novels; the importance of the artistic and creative element in the evaluation of the main character; the condition of outsider of the main character; the importance of the father and mother characters, either being absent or too present, in the development of the main character; the role of the femenine adult references; the need of communication with the pair group, very often impossible to achieve; the physical entourage of the protagonist, usually a claustrophobic space; the main goal of becoming an independent adult person oppossed to the child or adolescent who starts the novel. Finally, I propose some other works that are related to these ten novels as a suggestion for further investigation in the bildugnsroman genre in Spanish literature.

El presente trabajo tiene como objetivo fundamental analizar la obra del pintor José Lucas desde un enfoque semiótico, como un acto de “lectura” que actualiza su significado y su sentido desde una perspectiva intertextual. Se han desarrollado además, otros objetivos como concebir la pintura como una obra abierta, teniendo en cuenta conceptos como el lector implícito y el intertexto lector; realizar un enfoque de valores heterosémicos de la obra por su encuentro intertextual con el mundo artístico del autor y con el mundo estético del lector; proporcionar enlaces intertextuales con la obra artística de José Lucas desde el reconocimiento y comprensión del alcance poliédrico de su producción en diversos aspectos y textos como pretextos poéticos que los une; e interpretar la pintura ecfrástica de José Lucas como elemento mediador entre el cuadro y la realidad. Esta tesis doctoral ha seguido una metodología cualitativa, fundamentada principalmente en la interpretación de datos a través de un análisis triangular: investigación del tesinando, revisión del director de la Tesis, confrontación con las ideas del autor. La recogida de datos realizada para este estudio se puede dividir en tres grandes categorías: la observación directa, las entrevistas en profundidad y el empleo de documentos. Es importante destacar que también se han conseguido numerosos textos inéditos que nos han acercado a la obra de José Lucas, firmas como las de Jaime Siles, Antonio Colinas, Luis Antonio de Villena, Antonio Lucas, Xavier Ribalta, Juan Antonio Molina, José Antonio Lozano,… Las conclusiones alcanzadas por este trabajo parten de un enfoque de los valores heterosémicos. Sobre la discutida indeterminación semántica del signo pictórico es necesario considerar como esencial su carácter polisémico o polivalente al explicar las consecuencias efectivas de dicha indeterminación, ya que se trata de un significado indeterminado, pero no por ello menos real. La imposición del arte moderno ha supuesto la abdicación del orden canónico de la referencialidad realista lo que ha contribuido a “abrir” relativamente las posibilidades de sugerencia del texto plástico; potenciando a su vez la colaboración fantástica de los receptores. Es lo que sucede con las obras de José Lucas. Para poder dar sentido y establecer determinados significados referenciales, el intertexto lector de la persona que contemple sus obras debe ser amplio y debe tener presente los códigos y raíces de los que bebe el artista. Las relaciones entre texto e imagen, en la obra de José Lucas, establecen múltiples correspondencias que unas veces tienen su origen en el texto y otra en la imagen, o al revés, generando una dialéctica que germina en una síntesis de ambas a partir de una semiotización (en el sentido de Peirce) de una de ellas o de ambas juntas. Los mecanismos estilísticos de los que José Lucas se sirve para construir su obra ecfrástica son múltiples y muy variados. Pero lo más interesante, sin duda, es que nacen de un profundo conocimiento de las relaciones entre pintura y literatura, que constituye, a su vez, un modo concreto de acercarse a la realidad e interpretarla. Un modo en que es fundamental, como en todo ejercicio ecfrástico, la presencia del poema ausente como elemento de mediación entre la subjetividad del yo que pinta y la objetividad primera, ya perdida, de la que el poema se ha valido. En esto José Lucas se destaca, desde la cualidad mediadora de su pintura, como un autor profundamente original, a la par que enraizado en una nueva tradición, la del ut poesis pictura, inagotable en sus ramificaciones y derivaciones. / Intertextuality, Literature and Fine Arts in José Lucas. An investigation from a semiotic-analytical perspective. Mª Encarnación Navarro Martínez. Universidad de Murcia. 