Made available in DSpace on 2014-07-29T16:25:15Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Capa e te...pdf: 11820 bytes, checksum: 57420cdeeae5925735d92eb1af9c37a8 (MD5) Previous issue date: 2009-04-27 / Cet article soulève des questions concernantes à la chanson d art brésilien, surtout à partir de l analyse des dix mélodies du compositeur brésilien Osvaldo Lacerda, dont les paroles appartiennent au poète Manuel Bandeira. Pour cela, l auteur se sert d une base théorique générale, associée à des éléments touchant le mouvement musical nacionaliste au Brésil. En plus, une liste d exemples complète les observations, surtout ceux qui on trait aux constances retrouvées dans la musique brésilienne. Finalement, il fournit des informations biographiques du dit compositeur, ainsi que l analyse des dix mélodies choisies pour cette étude, selon une méthode d analyse spécialement conçue pour cela. On y trouve également des observations du propre compositeur à l égard des morceaux analysés / O presente artigo aborda questões relativas à canção de arte brasileira, focando-se, em particular, nas dez canções do compositor brasileiro Osvaldo Lacerda com textos do poeta Manuel Bandeira. Para tanto, o autor se serve de uma fundamentação teórica geral, associando-se a ela elementos sobre o movimento nacionalista musical no Brasil e, também, uma lista de exemplos, sobretudo aqueles relacionados às chamadas constâncias encontradas na música brasileira. Apresenta, ainda, informações biográficas do mencionado compositor e a análise das dez canções escolhidas para estudo, segundo uma matriz analítica concebida especialmente para tal e que inclui observações do próprio compositor sobre as peças analisadas

Made available in DSpace on 2016-03-15T19:44:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Sullivan Bernardo de Almeida.pdf: 12110307 bytes, checksum: 01576eb38f85b76f20f714588b172d60 (MD5) Previous issue date: 2012-12-12 / Instituto Presbiteriano Mackenzie / Di Cavalcanti's official production is the subject of studies in many disciplines, each of which takes its own particular approach. This official production is understood to be all of the verbal-imagery work produced by the artist throughout his career in order to meet the demands of the art market. However, the book Cartas de Amor à Divina, a compendium containing letters, cards, drawings and reproductions of portraits of Ivette Bahia Rocha, the "Divina", is understood as unofficial production. Published in 1987, the book records the fifteen-year loving relationship of Di Cavalcanti and Ivette. The set reveals the drama of an older man, 62 at the time, who cannot control a 23-year-old woman. Ivette met the painter in 1959 on a visit to his studio in Copacabana, Rio de Janeiro, and became an assiduous studio guest, occupying, little by little, all spaces of the artist's life: she was his secretary, financial administrator, muse and wife. The relationship ended in 1974, during the middle of a political and cultural transformation in Brazil. Structured from the concepts that guide the study of History of Culture, this study is dedicated to analyzing the verbal imagery content contained in Di Cavalcanti's epistolary, which was transformed into a book in 1987. The goal is to identify the reasons for which the relationship's dynamic was conflicted and how such subversions interfered or not in the painter s artistic production. / A produção oficial de Di Cavalcanti é objeto de estudos em diferentes disciplinas e, abordada de forma diversa em cada uma delas. Entende-se como produção oficial toda obra imagético-verbal produzida pelo pintor ao longo de sua carreira artística e, com objetivo de atender as demandas do mercado de arte. Porém, entende-se como produção oficiosa o livro Cartas de Amor à Divina, um compêndio contendo, cartas, cartas-desenhos e reproduções dos retratos de Ivette Bahia Rocha, a destinatária. Publicado em 1987, o livro é um registro dos quinze anos de relacionamento afetivo vivido por Di Cavalcanti e Ivette, a Divina. O conjunto revela o drama de um homem que não consegue controlar uma jovem de 23 anos, tendo ele à época 62 anos de idade. Ivette conheceu o pintor em 1959 em visita ao seu atelier, em Copacabana, no Rio de Janeiro. Tornou-se uma das convivas assíduas do atelier, ocupando, pouco a pouco, todos os espaços na vida do artista. Foi secretária, administradora financeira, musa e mulher. O relacionamento terminou em 1974 em meio à transformação político e cultural pela qual passava o Brasil. Estruturada a partir dos conceitos que orientam os estudos da História Cultural, esta pesquisa dedica-se a análise do conteúdo imagético-verbal contido no epistolário de Di Cavalcanti transformado em livro em 1987. O objetivo é identificar os motivos pelos quais se instalavam os conflitos naquela dinâmica relacional e, de que maneira aquelas subversões interferiam ou não na produção artística do pintor.

