Orientador: Jorge Sidney Coli Junior / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-15T03:08:25Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Miyoshi_AlexanderGaiotto_D.pdf: 47320743 bytes, checksum: fdb0ea22a0086d29898e0044c8c42df3 (MD5) Previous issue date: 2010 / Resumo: Voltado inicialmente ao estudo da pintura Moema (1866), de Victor Meirelles, e da escultura homônima de Rodolpho Bernardelli (1895), este trabalho ampliou-se às compreensões da personagem desde o seu surgimento, no poema épico Caramuru (1781), até as primeiras décadas do século 20. Moema foi convertida num emblema da cultura brasileira. No processo de transformação, a obra de Meirelles tem um especial sentido. O corpo nu e inerte da índia, em meio à natureza do quadro, foi a adequação de um gênero pictórico à nação que adotou a imagem idealizada do índio como símbolo. O bronze de Bernardelli, mais provocante, acompanha as inquietações decadentistas do fim de século. Para além das duas obras, Moema inspirou outros autores, cujas visões e modos de abordagem contribuíram à permanência da personagem. Mas é a pintura de Meirelles, até hoje pouco compreendida, a sua versão mais brilhante, além de um poderoso comentário do seu tempo / Absctract: This work was initially devoted to a painting and a sculpture, they both named Moema, the former completed in 1866, by Victor Meirelles, and the latter in 1895, by Rodolpho Bernardelli. But it was expanded to understand the character since her creation, in 1781, by Caramuru, an epic poem, until the 20th century beginning. A Native woman, Moema became a Brazilian symbol. Meireles' painting has a special role in that transformation. Moema's naked dead body was an adjustment, concerning to a country that, in the 19th century, took the allegorical image of the Indian as a national symbol. Bernardelli molded a much more provocative Moema. In his bronze, she became more disturbing, taking part of the fin de siècle delight and morbid feelings. Beyond they both, Moema inspired several authors, important to consolidate the character. But Meireles' Moema is the brighter version, a powerful comment of its time, disregarded even in our days / Doutorado / Historia da Arte / Doutor em História

Orientador: Marco Antonio Alves do Valle / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-15T03:31:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Gregato_MarciaElisadePaiva_D.pdf: 14762088 bytes, checksum: e0c9ad0964bcf746b913cef35276b5b2 (MD5) Previous issue date: 2009 / Resumo: A presente tese apresenta como meta o estudo teórico, crítico e histórico da obra do escultor brasileiro Gastão Manoel Henrique, catalogando os trabalhos produzidos pelo artista a partir da década de cinquenta, investigando suas preocupações expressivas no contexto da história da arte na qual se encontra inserido, bem como analisando a organização formal e espacial das obras e seus procedimentos, comparando-as entre si e também alinhando-as aos trabalhos de outros artistas do período a fim de compreendê-las e classificá-las em distintas sete fases que configuram um recorte da obra do artista até o presente momento. A compreensão desse conjunto de obras se dá através do exame inicial de algumas das questões que marcam a introdução da arte moderna abstrata no Brasil dos anos cinquenta, apontando a Semana de Arte Moderna como marco inicial de nossa tradição artística, passando pela intervenção de Lúcio Costa, na tentativa de modernização da Escola Nacional de Belas Artes, que foi um dos primeiros atos do Governo Vargas com a nomeação dos diretores da área da cultura. Foram analisadas também, por sua relevância, as duas vertentes presentes e formadoras do Movimento Modernista no Brasil, sendo a primeira delas, representada por Graça Aranha, e identificada na obra de Ismael Nery no que diz respeito à aproximação dos artistas cariocas do surrealismo e dadaísmo internacionais; e a segunda, identificada na obra de Candido Portinari e representada por Mário de Andrade, tornando-se hegemônica com a revolução de 1930 e sua vinda para o Ministério da Educação e Saúde Pública - MESP, na