Made available in DSpace on 2016-12-08T16:19:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 (0).pdf: 42978 bytes, checksum: cc499c5215735a5a27ac498050094818 (MD5) Previous issue date: 2008-08-22 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The present research has as its study object the production process in the pictorial development. Through a phenomenological approach, we find instruments that assist us in thinking the process of production of painting. As a case study for our research we chose the work of the São Paulo s artist Fábio Miguez in the period between 1983 and 2000. We consider that the work of this artist constitutes a suitable sampling to allow the investigation of questions of the production process, due to strength of his painting work. We intend, therefore, to perceive and analyze the elements that compose the pictorial language, going through questions as: the formal character of the work, the materials used, the aspects referring to the formativity and poetics, the perception, the subjectivity and intention of the artist, among others. The work of Fábio Miguez was the propeller to reflect on the production process. In Pareyson we find subsidies to think the formative process, where we learn that the work guides and is guided by its proper process of creation; the choice of the material and its unfoldings. With Merleau-Ponty it was possible to solidify reflections on time, something inherent to the pictorial activity, as much for the materiality of the painting as to the formalization of an idea. The perception of the work in its conception will be guided by Merleau-Ponty. In Heidegger we find support to think the character of thing of the work of art and the relation between this e its being-creator, the artist. We present a historical briefing of the creative process emphasizing characteristics and recurrences in its different phases with the intention of placing its work in the Brazilian contemporary art context. Besides the bibliographical the research was based on live and semi-structured / A presente pesquisa tem como objeto de estudo a fatura no processo pictórico. Pela via fenomenológica encontramos instrumentos que nos auxiliam a pensar a fatura na pintura. Elegemos a obra do artista paulista Fábio Miguez, do período entre 1983 a 2000, como estudo de caso de nossa pesquisa. Consideramos que a obra deste artista constitui uma amostragem satisfatória para podermos investigar questões referentes à fatura, devido à solidez de seu trabalho em pintura. Pretendemos, portanto, perceber e analisar os elementos que compõem a linguagem pictórica, passando por questões como: o caráter formal da obra, os materiais utilizados, os aspectos referentes à poética, à formatividade, à percepção e à subjetividade e intenção do artista, entre outros. As obras de Fábio Miguez foram as propulsoras para a reflexão sobre fatura. Em Pareyson encontramos subsídios para pensar o processo formativo, onde se tem que a obra vai guiando e sendo guiada pelo seu próprio processo de criação; a escolha do material e seus desdobramentos. Com Merleau-Ponty foi possível adensar reflexões sobre o tempo, que é inerente à atividade pictórica, tanto no que se refere à materialidade da pintura quanto à formalização de uma idéia. A percepção da obra na sua concepção e fruição será igualmente norteada por Merleau-Ponty. Em Heidegger encontramos respaldo para pensar o caráter de "coisa" da obra de arte e a relação entre esta e seu sercriador, o artista. Apresentamos um breve histórico do processo criativo de Fábio Miguez salientando características e recorrências em suas diferentes fases no intuito de situar sua obra no contexto da arte contemporânea brasileira. Além da pesquisa bibliográfica apoiamo-nos em entrevistas semi-estruturadas e presenciais com o artista bem como visitas a exposições e acervos de suas obras

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / A pintura de Eduardo Sued se caracteriza por uma variedade de soluções e um procedimento radicalmente assistemático. Observando o método de ação adotado pelo pintor, propõe-se uma análise crítica e interpretativa de sua produção apoiado em duas noções centrais, logicamente relacionadas: o desvio e o labirinto. Compreendida como estratégia revisionária, o desvio condiz à aspectos estritos à operação da pintura, no tocante à maneira como Sued lida com a tradição e principalmente como conduz a experiência da pintura nos termos de sua atualidade. O segundo conceito, labirinto, confere caráter às conseqüências produzidas por esta experiência, senão à experiência mesma, consistindo aí a unidade da produção. Neste aspecto, o labirinto estará presente tanto naquele momento que concerne às relações intra-poéticas, quanto na possibilidade aberta de se interpretar esta obra, seja em partes, seja em seu conjunto. A idéia de reconstrução deriva desse processo vivo e fragmentado da pintura. Reconstruir é buscar sentidos possíveis para a pintura hoje, algo que legitime seu papel no mundo contemporâneo, sem pretender, evidentemente, encerrar-se em dogmas. Repondo os termos de uma herança construtiva vigente na obra, as noções de desvio/labirinto revelam vínculos com certa tradição moderna, sem deixar de inserir e apontar nesta pintura os dilemas da contemporaneidade, que lhe são próprias / Eduardo Sueds paintings are underlined for kinds of results and a radical unsystematic process. Seeing the painters action method we propose a critic and interpretative analyses of his production. We use two ideas for it. The first is the swerve and the second is the labyrinth. The swerve is a strategic revision that suits with the operation of painting, demonstrating the mode as Sued works the tradition and labyrinths idea ascribe the character to the form of experience, its image, residing there the unit of production. Thus the labyrinth will be present as in intra-poetics relations moment as in possible way to interpret this work. The reconstruction idea comes of its lively and broke process to paint to reconstruct possible meanings to the painting today something that it will do lawful at the contemporaneous world no to intend to reduce it for dogmas. The labyrinths and swerve ideas discover links to the modern tradition through their constructive heritage. And they dont leave to replace and to underline in these paintings contemporaneous dilemmas that are theirs

