Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 122378.pdf: 798527 bytes, checksum: a428aa776efffd2a733c94e69be1d32f (MD5) Previous issue date: 2015-03-12 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This dissertation aims to investigate an intercourse between two different plans that permeates the work The Theatre and its Double by Antonin Artaud. They are the symbolic and the feel. On this endeavor, I seek, in the first instance, to support what such research is meant by the symbolic level, where the written of authors such as Saussure, Lévi-Strauss, Foucault, Blanchot and Derrida, serve as a basis to support the symbolic perspective in respect with certain themes present in the early Artaudian works which dealt language, as in its struggle with the language and the repetition question, in order to build a relationship between critical Artaud the theatrical performance and its criticism to representation in their own language. The focus, then, is on The Theatre and its Double to investigate more specifically the perspectives the prospects that open from the body. Through this connections I propose a relation between theatre, structural anthropology and Lacanian psychology, in order to give consistency the existent relation between symbolic and the body, relation that both interested Artaud, as well the boundaries between the symbolic articulation and the body. The last section seeks to outline the plan of the sensation here directly related to the body where they are analyzed the procedures pointed by Artaud to escape the symbolic articulation of representation and, in this move, to achieve the public sensitivity. Investigations of Gilles Deleuze about Artaud serve as a fertile ground for thinking how the arts can provide the interface between the symbolic and the feel. / Esta dissertação busca investigar a conversação entre dois planos diferentes que permeiam a obra O Teatro e seu Duplo de Antonin Artaud. São eles, o simbólico e a sensação. Nesta empreitada, busco, no primeiro momento, fundamentar o que tal investigação entende por plano simbólico, onde os escritos de autores como Saussure, Lévi-Strauss, Foucault, Blanchot e Derrida, servem de base para fundamentar a perspectiva de simbólico em relação a certos temas presentes nas primeiras obras artaudianas que tratavam da linguagem, como seu combate com a linguagem e a questão da repetição, à fim de construir uma relação entre a crítica de Artaud à representação teatral e sua crítica à representação na própria linguagem. O foco, a seguir, recai sobre O Teatro e seu Duplo para se investigar mais especificamente as perspectivas que abre em relação ao corpo. Através dessas conexões proponho uma relação entre teatro, antropologia estrutural e psicanálise lacaniana, com o intuito de dar consistência à relação existente entre o simbólico e o corpo, relações que tanto interessavam Artaud, assim como os limites entre a articulação simbólica e o corpo. A ultima parte do texto pretende dar conta do plano da sensação ¿ diretamente relacionada ao corpo ¿ onde são analisados os procedimentos apontados por Artaud para escapar à articulação simbólica da representação e, neste movimento, atingir a sensibilidade do público. As investigações de Gilles Deleuze acerca de Artaud servem como terreno fértil para pensar o modo como as artes podem constituir a interface entre o simbólico e a sensação.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Ismael Scheffler cap 1.pdf: 520152 bytes, checksum: 9949a6b2993680250d30506ae3cd821c (MD5) Previous issue date: 2004-04-22 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / O tema deste trabalho se relaciona de forma direta com minhas preocupações como diretor teatral, já que a prática desta função me impõe uma aproximação às diferentes linguagens que conformam o espetáculo teatral, sendo o espaço o lugar onde essas linguagens se articulam. O papel do diretor vai além do exercício de um olhar exterior que se limita a enfocar o desenvolvimento das ações do ator. A função do diretor está mais próxima de ser uma tarefa que outorga coerência ao conjunto de signos que se fazem presentes no processo espetacular. Esse conjunto de signos determinado pela articulação dos diferentes elementos - luz, som, cenário, texto, ator, etc - aparece nas idéias do projeto inicial, embora só adquiram uma forma mais acabada através do processo de construção (ensaios), e que é confrontada cada vez que se expõe ao público. O longo processo de construção, acomodação e reajuste de um espetáculo, que segundo Meyerhold, não termina na estréia, mas sim no momento em que o espetáculo sai de cartaz, se sustenta num elemento que não pode deixar de ser considerado desde o princípio deste processo: o espaço cênico. A escolha do espaço, isto é, a determinação do modo como o conjunto de signos vai ser espacializado , define o rumo dos sentidos do espetáculo. O sentido final vai ser construído pelo público, que tem uma participação ativa da leitura semântica do espetáculo. Portanto, o conceito de espaço, não pode ficar restrito à idéia de cenário, imagem freqüente quando se fala de espaço no teatro.