Made available in DSpace on 2014-06-12T15:04:09Z (GMT). No. of bitstreams: 2 arquivo4482_1.pdf: 631434 bytes, checksum: 30b59ca1166ea6add11b56ae4bda6107 (MD5) license.txt: 1748 bytes, checksum: 8a4605be74aa9ea9d79846c1fba20a33 (MD5) Previous issue date: 2005 / Partindo da constatação de que, reconhecidamente, Pernambuco é hoje uma referência no Brasil em relação às artes plásticas, este trabalho se propõe a uma análise antropológica de três artistas pernambucanos que utilizam a fotografia em suas obras. Esta utilização reitera a importância dos conceitos da fotografia verificadas a partir do século XIX. Tais conceitos nomeados poeticamente são o fruto do estudo de vários pensadores que discutem a fotografia, assim como da reincidência de determinados elementos observáveis tanto nas obras de arte, quanto nos discursos dos artistas. Para tal, foram levadas em consideração a análise de elementos formais das obras pesquisadas e as recorrências temáticas no processo de criação dos artistas plásticos Maria do Carmo Nino, Beth da Matta e Rodrigo Braga, tendo como fios condutores questionamentos sobre a Imagem e a Memória. Vale ressaltar que a compreensão e interpretação dos dados foi construída no âmbito da Antropologia do Imaginário e do Pensamento Complexo, através do diálogo com pensadores como Gilbert Durand e Edgar Morin

Este trabalho estuda três obras de arte contemporânea que têm como proposta intervenções espaciais sutis e a consequente ressignificação dos espaços em que estão inseridas. Partimos de uma revisão histórica da apropriação do espaço na obra de arte, desde a expansão da escultura moderna para o espaço até o formato instalação, no qual a obra trabalha o espaço de forma específica. Em seguida, discutimos a relação entre os conceitos de tempo e duração, bem como sua relação com o espaço, como embasamento para análise das obras escolhidas. A partir daí, nos dedicamos ao estudo de três obras contemporâneas: a instalação Alter Bahnhof Video Walk (2012) [Vídeo-caminhada Alter Bahnhof (2012)] de Janet Cardiff & George Bures Miller, realizada na estação central de trens de Kassel, Alemanha; a instalação I Need Some Meaning I Can Memorise (The Invisible Pull) [Eu preciso de algum significado que eu possa memorizar (A piscina invisível)] (2012) de Ryan Gander realizada no museu Friedericianum, Kassel, Alemanha - ambas apresentadas durante a 13ª Documenta de Kassel (2012); e a instalação Sem título de Fernanda Gomes, apresentada na 30ª Bienal de São Paulo (2012). O interesse deste trabalho é apontar como tais obras interferem no espaço existente, sem necessariamente alterá-lo fisicamente, desde a ideia de vazio, analisandoos criticamente em relação aos seus precedentes. / This dissertation studies three works of contemporary art that have as their purpose subtle space interventions and the consequent redetermination of the spaces in which they are inserted. We start with a historical revision of the appropriation of space regarding the work of art, from the expansion of modern sculpture into space to the installation format, in which the work uses the space in a particular way. Next, we discuss the relationship between the concepts of time and duration, as well as their relationship with space, as a basis for analyzing the works selected. Hence, we study and analyze three contemporary works: Alter Bahnhof Video Walk (2012) by Janet Cardiff & George Bures Miller, designed for the central train station in Kassel, Germany; I Need Some Meaning I Can Memorize (The Invisible Pull) (2012) by Ryan Gander, at the Friedericianum Museum, Kassel, Germany - both presented during the 13th Documenta, Kassel (2012); and Untitled by Fernanda Gomes, presented at the 30th São Paulo Biennial (2012). This paper aims to point out how such works interfere in the existing space - the idea of emptiness, analyzing them critically in relation to its precedents - without necessarily changing it physically.