Made available in DSpace on 2016-03-15T19:44:26Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Fabiola Batistin.pdf: 2665857 bytes, checksum: 5f0b4530d5ea6488db5184ff8dc44317 (MD5) Previous issue date: 2014-03-17 / Universidade Presbiteriana Mackenzie / This paper have started from the research collection of the art critic, poet, psychoanalyst, teacher and collector Theon Spanudis and its safeguard upheld on two institutions: Museum of Contemporary Art - MAC/USP and Brazilian Studies Institute - IEB / USP. The collection consisting of 453 frames was partially donated to the MAC / USP in 1979 and concluded only after the death of Spanudis in 1986. The Fund Theon Spanudis of IEB / USP was created with the aim of cataloging the donated literary material (poetry books, manuscripts, texts, exhibition catalogs) for further public consultation. The wealth of material, an unprecedented documentary and little explored in their study resulted in a didactic split into three research areas (the transcendence of art, the artists and brands poetic didactic bias of the collection ) in order to better understand Theon Spanudis collection. The museum education boosted the composition and purpose of a curatorial project uniting the many actions of Theon as a critic, poet and collector. Thus, artists within the collection, poems, excerpts from letters and manuscripts, in order to think of the use of part of the collection as a base material for educational activities inside and outside the art museums were selected: one three-dimensional casts a Poem broad horizon to so many other collections that may incur in the same poetic way. / O presente trabalho partiu da investigação da coleção do crítico de arte, poeta, psicanalista, professor e colecionador Theon Spanudis e de sua salvaguarda acolhida sobre duas instituições: Museu de Arte contemporânea MAC/USP e o Instituto de Estudos Brasileiros IEB/USP. A coleção, composta de 453 quadros, foi doada parcialmente no MAC/USP em 1979 e somente concluída após a morte de Spanudis em 1986. O Fundo de Acervo Theon Spanudis no IEB/USP, foi criado com o intuito de catalogação do material literário doado (livros de poesia, manuscritos, textos, catálogos de exposição) para posterior consulta pública. A riqueza do material, um corpus documental inédito e pouco explorado em seu estudo deram origem a uma separação didática em três eixos de investigação (a transcendência da arte, as marcas poéticas do artistas e o viés didático da coleção) com a finalidade de melhor compreender a Coleção Theon Spanudis. A educação museal impulsionou a composição e a proposta de um projeto curatorial unindo as muitas ações de Theon como crítico, mecenas, poeta, colecionador. Assim, foram selecionados artistas dentro da coleção, poemas, trechos de cartas e de textos manuscritos, com o intuito de pensar o uso de parte da coleção como material de base para ações educativas dentro e fora dos museus de arte: um Poema Tridimensional lança um horizonte amplo a tantas outras coleções que possam incorrer num mesmo caminho poético.