2015 Abstract: The main objective of this work is to analyse Jose Lucas’ working life from a semiotic viewpoint, as an act of interpretation, this document is trying to present his meaning and his sense from an intertextual perspective. Other objectives that have been developed are “to conceive of” the painting as open work, having in mind concepts like “implicit reader” or “intertextual reader”; focussing on “heterosemic values” of the work for the intertextual encounter between the artistic world of the autor and the reader’s aesthetic world. This document tries to give “intertextual” links with the artistic work of José Lucas from the recognition and understanding of the “poliedric range” of his output in different aspects and texts as a poetic pretext which links both. and interpreting the ecfrastica painting of José Lucas with an element of mediation between the painting and reality. This PhD thesis follows a qualitative methodology, based mainly on the interpretation of information through a triangular analysis: the PHD candidate’s research, review by the supervisor of the thesis and engagement with the author’s ideas. The information discovered by these studies can be divided into three main categories: direct observation, in-depth interviews and the use of different documents. It’s important to emphasise the large amount of unpublished documents which helped in getting closer to an understanding of Jose Lucas’ work; names like Jaime Siles, Antonio Colinas, Luis Antonio de Villena, Antonio Lucas, Xavier Ribalta, Juan Antonio Molina, José Antonio Lozano,… The conclusions reached by this work started from a ‘heterosemic value’ standpoint. On the uncertain meaning of the pictorial signs, it is necessary to consider how essentially polemic and versatile his character was for explaining the effective consequences of that uncertainty – that even though the behaviour and meaning of the sign is uncertain, it is no less real for him. The imposition of modern art has created the abdication of the canonic order of referencing realism which has contributed to opening up the possibilities of plasticity of suggestion in text; strengthening the collaboration of the receiver. It is this that has occured with José Lucas´ work. To be able to give sense and establish some meanings, the person who contemplates his life´s work needs a lot of context about where and from whom is the artist’s inspiration. The relations between between text and image in José Lucas work, establish numerous links which sometimes have their origin in the text and sometimes in the image or vice versa. This generates a dialectic which germinates in a synthesis of both from a semioticisation (in Peirce´s meaning) of one of them or both together. The stylistic mechanisms used by José Lucas to build his “ecfrásica” work are knowledge of the relations between painting and literature which are at the same time a way to be close with reality and interpret it. This is essential in every “ecfrástico” exercise, the presence of the absent poem like an element of mediation between the subjectivity of the “I” which is painted and the first objectivity already lost. In this camp José Lucas is noted from his mediator painting as a deeply original author rooted in a new tradition “the ut poesis picture” tradition, unquenchable of ramifications and derivations

A lo largo de estas páginas nuestro objetivo es mostrar las concepciones ideológicas de la obra última de Emilio Carrere. Para llevar a cabo nuestro objetivo hemos manejado diversas fuentes. 1) En primer lugar hemos recopilado 279 documentos, hasta ahora inéditos.2) Asimismo, hemos leído y clasificado los casi 2.000 artículos que el escritor publicó en el diario Madrid. 3) Igualmente, hemos analizado las obras que publicó Carrere en sus nueve últimos años.4) En lo que concierne a expedientes políticos nos han sido útiles las consultas al Archivo Histórico Nacional y al Archivo General de la Administración del Estado. 