Esta tese tem como objetivo delimitar e analisar uma estratégia artística recorrente a partir do final da década de 1960, que consiste exclusivamente, ou incorpora como seu elemento fundamental, o ato de andar, na maioria dos casos por parte dos próprios artistas. Para definir essa prática, utiliza-se aqui o termo deriva, cuja matriz situacionista introduz o olhar social e politicamente engajado a partir do qual a maioria das obras analisadas foram criadas, e com base no qual elas são lidas neste contexto. Na primeira parte da tese, são desenvolvidas algumas considerações teóricas, com o fim de evidenciar algumas características recorrentes na produção das derivas, ao passo que elas são contextualizadas em preocupações e tendências mais gerais, como a que visa a desmaterialização da arte, ou a chamada estética relacional, entre outras. Na segunda parte, apresenta-se um compêndio bastante amplo, e apesar disso ainda longe de poder ser considerado completo, de obras pertinentes nesta discussão, produzidas ao longo das últimas quatro décadas. / This thesis seeks to delimitate and analyze an artistic strategy that can be considered recurrent since the end of the 1960s, and which consists basically, or at least includes as its core element, the act of walking, mostly undertaken by the artist him/herself. In order to define this practice, the word employed is the Situationist term \"deriva\" (drift), which situates the reader in the socially and politically engaged context in which most of the works here analyzed were created, and based upon which they are therefore read. In the first part of the thesis, a series of theoretical considerations is made, aiming at identifying a few recurrent characteristics of the \"drifts\", while at the same time placing them in the context of more general trends and concerns, as the so-called Demateriali- zation of art, or Relational Aesthetics, among others. The second part consists basically of a large, although certainly not complete, summary of works that are relevant for this research, produced during the last five decades.

A dissertação Espaços para o corpo: antropometria na arte contemporânea apresenta a pesquisa em relação às operações poéticas desenvolvidas em uma série de trabalhos artísticos; dentre os quais, recortes da produção tridimensional de Hélio Oiticica, Anish Kapoor e Ana Maria Tavares, que visam à criação do que chamaremos de escala antropométrica. Partindo da escultura, a construção desses tridimensionais, ainda que neles seja superada toda figuração, pode se aliar à escala que dimensiona o ser humano. Desse modo, essas obras se relacionam com o corpo do visitante ao se darem à sua experiência como trabalho artístico, uma dimensão, tanto poética, que inclui o espectador, ou o convida a participar dela. Em segundo passo, apresenta a pesquisa estética do próprio autor deste texto e em parceria com Deyson Gilbert, cuja produção resulta em explorações espaciais e temporais propondo questionamentos parcialmente sucedâneos aos dos artistas precedentes. / The dissertation Spaces for the body: anthropometry in contemporary art presents the research related to operations carried out in a poetic series of artworks, among which cutouts of Hélio Oiticicas, Anish Kapoors and Ana Maria Tavares three-dimensional production, aimed at creating what we will call anthropometric scale. Based on the sculpture, the construction of three-dimensional, although they can be overcome every figure representation, can be allied with the human scale. Thus, these works relate to the visitor\'s body when they give to their experience as artwork, a dimension, so poetic, that includes the viewer, or invites to participate. The second part presents the text author\'s aesthetic research (on his own and in partnership with Deyson Gilbert), whose production results in temporal and space exploration by proposing questions to partially succeed the previous artists.