[pt] O objetivo desta dissertação é analisar a relação entre a obra de arte, o artista e o espectador a partir da produção de Lygia Clark e Hélio Oiticica. Esses dois artistas foram escolhidos como objeto de estudo por terem direcionado sua pesquisa no sentido de incluir o espectador como agente modificador e até mesmo criador da obra de arte. Ambos são reconhecidos por propor novas questões a respeito ocupação do espaço real pela obra de arte e pela busca da libertação da bidimensionalidade da tela e da moldura. Esta pesquisa se baseia na idéia de que os dois pintores se tornaram referência para a história da arte no Brasil e investiga suas trajetórias desde a participação no grupo Neoconcreto até seus últimos trabalhos, estudando os problemas propostos na produção de cada um, em especial, no que se refere ao diálogo que estabelecem com o público. / [en] The goal of this dissertation is to analyse the existing relationship between the art work, the artist and the spectator within the context of Lygia Clark s e Hélio Oiticica s work. These two artists were chosen as the object of this study because both were committed to proposing new issues regarding the inclusion of the spectator as a direct agent in the modification and even creation of the art work. They stood out in the artistic world by proposing innovating issues, searching to occupy the real space and free themselves from the bidimensionality of the canvas and the easel. The research is based on the premise that both are current references in the history of Brazilian art and investigates the span of their trajectory, from their participation in the Neoconcrete group up to their last pieces, stressing the problematics involved in each one s work and, specially, to what point they were able to establish a direct dialogue with the public.

Os objetos da dissertação Entre texto e obra - Ronaldo Brito e Waltercio Caldas (1973-1983) são as trajetórias do crítico de arte Ronaldo Brito e do artista Waltercio Caldas durante a década de 1970 e início da década seguinte, as intersecções entre ambas e uma parte da dinâmica da arte contemporânea brasileira do período que sofreu os impactos dessas trajetórias. Esta dissertação propôs investigar as principais linhas de força que perpassaram a arte brasileira entre 1973 e 1983, e em que medida estes vetores marcaram os desdobramentos do meio artístico brasileiro a partir de então, tendo como referências os textos de Ronaldo Brito e a obra de Waltercio Caldas. Foi possível identificar alguns aspectos que marcaram as trajetórias pesquisadas e conseqüentemente, parte do panorama da arte brasileira do período, como as relações dialéticas estabelecidas com a experiência da arte moderna, as mudanças ocorridas paralelamente ao estabelecimento de um novo contexto internacional e o fortalecimento de preocupações ligadas ao papel do mercado de arte no meio artístico. / Between writings and art work . Ronaldo Brito and Waltercio Caldas (1973-1983) dissertation objects are the trajectory of Ronaldo Brito, art reviewer, and the artist Waltercio Caldas in the 70´s and beginning of the 80´s, the intersection between them and a part of the discussion about Brazilian contemporary art of the time that suffered the impact of these trajectories. The proposal of this text was investigate the main power lines that crossed over Brazilian art between 1973 and 1983 and, in what measure these vectors remarked the evolution of Brazilian art environment since then, using as references Ronaldo Brito texts and Waltercio Caldas works of art. It was possible to verify some aspects that remarked the studied trajectories and, consequently, a part of Brazilian art scene of the time as the dialectic relations settled with the modern art experience, the changes that occurred in parallel to the establishment of a new international context and the strengthen of concerns tied to the role of the art market in artistic environment.

