No quadro internacional, foi a partir do século XVII que se começou a valorizar a arquitectura medieval, acentuando-se essa mesma valorização durante o século XIX. Só então, no primeiro quartel de Oitocentos, começam a surgir os primeiros estudos que diferenciam as características formais, construtivas e iconográficas do estilo românico face estilo ao gótico. O estabelecimento de metodologias, a definição de cronologias e a caracterização estilística criaram um quadro conceptual e lançaram as bases para o avanço da disciplina no que diz respeito à alteridade do românico relativamente ao gótico. Em Portugal, o estudo sobre românico surge tardiamente quando comparado com a restante realidade europeia. Datando de 1870 a primeira obra consagrada a este estilo artístico, o seu estudo estendeu-se até aos nossos dias, afirmando-se através de sucessivas fases de conhecimento que reflectem abordagens, temas e problemáticas bem datadas. No entanto, as conquistas e evoluções que a historiografia sobre a matéria foi fazendo, materializada num vasto número de trabalhos editados, contribuíram e muito para o conhecimento actual sobre o românico português. A imagem que se foi construindo do românico acompanha a evolução da escrita sobre este momento tão representativo da arquitectura portuguesa, conotado com a formação de Portugal e com o reinado de D. Afonso Henriques (1143-1185). Esta concepção influiu sobre o modo como se restaurou a arquitectura da época românica sensivelmente ao longo da primeira metade do século XX. E isto é tanto mais significativo quanto daqui decorre a imagem actual da arquitectura românica, tal como a conhecemos hoje. Ao longo desta ampla cronologia, destacara-se três autores pela ruptura conceptual que o seu pensamento e a sua escrita sobre românico definiram. Deve-se a Augusto Filipe Simões (1835-1884) a publicação da primeira obra consagrada à arquitectura românica, as Reliquias da architectura romano-byzantina em Portugal e particularmente na cidade de Coimbra, dada ao prelo em 1870. Com Manuel Monteiro (1879-1952) foram lançadas as bases da posterior historiografia sobre a arquitectura da época românica em Portugal, definindo tipologias, classificando dialectos, estabelecendo cronologias e identificando influências. Só mais tarde, com Carlos Alberto Ferreira de Almeida (1934-1996) é que se voltou a sentir uma nova ruptura conceptual na escrita sobre românico, tendo este autor, além de muitos outros aspectos, procurado compreender o românico na sua época e na sua profunda relação antropológica com o território onde se insere. A originalidade do românico português foi sendo reconhecida pela historiografia da especialidade. A sua íntima relação com o território, a importância nuclear que os seus testemunhos arquitectónicos assumiram na organização territorial, aos mais diversos níveis, foi sendo assimilada por aqueles que se consagram ao seu estudo. Acresce ainda a percepção da forte presença de influências estrangeiras, apesar das problemáticas que se lhe associam, adaptadas que foram num contexto muito específico, onde as pré-existências assumem um papel nuclear, acentuam ainda mais o carácter único da arquitectura portuguesa da época românica. / In the international sphere, the appreciation of the medieval architecture commenced in the 17th century and increased throughout the 19th century. Only at that stage, in the first quarter of the 1800s, do the first studies which differentiate the formal, constructive and iconographic characteristics of the Romanesque style compared to the Gothic style begin to appear. The establishment of methodologies, the definition of chronologies and the stylistic characterization created a conceptual framework and launched the grounds for the development of the discipline in what concerns the alter ego of the Romanesque in relation to the Gothic. In Portugal, the study of the Romanesque occurs rather late when compared to the remaining European reality. The first artwork devoted to this artistic style dates from 1870 and its study has been carried out until the present day, being defined through successive phases of knowledge which reflect well dated approaches, themes and problematics. Nevertheless, the historiography conquests and developments made on the subject in the meantime, which materialize in a vast number of published works, largely contributed to the actual knowledge of the Portuguese Romanesque. The image that was construed of the Romanesque escorts the evolution of writings regarding such a representative moment of Portuguese architecture, which is linked to the foundation of Portugal and the kingdom of D. Afonso Henriques (1143-1185). This understanding influenced the manner in which the Romanesque period architecture was restored roughly during the first half of the 20th century. This is even more significant whereas this results in the current image of the Romanesque architecture, as