Orientador: Nelson Alfredo Aguilar / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-04T02:08:28Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dunaeva_CristinaAntonioevna_M.pdf: 563718 bytes, checksum: 9e1ff31ec246ac81abb6304ae37d9f1b (MD5) Previous issue date: 2005 / Resumo: De Sistemas Novos na Arte (O nóvikh sistiémakh v isskûstvie), 1919, é o primeiro tratado teórico de Kazímir Sievierínovitch Maliévitch (1878, Kíiev ¿ 1935, Leningrado), um dos principais artistas da vanguarda russa, criador do suprematismo, teórico da arte, filósofo e pedagogo. No tratado Maliévitch apresenta e analisa os sistemas novos da arte: o impressionismo, o cubismo, o futurismo, a obra pictórica de Cézanne, Van Gogh e Gauguin, assim como a crítica da arte dita primitiva, a arte da Grécia clássica e a romana, o primitivismo moderno e o academismo. A crítica da arte está ligada à reflexão filosófica sobre o contexto histórico e cultural do surgimento da arte moderna e do suprematismo. O tratado está relacionado às atividades pedagógicas desenvolvidas por Maliévitch. Em 1918 ele é o professor dos Ateliês Artísticos Livres do Estado (SVOMAS ¿ Svobódnyie Khudójestviennyie Mastierskíie), em Petrogrado, e em 1919 ¿ o Mestre-Chefe dos I e II Ateliês Artísticos Livres do Estado em Moscou. Em Vítiebsk cria o grupo UNOVIS (Afirmadores da Arte Nova ¿ Utvierdítieli Nóvogo Isskûstva) e embasa o ensinamento na análise dos sistemas pictóricos. O pintor afirmava que o livro editado em Vítiebsk fora a transcrição de uma das palestras supostamente dadas em Moscou1 / Abstract: ¿On The New Systems of Art¿, 1919, it¿s a first theoretical work of Kazimir Severinovich Malevich. This Russian artist of avant-garde, philosopher and pedagogue was the creator of the suprematism. In this work Malevich introduce the new systems of modern art, such as the impressionism, the cubism, the futurism, the painting of Cézanne, Van Gogh and Gaugain; and also represent the critics on the primeval art, the classic art of Greece and Rome, the modern primitivism and academic art. This critic is connected to philosophical reflection about the historical and cultural context of the birth of modern art and suprematism. In this period of time (1919) Malevich was a professor of the State Free Artistic Workshops (SVOMAS) in Petrograd and master of the I and II State Free Artistic Workshops in Moscow. In Vitebsk he created the Affirmers of the New Art (UNOVIS) group and instructed the pupils on the new systems of the art / Mestrado / Historia da Arte / Mestre em História

Orientador: João Francisco Duarte Junior / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-14T11:34:11Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Morais_FlaviaDomitilaCosta_D.pdf: 4537541 bytes, checksum: 26fba01114793a3a9cfe3f83120e6643 (MD5) Previous issue date: 2008 / Resumo: A presente pesquisa objetivou realizar um estudo voltado para o período elisabetano (Renascimento inglês), neste focalizando a arte teatral como das mais fortes expressões de arte, sociedade e cultura. Nosso foco de problematização está na análise de até que ponto o teatro elisabetano teve participação efetiva na transição de uma visão de mundo marcada pela episteme medieval, para uma cosmovisão renascentista. Michel Foucault, com seu conceito de episteme, ajudou-nos a estabelecer as bases teóricas para a compreensão de uma realidade desde suas estruturas mais profundas até a emergência de um sujeito autônomo a representar-se nos palcos e a fazer vibrar nas mentes e nos corações do público novas metas para a expressão humana. Buscamos afirmar a tese de que o teatro elisabetano, com suas caracterizações específicas, significou uma das forças de formação de uma nova visão antropológica e também cosmológica. Nossos objetivos desejaram realmente contemplar as convergências entre a arte, a cultura e a sociedade em um determinado segmento da história inglesa, o qual tem indiscutível importância para compreendermos a linha essencial de desenvolvimento das artes cênicas nos tempos posteriores. Demonstramos, através de seus temas, imagens, e principalmente da linguagem, os novos valores tanto individuais como socioculturais, por aglutinação, que esta arte ajudou a formar, ou antes, consolidou por meio de suas peças de talhe e temática crescentemente inovadores. Assim, buscamos argumentar acerca do ativismo sociocultural em que consistiu o teatro inglês renascentista. / Abstract: The following research aimed to achieve a study about the Elizabethan Age (English Renaissance), focusing its theatrical art as one of the most important expression