Submitted by nelma barbosa (nelma13@gmail.com) on 2018-09-20T15:16:30Z No. of bitstreams: 1 TESE _NELMA BARBOSA_PosAFRO_UFBA.pdf: 6787889 bytes, checksum: 337cd99d40114a58a867396385fef159 (MD5) / Approved for entry into archive by Biblioteca Isaías Alves (reposiufbat@hotmail.com) on 2018-09-27T18:33:23Z (GMT) No. of bitstreams: 1 TESE _NELMA BARBOSA_PosAFRO_UFBA.pdf: 6787889 bytes, checksum: 337cd99d40114a58a867396385fef159 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-09-27T18:33:23Z (GMT). No. of bitstreams: 1 TESE _NELMA BARBOSA_PosAFRO_UFBA.pdf: 6787889 bytes, checksum: 337cd99d40114a58a867396385fef159 (MD5) / não se aplica / O presente trabalho elabora uma interpretação sobre a identidade afro-brasileira no meio da arte contemporânea. No desenrolar desta pesquisa, tentamos salientar algumas pistas, visando identificar, analisar e compreender o processo de construção de discursos identitários de afirmação negra na trajetória profissional do artista plástico contemporâneo rotulado pelo sistema da arte como artista afro-brasileiro. Para tal, optamos por utilizar o estudo de caso único como método, tendo como unidade-caso o artista Ayrson Heráclito, destacado atualmente na produção artística nacional e internacional, mesmo não vivendo em regiões centrais e legitimadoras do circuito econômico das obras de arte. No intuito de municiar melhor nossos argumentos, analisamos assuntos da vida profissional do artista visual de origem negra, a exemplo dos conceitos de: arte afro-brasileira, a profissão de artista, arte contemporânea, globalização e sistema da arte. Considerando as relações de poder no contexto da produção artística, refletimos ainda sobre asidentidades, cultura, raça e nação, entre outros temas necessários para compreendermos as relações no contexto da vida profissional do artista afro-brasileiro. Partimos da ideia de arte afro-brasileira, pois esta não é uma qualidade de arte que segue estilos canônicos, a exemplo de movimentos artísticos reconhecidos pela história oficial. Esse tipo de arte, por se desenvolver em um ambiente marcado por desigualdades raciais e de tradicionais hierarquias, repercute as idiossincrasias da temática identitária nacional. A identidade é uma questão relevante no âmbito da arte contemporânea, pois movimentos sociais reivindicatórios, sustentados em discursos identitários, também influenciam as narrativas visuais. A legitimação da arte atual resulta da relação de força dos agentes institucionais que integram o sistema oficial da arte e que estabelece critérios de qualidade artística segundo seus interesses. O referido mecanismo, responsável pelo que entendemos ou não como sendo arte contemporânea, tem sido obrigado a reconhecer identificações e visualidades historicamente negadas. Nosso estudo também descreve como a arte e o artista afro-brasileiros se tornaram elementos reconhecidos no círculo das artes plásticas nacionais, discorrendo sobre algumas de suas principais referências. Mas, por investigar um texto identitário, ouvimos Ayrson Heráclito e confrontamos a visão de si com a visão externa sobre ele. As análises indicaram que políticas afirmativas para artistas periféricos motivam declarações identitárias e o acesso ao ensino superior facilita a circulação ou sobrevivência do profissional da arte. A demanda por diversidade influencia a circulação das obras, empodera e reposiciona artistas e demais profissionais no meio artístico. A identidade afro-brasileira se estabelece como plataforma política. A experiência cultural negra engendra possibilidades discursivas diferentes entre si e, quando se faz presente através de um sujeito, lida com mecanismos capazes de alterar os sentidos operados pelo conjunto total de criadores. / The present work elaborates an interpretation of an Afro-Brazilian identitywithin contemporary art. In the unfolding of this research, we tried to highlight a few paths through which to identify, analyze and understand the process of identity discourse construction, specifically black affirmation in the professional trajectory of the contemporary visual artist, labeled as an Afro-Brazilian artist within the system of art. To this end, we opted to use case study as our method, focusing on the case of artist Ayrson Heráclito, highlighting his artistic production nationally and internationally, even though he does not live in the regions considered central and legitimate within the economic circuit of art works. With the intention of better illustrating our arguments, we analyzed aspects of the professional life of the visual artist with black racial origins, using concepts such as Afro-Brazilian art, the profession of the artist, contemporary art, globalization and art system. Considering the power relations in the context of artistic production, we reflect on further concepts including identities, culture, race and nation, among other themes necessary to comprehend relations in the context of the professional life of the AfroBrazilian artist. We depart from the idea of Afro-Brazilian art, for this is not an art quality that follows canonical styles, or an artistic movement recognized by official history. This type of art, developed in an environment marked by racial inequalities and traditional hierarchies, reflects the idiosyncrasies of national identity issues. Identity is a relevant question in the areaof contemporary art, as grass roots social movements backed by identity discourses also influence visual narratives. Current art is legitimated as a result of the force of institutional agents, which integrate the official system of art and establish criteria for artistic quality based on their interests. This referred mechanism, responsible for what we understand as contemporary art or not, is now being required to recognize identifications and visualities historically denied. Our study also describes how Afro-Brazilian art and artists became recognizable elements in the circuit of national fine art, addressing some of the principle references. However, as a text on identity, we hear Ayrson Heráclito and confront the vision of him externally through others. Our analyses indicate that affirmative politics for peripheral artists motivate identity declarations, and access to higher education facilitates the circulation or survival of the professional artist. The demand for diversity influences the circulation of works, empowering and repositioning artists and other professionals in the artistic world. Afro-Brazilian identity establishes itself as a political platform. The black cultural experience engenders different discursive possibilities, and when present in one subject, it is a mechanism capable of altering the meanings operating among all of its creators.