gestão Gustavo Capanema. O estudo dessas duas vertentes possibilita a identificação de suas distintas conceituações teóricas, estéticas e ideológicas, bem como o reconhecimento da proximidade que há entre o Modernismo representado por Graça Aranha e os primeiros trabalhos de Gastão Manoel Henrique, nos quais se percebe a relação com outros artistas pioneiros do modernismo internacional, entre os quais se destaca Giorgio de Chirico, de onde se atribui a presença dos motivos arquitetônicos encontrados nos desenhos dos anos cinquenta. Foram também incorporados à tese os relatos do artista acerca das influências recebidas de seu pai, Elmano Henrique, cartazista de profissão e responsável pela educação estética do jovem Gastão, principalmente no que diz respeito ao rigor na fatura artística e conceitual, características identificadas em toda sua produção. Para a compreensão e argumentação das diversas fases, foram necessários ainda o estudo das participações do artista em exposições chaves da neovanguarda brasileira introdutora da arte contemporânea no Brasil; os diálogos múltiplos estabelecidos a partir de meados da década de sessenta entre artistas e espectadores, identificados também na obra de Lygia Clark e iniciados pelo filósofo Merleau-Ponty; e ainda, a partir dos anos oitenta, a influência de Constantin Brancusi, que produziu reverberações tanto em Gastão Manoel Henrique quanto em seu amigo Sergio Camargo. As sete fases identificadas e analisadas a partir desta pesquisa constituem um trabalho inédito que pretende inaugurar na Universidade Brasileira o estudo da obra deste escultor, apontando caminhos para novas pesquisas que possam surgir nacional e internacionalmente / Abstract: A study of the work of Gastão Manoel Henrique: a hypothesis about the different phases The present thesis presents as its goal, the theoretical, critic and historic study of the work from the Brazilian sculptor Gastão Manoel Henrique, cataloguing the works produced by the artist since the fifties, investigating his expressive concerns in the historical context of the art in which he is inserted, as well as analyzing the formal and spatial organization of the works and its procedures, comparing them among themselves and also aligning them with the works of other artists of the same period in order to understand and classify them in seven distinct phases which configure an indention of the artist work until the present moment. The understanding of these set of works is done through the initial examination of some questions that characterize the introduction of the abstract art in Brazil during the fifties, taking the "Semana de Arte Moderna" (Modern Art Week) as the initial landmark of our artistic tradition, passing through the intervention of Lúcio Costa in his attempt to modernize the "Escola Nacional de Belas Artes" (Arts National School), which was one of the first acts of the Vargas Government with the nomination of a director in the area of culture. It was also analyzed, because of its relevance, the two streams present in the formation of Modern Movement in Brazil. The fist one is represented by Graça Aranha, and it is identified in the work of Ismael Nery with respect to the approximation of the artists from Rio de Janeiro to the international Surrealism and Dadaism. The second one is identified in the work of Cândido Portinari and represented by Mário de Andrade, becoming hegemonic with the 1930 Revolution and his coming to the Ministry of Education and Public Health, in the administration of Gustavo Capanema. The study of these two streams made possible the identification of its distinct theoretical conceptions, esthetics and ideologies, as well as the recognition of the proximity between the Modernism represented by Graça Aranha and the first works of Gastão Manoel Henrique, in which it is noticed the relationship with other pioneer artists of the international Modernism, among whom we find Giorgio de Chirico, from whom it is attributed the presence of the architectural motifs found in the drawings of the fifties. It was also incorporated in the dissertation the