we know it today. Throughout this wide chronology, three authors are distinguished due to the conceptual breakout defined by their thoughts and their writings. The publishing of the first artwork devoted to the Romanesque architecture, the Reliquias da architectura romano-byzantina em Portugal e particularmente na cidade de Coimbra, dated 1870 is owed to Augusto Filipe Simões (1835-1884). With Manuel Monteiro (1879-1952) the grounds of the subsequent historiography on Romanesque period architecture in Portugal were launched, by defining typologies, classifying dialects, establishing chronologies and identifying influences. Only later with Carlos Alberto Ferreira de Almeida (1934-1996) a new conceptual breakout in the writings on Romanesque was felt, due to the fact that this author, amongst many other aspects, tried to understand the Romanesque in its era and its profound anthropologic relationship with the territory where it is located. The originality of the Portuguese Romanesque commenced being recognized by the Romanesque historiography. Its intimate relationship with the territory, the nuclear importance which its architectonic testimonies acquire in the territorial organization, at diversified levels, has been taken on board by those devoted to its study. Additionally, the perception of the strong presence of foreign influences, despite the associated problematics and adapted in a specific context where prior artistic existences acquired a nuclear role, enhance even more the unique character of the Portuguese architecture in the Romanesque period.

Pretende a presente dissertação estudar as transformações sofridas pela Sé do Porto no século XX, resultado da acção da Direcção-Geral dos Edifícios e Monumentos Nacionais (DGEMN). Assim, balizando a nossa pesquisa entre 1929 - ano da criação da DGEMN - e 1982 - ano da criação do Instituto Português do Património Cultural, ao qual passou a estar afecta a Sé -, foi nosso principal objectivo apurar em que medida estas transformações contribuíram para o estado em que se apresenta actualmente a fisionomia da Catedral portuense. Após o estudo dos Processos dos Arquivos da DGEMN - de Obras e Administrativos, Gráficos e Fotográficos -, dedicados a este Monumento em particular, pudemos constatar que na origem das transformações esteve todo um vasto conjunto de intervenções com vista à reabilitação arquitectónica do complexo Catedralício. Deste modo, verificámos, ainda, que estas intervenções apresentaram duas naturezas distintas, decorrentes das teorias e conceitos aplicados nas acções desenvolvidas pela DGEMN, reflexo das mudanças verificadas ao nível do ambiente cultural em torno da consciencialização da salvaguarda do Património Edificado. Assim, e sensivelmente até 1946, seguiu-se uma linha mais próxima da reintegração estilística, concretizada num restauro, deveras transformador da fisionomia do próprio Monumento. Após esta data, optou-se mais por seguir uma acção pautada pelos princípios da conservação, ou seja, da manutenção do Monumento no estado em que este foi encontrado. Para ambos os períodos tivemos sempre em atenção que no modo de tratar a envolvente do Monumento foram seguidos, aproximadamente, estes princípios e conceitos. De um modo inédito a pesquisa que realizámos veio, ainda, a revelar que toda esta atenção especial dada em Portugal aos Monumentos ao longo do século XX, em particular, teve a sua origem em todo um ambiente cultural e teórico que se foi paulatinamente desenvolvendo na cidade do Porto, a partir da acção de sensibilização protagonizada por Joaquim de Vasconcelos e por Marques Abreu e que depois se estendeu a um grupo maior, ainda restrito, o Núcleo do Porto, que adoptou como causa o culto dos Monumentos. / This dissertation intends to study the transformations undergone by the See of Oporto in the 20th century, in consequence of the action of the Direcção-Geral dos Edifícios e Monumentos Nacionais - DGEMN (General-Direction of the National Buildings and Monuments). Thus, limiting our research between 1929 - the year of DGEMN's creation - and 1982 - the year of the creation of the Instituto Português do Património Cultural (Portuguese Institute of Cultural Heritage), to which the See became formally linked -, our main goal was to find out to which extent these transformations contributed to the present state of the Oporto Cathedral's physiognomy. After studying the Files of DGEMN's Archives - of Works and Administrative, Graphic and Photographic -, related to this Monument in particular, we were able to realize that in the origin of the transformations there was a vast number of interventions with a view to architectonic rehabilitation of the Cathedral's complex. In this way, we ascertained further that these interventions were of two different natures, resulting from the theories and concepts applied in the actions developed by DGEMN, a reflex of the changes