A partir de la década de los ochenta vivimos, sobre todo en la zona del Atlántico norte y Latinoamérica, lo que muchos críticos ya han denominado la cultura de la memoria, un surgimiento en los debates culturales y políticos sobre cuestiones del pasado que han tenido su reflejo en la producción artística contemporánea. La presente tesis se centra en la investigación del tratamiento de la memoria en el arte contemporáneo, en los artistas y las obras que establecen sus discursos en la trasmisión de la preocupación por la memoria, de su interpretación y contraposición con el concepto de historia. Nuestra aproximación a las obras de arte de la memoria toman como punto de partida el concepto de contramonumento, introducido por el especialista en estudios judaicos e ingleses James E. Young para referirse a la puesta en escena de los nuevos monumentos, inicialmente en Alemania, que reúnen una serie de patrones y características, tanto formales como conceptuales, y que desafían la iconografía del monumento tradicional. Apoyándonos en las bases que definen el contramonumento, proponemos una tipología que considera y describe diferentes estrategias y tipos de obras que se exponen en salas de arte, galerías y museos, las cuales enmarcamos en tres bloques. El primero de ellos se centra en aquellas obras que se configuran en base a los conceptos de desmaterialización y lo banal, en las cuales los artistas utilizan objetos descartados para evocar la ausencia de las víctimas de acontecimientos traumáticos de la historia. En un segundo bloque, se analizan artistas y obras que realizan una revisión de la historia, donde las contra-memorias y contra-historias de víctimas y grupos minoritarios sirven para cuestionar las versiones oficiales y hegemónicas de la historia. El último grupo toma obras que recurren al tratamiento de la temporalidad como un agente para activar un ejercicio de memoria en el espectador. El análisis formal y conceptual de estas obras deviene en un análisis de carácter más iconográfico que nos permite sacar conclusiones en torno a sus valores sociales, culturales y estéticos. / Martínez Rosario, D. (2013). La obra de arte como contramonumento. Representación de la memoria antiheroica como recurso en el arte contemporáneo [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/34786 / TESIS

[ES] La presente investigación gira alrededor de la noción de non-U-mento y su (re)presentación en el arte contemporáneo. Expresión concebida por el artista y (an)arquitecto Gordon Matta-Clark, que se refiere a la negación absoluta del monumento y se vincula al proceso de demolición: es una ruina instantánea y cotidiana. Observamos que son diversas las posibilidades expresivas de esta misma noción, por lo que la finalidad de nuestra investigación es analizar y estudiar su significado ampliado, para preguntarnos si existe una representación artística del non-U-mento en la imagen del arte contemporáneo. Para ello dividimos el estudio en tres grandes apartados: Donde habite el olvido, El aquí y el ahora y Memento Mori. Donde habite el olvido, la primera parte, explora el nacimiento y el pensamiento del Grupo Anarquitectura, del cual Gordon Matta-Clark fue miembro fundador. A su vez, en ella indagamos en su formación arquitectónica y en los artistas que influyeron en él, quien nos traslada directamente a los paisajes entrópicos de Robert Smithson. Todo ello, nos permite entender la esencia del non-U-mento a partir de lo cual estimamos necesario reflexionar sobre el mismo, y lo hacemos a través de un juego diagramático de la propia palabra, esbozando cada una de las características que lo definen. Debido a su ambigüedad y presentando un cierto parecido con el concepto contramonumento, profundizamos en la nueva monumentalidad practicada por algunos artistas contemporáneos versus al non-U-mento. De esta manera nos adentramos en la dialéctica entre memoria (monumento) y olvido (ruina) que nos sirve de enlace para abordar la segunda parte de nuestra investigación. En El aquí y el ahora indagamos en la (re)presentación del non-U-mento desde tres sustratos: las amnesias urbanas, los espacios a-funcionales y lo subterráneo. Hablar de vacíos urbanos nos sitúa en la crisis financiera y económica a escala mundial con el fin de reflejar la transformación del paisaje desde finales del siglo XX hasta el presente (2019). Una crisis que nos acerca al boom inmobiliario y a los monumentos de la burbuja inmobiliaria de finales del siglo XX hasta el actual XXI. Desde ahí cuestionamos, a partir de un conjunto de artistas y colectivos, cómo la influencia de la especulación urbana y el abandono de ciertos espacios residuales resignifica el concepto de non-U-mento, creándose como resultado lo que hemos denominado anarchivo post-burbuja. Posteriormente, planteamos la noción desde la futilidad de un espacio interior a través de las distintas superficies de la casa como son el suelo y la pared, acercándonos al detalle de la ruina. También, profundizamos en el non-U-mento visto como