Mon mémoire présente une réflexion sur l'écriture en art à l'ère du numérique, investissant les enjeux actuels de cette pratique au regard des principes fragmentaire, hétérogène et labile que présente l'œuvre hypermédiatique, considérant les effets de sa conjoncture associative qui sollicite la participation du spectateur de manière singulière. J'y observe un corpus de quatre créations – Prenez soin de vous, de Sophie Calle, For Chicago, de Jenny Holzer, Listening Post, de Ben Rubin et Mark Hansen et Flußgeist, de Gregory Chatonsky –, dégageant les modalités propres et communes à leur dispositif interactif, en envisageant l'écriture qui leur est endogène et exogène sous le concept performatif de la trans|écriture. Un second corpus, textuel celui-ci, se distingue du cadre théorique – où Jacques Rancière, Jean-François Lyotard, Jean-Marie Schaeffer, Jean-Pierre Fourmentraux, Roberto Barbanti et Pierre Lévy font figure de proue – en ce qu'il fait l'objet d'une mise en dialogue avec les œuvres qui travaille littéralement sa matière. Les auteurs de ces textes sont Anne Cauquelin, Samuel Archibald, François Recanati, Samuel Bianchini et Jens Hauser. L'écriture est ici envisagée dans une perspective politique, pour son pouvoir de transformation, poétique, pour ses portées littéraires, et poïétique, pour la dimension processuelle de son travail en acte_s, qui engage des boucles de lecture et d'écriture dans un potentiel infini, un jeu de langages qui est le cœur problématique du mémoire. Ce dernier se présente sous la forme de quatre actes, ceux-ci correspondant respectivement aux scènes d'introduction, de lectures, d'écritures et d'ouverture. La dialogique coconstructiviste qui anime le mémoire, inspirée d'Edgar Morin, fait cohabiter plusieurs éléments sans chercher à réduire les tensions qu'implique leur corps à corps. Ma méthodologie de recherche est de nature exploratoire, faisant intervenir des expériences théoriques et pratiques, notamment des textes qui ont été créés et publiés dans le cadre de la maîtrise, sortes de réflexions pratiques qui ont servi de tremplin à son développement. L'ensemble du projet relève ainsi d'une recherche-création. Au final, mon mémoire propose des modes alternatifs de savoir et d'écriture de l'œuvre, qui, sans exclure les ascendants théoriques et scientifiques qui les conditionnent traditionnellement, font place à la subjectivité, à la littérarité et à la performativité comme vecteurs sensibles de l'histoire de l'œuvre. Le mémoire tente lui-même de mettre ces motifs en pratique. En somme, ma visée est de valoriser et de renouveler la pratique de l'écriture sur l'art, de positionner son ouvrage en tant qu'œuvre de l'œuvre dans l'économie de l'art, de situer ces idées au sein de l'écologie de ses pensées. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : art actuel, art hypermédiatique, écriture, trans|écriture, performativité, littérarité, politique, poïétique, recherche-création.

Prenant pour point de départ l’omniprésence de l’animal dans l’art actuel, notre recherche s’attache à comprendre comment la question de l’altérité, souvent explicite dans le discours des artistes contemporains qui utilisent le thème de l’animal, se pose à travers ce dernier. En effet depuis le romantisme et suite à une crise propre à la modernité, l’homme, accablé par une mélancolie et la nostalgie de l’Harmonie et de l’Unité perdue, cherche à combler le fossé qui le sépare de « l’absolu ». C’est dans cette tentative de réconciliation que l’animal en tant qu’altérité prend une place importante. Ainsi dès le milieu du XVIIIe siècle l’attention de l’homme européen se tourne vers ces autres qui sont les « sauvages », les enfants et les animaux. Un nouveau type de rapport entre l’homme et l’animal s’instaure alors. Nous étudions ce changement de rapport en commençant avec Goya et sa descente aux enfers qui interroge la vérité de l’homme. Ensuite nous cherchons à comprendre comment se manifeste l’attrait pour l’« exotisme » chez les romantiques, peu à peu remplacé par la question de l’« éthique », pour enfin aboutir à une certaine forme d’ « animalisme ». / By taking into account the omnipresence of the animal in present art as a point of departure, our research seeks to conceive how the question of otherness, often explicitly articulated in the discourse of those contemporary artists who use the animal theme, has been put forward through it. In effect, since the romanticism and its successors have posed a real crisis to the modernity, the man, overwhelmed by melancholy and nostalgia of the past harmony and its lost unity, seeks to bridge the gap that separates her from the “Absolute.” It is in this endeavour of reconciliation that the animal as otherness holds an important position. Since the eighteenth century, the attention of the European man has turned to these forms of “others,” as the “wild,” the children and the animals. Then a new kind of relation has been developed between the Man and the Animal. Here we study this change of relation, inaugurated by Goya, and its descent into hell that queries the truth about Man. Afterwards we seek to understand how the attraction of “exoticism” among the romantics has been manifested, while gradually replaced by the question of “ethics,” that finally lead to a certain form of “animalism.”