reports of the artist about the influence he received from his father, Elmano Henrique, cartoonist as a profession and responsible for the esthetic education of the young Gastão, especially in respect to the strength in the artistic fatura and conceptual, identified characteristics in his production. In order to understand and argue the many phases, it was necessary the study of the artist participation in key Brazilian neo-vanguard expositions which were the beginning of the contemporary art in Brazil; and the multiple dialogues initiated in the mid sixties between artists and the audience, also identified on the work of Lygia Clark, and started by the philosopher Merleau-Ponty; and also, beginning in the eighties the influence of Constantin Brancusi, who produced reverberations not only in Gastão Manoel Henrique but also in his friend Sérgio Camargo. The seven phases identified and analyzed on this research constitute a singular work that pretend to inaugurate in the Brazilian University the study of the work of this sculptor, showing ways for new research that might come in the national and international scenario / Doutorado / Doutor em Artes

A proposta da pesquisa consistiu em analisar quatro assuntos pertinentes à compreensão da pintura de Heitor dos Prazeres. Em primeiro lugar, conhecer historicamente o ambiente no qual as obras foram criadas e a relação do artista com o universo do samba carioca, em segundo, recolher análises críticas que atestassem a recepção dessa produção, em terceiro, analisar resquícios ou elementos que comprovem a proximidade da invenção do artista em questão com referências ao imaginário de herança africana que adquiriu expressão no Brasil, definida usualmente como arte afro-brasileira e finalmente, uma análise crítica de algumas obras relevantes produzidas por Heitor, relacionando-as com a produção de arte brasileira contemporânea à do artista em discussão. Para alcançarmos nossos objetivos a contento, recorremos aos acervos da Fundação Bienal (Arquivo Wanda Svevo), do MAC-USP, do MAM SP, do Museu Afro-Brasil, de Heitor dos Prazeres Filho (que gentilmente concedeu-nos entrevista), do Museu da Imagem e do Som do Rio de Janeiro, do Museu Nacional de Belas Artes do Rio, do MAM RJ, do site porta-curtas da Petrobras que tem em seu acervo um valioso documentário com depoimento de Prazeres; além de toda a bibliografia a respeito da natureza de nosso estudo. O resultado é uma análise crítica em relação aos estereótipos relacionados à obra de Heitor, recorrente também em outros artistas de origem definida como popular. / The objective of this research consisted in analysing four issues relevant to the comprehension of the painting of Heitor dos Prazeres.First, to know historically the environment where his works were created and the relation between the artist and the\"samba carioca\".Second, to collect critical analyses which proved the reception of his works of art.Third, to analyse traces or elements that could support the proximity of the invention of the artist with the imaginary of African heritage, which obtained great expression in Brazil and is usually defined as Afro-Brazilian art. Finally, a critical analysis of some important works produced by Heitor, associating them with the production of the Brazilian Art contemporaneous with the artist. To achieve our objectives successfully we used the collection of Fundação Bienal(File Wanda Svevo), the Contemporary Art Museum-USP(MAC), the Modern Art Museum of Sao Paulo(MAM SP), the Afro-Brazilian Museum, the Image and Sound Museum of Rio de Janeiro, the National Museum of Fine Arts of R. Janeiro, the Museum of Modern Art R. Janeiro, the \"site porta-curtas\" of Petrobras, which has a valuable documentary with an testimony given by Prazeres, the collection of Heitor dos Prazeres Filho(who kindly gave us an interview) and besides these, all the bibliography related to the nature of our study. The result is a critical analysis of the stereotypes related to Heitor dos Prazeres works, stereotypes that are also recurrent in the work of other artists whose origin is defined as popular.