5) Respecto a la reconstrucción de la biografía del autor, dicha labor ha podido realizarse a partir de la correspondencia que la familia Carrere ha puesto a nuestra disposición. Tras el análisis detallado de las fuentes disponibles hemos definido dos grupos de documentos: uno centrado en el ámbito personal y otro en el profesional y, siguiendo esta clasificación, hemos dividido nuestro trabajo en dos partes: Una primera biográfica, centrada en los años posteriores a la guerra civil pero sin soslayar las décadas previas al conflicto, imprescindibles para entender su trayectoria.Una segunda, centrada en describir el contexto socio-literario que rodeó al escritor en los años 40.En esta última parte hemos dedicado un espacio a la recepción de sus artículos por parte de los lectores y también a la labor del escritor al frente de su sección cotidiana en el diario Madrid. Tras nuestro análisis hemos podido observar, primeramente, que la trayectoria de Emilio Carrere está íntimamente relacionada con la coyuntura política nacional e internacional. Así pues, gracias a diversos ejemplos hemos visto que sus escritos antirrevolucionarios contradicen, a menudo, sus declaraciones a favor de la bohemia y, a lo largo de las tres primeras décadas del siglo XX se va deslizando hacia posturas ideológicas cada vez más conservadoras.Desde un socialismo aparente al principio se relaciona a continuación con monárquicos como José María Carretero y colabora en las empresas editoriales del que será su amigo Juan Pujol. Junto a éste último participará en los numerosos ataques contra la República desde el diario Informaciones. Tras la guerra civil, su relación proseguirá esta vez a través del diario Madrid. Será esta colaboración en el diario de Pujol la que le dará popularidad en los últimos años de su vida.Hemos estudiado, en segundo lugar, el círculo de amistades que frecuentaba en los años finales de su vida. El escritor se relaciona con antiguos requetés como Evaristo Casariego, con hombres de negocios como Larragoiti o con nostálgicos historiadores como Natalio Rivas. Todos ellos integrados en el régimen franquista como nuestro autor . En tercer lugar, hemos analizado su labor periodística en la sección "Aquí, Madrid". Hemos constatado las servidumbres del periodista con respecto al régimen y el eco que se hacía desde su sección de las celebraciones franquistas. Igualmente hemos detectado una evolución temática en sus artículos desde una importante implicación política inicial hasta la evocación poética y ensoñadora de sus últimos años. En este sentido, compartía la actitud de muchos de sus amigos: la nostalgia por el Madrid ya desaparecido y la aceptación y difusión, a la vez, de las nuevas consignas del Estado.En conclusión, hemos analizado, las concepciones ideológicas de Emilio Carrere. Hemos visto que no le sobrevienen con el régimen franquista sino que son el resultado de un proceso personal que arranca desde mucho más atrás, desde los años 20, desde antes incluso, revelando la auténtica ideología que se oculta tras la máscara bohemia. / FOR ALEJANDRO RIERA´S DOCTORAL THESISIDEOLOGY AND TEXTUAL ISSUES IN EMILIO CARRERE´S WORKOur goal in this research is showing Emilio Carrere´s ideology in his latest works. After our research we have concluded firstly, that Emilio Carrere´s literary career is deeply linked to the Spanish and international political situation. Thus, by means of numerous examples we can see that his anti-revolutionary writings often contradict his statings in favour of bohemia, but gradually slide into more conservative ideological positions through the trhee first decades of the 20th century.From what apparently was socialism at first, he mixes with monarchists like José María Carretero and collaborates in publishing companies of his friend Juan Pujol. Togheter, both will make numerous attacks against the republican government from the newspaper Informaciones. After the Spanish Civil War, this friendship will go on by means of the newspaper Madrid. This collaboration in Pujol´s newspaper will make him well-known and popular in the last years of his life.Secondly, we have studied the author´s personal friends in his last years. The writer mixes with former requetés like Evaristo Casariego, entrepreneurs such as Larragoiti or nostalgic historians like Natalio Rivas. All oy them integraded within Franco´s political regime as well as the autor.Thirdly, we have analyzed his journalistic writings in the column "Aquí, Madrid ". We have determined the author´s political servitude regarding the regime and the notices in this column about Franco´s political celebretions. At the same time we have found out a thematic evolution within his articles going from a deep political involvement at first to the poetical and oniric evocation in his last years. He shared, in this sense, a feeling with his friends: the nostalgy for the "vanished old times Madrid" and the acceptance and spreading of the news political guidelines coming from the Government.To conclude, we have analyzed in full Emilio Carrere´s ideological positions. We have determined that these are not result of Franco´s regime, but of a personal process starting in his early twenties or even before, dislosing his true ideology concealed behind the bohemian mask.