that occurred at the level of the cultural environment around the consciousness of the safeguard of the Built Heritage. In this way, and till about 1946, a course closer to stylistic reintegration was followed, realized in restoration, really transformer of the Monument's physiognomy. After this date, the main option was to follow an action regulated by the principles of conservation, in other words, of maintaining the state in which the Monument was found. For both periods we kept always in mind that in the way of treating the Monument's surroundings these principles and concepts were approximately followed. In an unprecedented way the research we made also revealed that all this special attention paid in Portugal to the Monuments during the 20th century, in particular, had its origin in a cultural and theoretical environment that developed gradually in the city of Oporto, starting with the awareness action led by Joaquim de Vasconcelos and Marques Abreu and later extended to a larger group, yet still limited, the Nucleus of Oporto, that adopted the cult of the Monuments as a cause.

Orientador: José Leonardo do Nascimento / Banca: Sérgio Romagnolo / Banca: Francisco Cabral Alambert Junior / Resumo: Este trabalho tem como objeto de pesquisa obras de artistas brasileiros, que nas décadas de 1960 e 1970 produziram seus trabalhos utilizando como procedimento artístico a apropriação e também a (re) inserção de suas obras no cotidiano. Dentre os que mais se destacaram nesta prática no período estudado, selecionaram-se para análise os artistas: Nelson Leirner, Cildo Meireles e Antonio Manuel. Definindo melhor o conceito de apropriação e retomando a história desse procedimento na arte foi possível fazer um levantamento de questões que este tipo de prática aponta e as mudanças de paradigma que ocasionou. Desde os readymades de Duchamp aos détournement dos situacionistas, a prática da apropriação problematizou questões como a autoria do artista e a própria natureza da arte. Como o suporte de tais obras são objetos do cotidiano, foi também analisada a questão do que definiria um objeto apropriado como obra de arte, tendo como base teórica a definição de arte de Arthur C. Danto (A Transfiguração do lugar-comum). Partindo para a arte brasileira, buscaram-se as primeiras manifestações desta prática para verificar sua adaptação aos ideais de arte nacional. Retomando o contexto sócio-políticoeconômico dos anos 1960 e 1970, em particular o período do AI-5, foi possível analisar se tal contexto influenciou na criação das obras dos artistas analisados. Tendo como referência o termo 'contra-arte' - cunhado pelo crítico Frederico Morais para referir-se à arte da geração AI-5 - verificou-se que esses artistas somaram a contestação política à contestação da própria arte, residindo neste último seu verdadeiro legado / Abstract: The purpose of this work is to research the artwork of Brazilian artists, that in the 60'sand 70's produced their artworks using as artistic procedure the appropriationand also the(re)insertionof theirartworks in the everyday life. Among those whostood out in the researched period, the following artists were chosen: Nelson Leirner, Cildo Meireles e Antonio Manuel. Better defining the concept of appropriationand retaking thehistory of this procedurein the arts,itwas possible to arise questions that this kind of process caused andthe changes in theparadigmthat it brought on. Since Duchamp's readymades until the détournement of the Situationists, the appropriation practice brought problematic situations, as theartist's authorship and the own nature of art. As thesupportfor that artworksare everyday lifeobjects, it was analyzed whatwould defineanappropriated object asan artwork, taking as a theorist reference, the definition of art of ArthurC.Danto (The transfiguration of the commonplace). Forthe Brazilian art, the first manifestations of this kindof art were researchedto see its adaptation to the ideals of national art. Taking into consideration the social,politicaland economic contextof the 60's and 70's mainly theAI-5 period, itwas possible to verify if thatcontext influenced theartwork creation of the researched artists. Having as reference the term 'contra-arte' - created bythe criticFredericoMorais to refer to the art of AI-5 generation,it wasconcluded that those artists added the political contestation to the contestation of the art itself, being the latter their true legacy / Mestre