Submitted by Renata Lopes (renatasil82@gmail.com) on 2016-06-06T12:24:37Z No. of bitstreams: 1 samuelmendesvieira.pdf: 12350043 bytes, checksum: fea0e446d876caed507ec0091249c42d (MD5) / Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2016-07-02T13:25:17Z (GMT) No. of bitstreams: 1 samuelmendesvieira.pdf: 12350043 bytes, checksum: fea0e446d876caed507ec0091249c42d (MD5) / Made available in DSpace on 2016-07-02T13:25:17Z (GMT). No. of bitstreams: 1 samuelmendesvieira.pdf: 12350043 bytes, checksum: fea0e446d876caed507ec0091249c42d (MD5) Previous issue date: 2014-12-04 / FAPEMIG - Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de Minas Gerais / Esta dissertação tem como objeto central o quadro Amuada, do artista brasileiro Belmiro de Almeida (1858-1935), pertencente ao acervo do Museu Mariano Procópio de Juiz de Fora (Minas Gerais – Brasil). Representa uma figura feminina em um ambiente fechado, traz em sua fatura um singular tratamento cromático e pinceladas que remetem ao pontilhismo. Inicialmente, foram observados os critérios de interpretação e recepção lançados sobre a obra, tanto em seu momento de exposição em 1906 e, em seguida, nos critérios contemporâneos ligados à sensibilidade modernista do século XX. No segundo momento, apoiados nessas duas maneiras de ver em temporalidades distintas, procurou-se cruzar o quadro com fontes visuais ligadas ao tema e tratamento plástico empregados pelo artista. Nesse sentido, buscou-se ampliar sua compreensão dentro do panorama da História da Arte nacional e internacional. / Cette thèse a l'objet central Amuada, de Belmiro de Almeida (1858-1935), appartient à la collection du Musée Mariano Procopio de Juiz de Fora ( Minas Gerais - Brésil) . Est un personnage féminin dans un environnement fermé , apporte dans son maîtrise un seul traitement chromatique et coups qui se réfèrent au pointillisme. Initialement , les critères pour l'interprétation et la réception ont été observés lancés sur le travail, tant au moment de l'exposition en 1906 , puis dans les critères contemporains liés à la sensibilité moderniste du XXe siècle . Dans la deuxième phase , soutenue dans ces deux façons de voir différentes échelles de temps , nous avons essayé de traverser le cadre avec les sources visuelles à proximité de l'objet et de traitement plastique employées par l'artiste. En ce sens , nous avons cherché à élargir leur compréhension dans le panorama de l' histoire de l'art national e international.

Submitted by Renata Lopes (renatasil82@gmail.com) on 2017-03-13T14:05:34Z No. of bitstreams: 1 alinevianatome.pdf: 21655951 bytes, checksum: 3f7e634f2a5acb72edd80e7283e78cd6 (MD5) / Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2017-03-13T19:29:25Z (GMT) No. of bitstreams: 1 alinevianatome.pdf: 21655951 bytes, checksum: 3f7e634f2a5acb72edd80e7283e78cd6 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-03-13T19:29:25Z (GMT). No. of bitstreams: 1 alinevianatome.pdf: 21655951 bytes, checksum: 3f7e634f2a5acb72edd80e7283e78cd6 (MD5) Previous issue date: 2016-02-24 / Este trabalho discute o conjunto da produção paisagística de Eliseu D’Angelo Visconti, (1866-1944) que enfoca a cidade do Rio de Janeiro entre os anos de 1887 e 1944. Essas paisagens são reveladoras das inúmeras mudanças vivenciadas na capital da República no entre séculos 19/20. Dessa forma, entendemos que o presente trabalho discorre sobre a transformação. Seja ela relativa à remodelação da cidade no início do século XX, da reforma da Academia Imperial de Belas Artes em Escola Nacional de Belas Artes, ou, em âmbito nacional, com a passagem do regime imperial ao Brasil República. Assim, consideramos ser Visconti um artista-espectador privilegiado, que vai registrando em suas obras essas metamorfoses, vivenciando o Rio de Janeiro e o fazer pictórico em sua busca por modernização, palavra tão cara ao momento. Destarte, objetiva-se a compreensão da temática das paisagens urbanas realizadas pelo artista e de como o mesmo as empreende. Procuramos comparar as representações efetuadas pelo pintor com a produção de outros artistas, verificando, além dos pontos de contato existentes entre essas obras, a tradição pictórica que subsiste nas mesmas. Buscamos refletir sobre o propósito da representação da paisagem, indo além da experimentação plástica, visando entender as escolhas de Visconti ao realizar telas de motivos tão próximos à sua vivência. De maneira secundária, procuramos ponderar sobre o papel de lugares de memória existente nas paisagens produzidas no contexto em questão, como formadoras de uma visualidade da capital republicana em seus primórdios. / This work discusses the group of scenic productions by Eliseu D’Angelo Visconti (18661944), which focuses on the city of Rio de Janeiro between 1887 and 1944. These landscapes reveal innumerous changes that has taken place in the capital of the Republic during de XIX and XX centuries. Therefore, we think the present work speaks of the transformation, be it relative to the remodeling of the city at the beginning of the XX century, to the name change from Imperial School of Fine Arts to National School of Fine Arts, or in the national range, to the regime change from monarchy to republic. Thus, we consider Visconti to be a privileged artist/spectator, whose works register this metamorphosis, experiencing Rio de Janeiro and the pictorial craft in the city’s seek for modernization, a cherished word at the time. At first, the goal is to understand the thematic of the urban landscapes pictured by the artist and how he sees them. We intend to compare the representations made by the painter to the production from other artists, verifying, besides the common points among these works, the pictorial tradition present on them. We intend to reflect upon the purpose of the landscape presentation, going beyond the plastic experimentation, aiming to understand Visconti’s choices when painting canvases of themes that were so close to his experience. Secondly, we intend to ponder about the role of existing memory in the landscapes produced in the context at issue, as constructors of a visuality of the republican capital in its first years.