Construir un mundo de ficción, con entidad propia paralela a la realidad, creando un espacio propio, con una normativa también autónoma, es uno de los sueños de cualquier escritor y la base misma de la ficcionalidad. Crear un mundo posible literario depende, en gran medida, no sólo de las correspondencias que puedan establecerse entre realidad y ficción, sino de la capacidad de interrelacionar los elementos textuales de tal forma que tejan un entramado que constituya, a partir de la autorreferencialidad, un marco referencial discursivo propio. No obstante, su capacidad comunicativa depende no sólo de la capacidad narrativa del escritor, sino, en muchas ocasiones, de factores aparentemente externos, como pueden ser su poder de persuasión y de convencimiento en el pacto que el autor establece de forma más o menos tácita con el lector. De esta relación comunicativa entre autor y lector se deriva la diversa recepción que puede alcanzar una obra literaria. En la presente tesis doctoral se ha tornado como caso empírico la obra del escritor peruano Manuel Scorza (1928-1983) ya que en ella, especialmente en su ciclo narrativo "La Guerra Silenciosa", se pueden observar con detalle las cuestiones que acabamos de indicar, que se traducen en las constantes confusiones entre realidad y ficción a partir de paratextos que acompañan a sus novelas o bien a partir de afirmaciones polémicas desde diversos medios de comunicación, la discutida aceptación del pacto comunicativo entre el autor y el lector en algunos ámbitos (especialmente el de su supuesto público natural, el peruano), o el juego constante autorreferencial que va construyendo, novela a novela, un mundo de ficción. Con el objeto de dar respuesta a los planteamientos indicados, la tesis doctoral se halla dividida en tres partes, que se ocupan respectivamente de i) el acercamiento a la figura del escritor, ii) el estudio de las circunstancias que pudieron determinar su controvertido éxito en diversos ámbitos y, finalmente, iii) el ana1isis de las estrategias narrativas empleadas por el autor en su ciclo novelístico para crear su particular mundo de ficción. El propósito de la primera parle, "Los desengaños del mago", que consta de tres capítulos, es el de desentrañar los límites confusos que se observan en la trayectoria vital de Scorza y que han contribuido a crear una imagen del autor a caballo entre la realidad y la ficción. Así, en el primer capitulo ("¿Fe de erratas?") se intenta poner en evidencia la confusión creada por el propio autor en tomo a su biografía. Esa mezcla constante entre realidad y ficción halla un terreno abonado ya en el afán deformador de Scorza, que desconoce los límites entre ambos campos de acción incluso en sus puntuales textos autobiográficos. En el segundo capítulo ("Los oficios de un poeta (Scorza, editor)") se considera la importante labor editorial de este autor peruano, que contribuyó decisivamente en su obra literaria al permitirle familiarizarse con los recursos publicitarios que empleará, con posterioridad, para promocionar también su narrativa (y que, sin embargo, en alguna ocasión, se volverán en contra de sus propósitos). Así, se sigue a Scorza en su aventura editorial, primero en su país, Perú, y, poco más tarde, a nivel continental con su Organización Continental de Festivales del Libro (ORCOFELI), centrándonos en sus actividades en Venezuela, Colombia y, finalmente, Cuba. Posteriormente nos ocupamos de otra aventura editorial protagonizada por Scorza (Populibros Peruanos), tras el intento de lanzar unos Bolsilibros fina1mente nonatos y el fracaso de una revista, Flash, que sólo llegó a conocer dos números en febrero de 1963. En el capítulo tercero ('De relámpagos y luciérnagas (La evolución poética de Manuel Scorza)") se aborda una cuestión fundamental para comprender la obra de Scorza, también desatendida hasta el momento, que es la de considerar sus inicios poéticos, que lo van a llevar paulatinamente hacia la necesidad de la forma narrativa, a pesar de su atracción constante por la poesía. La querencia poética llega a determinar el ritmo y la musicalidad de la prosa del autor peruano, basta