of art, society and culture. The focus of our discussion is in the analysis of the Elizabethan theatre participation in the effective transition from a world view marked by the medieval episteme to the new Renaissance world view. The French philosopher Michel Foucault, with his concept of episteme, helped us to establish the theoretical basis to the comprehension of a reality from its deepest structures till the emergency of an autonomous subject representing himself in the stage, and vibrating, in the hearts and minds of the public, new aims for human expression. Along this research, we affirm the thesis that the Elizabethan theatre, with its specific characterizations, signified one strong formation power of a new anthropological and cosmological view. Our objectives desire to contemplate the convergencies among art, culture and society in a specific historic moment of the English nation, which has unquestionable importance when we want to understand the essential development of the dramatic art in later times. We demonstrated, through its themes, images and mainly its language, the new individual and sociocultural values that the Elizabethan theatrical art helped to form, or better saying, consolidated through its innovative plays in terms of themes and specific characteristics. We aimed to argue on the sociocultural activism of the English Renaissance theatre. / Doutorado / Doutor em Artes

Orientador: Percival Tirapeli / Banca: Norberto Stori / Banca: Loris Grandi Rampazzo / Resumo: Esta pesquisa tem como objetivo descrever a redescoberta e o processo de restauro das pinturas inéditas do artista santista Jesuíno Francisco de Paula Gusmão (1764- 1819), mais conhecido como padre Jesuíno do Monte Carmelo, na Igreja da Ordem Terceira do Carmo de São Paulo. O resgate da chamada pintura invisível do padre artista só foi possível graças às suspeitas levantadas pelo crítico de arte Mário de Andrade (1893-1945). Estudando a pintura do artista santista, na década de 1940, o modernista desconfiou que o grosseiro painel central visível no teto da nave do templo dos terceiros carmelitas da capital - e que viria ainda a sofrer inúmeras interferências e retoques nas décadas posteriores - estava deslocado entre os elementos arquitetônicos e não condizia com os aspectos plásticos e estilísticos de Jesuíno, concluindo que a composição original do padre artista ainda poderia existir intacta, porém sob camadas de repintura. Com o tombamento da obra pictórica paulistana de Jesuíno pelo IPHAN, iniciaram-se os procedimentos de averiguação da teoria da pintura invisível, que resultou na recuperação de uma esplêndida pintura representando Nossa Senhora do Carmo cercada de anjos e querubins, observada com devoção pelos profetas Elias e Eliseu, e por uma corte de santos, beatos e mártires carmelitas. Análises e comparações com outras obras do artista santista justificam porque esta pintura pode vir a tomar o posto de melhor obra do padre Jesuíno, gerando, desse modo, uma revisão sobre a história da pintura colonial paulista / Abstract: This research aims to describe the process of rediscovery and restoration of new paintings of Santos-born artist Jesuíno Francisco de Paula Gusmão (1764-1819), better known as Priest Jesuíno do Monte Carmelo, at the Church of the Third Order do Carmo of São Paulo. The rescue of the called invisible paint from this artist priest was only possible due to the suspicions raised by the art critic Mário de Andrade (1893-1945). Studying the Santos artist's painting, in the 1940s, the modernist writer suspected that the coarse central panel visible on the ceiling of the nave of the Carmelites Thirds Temple in the capital - which would still suffering from numerous interferences and touches in later decades - was displaced between architectural elements and did not fit the stylistic aspects and plastic of Jesuíno, concluding that the composition of the original artist priest could still be intact but under layers of repainting. With the toppling of Jesuíno's paintings made in São Paulo by IPHAN, the procedures for reviewing the theory of invisible paint started and resulted in the recovery of a magnificent painting of Our Lady of Mount Carmel surrounded by angels and cherubs, devoutly observed by the prophets Elijah and Elisha, and by a court of Carmelite saints and beatified martyrs. Reviews and comparisons with other works by this Santos artist justify why this painting might take the place of the Priest Jesuíno best work, generating thus a review of the history of São Paulo colonial painting / Mestre