A dissertação aqui presente procura cartografar a produção artística da brasileira Regina Vater, desde seu período de formação durante os anos 60 no Rio de Janeiro, até meados da década de 90, quando já fixara residência nos EUA. Vater é contemporânea de um período fértil da produção plástica nacional, tendo participado tanto dos pressupostos figurativos dos anos 60, até os conceitualismos dos 70, culminando assim nas décadas seguintes em um ecologismo artístico votivo que se perpetua até os dias atuais. Nesse percurso, deu-se ênfase nas relações entre sua produção artística e o movimento feminista brasileiro, procurando com isso estabelecer vínculos teóricos e críticos com as principais questões feministas em voga e as práticas artísticas conceitualistas e de vanguarda. / The dissertation presented here seeks to chart the artistic production of the Brazilian artist Regina Vater, since her formation during the period of 60`s in Rio de Janeiro until the mid-90´s, when she already set residence in the U.S.. Vater is contemporary of a fertile plastic production in the country, taking part in both figurative assumptions of 60´s, until the conceptualism of 70´s, thus leading to the following decades in an artistic votive environmentalism that is perpetuated to this day. In this course, was placed emphasis on the relationship between artistic production and Brazilian feminist movement, seeking to establish theorists and critics links with the principal feminist issues and practices in vogue and the artistic avant-garde and conceptual.

Este estudo investiga as produções artísticas de Wanda Pimentel e Teresinha Soares em meados da década de 1960 e início da década de 1970, com o objetivo de analisar a questão de gênero e a construção da subjetividade feminina. A pesquisa buscou analisar as relações estéticas das obras de Pimentel e Soares à luz das influências das teorias feministas que migravam dos Estados Unidos para o Brasil ao final dos anos de 1960. A partir disso, destacou as relações teóricas entre as questões de gênero e as práticas artísticas das vanguardas brasileiras. Ademais, esta pesquisa tratou da circulação das obras de Pimentel e Soares, visto que as artistas estiveram inseridas no circuito de arte brasileiro em exposições coletivas, salões e bienais no período estudado. Esse contexto de circulação permitiu uma visão crítica frente à retomada das obras dessas artistas em exposições internacionais nos últimos três anos, em virtude de uma política revisionista dos museus acerca das questões de gênero e da produção artística de países à margem dos centros culturais canônicos. O estudo amplia o conhecimento acadêmico sobre as produções artísticas realizadas por mulheres nas décadas de 1960 e 1970, que adotaram a crítica feminista sem se ater a movimentos sociais, contribuindo para o debate sobre a suposta marginalidade da mulher no circuito de arte brasileiro durante a ditadura militar. / This study investigates the artistic productions of Wanda Pimentel and Teresinha Soares in the mid - 1960s and early 1970s, with the objective of analysing the issue of gender and the construction of female subjectivity. The research seeks to analyse the aesthetic relations of the works of Pimentel and Soares in light of the influences of feminist theories that migrated from the United States to Brazil in the late 1960s. This highlights the theoretical relations between gender issues and the artistic practices of the Brazilian vanguard. In addition, this research looks at the circulation of the works of Pimentel and Soares given that both were part of the Brazilian art circuit in collective exhibitions and biennials in this period. This context of the circulation of art allows a critical view of the return of the work of these artists to international exhibitions in the last three years; a return driven by the revisionist policies of museums on issues of gender and artistic production in countries outside the canonical cultural centres. The study expands the academic knowledge about artistic productions made by women in the 1960s and 1970s, who adopted a feminist critique without reference to social movements, contributing to the debate about the supposed marginalisation of women in the Brazilian art circuit during the dictatorship military.