Made available in DSpace on 2016-12-23T13:46:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Iris Maria Negrini Ferreira.pdf: 3614523 bytes, checksum: e13584ed49c204d3d0134fcf8b7f1a66 (MD5) Previous issue date: 2012-10-01 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This Master s degree dissertation had as its object on the work ok carlo Vergara, with a focus on work done in 1960s: Happening G4, Berço Esplêndido, Brinquedo (Ojetos-módulos), Empilhamentos, in addition to works of the 1990s and 2000s, such Capela do Morumbi, Farmácia Baldia and Feira de Adivinhações. From these works, was discussed how the artist turned his production beyond the pictorial medium at different times in his career, who presided over the thrust axis of its operations in the Brazilian avant-garde, from the pure visual experience by the public, or even constituted by his participation. There was thus a reflection on the character expanded in the artist s work since the beginning of his career, in the 1960s to the present of his creative process. It was intended, therefore, to reflect on the changes that triggered the expansion of boundaries / Esta dissertação de mestrado teve como objeto de investigação a obra de Carlos Vergara, com enfoque em trabalhos realizados na década de 1960: Happening G4, Berço Esplêndido, Brinquedo (Objetos-Módulos), Empilhamentos; além de trabalhos dos anos 1990 e 2000, tais como Capela do Morumbi, Farmácia Baldia e Feira de Adivinhações. A partir dessas obras, foi discutido como o artista direcionou sua produção para além do meio pictórico em diferentes momentos da sua trajetória, sobre o impulso que presidiu suas operações no eixo do vanguardismo brasileiro, passando da experiência visual pura ao experimental e às proposições comportamentais que engendraram uma arte com o intuito de ser vivenciada pelo público, ou mesmo constituída pela participação dele. Fez-se, assim, a reflexão sobre o caráter expandido na obra do artista desde o início da sua trajetória, na década de 1960 à atualidade de seu processo criativo. Pretendeu-se, assim, refletir sobre as transformações que desencadeava a ampliação de limites

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / A pintura de Eduardo Sued se caracteriza por uma variedade de soluções e um procedimento radicalmente assistemático. Observando o método de ação adotado pelo pintor, propõe-se uma análise crítica e interpretativa de sua produção apoiado em duas noções centrais, logicamente relacionadas: o desvio e o labirinto. Compreendida como estratégia revisionária, o desvio condiz à aspectos estritos à operação da pintura, no tocante à maneira como Sued lida com a tradição e principalmente como conduz a experiência da pintura nos termos de sua atualidade. O segundo conceito, labirinto, confere caráter às conseqüências produzidas por esta experiência, senão à experiência mesma, consistindo aí a unidade da produção. Neste aspecto, o labirinto estará presente tanto naquele momento que concerne às relações intra-poéticas, quanto na possibilidade aberta de se interpretar esta obra, seja em partes, seja em seu conjunto. A idéia de reconstrução deriva desse processo vivo e fragmentado da pintura. Reconstruir é buscar sentidos possíveis para a pintura hoje, algo que legitime seu papel no mundo contemporâneo, sem pretender, evidentemente, encerrar-se em dogmas. Repondo os termos de uma herança construtiva vigente na obra, as noções de desvio/labirinto revelam vínculos com certa tradição moderna, sem deixar de inserir e apontar nesta pintura os dilemas da contemporaneidade, que lhe são próprias / Eduardo Sueds paintings are underlined for kinds of results and a radical unsystematic process. Seeing the painters action method we propose a critic and interpretative analyses of his production. We use two ideas for it. The first is the swerve and the second is the labyrinth. The swerve is a strategic revision that suits with the operation of painting, demonstrating