Orientador: José Leonardo do Nascimento / Banca: Rejane Coutinho / Banca: Loris Graldi Rampazzo / Resumo: O presente trabalho tem como tema a visão dos modernistas sobre o universo feminino, a partir de KLAXON - Mensário de Arte Moderna, primeiro periódico modernista. Foram utilizados conceitos do sociólogo francês Pierre Bourdieu (1930-2002), como referência teórica para estabelecer ligações entre o campo artístico e o campo social, no momento em que aconteceram os movimentos Modernista e Feminista emergentes. A investigação seguiu os rumos que a arte brasileira tomava para a inserção da mulher neste campo, como agente ativo, tendo em mente, principalmente, o papel desempenhado pela pintora Anita Malfatti enquanto "estopim do modernismo". O período analisado compreende as mudanças ocorridas no final do século XIX (com a aceitação de matrícula de mulheres na Academia Nacional de Belas Artes), no Rio de Janeiro e se estende até o início da década de 30, quando o Modernismo se consolida como movimento com grande participação feminina. O recorte se dá com base nas artistas citadas em KLAXON: Agnes Ayres (1898-1940), Anita Malfatti (1889-1963), Antonietta Rudge (Miller) (1885-1974), Bebé Daniels (1901-1971), Céline Arnauld (1893-1952), Gloria Swanson (1899-1983), Guiomar Novaes (1894-1979), Perola White (Pearl White) (1889-1938), Sarah Bernhardt (1844- 1923), Tarsila do Amaral (1886-1973) e Zina Aita (1900-1967). Inclui, também, o estudo de três textos sobre mulheres: Sarah, de Rubens de Moraes; As Cortesãs (das canções gregas), de Guilherme de Almeida; e A Extraordinária História da Mulher que se tornou Infinita, de Antonio Carlos Couto de Barros. Os resultados apontam uma visão mais aberta sobre o universo feminino, em relação ao século precedente, mas ainda com aspectos conservadores / Abstract: This work aims to reveal the judgments of Brazilian male modern artists concerning to female universe, and adopts as a main stream of arguments "KLAXON" - a monthly magazine of Modern Art, and the very first newspaper of Modernist Movement, in Brazil. Therefore, concepts and theories of the French-sociologist Pierre Bourdieu (1930-2002) were equally applied in order to put in a well-connected association some events from artistic camp and those from social camp, just a time when both Modernist and Feminist movements were exactly taking place in Arts and in society. This investigation keeps on following the route that had to be traced on Brazilian art and that had to give to those women some insertion at a powerful artistic scale, an example to have in mind is that one taken from the presence of the Brazilian female painter Anita Malfatti, whose role was very important for the so called "boom of Modernist Movement". The historical period analyzed includes the changes that occurred by the final of the XIX century, when women were being admitted on the "Academia Nacional de Belas Artes", in Rio de Janeiro, and its goes up to the end of the 30's, a period when Modernist Movement is consolidated as a real movement, accompanied from a large contribution of women. The most precious examples that can be illustrated with female artists' presence, cited by KLAXON, are: Agnes Ayres (1898-1940), Anita Malfatti (1889-1963), Antonietta Rudge (Miller) (1885-1974), Bebé Daniels (1901-1971), Céline Arnauld (1893-1952), Gloria Swanson (1899-1983), Guiomar Novaes (1894-1979), Perola White (Pearl White) (1889- 1938), Sarah Bernhardt (1844-1923), Tarsila do Amaral (1886-1973) e Zina Aita (1900- 1967). It also includes a study of three texts about women: Sarah, by Rubens de Moraes; As Cortesãs ("The Courtesans", those from the Greek songs), by Guilherme de Almeida; and A Extraordinária História da Mulher que se tornou Infinita / Mestre

Orientador: João Cardoso Palma Filho / Banca: Káthya Maria Ayres de Godoy / Banca: Maria Leila Alves / Resumo: A música é uma das formas de linguagem presentes na vida humana, desde a préhistória. Vários são os estudos a respeito da origem dos efeitos sonoros sobre o ser humano, sabe-se que o homem fazia música em seus rituais de caça e adoração. Objetivo: pesquisar como o ensino de História da Arte com o recurso da musicalidade com as crianças influencia na aprendizagem significativa. Método: Pesquisa descritiva, qualitativa realizada com as séries iniciais de uma escola da rede privada de ensino da cidade de São Paulo, em 2008. Resultados: Pelo estudo realizado, percebeu-se a importância da atuação do professor que busca provocar nos alunos um entendimento sobre a área de conhecimento, baseada nas experiências vividas em salas de aula; e esta atuação