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Glaucia Grigolo O PARADOXO DO ATOR-MARIONETE.pdf: 1506903 bytes, checksum: b5d51f63a9d43f427e8cad7e8380dca8 (MD5) Previous issue date: 2005-04-29 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Este texto busca refletir sobre as implicações do conceito de ator-marionete, partindo do pressuposto que este constitui um paradoxo, pois a função ator remete a uma autonomia, enquanto que a marionete subentende a manipulação por outro que esteja fora de seu corpo. A estrutura do texto está dividida em três capítulos que fazem diálogos com práticas artísticas contemporâneas. O Capítulo Primeiro trata da explicitação dos termos e conceitos relacionados com o paradoxo do ator-marionete e dialoga com a experiência prática do grupo Cena 11 Cia.de Dança, de Florianópolis, SC, que utiliza a idéia de corpo-remoto-controlado para sua pesquisa com bailarinos. O Capítulo Segundo contempla as idéias de alguns importantes diretores e autores que buscaram, no século XX, ajustar a atuação dos atores ao modelo de perfeição das marionetes e dos manequins. Figuram nesse contexto nomes como Henrich Von Kleist, Edward Gordon Craig, Vsevolod Meyerhold, Tadeusz Kantor, entre outros. A prática contemporânea comentada nesse capítulo é resultante de uma oficina ministrada por Leszek Madzik, diretor polonês atuante no mundo todo. Por fim, o Capítulo Terceiro trata de um olhar sobre a proposta artística do grupo argentino El Periférico de Objetos, sua concepção estética, a relação com os atores e com os objetos. O ator-marionete deve compreender que seu lugar na estrutura do espetáculo é de um componente dentro do mecanismo que dá vida à encenação.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Yiftah Partes Iniciais.pdf: 146852 bytes, checksum: 83bba8f72e6842e3d418cb2b1b1cf816 (MD5) Previous issue date: 2005-12-05 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Este trabalho tem como objetivo geral a realização de um estudo sistemático sobre o fenômeno denominado Ready Made Performático (RMP). Esse termo refere-se a uma unidade performática inserida e incorporada em outra instância da performance e pode ser definido como a inclusão de um feixe de comportamentos performáticos em outro fenômeno performático. Esse deslocamento muda o contexto do fenômeno, preservando, entretanto, a característica performática da ação deslocada. O RMP resulta da junção do conceito de ready made, objeto pronto, e do seu deslocamento para o âmbito da arte, conceito desenvolvido pelo artista plástico Marcel Duchamp, acrescido de idéias sobre a performance do âmbito social dos teatrólogos Richard Schechner e Bert O. States e do sociólogo Ervin Goffman. O trabalho analisa aspectos da performance e seu valor, incorporados num contexto de arte. A título de estudo de caso, o trabalho pretende analisar a adoção da prática do RMP no espetáculo Apocalipse 1,11 (2000) do grupo do Teatro da Vertigem. Para cumprir tal objetivo será apresentado o Teatro da Vertigem a partir de sua trajetória e de seu método de trabalho, focando nos aspectos de experimentação do grupo, nos processos de encenação, no método de depoimento pessoal, nas questões de risco teatral, na preparação e na presença corporal dos atores, nos locais de encenação, escolhidos por eles, e na sua busca de interação com o público. Acredita-se que essas diversas dimensões do Teatro da Vertigem contextualizam o uso do RMP na peça do Apocalipse 1,11.