A pesquisa analisa o conjunto de mudanças que nas últimas duas décadas ampliaram a projeção da arte contemporânea brasileira no exterior, tendo como ponto de partida a obra e a projeção internacional do artista Hélio Oiticica, deflagradas com a mostra do PS1 Brazil Projects, onde aconteceu seu (re)lançamento. Através de uma análise crítica sobre a percepção da produção artística nacional em território estrangeiro, o estudo visa contribuir para a compreensão do campo da arte e das diversas variáveis que incidem no processo de reconhecimento do valor de uma trajetória artística, quer potencialize sua difusão, quer contribua para intensificar sua produção. O trabalho identifica os atores que compõem este circuito, nomeadamente os estrangeiros-críticos, curadores (independentes ou ligados a instituições), colecionadores, marchands e artistas. Apresenta e compara diversos pontos de vistas e ações quanto a produção contemporânea brasileira e permite que sejam identificadas ressonâncias e confrontos entre a recepção internacional e a local. Ao detectar um conjunto de pensamentos, foi possível revelar elos e assimetrias estabelecidas com a cultura brasileira. / The present work analyzes the foreign reception of Brazilian contemporary art in the last two decades. The exhibition of the work of Hélio Oiticica, starting from the show Brazil Projects held in PS1, is the reference point for this analysis. The critical examination of the reception of Brazilian art abroad intends to expand the comprehension of contemporary art practices, as the multiple influences that may contribute to the value of an art object and intensifying the production of an artist. This research identifies the persons involved with Hélio Oiticica\'s work - critics, independent curators, collectors, marchands and artists - and compares different points of view related to Brazilian contemporary art. In particular, the work contrasts the foreign and national attitudes toward Brasillian art, unveiling convergences and divergences in the perception of Brazilian culture.

Made available in DSpace on 2014-06-12T22:57:02Z (GMT). No. of bitstreams: 2 arquivo2870_1.pdf: 3952047 bytes, checksum: a301b1acc37679d6a508136e3cc30a02 (MD5) license.txt: 1748 bytes, checksum: 8a4605be74aa9ea9d79846c1fba20a33 (MD5) Previous issue date: 2011 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / O presente trabalho é uma investigação sobre o campo da arte contemporânea no Brasil com o suporte teórico da Psicologia Discursiva. A Psicologia Discursiva é uma área da Psicologia que investiga como as categorias psicológicas são invocadas e manejadas no discurso cotidiano. Seus postulados propõem um deslocamento nos tópicos e explicações psicológicos tradicionais, evitando a teorização abstrata em favor de análises baseadas na pragmática das ações sociais. A folk psychology (psicologia popular) é um rótulo na Psicologia que diz respeito ao conjunto de crenças cotidianas acerca do ser humano, em contraste à descrição oferecida pela Psicologia científca ou profssional. Assim, a folk psychology pode ser colocada como tópico de escrutínio da Psicologia Discursiva. Dentro dessa mais ampla defnição de folk psychology, trago o conceito de concepção de sujeito como foco deste trabalho. Concepção de sujeito é a maneira como o sujeito é descrito noção entendida como folk psychology, mas com ênfase não na origem do conhecimento (por não ser científca), mas sim no sujeito que ela concebe maneira que é tratada, na presente pesquisa, como disponível no discurso. A pesquisa se debruça, enfm, sobre o campo da arte contemporânea, buscando enxergar concepções de sujeito no discurso de artistas plásticos, a partir da análise de conversas gravadas em áudio: como o sujeito acontece no discurso do artista que fala sobre sua obra? Foram realizadas e analisadas cinco conversas com artistas residentes no Recife, onde foi possível observar movimentos no discurso que apontam para diferentes concepções de sujeito. A análise ainda permitiu enxergar que tais concepções, ao serem invocadas no discurso sobre a obra de arte, participam de diferentes atos discursivos: defender a obra, explicitar seus méritos, justifcá-la em suas características formais fgurando, no discurso, um cenário em que as concepções informam o artista no ato de criação e ainda aparecem na explicação de por que fazer arte