Orientador: Rejane Galvão Coutinho / Resumo: O presente trabalho tem como objeto desenvolvimento do ensino de arte voltado para as artes aplicadas á indústria como forma de profissionalização feminina dentro da Escola Profissional Feminina de São Paulo. O estudo compreende as relações que se estabeleceram entre questões relativas à educação de gênero, da arte aplicada á indústria e os ofícios manuais, situando a experiência no cenário educacional brasileiro e conceituando o que significava a profissionalização feminina. Tomei como fundamentação sobre a questão da história do ensino de arte as idéias difundidas por Ana Mae no que se refere à revisão da história como subsídio das práticas e dos preconceitos pedagógicos ainda existentes no campo do ensino de arte. profissional. / Abstract: This paper discusses the relationship between art education and in the context of the São Paulo Professional School for Women, inaugurated in 1911. In order to understand significance of female professional traininh within the Bazilian educational scenario at the beginning of the XX century, it is necessary to discuss the relationships and values attributed to gendered education, arts as applied to industry manual crafts. The study, in agreement with the ideas of Ana Mae Barbosa, understands that a historical revision is the fundamental for understanding the origins of certain educational practives, of concepts and preconceptions present in art education today. / Mestre

Orientador: Carlos Eduardo Jordão Machado / Banca: Francisco Cabral Alambert Júnior / Banca: Gustavo Henrique Dionisio / Resumo: Este trabalho aborda o diálogo entre o crítico de arte Mário Pedrosa e o escultor estadunidense Alexander Calder enquanto fonte de informações estéticas para artistas do chamado projeto construtivo brasileiro. A postura de Pedrosa como organizador da cultura ganhou outro patamar quando ele inicia um programa em defesa da inserção da arte abstrata na lógica artística nacional. Isso só foi possível ao crítico a partir de seu contato com a obra de Alexander Calder que, por sua vez, inaugurou uma estética inovadora na escultura. Unindo postulados da engenharia mecânica e sua grande inspiração circense, Calder deu origem a obras de natureza móvel: os móbiles e com eles reformulou o próprio conceito de escultura. Essas novas possibilidades plásticas apontadas por Calder foram responsáveis por muitas das inovações artísticas no Brasil, pois elas trouxeram a Pedrosa um expressivo alargamento de horizontes para com o fenômeno artístico, sendo desencadeador direto de sua ação como crítico e mentor de uma geração de jovens e brilhantes artistas do Neoconcretismo / Abstract: Our work treats the dialogue between the art critic Mário Pedrosa and the north-American sculptor Alexander Calder while source of esthetic information to artist of the Brazilian constructive project. Mário Pedrosa‟s as culture organizer gain another level when he starts a program in defense of abstract art and its insertion in the Brazilian‟s artistic logic. This was possible to the critic only after his contact with Alexander Calder‟s workmanship that, by his turn, started a pioneer esthetic in sculpture. Joining postulates of mechanics engineering and his great inspiration on circus, Calder gave origin of mobiles sculptures and it reformulates the concepts of sculpture. These new possibilities pointed by Calder was responsible for many of the artistic innovations in Brazil, because they brought to Pedrosa a expressive widening of horizons with the artistic phenomenon, being directly responsible by his action wile critic and mentor of the brilliant and young artists generation of Neoconcretism / Mestre

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:26:01Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2007Bitstream added on 2014-06-13T18:29:19Z : No. of bitstreams: 1 barreto_cm_me_ia.pdf: 2677783 bytes, checksum: afacfe43ea8329f3d295cc51123f3fef (MD5) / O presente trabalho tem como objeto desenvolvimento do ensino de arte voltado para as artes aplicadas á indústria como forma de profissionalização feminina dentro da Escola Profissional Feminina de São Paulo. O estudo compreende as relações que se estabeleceram entre questões relativas à educação de gênero, da arte aplicada á indústria e os ofícios manuais, situando a experiência no cenário educacional brasileiro e conceituando o que significava a profissionalização feminina. Tomei como fundamentação sobre a questão da história do ensino de arte as idéias difundidas por Ana Mae no que se refere à revisão da história como subsídio das práticas e dos preconceitos pedagógicos ainda existentes no campo do ensino de arte. profissional. / This paper discusses the relationship between art education and in the context of the São Paulo Professional School for Women, inaugurated in 1911. In order to understand significance of female professional traininh within the Bazilian educational scenario at the beginning of the XX century, it is necessary to discuss the relationships and values attributed to gendered education, arts as applied to industry manual crafts. The study, in agreement with the ideas of Ana Mae Barbosa, understands that a historical revision is the fundamental for understanding the origins of certain educational practives, of concepts and preconceptions present in art education today.