Un examen des relations basicrânio-faciales et leurs variations au cours de l'ontogenèse est réalisé chez l'homme moderne. L'étude de la « typologie » faciale sagittale (classe squelettique) est envisagée en relation avec la configuration de la base du crâne. L'objectif est d'établir un modèle de développement basicrânio-facial conduisant aux différentes typologies faciales de l'homme actuel. - Une première étude bidimensionnelle a pour but de définir les variables de la base du crâne caractéristiques des relations faciales dans les dysmorphoses sagittales extrêmes. Ces résultats soulignent le lien entre flexion de la base du crâne, sa région postérieure et le décalage antéro- postérieur de la face. - Une seconde étude sur scanners Rx s'attache aux interactions entre la dimension transversale et sagittale. Elle confirme l'importance du positionnement antéro-postérieur des structures basicrâniennes dans la conformation faciale sagittale. Elle révèle peu de liens entre la dimension transversale de la base du crâne et les prognathismes maxillaire et mandibulaire, mais souligne l'influence de l'orientation des pyramides pétreuses, de l'écartement des processus ptérygoïdiens et de la flexion sphénoïdale. - Une troisième étude longitudinale analyse l’évolution des variables mises en évidence selon l'âge et le stade d'évolution dentaire pour chaque classe squelettique. Les paramètres basicrâniens ne sont pas prédéfinis à la naissance, ceux décrivant la flexion et la région postérieure de la base du crâne deviennent caractéristiques plus tardivement. Les stades occlusion de la denture temporaire et évolution de la première molaire permanente sont des évènements clés dans le lien entre la base du crâne et le type facial. Un modèle de développement basicrânio-facial est proposé à partir des trois conformations crânio-faciales dégagées (dysmorphoses squelettiques). Des perspectives en anthropologie des populations anciennes et actuelles sont proposées. / Basicranio-facial relationships and their variations during ontogenesis are studied on the modern human. The study of the sagittal facial typology (skeletal class) has been realized in relation with the cranial base shape. The aim was to establish a model of the basicranio-facial development leading to the different facial typologies of modern human. - A first two-dimensional study aims to define the variables of the cranial base caracteristical of the facial relations in the extreme sagittal dysmorphoses. The results show the link between the flexion of the cranial base, its posterior region and the facial antero-posterior discrepancy. - A second study on X-ray scanners looks into the interactions between the transverse and sagittal dimension. The results suggest the importance of the antero-posterior positioning of the cranial structures in sagittal facial shape. This study reveals few relationships between the basicranial transverse dimension and maxillary, mandibular prognathism, but shows the influence of the petrous pyramids orientation, the distance between pterygoid processes and the cranial base angle flexion. - A third longitudinal study analyzes the evolution of the variables observed in relation with the age and the stage of dental evolution for each skeletal class. The basicranial parameters are not predetermined at birth, those describing flexion and the posterior region of the cranial base become characteristic later on. The stages of the deciduous occlusion denture and of the first permanent molar evolution are key events for the link between cranial base and facial type. Based on the three craniofacial shapes described (skeletal dysmorphoses) a basicranio-facial development model is proposed. Perspectives in ancient and modern population anthropology are suggested.