un negativo de la propia ciudad. En la tercera parte Memento Mori analizamos el registro fotográfico de Matta-Clark para reflexionar sobre el non-U-mento y su propia muerte, trasladándonos a un debate acerca del discurso de la imagen fotográfica y a un conjunto de reflexiones en torno a la autorreferencialidad del non-U-mento. Finalmente, el análisis formal y conceptual del non-U-mento nos permite sacar conclusiones en torno a sus distintas morfologías urbanas dentro de la categoría de la ruina y del escombro; asimismo, su presencia en la imagen significa un retorno a la muerte, en suma, el non-U-mento es un elogio al olvido y a la muerte. / [CAT] La present investigació gira al voltant de la noció de non-U-ment i la seva (re)presentació en l' art contemporani. Expressió concebuda per l' artista i (an)arquitecte Gordon Matta-Clark, que es refereix a la negació absoluta del monument i es vincula al procés de demolició: és una ruïna instantània i quotidiana. Observem que són diverses les possibilitats expressives d' aquesta mateixa noció, per la qual cosa la finalitat de la nostra investigació és analitzar i estudiar el seu significat ampliat, per preguntar-nos si existeix una representació artística del non-U-ment en la imatge de l' art contemporani. Per a això dividim l' estudi en tres grans apartats: On habiti l'oblit, L'aquí i l'ara i Memento Mori. On habiti l'oblit, la primera part, explora el naixement i el pensament del Grup Anarquitectura, del qual Gordon Matta-Clark va ser membre fundador. Al seu torn, en ella indaguem en la seva formació arquitectònica i en els artistes que van influir en ell, qui ens trasllada directament als paisatges entròpics de Robert Smithson. Tot això, ens permet entendre l' essència del non-U-ment a partir de la qual cosa estimem necessari reflexionar sobre el mateix, i ho fem a través d' un joc diagramàtic de la pròpia paraula, esbossant cadascuna de les característiques que el defineixen. A causa de la seva ambigüitat i presentant una certa semblança amb el concepte contramonument, aprofundim en la nova monumentalitat practicada per alguns artistes contemporanis versus al non-U-ment. D' aquesta manera ens endinsem en la dialèctica entre memòria (monument) i oblit (ruïna) que ens serveix d' enllaç per abordar la segona part de la nostra investigació. En L' aquí i l' ara indaguem en la (re)presentació del non-U-ment des de tres substrats: les amnèsies urbanes, els espais a-funcionals i el subterrani. Parlar de buits urbans ens situa en la crisi financera i econòmica a escala mundial amb la finalitat de reflectir la transformació del paisatge des de finals del segle XX fins al present (2019). Una crisi que ens acosta al boom immobiliari i als monuments de la bombolla immobiliària de finals del segle XX fins a l'actual XXI. Des d' aquí qüestionem, a partir d' un conjunt d' artistes i col· lectius, com la influència de l' especulació urbana i l' abandonament de certs espais residuals resignifica el concepte de non-U-ment, creant-se com a resultat del que hem anomenat anarchiu post-bombolla. Posteriorment, plantegem la noció des de la futilitat d' un espai interior a través de les diferents superfícies de la casa com són el sòl i la paret, acostant-nos al detall de la ruïna. També, aprofundim en el non-U-ment vist com un negatiu de la pròpia ciutat. A la tercera part Memento Mori analitzem el registre fotogràfic de Matta-Clark per reflexionar sobre el non-U-ment i la seva pròpia mort, traslladant-nos a un debat sobre el discurs de la imatge fotogràfica i un conjunt de reflexions al voltant de l' autorreferencialitat del non-U-ment. Finalment, l' anàlisi formal i conceptual del non-U-ment ens permet treure conclusions al voltant de les diferents morfologies urbanes dins de la categoria de la ruïna i de la runa; així mateix, la seva presència a la imatge significa un retorn a la mort, en suma, el non-U-ment és un elogi a l' oblit i a la mort. / [EN] This research revolves around the notion of non-U-ment and its (re)presentation in contemporary art, a terme conceived by the artist and (an)architect Gordon Matta-Clark, which refers to the absolute denial of the monument and is linked to the demolition process: non-U-ment is an instant and everyday ruin. We observe that the expressive possibilities of this notion are diverse, so the purpose of this research is to analyze and study its expanded meaning, to ask if there is an artistic representation of non-U-ment in the image of contemporary art. For this, we divide the study in three main sections: Where oblivion inhabits, The here and now and Memento Mori. Where oblivion inhabits, the first part, explores the birth and thought of the Anarchitecture Group, of which Gordon Matta-Clark was a founding member. We inquire into his architectural training and the artists that influenced him, which takes us directly to the entropic landscapes of Robert Smithson. All this allows us to understand the essence of the non-U-ment and leads us to reflect on it, through a