A doação de obras do espólio de Yolanda Mohalyi apresenta-se como exercício para a compreensão do que representa a aquisição de coleções particulares para a constituição e a organização de um acervo especializado em arte contemporânea. O estudo sobre a incorporação do espólio de Yolanda Mohalyi pode contribuir para uma melhor compreensão sobre o perfil do acervo MAC USP e, principalmente, indicar a importância dos parâmetros adotados nos processos de doação e aquisição de obras de arte em acervos públicos. Através da análise da trajetória de Yolanda Mohalyi e de sua coleção doada ao MAC USP, em 1979 se torna possível identificar questões que envolvem os mecanismos de incorporação de obras, de manutenção das obras e de pesquisa das mesmas, assim como a definição do que se constitui um acervo e uma coleção. / The donation of Yolanda Mohalyi\'s legacy shows itself as an exercise for the comprehension of the meaning of the acquisition of private collections to the constitution and organization of a collection specialized in contemporary art. The study of the incorporation of Yolanda Mohalyi\'s legacy can contribute for a better comprehension of the MAC USP collection\'s profile and, above all, indicates the importance of the criteria adopted on the donation and acquisition of works of art in public collections. By analyzing the history of Yolanda Mohalyi and the history of her collection donated to MAC USP in 1979, it is possible to identify issues that involve the mechanisms of incorporation of works of art, their conservation and the research about them, as well as the way a Collection is constituted.

Orientador: Italo Arnaldo Tronca / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-04T23:57:00Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Cavalcanti_JardelDias_D.pdf: 15289955 bytes, checksum: 6c7d3d563a4c2d849121c80b16494aa7 (MD5) Previous issue date: 2005 / Resumo: Esta pesquisa foca a relação entre a produção das artes plásticas e o contexto político brasileiro instaurado pelo Golpe Militar de março de 1964. A análise das questões artísticas, como seus desdobramentos no campo social, elegeu como local privilegiado de investigação os anos de 1964 a 1970. As interseções entre a arte e a política foram evidenciadas no posicionamento crítico dos artistas, dado no cerne de suas poéticas, nos programas estabelecidos pelas exposições de arte e num projeto de vanguarda nacional engajada / Abstract: The present work focus the relationship between visual arts and the brazilian political situation after the 1964 military coup. Artistic issues and its reflections in the social field were analyzed in the years from 1964 to 1970. The interconnections between visual arts and the brazilian military politics came up though the artists critical position in their artistic production, in the art exhibitions programs and in the project of politically commited ¿avant-garde¿ / Doutorado / Historia da Arte / Doutor em História

Essa dissertação discute a X Bienal de São Paulo, de 1969, buscando investigá-la dentro de uma conjuntura sociopolítica e cultural marcada pelas arbitrariedades de um regime ditatorial, pelas manifestações coletivas contrárias às injustiças, e pela tomada de uma consciência social por artistas e críticos de arte. O estudo procura, dessa forma, ampliar a discussão para além do boicote que atingiu a organização e realização da mostra. Por meio de uma extensa pesquisa dos documentos relativos ao assunto acumulados no Arquivo Histórico Wanda Svevo Fundação Bienal de São Paulo, foi possível juntar um material informativo que auxiliou na reconstrução dos fatos. Ao lado disso, para estabelecer uma análise crítica dos dados encontrados, recorreu-se aos relatos dos acontecimentos publicados na imprensa escrita da época e a uma bibliografia atualizada do campo da política, da sociologia, da história e da arte. A pesquisa apresenta os diversos ângulos de visão e atitude que permearam o boicote e a X Bienal inseridos no contexto efervescente do final da década de 1960. A mostra se concretizou marcada por contestações políticas e culturais e reverberou internamente os mesmo conflitos e contradições ideológicas do cenário macropolítico. Essa agitação teve como origem o impulso utópico por transformações radicais das estruturas conservadoras. / This essay examine the 10th São Paulo Biennial, from 1969, investigating it within a cultural and socio-political situation marked by arbitrariness of a dictatorship, the collective manifestations against injustices, and the social consciousness taking by artists and art critics. The study aims, therefore, broaden the discussion beyond the boycott that has reached the arrangements and the materialization of the show. By an extensive research of documents related to the subject accumulated at the Wanda Svevo Historical Archive - São Paulo Biennial Foundation, it was possible to collect a number of information that helped reconstructing the facts. Besides, to establish a critical analysis of the informational findings, it was restored the published press reports from that time and an updated bibliography of politics, sociology, history and art field. The research presents the different angles of vision and attitude that permeated the boycott and the 10th Biennial seething within the context of the late 1960s. The show was achieved marked by political and cultural challenges and reverberated inside the same conflicts and ideological contradictions of the macro-political scenario. This agitation had its origins in the utopian impulse looking for transformations of the conservative structures.