La fabrication populaire des habitations et de leur aspect extérieur en particulier font l’objet de discrédit de la part des groupes dominants de la société. Considérée comme illégitime car produite en marge des procès de production officiels et architecturaux, l’esthétique vernaculaire actuelle des habitations populaires constitue pourtant la majeure partie du paysage urbain tunisois. Ce travail se veut une modeste contribution à la réhabilitation symbolique de cette fabrication et de son esthétique en particulier. L’aspect des façades telles qu’elles se présentent à la vue des passants à partir de l’espace public nous a conduite, en tant qu’architecte, à nous questionner au départ sur la façon de faire des habitants constructeurs pour fabriquer une esthétique sur la façade de leur habitation, tout en cherchant à nous enquérir de l’existence ou non d’une conscience de l’image ainsi renvoyée d’eux-mêmes à l’espace urbain. Les nombreux échanges menés avec nos interlocuteurs durant les enquêtes de terrain et l’analyse des données recueillies nous ont progressivement convaincue que les modalités de fabrication esthétique du côté habitant se basaient moins sur des considérations formelles que pratiques, ainsi que d’une considération grandissante de l’image de l’habitation telle qu’elle est renvoyée à l’espace public. / The popular construction of dwellings and their appearance in particular are discredited by the dominant groups in society. Considered as illegitimate as it is produced on the margins of official and architectural production processes, the current vernacular aesthetic of popular dwellings however constitutes a major part of the Tunisian urban landscape. This work is a modest contribution to the symbolic rehabilitation of this production and its aesthetics in particular. The façades as they appear to bystanders from the public space has led me, as an architect, to initially question how the inhabitant builders proceed to create an aesthetic on the facade of their dwelling, while seeking to inquire about the existence or not of an awareness of the image thus returned to the urban space. The numerous consultations with our interlocutors during the field surveys and the analysis of the collected data gradually convinced us that the methods of aesthetic fabrication by the inhabitant were based less on formal than practical considerations, as well as a growing awareness of the image of the dwelling as it is sent back to the public space.

Cette recherche vise à élaborer une théorie de la pratique et une philosophie morale qui n’accorderaient aucune réalité à des possibles ou à des virtualités. Si l’inspiration bourdieusienne hante notre propos, c’est à partir de Spinoza que nous tentons dans un premier temps de construire un concept de disposition qui soit débarrassé de toute connotation indéterministe en référant les dispositions à des états de corps actuels et en clarifiant le sens de la notion, trop souvent confondue avec d’autres (aptitude, capacité, habitus). Nous montrons dans une deuxième partie que l’incorporation de l’extériorité dans des dispositions actuelles s’accompagne, conformément à la philosophie spinoziste, d’un effort nécessaire et déterminé pour accomplir aussitôt ce que l’agent est condamné à accomplir. La disposition désigne une puissance qui va au bout de ce qu’elle peut, abstraction faite de contrariétés internes ou externes. Si la puissance d’agir peut augmenter ou diminuer, l’effort ne peut être qu’aidé ou contrarié. L’agent est un automate, mais un automate qui s’efforce d’effectuer de gré et nécessairement ce qu’il est forcé d’effectuer, même s’il s’avère que c’est pour le pire. Cela nous conduit dans une troisième partie à contester les interprétations de la philosophie pratique spinoziste en terme d’aliénation. Nous montrons aussi que l’intellectualisme spinoziste doit être largement redéfini, la libération ne pouvant s’effectuer sans compter sur les « dispositions du dehors », y compris l’imagination d’un progrès possible. Enfin, si l’agent automate se signale par la grande inconstance de ses dispositions, il faut le disposer à agir dans un sens favorable à la raison. Le fonctionnement de l’État doit reposer sur la seule mécanique des institutions, puisqu’il est acquis qu’on ne peut vraiment compter sur personne. / This research aims at developing a theory of practice and a moral philosophy that leaves no place for what is merely possible and virtual. While inspired by the sociology of Bourdieu, I first draw on Spinoza to develop a concept of disposition that is freed of all indeterminist connotations by referring dispositions to actual states of the body so as to clarify the meaning of the term, which is so often confused with concepts such as aptitude, capacity, habitus. In the second part of this work, I show that the incorporation of the exteriority comes with the necessary effort to immediately accomplish what the agent is condemned to accomplish. « Disposition » refers to a power that sees through to the end what it can, notwithstanding internal and external impediments. If the power to act increases or diminishes, effort itself can only be helped or hindered. Thus, the agent is an automaton, but one that willingly strives to do what it is compelled to do, even if it is for the worst. Consequently, in the third part, I contest interpretations that relate human bondage in Spinoza’s ethics to alienation. I argue that Spinoza’s intellectualism must be redefined : emancipation cannot occur without relying on the dispositions we receive from the common order of Nature, including imagining possible progress. Finally, although the automaton is characterized by the inconstancy of his dispositions, he has to be disposed in a way that is favorable to reason. The workings of the state should rest solely on the mechanism of the institutions, as it has been established that we really cannot rely upon anyone.