Orientador: Suzi Frankl Sperber / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-25T10:19:19Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Vieira_ElisaMartinsBelem_D.pdf: 3916824 bytes, checksum: 1b1ed7ffc82cb16e0d9cd783654fae74 (MD5) Previous issue date: 2014 / Resumo: Defende-se uma possível relação entre performance, autoria e cura. Para tanto, apresenta-se a trajetória e a análise de algumas obras dos criadores, respectivamente, das artes visuais, da dança, do teatro: Lygia Clark (BH, MG), Dudude Herrmann (BH, MG) e Enrique Diaz (RJ, RJ). A pesquisa mostrou que os trabalhos desses artistas apresentam um pensamento sobre a transformação da imagem corporal. A recriação de si, por meio da ação criativa, pode ser considerada em sua dimensão curativa. O conceito pulsão de ficção, de Sperber, pode auxiliar na verificação da hipótese. Sperber defende a existência dos chamados "universais" ou "saberes básicos": "Simbolização, efabulação e imaginário pertenceriam ao elemento comum ao ser humano de todas as culturas, em todos os tempos" (SPERBER, 2009, p. 98). Aquilo que está à "disposição de todo e qualquer ser humano"(SPERBER, 2009, p. 98) deve também ser despertado. Pois, como a autora mostra, desde tenra idade a criança tem necessidade de criar, a fim de elaborar emoções profundas e eventos vividos. A criação se dá por meio dos recursos que a criança tem, sejam a linguagem falada ou a encenação corporal. Essa inclinação ou necessidade de elaborar o evento vivido, por meio de uma criação ficcional, se repete em todas as idades do ser humano. Como uma ação de resistência e de procura pela transformação, seria preciso estimular, de forma irrestrita, a pulsão de ficção, por meio da autoria. Os trabalhos de Herrmann, Diaz e Clark, apresentam nas diferentes linguagens artísticas, aspectos autorais, além da valorização do potencial individual para a criação. Por meio das análises, são mostrados os aspectos singulares nas obras desses criadores e em seus trabalhos como pedagogos ou diretores. Mostram-se relações de similaridade e influência entre as obras daqueles artistas brasileiros com os princípios de trabalho do grupo Judson Dance Theater, da década de 1960, em Nova York, bem como seus desdobramentos como o sistema Viewpoints e Six Viewpoints / Abstract: I point out a possible relationship among performance, authorship and healing. For such a reason, I present the career and the analyses of works of art selected from creators of the art fields, respectively, from the visual arts, dance and theatre: Lygia Clark (BH, MG), Dudude Herrmann (BH, MG) e Enrique Diaz (RJ, RJ). The research showed that the works of those artists concerns about a transformation in the body¿s image. The act of recreating yourself, by the creative action, can be considered in its healing dimension. The concept pulse of fiction, by Sperber, can help to verify the hypothesis. Sperber points out the existence of the "universals" or the "basic knowledges": simbolization, efabulation and imagination. Those aspects that are "available to all and any human being" (SPERBER, 2009, p. 98) should be also awakened. As Sperber shows, since an early age the child feels that is necessary to create, in order to elaborate deep emotions and events experienced.The child evocates his or her own resources, such as the spoken language or body's performance, in the process of creation.This aptitude or necessity to elaborate the event experienced, by means of the fictional creation, is repeated in all ages of the human being. As an action to resist and looking for transformation, it would be necessary to stimulate, in an unrestricted way, the pulse of fiction, practicing authorship. The works of Herrmann, Diaz and Clark, shows in different artistic languages, authorial aspects, and also the value of the individual potential to creation. By means of analyses, some singular aspects of the works of those creators and theirs practices as teachers or directors are shown. The thesis shows relations of similarity and influence among the works of those Brazilian artists with some principles of work from the group Judson Dance Theater, of the 1960¿s, in New York, as well as other practices stimulated by this group such as Viewpoints and Six Viewpoints / Doutorado / Artes da Cena / Doutora em Artes da Cena