llegar a producir un efecto de extrañamiento en el lector. Asimismo, la presencia de unas imágenes reiteradas ya desde los inicios poéticos de Scorza, que van a continuar encontrándose hasta en su última obra narrativa, refuerza la idea de considerar como una sola unidad la obra del escritor peruano. Relámpagos y luciérnagas iluminan tanto la obra lírica como la narrativa de Manuel Scorza. La segunda parte de esta tesis doctoral ('La recepción de la obra narrativa de Manuel Scorza") tiene como objetivo considerar la problemática recepción de la obra narrativa del autor en distintos contextos socioculturales. Evaluar la recepción de la obra de Scorza permite contestar a una serie de preguntas, como por ejemplo por qué su obra ha sido más considerada en Europa que en el Perú y por qué ha obtenido mayor éxito en Francia, Alemania e Italia que en España. De hecho, se convierte en un pretexto para la reflexión sobre el significado y la relativización del éxito. Esta parte se divide en dos capítulos: el primero trata de demostrar, cuantitativamente, a través de las ediciones y traducciones de sus obras, el impacto de la narrativa de Manuel Scorza en España, Europa y el resto del mundo (que se reduce, en la práctica, a América). Este análisis de la recepción se completa, asimismo, a través de las entrevistas realizadas en diversos medios de comunicación al autor así como a través de las reseñas realizadas sobre su obra. En el segundo capitulo, mediante el estudio del contenido de las reseñas criticas a la obra narrativa scorziana, tanta en revistas de difusión cultural como en periódicos, así como en revistas especializadas en literatura latinoamericana, se llega a unas constantes que pueden implicar claves interpretativas para la valoración del autor peruano, que giran en tomo a dos grandes temas: la interpretación desde el realismo y la interpretación desde el indigenismo (que, en ocasiones, van íntimamente unidos). La tercera parte de la tesis ('De La Guerra Silenciosa a El Fuego y la Ceniza (La narrativa de Manuel Scorza)") tiene como objetivo principal mostrar las estrategias textuales empleadas por Scorza en el ciclo narrativo de La Guerra Silenciosa -pentalogía constituida por las novelas Redoble por Rancas (1970), Historia de Garabombo, el Invisible (1972), El Jinete Insomne (1977), Cantar de Agapito Robles (1977) y La Tumba del Relámpago (1979)- y que posibilitan o, en su caso, dificultan la comunicación de su obra literaria. Esta parte se extiende a lo largo de cinco capítulos. El primero trata de cotejar los hechos historiográficos con la visión que de éstos aparece en las novelas de Scorza, lo que pone en evidencia una distancia considerable entre ambas perspectivas (como, por otro lado, resulta lógico, aunque no haya sido valorado positivamente por la crítica, que se ha visto confundida de forma constante). El segundo capítulo de esta tercera parle presenta un modelo teórico aplicable a la narrativa scorziana para comprender su problema de recepción: se trata del análisis literario desde la perspectiva de acto comunicativo, a partir de la aplicación de la teoría de los mundos posibles, que aporta elementos interesantes para interpretar la difícil y compleja recepción de la obra de este autor peruano. De este modo se trata de dar respuesta a la fundamental pregunta sobre las características del público lector potencial, que puede coincidir, o no, con el lector modelo a quien parece dirigirse Scorza, lo que puede explicar, en buena medida, las paradojas de la recepción literaria de este autor, aclamado fugazmente por el que hemos denominado "público lejano" y denostado ferozmente por el que hemos llamado "público cercano", En el tercer capitulo de esta parte de la tesis se muestran las estrategias textuales empleadas para la construcción de un mundo posible en el ciclo de La Guerra Silenciosa de Manuel Scorza, que se sostiene no únicamente por las coordenadas espacio-temporales, sino por la autorreferencialidad de las novelas que integran el ciclo y que otorga, sobre todo gracias al complejo tejido intratextual de los personajes, una fuerza cohesionadora que contribuye