the mode as Sued works the tradition and labyrinths idea ascribe the character to the form of experience, its image, residing there the unit of production. Thus the labyrinth will be present as in intra-poetics relations moment as in possible way to interpret this work. The reconstruction idea comes of its lively and broke process to paint to reconstruct possible meanings to the painting today something that it will do lawful at the contemporaneous world no to intend to reduce it for dogmas. The labyrinths and swerve ideas discover links to the modern tradition through their constructive heritage. And they dont leave to replace and to underline in these paintings contemporaneous dilemmas that are theirs

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:28Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2012-08-23Bitstream added on 2014-06-13T18:49:10Z : No. of bitstreams: 1 schunk_r_me_ia.pdf: 17928712 bytes, checksum: a7f5fef580d8ac17a8c1699102d9cc03 (MD5) / Universidade Estadual Paulista (UNESP) / Na história da colonização brasileira, a produção de imagens sagradas representou um importante papel didático no processo de ensino e conversão religiosa do território conquistado, sobretudo incentivado nas oficinas conventuais jesuíticas, beneditinas, franciscanas e carmelitas. No planalto de Piratininga, as pioneiras relações sociais estabelecidas por meio de laços matrimoniais entre tupis e portugueses foram de encontro à secular sociedade paraguaia formada por espanhóis e guaranis, gerando uma mescla de culturas que resultaram na idéia de sertão: local onde a miscigenação e liberdade fugiram de tratados ibéricos e controles metropolitanos. Pelos velhos caminhos indígenas Peabirus, os bandeirantes paulistas avançaram no interior do continente em busca de riquezas, levando consigo suas experiências e retornando com a prata de Potosí e mão de obra missioneira. No meio deste caminho estava Santana de Parnaíba e a arte do primeiro grande artista brasileiro: Frei Agostinho de Jesus. Residindo no Mosteiro dos Beneditinos desta localidade a partir de 1643 transforma o panorama cultural do Brasil, um significativo momento das artes plásticas nacionais. Em Parnaíba, o mestre encontrou uma sociedade original, miscigenada, criando obras-primas, testemunhos da arte sacra paulista, berço da identidade nacional. A série de imagens em terracota desenvolvidas nesta região integra umas das primeiras tradições brasileiras de escultura religiosa somando contribuições de artistas como Frei Agostinho da Piedade, Mestre de Angra dos Reis e entalhadores missioneiros. A partir desse evento forma-se um conjunto de santeiros que seguirão estéticas eruditas e populares formando a Escola Cultural do Vale do Rio Tietê e Paraíba do Sul. Toda essa agitação social irá acompanhar os pioneiros no processo de expansão do país rumo a Minas Gerais, Mato Grosso e Goiás... / The production of sacred images played important role for the teaching process and religious conversion for the history of the Brazilian colonization. Jesuits, Benedictines, Franciscans and Carmelites, had encouraged the production of sacred images in their handcrafts spaces. At the Piratininga plateau, the first social relationships have been born through marriages between Tupis and Portugueses. The opposite of the secular Paraguayan society, made up of Spanish and Guaranis. These relationships, turned into a mix of cultures resulting in an idea of backwoods: miscegenation and freedom, ran away from Iberic control. The pioneers from São Paulo “paulistas” used the old indigenas ways, looking for wealth. They returned to the silver of Potosi, bringing their experience and missionary labor. Through the middle of the way, in Santana de Parnaíba, was Frar Agostinho de Jesus, the first, and most important Brazilian artist. From 1643, Frar Agostinho living with the Benedictines transformed the culture of Brazil, into a significant moment of national art. In