Orientador: Maria de Fátima Morethy Couto / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-23T17:34:30Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Zago_RenataCristinadeOliveiraMaia_D.pdf: 22348163 bytes, checksum: 3e5d8a54d2f96ebd289d3f3d9b1ccbb7 (MD5) Previous issue date: 2013 / Resumo: A presente pesquisa de doutorado pretende analisar a função das Bienais Nacionais de São Paulo, que aconteceram entre os anos 1970 e 76, e entender a sua relevância no cenário artístico da época. Para isso, foi desenvolvida uma pesquisa pautada primordialmente em dados resgatados da documentação histórica gerada por esses eventos (incluindo-se aqui também os artigos de jornais publicados pela imprensa do período) e conservada no Arquivo Histórico Wanda Svevo da Fundação Bienal / Abstract: The purpose of this PhD research is to analyze the role of the "Bienais Nacionais de São Paulo", that happened between the years of 1970 and 1976, and to understand their importance in the art scene of the time. Therefore, we undertook a research guided primarily by the data recovered from the historical documentation engendered by these events (including the newspaper articles published by the press of the period) and preserved in the Wanda Svevo Historical Archives of the Art Biennial Foundation / Doutorado / Artes Visuais / Doutora em Artes Visuais

[pt] O projeto de uma vanguarda construtiva na arte do Brasil, assim como o percurso crítico de artistas e intelectuais dedicados à formulação de uma nova linguagem plástica, assinala algumas questões fundamentais à polêmica da arte concreta no país. Neste processo de formação de uma nova linguagem, a atuação da crítica e o próprio desenvolvimento do campo da crítica de arte no Brasil parecem um dado importante. O posicionamento crítico de Mário Pedrosa, Waldemar Cordeiro e Ferreira Gullar, personagens célebres do debate em torno da linguagem construtiva, constitui objeto crucial para pensar os fundamentos teóricos e a concepção de uma arte concreta brasileira. O discurso empenhado no desenvolvimento da nova linguagem sugere, portanto, uma análise mais detida dos textos críticos e dos manifestos que dão substância ao debate. É esta a proposta desenvolvida na dissertação: Diálogos concretos - a crítica de Mário Pedrosa, Waldemar Cordeiro e Ferreira Gullar. / [en] The project of a constructive vanguard in the art of Brazil, as well as the critical passage of dedicated artists and intellectuals to the formularization of a new plastic language, designates some basic questions to the controversy of the concrete art in the country. In this process of formation of a new language, the performance critical and the development of the field of the critical art in Brazil seem important data. The critical position of Mário Pedrosa, Waldemar Cordeiro and Ferreira Gullar, important personages of the debate around the constructive language, constitute crucial object to think the theory and the conception of a Brazilian concrete art. The speech compromised to the new language suggests, therefore, a withheld analysis of the critical texts and the manifestos that give substance to the debate. This is the proposal developed in Concrete Dialogues: the critique one of Mário Pedrosa, Waldemar Cordeiro and Ferreira Gullar.