Membranas do Mundo: Agenciamentos, Operações e Formas de Ativação do Espaço trata-se de uma pesquisa prático teórica decorrente das operações e dos movimentos desencadeados pela minha produção em Artes Visuais. São abordadas quatro experiências realizadas durante o período desta pesquisa e que ampliaram o conceito de índice e membrana, presentes em trabalhos anteriores. Observam-se as operações de revestimentos, encobrimentos e obliterações na problemática do esconder e do revelar, bem como nas formas e modos de apresentação das mesmas. O grupo de trabalhos evidencia as relações de latência, de ativação, do plano ao volume e nos espaços de apresentação, transitando entre diversos meios, incluindo a fotografia. Busca deter-se nas circunstâncias constitutivas desse processo e nos modos de apresentação, ao proporcionar diálogos com outras produções e artistas, em exemplos que discutem as relações de ativação ocorridas. Dos índices encontrados e deslocados, reorientados no contexto de cada lugar pela forma e estrutura da apresentação, encaminha os desdobramentos do processo para os meios da publicação. / World Membranes: Agency, Operations and Space Activation Modes is a practical-theoretical research derived from operations and movements activated by my Visual Art production. The paper shows four experiences accomplished during the research period and which have amplified the concept of index and membrane presented in previous works. The paper observes the covering and coating operations and the obliterations in the problem of hiding and revealing, as well as the ways of their presentations. The set of works highlights the relation of latency of activation, from flat to volume and in spaces of presentation, moving among many supports, including photography. The paper intends to dwell on the constitutive circumstances of the process and on the presentation modes when promoting dialogues with other artists and productions, with examples that discuss the relations of activation that have occurred. From the index found and moved, reguided in the context of each place by its mode and structure of presentation, the paper guides the unfoldments of the process to the means of publication.

Membranas do Mundo: Agenciamentos, Operações e Formas de Ativação do Espaço trata-se de uma pesquisa prático teórica decorrente das operações e dos movimentos desencadeados pela minha produção em Artes Visuais. São abordadas quatro experiências realizadas durante o período desta pesquisa e que ampliaram o conceito de índice e membrana, presentes em trabalhos anteriores. Observam-se as operações de revestimentos, encobrimentos e obliterações na problemática do esconder e do revelar, bem como nas formas e modos de apresentação das mesmas. O grupo de trabalhos evidencia as relações de latência, de ativação, do plano ao volume e nos espaços de apresentação, transitando entre diversos meios, incluindo a fotografia. Busca deter-se nas circunstâncias constitutivas desse processo e nos modos de apresentação, ao proporcionar diálogos com outras produções e artistas, em exemplos que discutem as relações de ativação ocorridas. Dos índices encontrados e deslocados, reorientados no contexto de cada lugar pela forma e estrutura da apresentação, encaminha os desdobramentos do processo para os meios da publicação. / World Membranes: Agency, Operations and Space Activation Modes is a practical-theoretical research derived from operations and movements activated by my Visual Art production. The paper shows four experiences accomplished during the research period and which have amplified the concept of index and membrane presented in previous works. The paper observes the covering and coating operations and the obliterations in the problem of hiding and revealing, as well as the ways of their presentations. The set of works highlights the relation of latency of activation, from flat to volume and in spaces of presentation, moving among many supports, including photography. The paper intends to dwell on the constitutive circumstances of the process and on the presentation modes when promoting dialogues with other artists and productions, with examples that discuss the relations of activation that have occurred. From the index found and moved, reguided in the context of each place by its mode and structure of presentation, the paper guides the unfoldments of the process to the means of publication.