Made available in DSpace on 2016-04-18T21:31:29Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Estela Pereira Batista Barbero1.pdf: 3561079 bytes, checksum: 3cf28ca6766115c91ca134dbec455bb2 (MD5) Estela Pereira Batista Barbero2.pdf: 4110454 bytes, checksum: 1d36a57a4dfab3bc034ada3f3355bee4 (MD5) Previous issue date: 2011-02-16 / Fundo Mackenzie de Pesquisa / The indigenous arts in Brazil have always been an object of interest since the colonial period when the objects produced by the indians, and in some cases the indians themselves, were taken to the Cabinets of Curiosities in Europe, seen as exotic. In visual arts, indigenous culture was represented at first with surprise and value judgments, then with the scientific purpose that directed the missions coming to Brazil to catalog those who were believed to be doomed to extinction. And then we saw, from the nineteenth century, the indigenous exalted by the Indianism and later the inspiration on their art to contemporary and modernist aesthetics. All this search to understand the indigenous culture and art from an "outside" point of view, contributes to the efforts at reconciliation between western and indigenous cultures, but do not bring the need to understand the relations of indigenous art in its context. With cultural Anthropology who settled in Brazil in the twentieth century and the field work proposed by the Indian Ethnology, an area that would also give their first steps in this century, we passed to the "inside look" of indigenous culture, thanks to the knowledge the indigenous people offered to the anthropologists who set out to hear them. This research provides examples of these various moments of the relationship between indigenous and western cultures, showing an organization of bibliographic data that can guide a more fair perspective on the indigenous arts. / As artes indígenas no Brasil sempre foram objeto de interesse, desde o período colonial quando os objetos produzidos pelos índios, e em alguns casos eles próprios, eram levados para os Gabinetes de Curiosidades na Europa, vistos como exóticos. Nas artes visuais, a cultura indígena foi representada no início com estranhamento e julgamento de valores, depois com o propósito científico que direcionou as missões vindas ao Brasil para catalogar aqueles que, acreditava-se, estariam fadados à extinção. E então vimos, a partir do século XIX, o indígena exaltado pelo Indianismo e mais tarde sua arte inspirando a estética modernista e contemporânea. Toda essa busca por entender a cultura e arte indígenas com olhar de fora , contribui para uma tentativa de aproximação entre as culturas indígena e ocidental, mas não dão conta do aprofundamento necessário para se compreender as relações da arte indígena dentro do contexto indígena. Com a Antropologia cultural que se estabeleceu no Brasil a partir do século XX e os trabalhos de campo propostos pela Etnologia Indígena, área que também daria seus primeiros passos neste século, passamos ao olhar de dentro da cultura indígena, ensinamento oferecido pelos indígenas aos antropólogos que se propuseram a ouvi-los. Essa pesquisa traz exemplos desses diversos momentos das relações entre as culturas indígena e ocidental apresentando uma organização de dados bibliográficos capazes de orientar um olhar mais justo sobre as artes indígenas.