Orientador: Maria de Fátima Morethy Couto / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-22T03:51:27Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Cardoso_RenataGomes_D.pdf: 10111479 bytes, checksum: 87e98a9c6aaf3763c110ed8ab1bf1136 (MD5) Previous issue date: 2012 / Resumo: Este trabalho propõe um estudo sobre atividade artística de Anita Malfatti dos anos de 1920, com o objetivo de analisar a inserção dessa produção no debate sobre arte moderna do período e o posterior reflexo desse debate nos principais estudos sobre o Modernismo no Brasil. Essa análise pressupõe uma reflexão sobre a recepção crítica em torno da obra da artista, desde a primeira apresentação ao público brasileiro, até a exposição individual realizada em 1929, que apresentou um panorama geral de sua produção artística. Considerando que a relevância de Anita Malfatti na história da arte brasileira está pontuada entre 1917 e a Semana de Arte Moderna, procuramos abordar as obras realizadas durante o estágio em Paris, entre 1923 e 1928, analisando o diálogo dessa produção com algumas discussões em pauta nesses anos: a relação com a Europa, o nacionalismo, o debate entre tendências mais radicais ou mais moderadas no contexto da arte moderna / Abstract: This study focuses on the artistic activity of Anita Malfatti in the 1920s. The main objective of this thesis is to analyze the relevance of her works in the modern art debate of the period, and the subsequent impact of this debate in the Modernism studies in Brazil. This analysis implies an understanding of the art criticism around her work, from the first presentation to the Brazilian public, until the exhibition held in 1929, which presented an overview of her artistic production. Whereas the relevance of Anita Malfatti in Brazilian art history is mostly discussed from 1917 to the exhibition of the Modern Art Week, this study deals with the paintings produced in Paris, between 1923 and 1928, by reflecting about their relations with modern art in Europe, nationalism in Brazil, and the debate between tradition and advanced art tendencies in the context of modern art / Doutorado / Artes Visuais / Doutora em Artes

Orientadores: Anna Paula Silva Gouveia, Maria de Fátima Morethy Couto / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-26T23:47:50Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Rebesco_VanessaLuciadeAssis_M.pdf: 5573291 bytes, checksum: c26cfc06d52978f2e8d3651a8e10693f (MD5) Previous issue date: 2015 / Resumo: A presente pesquisa tem como objetivo analisar as obras de Marina Caram (1925- 2008) e Odilla Mestriner (1928-2009) produzidas nos anos 60 e 70 e que pertencem aos acervos da Pinacoteca do Estado de São Paulo e do Museu de Arte Moderna de São Paulo. Pretende ainda examinar os processos de musealização dessas obras e estabelecer interlocuções entre o trabalho dessas artistas e o de seus contemporâneos. Além disso, interessa-nos investigar as condições de produção de Mestriner e Caram na década de 60 e 70, considerando suas especificidades plásticas, técnicas e poéticas. Para isso, adotaremos uma postura que não concorda com a existência de uma suposta "identidade feminina", pelo contrário, a noção de feminilidade será tomada como uma fala produzida histórica e socialmente / Abstract: This research aims to analyze the works of Marina Caram (1925- 2008) and Odilla Mestriner (1928-2009) that were produced in the 60's and 70's and belong to the collections of the Pinacoteca do Estado de São Paulo and the Museu de Arte Moderna de São Paulo. It also aims to examine the musealization processes of these works and establish dialogues between the work of these artists and their contemporaries. In addition, we are interested in investigating the Mestriner and Caram production conditions in the 60's and 70's considering their plastic, technical and poetic specificities. For this, we will adopt a posture that does not agree with the existence of a supposed "female identity", on the contrary, the notion of femininity will be taken as a speech produced historically and socially / Mestrado / Artes Visuais / Mestra em Artes Visuais