distingue-o do professor tradicional; e os alunos não precisam ter um conhecimento prévio da obra de Arte, mas, é importante que a vivência seja provocada para que, além da Experiência, tenham uma vivência sonora e visual, para que haja a aprendizagem em Arte / Abstract: Music is one of the language forms that have been present in human life since Prehistoric times. There are several studies about the origin of the sound effects on human beings; it is known that man created music in their hunting rituals and worship. Objective: To investigate how musical resources added to Art History teaching influences students' meaningful learning. Method: A descriptive, qualitative study was conducted with the initial series of a private school in the city of Sao Paulo in 2008. Results: Through this research, based on classroom experiences, it was observed that the performance of the teacher who motivates students towards significant learning is of great importance; and that this practice differs from traditional practices; that students do not necessarily have to possess a prior knowledge of a work of Art, but it is important to activate a connection of it to sounds and visuals stimuli, so that besides the Experience, they can have an auditory and visual involvement, and thus, learn Art / Mestre

Esse trabalho acompanha a trajetória artística do escritor, teatrólogo e cineasta José Agrippino de Paula do lançamento de seu primeiro romance, Lugar Público, em 1965, até algumas de suas experiências com filmes Super-8 já na década de 70. Como eixo fundamental, ele relata criticamente a gênese e a construção de uma proposta poética intitulada pelo próprio artista de arte-soma. Para tanto, prioriza-se o período que vai do início de sua carreira como romancista até a realização de seu primeiro filme, Hitler IIIº Mundo (1968), considerado aqui peça central na realização desta poética. / This work accompanies the artistic trajectory of the writer, playwright and filmmaker José Agrippino de Paula from the launch of his first novel, Lugar Público, in 1965, to some of his experiences with films super-8 already in the 1970\'s. As a fundamental axis, it reports the genesis and the construction of a poetical proposal entitled by the artist himself as arte-soma. It focus the period of the beggining of his career as a novelist until the completion of his first film, Hitler IIIº Mundo (1968), considered here the central piece on the realization of this poetics.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:18:52Z (GMT). No. of bitstreams: 1 113873.pdf: 2132261 bytes, checksum: 786b7b4f210c67b22286ba784e9300d2 (MD5) Previous issue date: 2013-07-31 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / This dissertation work, The Blind-Body in Art: Aesthetic and Reflective Experiences in the context of cultural institutions, resorts to the Phenomenological perspective and Sociohistorical Corps to investigate the Blind-Body and its perception of "to be in the world", raising questions about the body blindness, its mobility, in order to investigate how this Blind-Body deal with the challenges, achievements and overcomings, the body that perceives the other one and the world, in a peculiar way. This peculiarity implies, therefore, the aesthetic experience, establishing dialogues with the artwork and its accessibility in exhibitions spaces. Describes the mediations occurred in MASC from the visitations performed, discussing the importance of the role of the mediator in the process of exchange and learning. This work proposes educational and pedagogical actions that prioritize the contact with cultural assets, promoting social inclusion. / O presente trabalho de dissertação, O corpo-cego na arte: experiências estéticas e reflexivas no contexto de instituições culturais, recorre à perspectiva Fenomenológica e à Sócio-Histórica para investigar o corpo cego e sua percepção de ¿ser no mundo¿, levantando questões sobre o corpo da cegueira, sua mobilidade, com o propósito de indagar de que forma esse corpo-cego lida com os desafios, conquistas e superações, o corpo que percebe o outro e o mundo, de forma peculiar. Essa peculiaridade implica, portanto, a experiência estética, estabelecendo interlocuções com a obra de arte e sua acessibilidade nos espaços expositivos. Descreve as mediações ocorridas no MASC a partir das visitações realizadas, discutindo a importância do papel do mediador no processo de trocas e aprendizados. O presente trabalho propõe ações educativas e pedagógicas que priorizam o contato com bens patrimoniais e culturais, promovendo a inclusão social.