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Maria Aparecida.pdf: 483567 bytes, checksum: bc51eedbd1ac837fad2a7fdd5e4e020f (MD5) Previous issue date: 2005-09-25 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Este estudo analisa como a metodologia de Viola Spolin, explicitada no livro Improvisação para o Teatro, (2001), contribui para o aluno empreender reflexão crítica sobre os processos de indistinção estética na pós-modernidade. Esta pesquisa discorre sobre as matrizes teatrais e pedagógicas da metodologia de Spolin partindo de dois pilares desta: jogos e improvisação teatral. Tomando a pós-modernidade como condição histórica e cultural, este texto reflete sobre os conceitos de barbárie, sociedade tecnoestética, sociedade espetacular ou midiática. Busca-se a discussão sobre como a expansão da imagem associada à tecnologia e à mercadoria provoca a estetização do cotidiano, tornando inoperante a capacidade de nossos alunos de diferenciar arte e sua função social. O trabalho apresenta o embate entre os processos de indistinção estética e o teatro como realização singular, diferida, trazendo a análise sobre os procedimentos descritos em Spolin para as práticas de teatro-educação e sobre as maneiras pelas quais estes podem ser vislumbrados como instrumentos de reflexão a respeito dos processos de indistinção estética na pós-modernidade.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Janaina Martins.pdf: 141620 bytes, checksum: 2a46d07f4566e80da244815f8382f723 (MD5) Previous issue date: 2004-04-01 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Este trabalho discorre sobre a corporeidade orgânica da voz na formação do ator, numa visão panorâmica que envolve a fase da preparação, a fase da criação corpóreo-vocal cênica e a função que a voz tem na cena. Na contemporaneidade, a relação corpo-voz recebeu diversos tratamentos no meio teatral, segundo as acepções científicas vigentes. As mudanças foram desde um treinamento mecanicista do ator até uma preparação vocal orgânica; desde um ator recitador do texto escrito até um ator criador-dramaturgista; desde uma função da voz na cena como transmissora da mensagem do texto escrito até uma função da voz como compositora da dramaturgia sonora. No que tange à preparação do ator, o objetivo deste trabalho é verificar a integração orgânica entre a voz e a sua natureza corpórea. Nesse particular, serão estudadas especificamente as relações da voz com a respiração/ressonância vocal, com os apoios corpóreo-vocais e com as articulações do corpo como um todo, dentro da cena e fora dela. A partir desses pressupostos, a técnica vocal passa a ser compreendida como um veículo para a consciência corpórea, entendendose a relação corpo-voz como uma totalidade que abrange seus aspectos físico-mentalemocional- energéticos. No que tange à criação do intérprete, pesquisam-se também a composição das sonoridades das ações verbais e a sua integração com a gestualidade do ator; a corporificação do texto do ator nas composições das ações verbais da personagem, sendo o intérprete visto como criador-dramaturgista das ações verbais, segundo seu imaginário e o do encenador. Quanto à função da corporificação da voz na cena, esta pesquisa aponta para a função que mais do que passar uma mensagem , consiste em criar a dramaturgia sonora que sensibilizará o espectador, instigando-o a desvendar os sentidos do espetáculo também por meio da vocalidade poética.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Janine K Abreu.pdf: 134066 bytes, checksum: 4a46d41f43faf82012bb025e3854cff1 (MD5) Previous issue date: 2004-11-29 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Por cerca de dois anos trabalhei nas editorias de cultura dos jornais Diário Catarinense e A Notícia, ambos de Santa Catarina. Durante este período pude perceber o descrédito dos artistas de teatro para com a imprensa. A reclamação era quase generalizada sobre o espaço dado ao teatro nos jornais. A imprensa, segundo os artistas, dava pouca atenção a esta forma de arte, mas o maior problema era com a crítica teatral. Esta percepção se tornava mais estranha, já que naquela época (1992) não havia críticos teatrais em Santa Catarina. Quase como algo atávico, os que lidavam com o teatro reclamavam da crítica nacional, sendo que muitos daqueles nunca tinham tido seus espetáculos analisados por críticos. Desta forma, ao fazer minha monografia de especialização1 pesquisei qual a origem das divergências que ocorriam entre artistas e críticos. O meu maior questionamento foi acerca das razões do desentendimento entre os profissionais de teatro com relação ao trabalho realizado pela crítica teatral. Percebi que o que havia, naquele momento, virado preconceito, pelo menos por parte dos não-criticados, não podia ser analisado de forma geral. Sendo assim, neste trabalho busquei três casos-modelo, com razões de conflitos diferenciados para buscar melhor compreender os desentendimentos entre a classe teatral e a crítica de teatro. Os casos escolhidos foram: a saída de Décio de Almeida Prado de sua função de crítico, em 1968, depois que artistas devolveram os prêmios Saci em protesto à postura do jornal O Estado de S.Paulo em relação à censura; o embate entre José Celso Martinez Corrêa e Sábato Magaldi devido à análise do crítico ao espetáculo Gracias, Señor e o conflito entre Bárbara Heliodora e Gerald Thomas, após a primeira haver dito que ele não era bom autor, em 1993.