Orientador: Ernesto Giovanni Boccara / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-05T12:10:53Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Silva_MariaHelenaRodrigues_M.pdf: 2966220 bytes, checksum: c55a1524808ac9a4bfd03e5ca8bca6ad (MD5) Previous issue date: 2005 / Resumo: Na Amazônia, embora tendo contato com a modernidade, seus habitantes ainda conservam muito da cultura mitológica indígena e de outras, vindas com a colonização. Histórias de deuses, monstros, mulheres guerreiras, e outros entes da floresta, ainda habitam o imaginário do caboclo, do ribeirinho. Fruto de uma mescla de crenças indígenas, européias e africanas, grande parte dos habitantes da região acredita que a natureza e os seres que nela habitam interferem e participam do seu destino. Em um Auto Popular existente em várias partes do Brasil, eles conseguem se fazer ouvir e incorporar suas histórias, concepções mundo, cotidiano e, principalmente a sua arte, transformando-o em um evento único, onde o "velho e o novo" se unem, em uma manifestação híbrida, de características contemporâneas e pós-modernas. Esta pesquisa teve como proposta uma abordagem dos Bois-Bumbás Garantido e Caprichoso sob o olhar das artes visuais. Esses bumbás se apresentam, anualmente, em uma competição por ocasião dos festejos juninos, no festival folclórico de Parintins, Amazonas. Para uma maior abrangência e compreensão do objeto de estudo, composto de vários códigos, artísticos, sociais e culturais, usamos algumas pontuações analíticas de Carl Gustav Jung e semióticas de Charles Sanders Peirce / Abstract: The inhabitants of the Amazônia, besides their contacts with the modern world, they still preserve most of the mythological indigenous culture and some others that arrived with the civilization. Stories about gods, monsters, warrior¿s women and other forest beings fulfill the imaginary of the native people called ¿caboclos¿ and ¿ribeirinhos¿.A mixture of indigenous, European and African believes influenced a large number of local inhabitants. They believe that nature and its beings interfere in their destiny. A popular ¿auto¿, found in different parts of Brazil, allows them to incorporate their stories, their world conceptions and mainly their art into a unique event in it the ¿new and the young¿ melt themselves in a hybrid manifestation faced by up-to-date and post-modern characteristics. This work was carried out considering the visual art approaches on two folkloric events named ¿Bois Bumbás Garantido and Caprichoso¿. These events are performed every year during the month of June at the Parintins Folk Festival, State of Amazonas, Brazil. For the best understanding of the different artistic, social and cultural codes found in this work, the psychoanalytical standards were according to Carl Gustav Jung and the semiotic ones according to Charles Sanders Peirce / Mestrado / Mestre em Artes

Orientador: Ernesto Giovanni Boccara / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-06T02:33:16Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Ramos_FernandodaSilva_M.pdf: 12160068 bytes, checksum: c27cbebb62e538e327704d57bb59d636 (MD5) Previous issue date: 2006 / Resumo: Esta dissertação é o resultado da reflexão sobre o significado da mandala, através da abordagem associativa de temas correlatos. A palavra mandala vem do sânscrito, e significa círculo. Qualquer que seja o juízo que lhe façamos, fato é que está associada 'a ação artística de nossa espécie, desde o tempo em que habitávamos cavernas. Pela natureza de sua essência, diz-se que são arquétipos, e ilustram tudo o que se refere 'as noções de ordem, centro e totalidade no Universo. Desta possível relação entre manifestações materiais advindas de movimentos de causas não materiais, surge a noção de que determinadas formas ou arranjos, podem possuir significação independentemente de seu contexto espaço-temporal, estabelecendo nexos e coerências entre as diversas áreas do conhecimento e planos da existência. A geometria é abordada em seus sentidos matemático e simbólico como o princípio que afere critérios, modelos, leis e coesão 'as qualidades dinâmicas do princípio da transformação, também