Orientador: Paulo Mugayar Kuhl / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-05T01:32:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Pardim_SoniaLeniChamon_M.pdf: 12371517 bytes, checksum: fca1ee937a6ba179ab307553fd4d13c2 (MD5) Previous issue date: 2005 / Resumo: Levantamento e análise da iconografia do rio Tietê, observando-se a diversidade de significações deste rio no decorrer de sua história e as representações plásticas correspondente. Analisou-se brevemente a cartografia das primeiras monções; as obras dos artistas viajantes ¿ em especial os que comprovadamente retrataram o rio Tietê, como Thomas Ender, Willian John Burchell, Aimé-Adrien Taunay e Hercule Florence e o olhar dos pintores locais ¿ Miguelzinho Dutra e Almeida Júnior. Tendo-se como foco a questão da construção do imaginário sobre o Tietê a partir de sua iconografia, enfatizou-se a análise das pinturas referentes às monções que pertencem ao acervo do Museu Paulista. Estas pinturas, produzidas no princípio do século XX, participaram de um projeto de construção da história, tendo São Paulo como referência hegemônica e cujo mentor foi Affonso D¿Escragnolle Taunay. As referidas pinturas utilizaram como modelo visual as ilustrações produzidas durante a Expedição Langsdorff e publicadas no livro ¿Viagem Fluvial do Tietê ao Amazonas¿ ¿ relato de Hercule Florence. Apesar da visualidade similar, as duas iconografias apresentam significações diferenciadas: as de Florence são crônicas visuais de uma expedição científica determinada (a de Langsdorff) e as obras do Museu Paulista são encomendas para um museu histórico que generalizam todas as monções. Para a compreensão desta dicotomia, analisou-se os contextos onde ambas foram produzidas / Abstract: Survey and analysis of the iconography of the Tietê river, observing the diversity of meanings of this river during its history and the corresponding plastic representations. The cartography of the first ¿monções¿ (expeditions over the Tietê river in the XVIII-th and XIX-th centuries) was briefly analyzed through the works of the traveling artists - in special those that had effectively portrayed the Tietê river, as Thomas Ender, William John Burchell, Aimé-Adrien Taunay and Hercule Florence, and of the local painters - Miguelzinho Dutra and Almeida Júnior. With focus on the question of the construction of Tietê imaginary from its iconography, it was emphasized the analysis of paintings portraying the ¿monções¿ that belong to the São Paulo Museum. Produced in the beginning of the XX-th century, these paintings had participated of a history construction project, having São Paulo as hegemonic reference and Affonso D'Escragnolle Taunay as mentor. The visual model of these paintings was the illustrations made during the Langsdorff Expedition and published in the book ¿Viagem Fluvial do Tietê ao Amazonas¿, by Hercule Florence. Despite the similar viewing, the two iconographies present different meanings: Florence¿s are visual chronics of a specific scientific expedition (Langsdorff¿s) and São Paulo Museum¿s are orders for a historical museum that generalize all the ¿monções¿. To understand this dichotomy, the contexts where both had been produced were analyzed. / Mestrado / Mestre em Artes

Orientador: Lucia Helena Reily / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-12T15:08:21Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Somera_Nicole_M.pdf: 936255 bytes, checksum: 32d2af59ad7f80c1912812ed9b2d2de9 (MD5) Previous issue date: 2008 / Resumo: O presente trabalho tem como intenção investigar as interações do artista com deficiência no subcampo das atividades culturais/artísticas de instituições de atendimento à pessoa deficiente ou de sua inclusão através da arte, e, também, com o campo artístico em si. Partimos dos grupos: Associação dos Pintores com a Boca e com os Pés, Artes Táteis, Grupo de dança sobre rodas Corpo em Movimento, Associação de Balé e Artes para Cegos Fernanda Bianchini, Companhia de Arte Intrusa, Companhia Mix Menestréis, Ceguinhas de Campina Grande e Surdodum, para realizar tal tarefa. Levamos em consideração os olhares que o mundo ocidental e o Brasil tiveram sob a pessoa com deficiência, a própria concepção dos integrantes com deficiência dos grupos estudados como pessoas deficientes e artistas, a produção que desenvolvem estes conjuntos. Considerando a relação dos grupos com a mídia e o Estado, discutiu-se a respeito do capital cultural