Cette recherche vise la modélisation d'une pratique artistique avec des communautés, la saisie des principes et des actes qui l'animent. La modélisation se rapporte de façon plus spécifique aux dynamiques des fonctionnements reliant façons d'être et méthodes de travail. Méthodologiquement la construction du modèle a profité de la conjugaison des perspectives heuristique et systémique, l'heuristique favorisant des allers-retours entre l'expérience et la réflexion; la systémique permettant la saisie de complexités organisées. La pratique artistique modélisée s'étale sur trente ans : le savoir s'est donc élaboré à partir d'une solide expérience de terrain. La recherche s'inscrit dans une perspective où la pratique est considérée comme lieu privilégié de développement de connaissances. La construction du modèle s'appuie sur des repères théoriques permettant d'éclairer la pratique et la forme des liens qui l'imprègnent, à partir de points de vue touchant à la fois à l'esthétique (Ardenne, Bourriaud, Nancy), à la sociologie (Godbout, Bolle de Bal), à l'éducation (Dewey, Freire), à la philosophie (Arendt), à la psychanalyse (Winnicot) et à la théologie (Basset). Les résultats de la recherche donnent à voir un portrait de la pratique d'abord à travers l'exposition qui en témoigne et ensuite à travers les principes qui orientent la construction de « l'Œuvre-édifice » dans le « grand chantier » de l'art qui relie; ce portrait est également posé à travers les sept actes représentant les fonctionnements essentiels de la pratique modélisée : quatre actes de conception où se définissent les liens qui se tissent entre la communauté et l'artiste et trois actes de réalisation éclairés par les concepts de jeu (Winnicott), de joie (Basset) et de don (Godbout). ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Reliance, art communautaire, arts actuels, pratique participative, contexte, démocratie culturelle, hétérotopie, création collective, modélisation, pédagogie, jeu, joie, don

Qu'est-ce qui fait de la philosophie une discipline autonome par rapport aux sciences ? Centrale dans l’œuvre de Granger, cette question nous conduira à examiner l'opposition entre deux procédés : la structuration scientifique et l'interprétation philosophique. La première construit l'expérience dans des structures d'objets, tandis que la seconde la commente dans des systèmes de significations. Nous montrerons comment ces deux procédés prolongent une distinction plus fondamentale qui se situe au niveau même de la réalité : le virtuel et l'actuel. En reconnaissant que le parcours de la connaissance est un va-et-vient constant entre l'actualité brute de l'expérience et sa virtualité construite, le chemin de la science à la philosophie se tracera ainsi : au point de départ - les sciences formelles - lieu de naissance du virtuel ; à une étape intermédiaire - les sciences empiriques - moment de confrontation du virtuel à l'actuel ; à l'aboutissement - la philosophie - champ d'unification de la réalité dans la totalité de ses aspects. / What makes philosophy an autonomous discipline regarding sciences? Central in the oeuvre of Granger, this question will lead us to examine the opposition between two procedures: the scientific structuration and the philosophical interpretation. The first builds the experience in structures of objects, whereas the second comments it in systems of significations.We will demonstrate how these two procedures extend a more fundamental distinction that lies in the very level of reality: the virtual and the actual. Acknowledging that the course of knowledge is a constant back and forth between the crude actuality of experience and its built virtuality, the way from science to philosophy can be drawn as follows: at the starting point - formal sciences - birthplace of virtual; to an intermediate stage - the empirical sciences - moment of confrontation between the virtual and the actual; and ultimately - the philosophy - unification field of the reality in the totality of its aspects.

Notre posture épistémologique relève d'une approche « anthropo-socio-sémio-technique », c'est-à-dire que notre objectif est d'étudier les médiations technologiques et éducatives comme des dispositif techno-sémio-pragmatique{Paraya, 1999) dans le paradigme de la complexité (Morin, 1990). Partant de l'idée à la suite de Vygwsky (1985), Nonnan (1993), Lévy (1997) el Peraya (1999) selon laquelle les outils ou artefacts cognitifs participent à l'élaboration de notre pensée et peuvent agir sur notre cognition, nous avons posé comme premières hypothèses qu'un cours au même contenu sémantique, médiatisé de 4 façons différentes avaient des effets différents sur la mémorisation. Pour vérifier cette première hypothèse, nous avons mis En place 4 cours au contenu identique, mais médiatisés de manières différentes : 1) oral 2) Powerpoint sans prise de notes 3) Powerpoint avec prise de notes 4) cours en 3D en imagerie virtuelle immersif et interactif. Noire deuxième hypothèse, étant de savoir si le type de médiatisation changeait la communication, nous avons complété notre première étude par une analyse qualitative par l'attribution d'entretiens eompréhensits en essayant de voir comment nos 90 étudiants avaient vécu la situation communicationneile. Enfin, nous avons mis en place un tableau des différentes composantes des 4 formes de médiatisation (selon le modèle de Peraya). Nous nous situons dans le cadre des études pédagogiques médiatisées (Peraya, 2004) et dans le champ des outils éducatifs de communication (Moeglin, 2005).