relacionado ao conceito de mandala. Há aqui um interesse em reconhecer que vivemos, nestes tempos, a falência de um modo de ver o mundo e a vida. A dicotomização da realidade em áreas de conhecimento, representa um paradigma a ser transposto por uma visão sistêmica que ofereça síntese no lugar da análise, associações e irmanamentos de princípios e idéias, em lugar de cisão e fragmentação. Encontramos mandalas entalhadas nas cavernas de nossos ancestrais, na arte religiosa, na arquitetura, no traçado das cidades, na arte moderna e contemporânea, nos desenhos das crianças e dos esquizofrênicos, no design, na estruturação de diversos sistemas de conhecimento filosófico, na nossa relação com o sagrado e nas formas criadas pela razão e pela natureza. São evidências da presença da dimensão do mistério. A dissertação é ilustrada de modo a se reforçar estas idéias / Abstract: This essay resulted from the contemplation of the meaning of Mandala, by associative considerations about other reciprocally related subject-matters. The word ¿Mandala¿ originates from the Sanskrit and means circle. In spite of the thoughts we might have about Mandala, it is certain that it is linked to the artistic events of our kind ever since the times we lived in caves. Due to the nature of its essence, it is said that Mandala are archetypes that symbolize the totality of existence in the universe, inner or outer. From this eventual relationship between material manifestations deriving from non-material causes, arises the conception that some determined forms and dispositions may have a meaning, independently from its temporal-spatial context, that established connections and coherences between the several knowledge areas and life plans. The mathematic and symbolic senses of Geometry are approached as the theory that brings to balance criteria, models, laws and harmony within the qualities of the maxims of transformation dynamics, which is also related to the Mandala concept. In here there is the interest of recognizing that nowadays we experience the collapse of the way of perceiving the world and life. Dichotomizing reality in knowledge areas represents a paradigm to be trespassed by a systemic vision which offers synthesis instead of analysis, associations and union of principles and ideas in the place of scission and fragmentation. Mandalas are found engraved in our ancestral¿s caves, in the religious art, in architecture, in cities¿ delineations, in modern and contemporaneous arts, in children¿s and schizophrenic persons¿ drawings, in design, in the structure of many philosophic knowledge systems, in our relationship with sacred things and in the forms created by reasoning power and by nature. Mandalas are the evidences of the existence of mystery magnitude. This essay is illustrated so as to reinforce these ideas / Mestrado / Mestre em Artes

Orientador: Amneris Angela Maroni / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-13T03:13:37Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Reisdorfer_Ulianov_D.pdf: 1253557 bytes, checksum: c46a228570afff2ae7d613441dd01712 (MD5) Previous issue date: 2009 / Resumo: Esta Tese pretende analisar a psicologia junguiana sob a ótica dos modelos epistemológicos de Bion. É possível identificar na psicologia junguiana o desenvolvimento de pelo menos três modelos epistemológicos análogos aos modelos bionianos: modelo científico, modelo estético-artístico e modelo místico-religioso. A aproximação entre os modelos bionianos e os modelos junguianos pode ser realizada por meio da análise do perspectivismo junguiano e de suas conseqüências em relação a uma abordagem científica de caráter generalizador e nivelador. Na origem da construção de diversos modelos estaria, em ambos, o caráter inacessível e desconhecido do inconsciente, portador de um excesso de sentido que ultrapassaria as diversas formas de abordá-lo / Abstract: This Thesis intends to analyze the junguian psychology under the optics of the Bion's epistemological models. It is possible to identify in the junguian psychology the development of at least three epistemological models similar to the bionian models: scientific model, aesthetic-artistic model and mystic-religious model. The approximation between the bionian models and the junguian models can be accomplished through the analysis of the junguian perspectivism and of their consequences in relation to a scientific approach of generalizing and leveling character. In the origin of the construction of several models it would be, in both, the inaccessible and unknown character of the unconscious, bearer of a meaning excess that would exceed the several forms of approaching it / Doutorado / Doutor em Ciências Sociais