Membranas do Mundo: Agenciamentos, Operações e Formas de Ativação do Espaço trata-se de uma pesquisa prático teórica decorrente das operações e dos movimentos desencadeados pela minha produção em Artes Visuais. São abordadas quatro experiências realizadas durante o período desta pesquisa e que ampliaram o conceito de índice e membrana, presentes em trabalhos anteriores. Observam-se as operações de revestimentos, encobrimentos e obliterações na problemática do esconder e do revelar, bem como nas formas e modos de apresentação das mesmas. O grupo de trabalhos evidencia as relações de latência, de ativação, do plano ao volume e nos espaços de apresentação, transitando entre diversos meios, incluindo a fotografia. Busca deter-se nas circunstâncias constitutivas desse processo e nos modos de apresentação, ao proporcionar diálogos com outras produções e artistas, em exemplos que discutem as relações de ativação ocorridas. Dos índices encontrados e deslocados, reorientados no contexto de cada lugar pela forma e estrutura da apresentação, encaminha os desdobramentos do processo para os meios da publicação. / World Membranes: Agency, Operations and Space Activation Modes is a practical-theoretical research derived from operations and movements activated by my Visual Art production. The paper shows four experiences accomplished during the research period and which have amplified the concept of index and membrane presented in previous works. The paper observes the covering and coating operations and the obliterations in the problem of hiding and revealing, as well as the ways of their presentations. The set of works highlights the relation of latency of activation, from flat to volume and in spaces of presentation, moving among many supports, including photography. The paper intends to dwell on the constitutive circumstances of the process and on the presentation modes when promoting dialogues with other artists and productions, with examples that discuss the relations of activation that have occurred. From the index found and moved, reguided in the context of each place by its mode and structure of presentation, the paper guides the unfoldments of the process to the means of publication.

Esta pesquisa trata sobre os museus e refletimos acerca de alguns processos museológicos, mas tendo como base a Ciência da Informação e a Documentação. Desse modo, analisamos a partir do nosso ponto de vista as implicações existentes entre os conceitos de documento e informação, que muitas vezes são distintos ou mesmo contraditórios, e a arte contemporânea que é efêmera ou se desmaterializa. Há uma perda do vínculo da obra de arte contemporânea com o suporte tradicional que causa efeitos diretos em sua classificação, o que, por sua vez, afeta os sistemas de guarda das instituições. Passa a ser comum que algumas das obras sejam perecíveis e até mesmo tenham um ciclo de vida demarcado. Outras se mantêm \"vivas\" nas instituições que as guardaram, seja por possuírem um formato tradicional de pintura ou escultura, seja porque seus formatos são similares a estes, seja por serem objetos possíveis de serem armazenados e reapresentados posteriormente, seja porque perduram por meio de sua documentação. Assim, tentamos entender como os museus fazem para guardar, organizar e preservar a memória de obras de arte efêmeras. Constatamos que eles acabam não se encaixando muito bem na definição tradicional e que caminham para outras situações, outras tipologias, pois há uma produção artística voltada ao arquivo e não ao museu. Assim como as obras de arte efêmeras e sua condição documental afeta os debates artísticos, também incitam museus e arquivos a repensarem seus modus operandis. Concluímos, então, que, para resolver as problemáticas discutidas nesta pesquisa, é preciso concentrar o foco em uma solução que venha da junção dos saberes sobrepostos da Museologia e da Arquivologia, e essa é a proposta da CI. / This research treat about museums and we reflect on some museological processes, but based on Information Science and Documentation. Therefore, we analyze from our point of view the existing implications between the concepts of document and information, which are often distinct or even contradictory, and the contemporary art, that is ephemeral or dematerializes. There is a bond loss of the contemporary work of art with the traditional support that causes direct effects in its classification, which affects the custody systems of the institutions. It has become usual for some of the works to be perishable and even have a demarcated life cycle. Others remain \"alive\" in institutions that have preserved them, either because they have a traditional format of painting or sculpture, because their formats are similar to them, because they are objects which are possible to be stored and later re-presented, or because they persist through documentation. Thus, we try to understand how museums do to guard, organize, and preserve the memory of ephemeral works of art. We realized that they end up not fitting very well in the traditional definition and that they move towards other situations and other typologies, because there is an artistic production focused on the archives and not on the museum. Just as ephemeral works of art and their documentary condition affect artistic debates, they also incite museums and archives to rethink their modus operandis. We conclude that, in order to solve the problems addressed in this research, it is necessary to focus on a solution that comes from the junction of the superimposed knowledge of Museology and Archivology, and this is the proposal of CI.