Olhares brasileiros judaicos: A presença do judaísmo na arte brasileira contemporânea pretende mostrar vestígios da cultura judaica na arte brasileira contemporânea. Os imigrantes judeus que chegaram ao Brasil no século XX trouxeram consigo, em sua maioria, um pensamento liberal do judaísmo que influenciou a relação com as artes plásticas dentro do judaísmo europeu. O presente trabalho parte da hipótese de que a aproximação do judaísmo e artes plásticas também teve continuidade no Brasil, uma vez que os judeus imigrantes vindos de Europa e as gerações seguintes conseguiram integrar-se com sucesso na sociedade brasileira. A questão central, portanto, é saber em que formas e conteúdos essa influência cultural se articula. É apresentada a primeira geração de artistas judeus no Brasil, que forneceu impulsos importantes para o desenvolvimento da arte moderna, tendo como pano de fundo a evolução cultural e artística do judaísmo e sua compreensão emancipada da proibição bíblica de representação de imagens. Porém, exceto por Lasar Segall, encontram-se marcas judaicas na arte brasileira apenas na segunda metade do século XX. Através da obra de quatro artistas judeus brasileiros escolhidos, cuja análise não pretende ser absolutamente completa e representativa, na parte central desta tese são constatados elementos de cultura judaica na criação artística que se fazem notar tanto sob o aspecto formal e de conteúdo quanto em posições éticas, religiosas dos artistas. Dali resulta uma forma híbrida de cultura ou identidade brasileira e judaica: olhares brasileiros judaicos. Do ponto de vista da metodologia são significativos, além das entrevistas realizadas com os artistas, os tratados científicos sob arte judaica e artistas judeus, que possibilitam uma contextualização global. / Brazilian-Judeo Gazes: The presence of Judaism in contemporary Brazilian art attempts to identify vestiges of Hebrew culture in Brazilian contemporary art. Jewish immigrants to Brazil during the 20th century brought with them, largely, a liberal Jewish thinking which influenced the relationship of the plastic arts in European Judaism. This present work stems from the hypothesis that the approximation of Judaism and the plastic arts had continuity in Brazil, once the Jewish immigrants coming from Europe and subsequent generations were able to successfully integrate themselves into Brazilian society. The central question, therefore, is to know the forms and types of content this cultural influence articulated with. Within, we present the first generation of Jewish artists in Brazil who provided important impulses for the development of modern art, and which served as the underlying fabric for the Jewish cultural and artistry evolution with its emancipated understanding from the biblical prohibition on the representation of images. However, except for Lasar Segall, distinct Jewish hallmarks in Brazilian art make their appearance only at the second half of the 20-century. Through the work of four selected Brazilian-Judeo artists, whose analysis does not intend to be absolutely complete and representative, there is in the central part of this thesis, verifiable Jewish elements in the artistic creation which standout as much for their formal aspects and content as their ethical and religious positions of the artists. From there a hybrid form of the culture resulted or, Brazilian-Judeo identity: olhares brasileiros judaicos (Brazilian-Judeo Gazes). The methodological aspects of this study are significant, in addition to interviews conducted with the artists, there are scientific treatises about Jewish art and Jewish artists that allow for a global contextualization of the subject.

O presente estudo aborda as relações existentes entre a memória e a arte, registradas através de monumentos arquitetônicos na cidade de São Paulo, especialmente, no âmbito da arte contemporânea. Elege como instrumental de pesquisa a história da arte e seus desdobramentos estéticos, tendo como foco de análise a poética de memórias de Maria Bonomi uma das mais importantes artistas do cenário nacional. O painel Epopéia Paulista, construído a partir de ateliêresidência, em abril de 2004, no espaço expositivo do Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC USP) e que hoje se encontra no corredor de ligação entre o Metrô e a Companhia Paulista de Trens Metropolitanos (na Estação da Luz) serve como obra-referência na criação e no processo de narrativas de memórias de diversas etnias em São Paulo. A pesquisa toma Epopéia Paulista como motivação para o estudo das questões latentes no fazer artístico atual. Intenta-se um mapeamento das ligações interdisciplinares entre arte e memória a partir do registro de discussões envolvendo artistas, críticos, obras e instituições. Da análise de Epopéia Paulista emergem elementos intrínsecos à arte contemporânea, constituindo uma poética de memórias que evoca a história da cidade de São Paulo e de seus habitantes. / This study deals with the relations between memory and art, especially the contemporary art seen in architectural monuments in the city of São Paulo. With this aim, the art history and its aesthetic developments are used as a tool for the research, focusing on the poetics of memories by Maria Bonomi one of the most important artists of the national artistic circuit. The Epopéia Paulista panel (São Paulos Epic Panel), which was built in a residence-studio in April 2004 in the exhibition room of the Museum of Contemporary Art of the University of Sao Paulo (MAC USP), and currently located in the passageway that joins the subway (Luz Station) to the São Paulos Company of Metropolitan Trains, works as a reference artwork to the creation and process of narratives of memories of the different ethnic groups in São Paulo. The research uses the Epopéia Paulista as motivation for the study of current issues in the artistic field. The intention here is to map the interdisciplinary relations between art and memory using records of debates involving artists, critics, artworks and institutions. Elements that are intrinsic to the contemporary art arise from the analysis of the Epopéia Paulista, constituting a poetics of memories that evokes the history of the city of São Paulo and its inhabitants.