Parnaíba, the master found an original and mixed society, creating masterpieces, standarts of sacred art in São Paulo, birth of national identity. The series of images in terracotta developed in this region includes one of the first Brazilian traditions of religious sculpture by adding contributions from artists such as Frar Agostinho da Piedade, Master of Angra dos Reis and carvers missionaries. This event result in the foundation of the important “The School Culture of the Tietê and Paraíba do Sul River Valley”. All this unrest will follow the pioneers in the expansion of the country towards Minas Gerais, Mato Grosso and Goiás... (Complete abstract click electronic access below)

A tese investiga as dinâmicas da imagem fotográfica presentes na poética do artista brasileiro Miguel Rio Branco. Para isso, a sua trajetória é pesquisada tendo como objetos de análise seus livros Dulce Sudor Amargo (1985), Nakta (1996) e Silent Book (1998), e o filme Nada Levarei quando Morrer Aqueles que Mim Deve Cobrarei no Inferno (sic), realizado em 1981. Tais obras são eixos que permitem compreender a lida complexa que o artista mantém com as noções de tempo, percepção e realidade. Nesse processo, a fotografia desempenha um papel instigante na reestruturação do objeto percebido enquanto fenômeno em um mundo compreendido pela imagem. Ao trabalhar a imagem fotográfica com aparente procedimento direto na captação do objeto, Miguel Rio Branco não se detém no objeto ou assunto, mas extrai dele sua possibilidade de expressão, entre as marcas indiciais e as representações simbólicas. Essa intervenção do artista imprime ao objeto outra condição: misto de sua presença física no mundo e uma natureza distinta, revelada na imagem. Suas construções narrativas, observadas a partir da produção de seus livros e da sua relação com as estéticas do cinema, serão analisadas como elementos singulares para contribuição do debate sobre fotografia no campo da arte. Proponho investigar a instabilidade do signo fotográfico no conceito histórico da fotografia documental na arte, tendo como parâmetro o trabalho do artista, suas motivações de ruptura com a tradição do documento e a constituição de sua poética entre as décadas de 1970 e 1990. / The dissertation investigates the dynamics of the photographic image present in the poetics of Brazilian artist Miguel Rio Branco. For such, I examine his trajectory through analytical objects: the books \"Dulce Sudor Amargo\"(1985), \"Nakta\" (1996), and \"Silent Book\" (1998), as well as the movie \"Nada levarei quando morrer aqueles que mim deve cobrarei no inferno\" (sic) or, in English \"I shall take nothing when those die who owe me will charge in hell\" (sic) made in 1981. These works are axes that allow the comprehension of the artist\'s complex handling of the notions of time, perception, and reality. In this process photography plays a thought-provoking role in restructuring the perceived object as a phenomenon in a world understood through the image. When Miguel Rio Branco works the photographic image with an apparently direct procedure for capturing the object, he does not only focus on the object or subject, but draws their entire possibility of expression, between the indexical marks and symbolic representations. This intervention imprints another condition on the object: a mix of its physical presence in the world and a distinct nature, revealed in the image. His narrative constructions, observed in the production of his books and his relationship with the cinema\'s aesthetics, will be analyzed as unique elements that contribute with the photography debate in the field of Arts. I propose the investigation of the instability of the photographic sign within the historical concept of documentary photography in the arts. As a parameter, I adopt the artist\'s work, his motivations for relinquishing the documentary tradition, and the constitution of his poetics between the decades of 1970 and 1990.