decisivamente a construir el efecto de realidad buscado por el autor, y que ha confundido repetidamente a gran parte de la critica internacional. En este capítulo se ponen de relieve otros mecanismos empleados por Scorza para reforzar este efecto de realidad, que no es mas que una trampa ficcional, entre los que cabe destacar el juego que establece el autor con el lector a través de diversos paratextos que orientan a este último a una lectura muy determinada, conscientemente manipulada por Scorza. Posteriormente, ya en el capítulo cuarto de esta parte, y noveno de la tesis doctoral, se intenta demostrar cómo parte del rechazo hacia el ciclo de La Guerra Silenciosa por gran parte de la critica venía condicionado por una serie de prejuicios, por otro lado inevitables, que tenían como base la consideración ortodoxa de la tradición literaria indigenista peruana, por lo que cualquier desviación de la norma, del canon instituido, se veía como una amenaza a éstaAsí, el peculiar proceso de des-y remitificación llevado a cabo por Scorza, el empleo de recursos propios del realismo mágico, las referencias intertextuales constantes y la perspectiva irónica, tal y como se hallan presentes en La Guerra Silenciosa, se convertían en barreras literarias que impedían considerar a los críticos el particular equilibrio conseguido por Scorza entre tradición e innovación. Finalmente, en el capítulo décimo ("El Fuego y la Ceniza, el desafío al escritor") trata de esbozarse el camino que intentaba seguir Scorza tras conc1uir su pentalogía. Un camino difícil que buscaba la renovación de temas, estructuras y formas narrativas, a pesar de verse todavía lastrado por el peso de su obra anterior. Así, La Danza Inmóvil, la primera y última entrega de esa trilogía inconc1usa que iba a ser El Fuego y la Ceniza, se propone como un proyecto de novela que pone en evidencia las contradicciones y la desesperación de los exiliados latinoamericanos en Paris, a la vez que pone en tela de juicio los oscuros mecanismos de internacionalización de la novela hispanoamericana heredera del 'boom', a la vez que cuestiona, de nuevo, el significado del éxito literario. / To build a world of fiction, with an own entity, parallel to the real world, creating a new reality, with autonomous rules, is one of the dreams of any writer and the basis itself of fictionality. Creating a literary possible world depends, to a certain extent, not only on the correspondences that may be established between reality and fiction, but also on the competence of interrelating the textual elements in such a way to weave them as a discursive self-referential framework. Anyway, its communicative capacity depends also not only on the narrative skills of the writer, but on apparently external factors, such as his power of conviction and persuasion in the pact sealed by the writer with their potential readers, in a more or less explicit way. From this communicative relationship, between authors and readers, derives the different reception that a literary work can achieve. In the present doctoral dissertation, it has been taken as an empirical case the literary work of the Peruvian writer Manuel Scorza (1928-1983), because in it, especially in the narrative cycle "La Guerra Silenciosa", there can be observed in detail the questions indicated above, that is, the constant confusions between reality and fiction induced by paratexts accompanying the novels or by the polemic assertions hold by the author from different media, the discussed acceptation of the communicative pact between author and reader in some cases (especially among his supposed natural public, the Peruvian readers), or the never-ending self-referential game that builds, novel by novel, a fictional world. To answer these questions, this dissertation is divided in three parts concerning: i) the writer's evolution, ii) the circumstances determining his controverted success and, finally, iii) the analysis of the narrative strategies employed by the writer in his novelistic cycle to create his particular world of fiction, intertwisting in any case the reception and the possible worlds theories.