e as relações com a Família e a Escola no âmbito artístico-cultural de seus integrantes com deficiência e líderes, para estabelecermos as posições sociais de cada um e a divisão simbólica destas posições. / Abstract: The aim of this study was to investigate the interaction of artists with disabilities in the subfield of social inclusion through art, as well as within the art field itself. The groups that were studied included the Associação dos Pintores com a Boca e com os Pés, Artes Táteis, Grupo de dança sobre rodas Corpo em Movimento, Associação de Balé e Artes para Cegos Fernanda Bianchini, Companhia de Arte Intrusa, Companhia Mix Menestréis, Ceguinhas de Campina Grande and Surdodum. To discuss the functioning of these groups, we considered how people with disability have been viewed in the Western world and in Brazil. We also discussed the conceptions of the participants with disabilities of the groups being studied as persons with disabilities and as artists, as we looked at the various groups' productions. Considering the groups' relations with the media and with the State, we discussed issues of cultural capital and the relations of the participants with disability and the group leaders to Family and School within the artistic-cultural milieu, so as to understand the natures of symbolic division of these social positions. / Mestrado / Mestre em Artes

Orientador: Jorge Sidney Coli Junior / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-12T20:36:23Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Paulitsch_ViviandaSilva_D.pdf: 19154700 bytes, checksum: 1fc2727325ff96d4ed507b69e374ed84 (MD5) Previous issue date: 2009 / Resumo: Esta tese constitui uma pesquisa em história da arte, relativamente ao tríptico intitulado La Faiseuse D'Anges (A fazedora de anjos), de autoria do artista brasileiro e filho de imigrantes alemães, Pedro Weingärtner (1853-1929). É objetivo geral desta tese relacionar, analisar e propor uma leitura crítica acerca dos aspectos picturais, sociais, culturais e historiográficos das representações constantes no tríptico, integrante do acervo da Pinacoteca de São Paulo. O artista percebe a mulher como o centro da sociedade - um pilar - e o lugar capital do casamento em sua vida, como fator de reconhecimento. A injunção desse status quo está nos detalhes dos objetos e da cena de carnaval e dos interiores que Weingärtner propositalmente colocou em sua composição, ao reproduzir essa realidade cotidiana, característica da pintura de gênero do século XIX, em toda a Europa.Entende-se que a simbologia e a sugestão foram sua primeira opção de linguagem. Depois, apoiou-se na obra literária Fausto, de Goethe, que permeia as três partes do tríptico. O título enigmático, relativo às abortadeiras, colocava em pé de igualdade todo tipo de prática que, de alguma forma, tentasse prejudicar a vida de um novo ser em geração. Pedro Weingärtner criou um tríptico sob um clima prejudicial em relação ao nascimento, resolveu sugerir o abandono e o colocou em posição igualitária ao crime de infanticídio. / Abstract: This thesis constitutes a research about Art History, focused on the triptych entitled La Faiseuse D'Anges (Angels maker) by the Brazilian artist and German immigrants' son, Pedro Weingärtner (1853-1929). The general goal of this work is to analyze and propose a critical reading of pictorial, social, cultural and historiographical aspects of the representations contained at the triptych, part of Picture Gallery of São Paulo State collection. The artist perceives the woman as the society center - a pillar - and the main place of marriage in her life as a fact of recognition. The injunction of this status quo is in the objects' details, in the carnival scenes and in the interiors than Weingärtner places on purpose in his composition, reproducing this daily reality, characteristical in 19th century paintings, all over Europe. Symbology and suggestion are understood as his first language option. Afterward, the artist based his work on Faust by Goethe, a literary text that pervades the whole triptych. The enigmatic title, referred to women who practiced abortion, put in the same level all practices that, somehow, attempted to damage the life of a new human being. Pedro Weingärtner created a triptych under a birth damaging approach and suggested the abandonment as well as put it in the same position of infanticide crime. / Doutorado / Historia da Arte / Doutor em História