Orientador: Ernesto Giovanni Boccara / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-13T23:03:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Ximenes_MariaAlice_D.pdf: 2735860 bytes, checksum: 3d3895755e9f44181b86c5416a3848bc (MD5) Previous issue date: 2009 / Resumo: A presente pesquisa tem como objetivo fazer uma homenagem à forma. A forma que forma e deforma, que reforma e transforma, que transcende e que tem vida. Que faz e desfaz, que nasce e morre. A forma que desenha o espaço, o corpo e o movimento. A forma pesquisada é a forma da saia na dança flamenca e seu movimento helicoidal. Movimento semelhante ao das galáxias, ao da cadeia de DNA, semelhante também à anatomia humana, o desenho dos ossos e músculos. Na capacidade de ser efêmera e jamais apreendida é que reside seu encanto. Também há uma forte razão em pesquisar a saia e a Espanha, terra dos meus precedentes, cultura em que cresci, além da paixão pelo vestuário, especialmente os de Andaluzia. O percurso nos mistérios e representatividade da vestimenta espanhola permitiu-me mergulhar nas mais incríveis histórias, desde as reais até as mitificadas no tempo. Conhecer a construção do país e entender como ele se formou permitiram-me desdobramentos de possíveis intersecções no resultado dos trajes. O mosaico de culturas trouxe descobertas incríveis na representação da mulher espanhola principalmente através de registros dos pintores dos séculos XVIII e XIX. Há uma natureza histórica na busca de identificar a formação da composição da roupa feminina espanhola, que, desde publicações vindas da Espanha, bibliografias de história da dança e do traje, até a profunda observação do corpo em movimento esculpindo formas delirantes que parecem um ciclone a desenhar os desenhos da dança. Palavras-chave: Corpo Feminino, História da Arte, História da Moda, Dança, Artes Plásticas, Espanha / Abstract: The present research aims to pay tribute to the shape. The shape that forms and becomes deformed, that reforms and transforms, that transcends and which has life. That does and undoes, that is born and dies. The shape that draws the space, the body and the movement. The shape of the present study is the shape of the skirt in the flamenco dance and its helicoidal movement. This movement is similar of those of the galaxies, the DNA chains, also similar to the human anatomy, the design of bones and muscles. It's in the capacity of being ephemeral and never understood that lies its charm. There's also a strong reason to research the skirt and Spain, home of my ancestors, culture in which I grew up, as well as the passion for the costume, especially from Andaluzia. The route in the mysteries and representativity of the Spanish costume, allowed me to immerse in the most incredible histories, from the real to the mythical ones of time. Knowing the construction of the country and understand how it was formed, enabled me to see the developments of possible intersections in the result of the costumes. The mosaic of cultures brought amazing discoveries in the Spanish woman's representation mainly through the records of the painters in the 18th and 19th centuries. There's a historical nature in the search of identifying the formation of composition of the Spanish woman's clothes, that from publications came from Spain, bibliographies of the history of dance and of the costume, to the profound observation of the body in movement sculpting delirious shapes that look like a cyclone drawing the designs of dance. Key Words - Female body; History of Art ; History of Costume ; Dance ; Fine art ; Spain / Doutorado / Artes / Doutor em Artes