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:04Z (GMT). No. of bitstreams: 1 _Moira_Stein_-_Corpo_e_Palavra.pdf: 517570 bytes, checksum: 4595b5a002b7f5e0b4ac8eb04742b5c9 (MD5) Previous issue date: 2006-12-15 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Esta dissertação reflete sobre a relação corpo-palavra no trabalho do ator contemporâneo, enfocando a procura da organicidade da fala e o papel que a ritualização desempenha em tal busca. Na primeira parte da dissertação, é esenvolvido um estudo teórico sobre as idéias e as pesquisas de Antonin Artaud, Jerzy Grotowski e Peter Brook, no âmbito da voz, da fala e da linguagem verbal, considerando que tais autores têm influência significativa sobre o teatro contemporâneo, no que concerne ao aprofundamento do trabalho do ator e à procura da ritualização do ato teatral. Os três autores citados desenvolveram experiências práticas, mergulhando na experimentação da voz humana, na sua manifestação não-verbal e aprofundando o conhecimento concreto de um território vocal que integrará também a palavra falada: a linguagem verbal é resgatada em seu aspecto sonoro, concreto, bem como em sua origem ligada ao sagrado e ao mítico. Inspirando-se em culturas tradicionais, chegam à proposição de uma fala teatral mais próxima de sua origem antropológica, ritual e cerimonial. A análise desenvolvida nesta primeira parte da dissertação procura elucidar alguns processos de integração orgânica entre a linguagem verbal e o corpo do ator. Na segunda parte da dissertação, enfocam-se duas experiências atuais e brasileiras na prática da experimentação vocal nas quais identificamos prolongamentos das abordagens dos autores estudados. Procura-se dar ênfase à prática formativa, com um estudo do trabalho do ator e diretor Carlos Simioni sobre a ação vocal, no âmbito das pesquisas do Grupo Lume de Campinas (SP), e dos diferentes processos da voz-terapia trabalhada por Sonya Prazeres. Serão descritas e analisadas as práticas vocais oferecidas por eles. A criação de um método de estruturação física para a voz, como um recurso para canalizá-la através dos ressonadores, trabalhando a sua vibração em diferentes regiões do corpo, é o foco das oficinas de Simioni. Aliado às pesquisas desenvolvidas pelo Lume, com as matrizes vocais e a montagem, oferece uma forma prática de integrar corpo e voz. O Vibrato Crescente da vozterapia, com a abordagem dos ressonadores da voz através dos arquétipos, esenvolvido por Prazeres, visa à abertura da expressão pessoal, útil ao trabalho do ator, nos seus processos criativos. Ambos os trabalhos se aproximam de uma visão do transcendente, na qual a noção de vibração alia corpo, voz e fala do ator.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:04Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Josanne.pdf: 498922 bytes, checksum: 8941ad509baa9d9678f08c50d3ce6f67 (MD5) Previous issue date: 2007-03-12 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / A hipotese desenvolvida nessa dissertação é de que o teatro poderia contribuir para a relação escola-comunidade. Num primeiro momento, tentamos conhecer o tipo de relação escola-comunidade que vem se constituindo ao longo do século XX. Nesse longo processo marcado pelo autoritarismo, mantem-se ações contraditórias ora paternalistas, ora de controle social. ainda hoje, estudos indicam a presença dos condicionantes do autoritarismo que dificultam a participação da comunidade na escola.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:04Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Jaqueline.pdf: 792223 bytes, checksum: d8fffccef1db68eeb666eb5df9f720ca (MD5) Previous issue date: 2007-10-10 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / A presente dissertação discute o conceito de ator no Teatro Essencial de Denise Stoklos, a partir de um mapeamento da trajetória da artista desde seu começo, no estado do Paraná, até os dias de hoje. Tal mapeamento visa apresentar as transformações dos procedimentos técnicos e poéticos que, ao estabelecer uma nova relação entre o ator e seu ofício, culminam na consolidação do Teatro Essencial. Através de uma abordagem teórica e prática, este trabalho relaciona os procedimentos do ator concebido por Denise Stoklos com o que diz respeito ao desenvolvimento de outras expressões de atuação - em suas aproximações com a idéia de performer, ou ainda na confluência entre a mímica e a performance art.