L’art furtif est un procédé artistique qui consiste à intégrer l’art de manière anonyme dans l’espace urbain, et ce, sans qu’une signalétique explicite en désigne le statut artistique. Créées sous l’anonymat, en secret et sans public, les actions furtives intègrent le champ artistique à travers la documentation que les artistes produisent pour les enregistrer. Cette documentation sera ensuite présentée dans plusieurs situations de diffusion. Cela va de l’exposition d’art jusqu’à son catalogue d’exposition, en passant par toutes formes de communications promotionnelles de l’exposition et dans lesquelles une documentation d’œuvre est susceptible d’apparaître : pamphlets, affiches, dossier de presse, site internet mis en place pour l’occasion, pages événementielles sur les réseaux sociaux, etc. Au-delà de ces situations de diffusion qui se rattachent à un événement précis, il y en a d’autres qui sont plus indépendantes : présentations, conférences, articles de revue, publications. Notre travail s’attache à démontrer plus concrètement, à travers le travail artistique de Diane Borsato, karen elaine spencer et Steve Giasson, comment des documents photographiques faisant l’objet de différents modes de diffusion ont permis à des gestes, des interventions ou des performances qui semblent n’avoir rien de particulier — à part la volonté de passer inaperçus — de devenir des œuvres d’art connues. Nous cherchons à saisir les médiations ayant permis l’intégration des actions furtives dans le champ artistique. Il s’agit de mieux comprendre d’une part, leur nature, et d’autre part leur mécanisme de fonctionnement, soit tous les acteurs, les situations et les actions ayant participé à leur développement. L’étude des médiations permettra en retour d’identifier la fonction d’une documentation d’œuvre au sein d’une situation de diffusion — de même que la fonction de cette dernière — ce qui, tout bien considéré, permettra une meilleure compréhension de l’action furtive et de sa réception. / Art furtif is an artistic process that consists of integrating art anonymously into urban space, without any explicit signage designating its artistic status. Produced anonymously, in secret and without an audience; furtive actions are integrated into the artistic field through documents of all kinds. These documents are then transmitted through a variety of media. These range from art exhibitions to exhibition catalogues and all of its forms of promotional communications in which the documentation of an artwork is likely to appear: pamphlets, posters, press kit, website set up for the occasion, event pages on social networks, etc. Beyond these modes of transmission, which are linked to a specific event, there are others more independent media such as presentations, conferences, journal articles and publications. Our task is to demonstrate, through the work of Diane Borsato, karen elaine spencer and Steve Giasson, how photographs have made it possible for gestures, interventions, or performances, which seem to have nothing in particular—apart from their desire to go unnoticed—to become known works of art. Our goal is to understand the mediations that have allowed the integration of furtive actions into the artistic field. This study gives a better understanding of their nature and underlying mechanism. Studying mediations will in turn make it possible to identify the function of an artwork documentation within a given medium — as well as the function of the latter — which, all things considered, will provide a better understanding of furtive action and its reception.

Le caractère éphémère de la performance rend son collectionnement difficile pour les différentes institutions dédiées à l’art contemporain et, par conséquent, engendre une mauvaise représentativité de la pratique artistique dans les collections publiques. En effet, le musée se montre réticent devant ce processus qu’il considère nécessairement problématique. De son côté, la Politique d’intégration des arts à l’architecture collectionne uniquement les œuvres matériellement stables et, malgré cela, elle rencontre plusieurs difficultés. De toute évidence, le collectionnement de la performance s’avère tout simplement impensable pour elle. C’est pourquoi ce mémoire s’intéresse plus particulièrement au programme d’intégration inédit d’Art actuel 2-22. J’aime Montréal et Montréal m’aime de Thierry Marceau fait effectivement exception dans la mesure québécoise, car, une fois ses cinq phases complétées, cette œuvre performative sera épuisée. Cette intégration est considérée en tant qu’étude de cas nous permettant de défendre la présence de l’éphémère sur la place publique. / The ephemeral nature of performance makes it difficult to collect for the institutions dedicated to contemporary art and, therefore, generates a misrepresentation of this artistic practice in public collections. Indeed, the museum is reluctant to this process that it considers necessarily problematic. For its part, the Art and Architecture Integration Policy only collects works materially stable and, despite this, it encounters several difficulties. Obviously, collecting performance is simply unthinkable in this case. That is why this thesis focuses on the novel integration program of Art Actuel 2-22. J’aime Montréal et Montréal m’aime of Thierry Marceau is effectively an exception in Quebec’s measure because, once its five phases completed, this performative work will be done. This integration is considered as a case study that allows us to defend the presence of the ephemeral in public space.