Clarice Lispector será la máxima representante de la innovación del lenguaje y de la búsqueda interior, ubicada en el siglo XX, denominada como "narrativa intimista". Cultivada en el espíritu de las corrientes que predicaban la libertad del hombre y el rechazo a lo establecido, Clarice Lispector se vincula creativamente al existencialismo de Jean-Paul Sartre. El objetivo del presente trabajo de investigación, que lleva por nombre "La náusea literaria contemporánea en Clarice Lispector", es comprobar justamente que Clarice Lispector encarna el sujeto moderno por excelencia. Ella vive la modernidad como un proceso nauseante. He querido llamar a este trance náusea literaria, en la medida en que pese a tener un origen anímico, social, psíquico o filosófico, su solución es sin duda alguna artística. Su desenlace es la propia escritura.Se centra en el primer capítulo los aspectos biográficos e históricos que enmarcan la producción de Clarice Lispector. Para llegar al objetivo central de la tesis se incorpora la idea del flanêur y del Spleen de Baudelaire, así como del dériver del situacionismo de Guy Debord, para interpretar la dinámica espacial y anímica de sus personajes. Para ello, nos servimos del análisis crítico de las tesis de George Simmel, Baudelaire, Walter Benjamín y Félix de Azúa.El objetivo final de este trabajo es indagar en las relaciones entre la concepción de Náusea que acuña Jean-Paul Sartre y Maurice Merleau-Ponty y la Náusea contemporánea que reinventa Clarice Lispector. / Clarice Lispector is the most important representative of the 20th century current of "intimate narrative", marked by the innovation of language and a profound inner quest. Rooted in the spirit of the movements that sought human freedom and the rejection of the established, Clarice Lispector is creatively linked to the existentialism of Jean-Paul Sartre.The objective of this research, named "La náusea literaria contemporánea en Clarice Lispector" (The contemporary literary nausea of Clarice Lispector), is to demonstrate that she embodies the modern subject par excellence. She experiences modernity as a nauseating process. I decided to call this space "literary nausea" ("náusea literaria"), because, despite having an emotional, social, psychological and philosophical origin, its resolution is undoubtedly in art. The result of the process is the writing itself.The text begins by exploring the biographical and historical issues that form the context of Clarice Lispector's work. Baudelaire's ideas of the "flanêur" and of "spleen", as well as Guy Debord's situationist "derive", are then employed to interpret the spatial and psychological dynamics of Lispector's characters.Further critical analysis employs the theories of George Simmel, Baudelaire, Walter Benjamin and Félix de Azua.The overall aim of this work is to investigate the relationship between the concept of "nausea" developed by Jean-Paul Sartre and Maurice Merleau-Ponty and the "contemporary nausea" reinvented by Clarice Lispector.

La tesis es un estudio analítico de la obra literaria y teórica de la escritora afrocaribeña afincada en Canadá Marlene Nourbese Philip según teorías postcoloniales y posmodernas. Tras algunas consideraciones sobre la estructuración y enfoque del estudio, y una primera aproximación al contexto actual de la literatura y la comunidad canadiense afrocaribeña, el texto elabora una sucinta arqueología de la posmodernidad y establece unos principios para una "literatura posmoderna" que se aplicarán al corpus literario analizado. El análisis posterior pone de manifiesto la pertinencia de combinar etiquetas relacionadas con lo posmoderno con una literatura aparentemente minoritaria como es la de Philip, una literatura, por lo demás, marcada por el deseo de combatir el endémico racismo de que adolece la sociedad canadiense, y consagrada a hallar caminos de representación de la subjetividad de todo un colectivo: el de las mujeres afrospóricas de origen caribeño que viven en Canadá.