diagrammatic game of the word itself, outlining each one of its defining characteristics. Due to its ambiguity and similarity to the countermonument concept, we delve into the new monumentality practiced by some contemporary artists versus non-U-ment. In this way we enter the dialectic between memory (monument) and oblivion (ruin), which serves as a link to address the second part of our investigation. In The here and now we investigate the (re)presentation of non-U-ment from three substrates: urban amnesias, a-functional spaces and underground. Talking about empty urban space places us in the global financial and economic crisis in order to reflect the transformation of the landscape from the end of the 20th century to the present (2019). A crisis that brings us closer to the real estate boom and the monuments of the real estate bubble from the end of the 20th century until today. From there we question, from a group of artists and groups, how the influence of urban speculation and the abandonment of certain residual spaces resignifies the concept of non-U-ment, creating what we have called post-bubble anarchive. Subsequently, we present the non-U-ment from the futility of an interior space through the different surfaces of the house, such as the floor and the wall, approaching the detail of the ruin. Also, we explore non-U-ment seen as a negative of the city itself. The third part Memento Mori we analyze the photographic record of Matta-Clark to reflect on the non-U-ment and its own death, moving a debate on the discourse of the photographic image and a set of reflections on the self-referentiality of the non-U-ment. Finally, the formal and conceptual analysis of the non-U-ment allows us to draw conclusions about its different urban morphologies within the category of ruin and debris. Also, its presence in the image means a return to death, in short, the non-U-ment is a praise of oblivion and death. / Gallego Hernández, G. (2019). El Non-U-mento como poética anarquitectónica: amnesias (sub)urbanas en la imagen del arte contemporáneo [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/133995 / TESIS

Magíster en gestión cultural / con audiencia tanto a nivel nacional como tampoco local. En este contexto, la presente investigación pretende construir un perfil dominante sociodemográfico y motivacional del público que asiste al Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile, con el fin de contribuir a un futuro plan de acción que conduzca a generar información disponible susceptible de contribuir al diseño de planes y estrategias orientadas a fidelizar a las audiencias de manera sistemática y duradera en el tiempo por parte del equipo de profesionales del museo. Esta investigación se caracteriza por utilizar una metodología mixta, ya que su estrategia de aproximación al campo se compone de entrevistas en profundidad a agentes del museo y la aplicación de un instrumento de encuesta auto administrada a los visitantes del museo en el marco de la exposición “MAC: una suma de actualidades” entre los meses de octubre 2015 y enero 2016, en el Museo de Arte Contemporáneo sede Parque Forestal. Finalmente se llegan a conclusiones y recomendaciones al museo de acuerdo a los resultados señalados que apunten hacia la concepción del museo como una alternativa de ocio y aprendizaje por parte de los visitantes y los no-visitantes.

La presente Tesis Doctoral, Tiempo vegetal. Referencias botánicas en la escultura mexicana contemporánea (1990-2010), aborda el estudio de las manifestaciones e implicaciones que el referente vegetal ha tenido y tiene en la escultura contemporánea mexicana. A través de la documentación aportada en este estudio, así como de las reflexiones en torno a las manifestaciones artísticas analizadas, se hace patente que la utilización de referencias botánicas en la práctica artística durante la última década del siglo XX y la primera del siglo XXI es, sin duda, un significativo indicio del interés que despiertan las relaciones entre Arte y Naturaleza en el contexto mexicano. Unas relaciones que ponen de manifiesto la importancia del constructo de lo natural y sus derivas conceptuales como un ámbito de investigación y creatividad dentro del arte contemporáneo. La investigación realizada se inicia con una aproximación al mundo vegetal y a las relaciones que histórica y culturalmente el ser humano ha mantenido con éste, para lo que se ha recurrido a autores que, procedentes de diversos ámbitos del conocimiento la han abordado. Desde Homero, Demócrito y Lucrecio hasta Goethe, Foucault y Guattari. Esta diversidad referencial nos ha permitido trabajar desde perspectivas interdisciplinares en áreas como la simbología, la mitología, la antropología, la estética y/o la sociología. Para ello, nuestro estudio ha partido de las reflexiones y aportaciones realizadas, entre otros, por Worringer, Dorfles, Tatarkiewicz y Deleuze o por Eliade, Cirlot y Bachofen. Si bien durante el periodo acotado en la tesis doctoral (1990-2010), la práctica escultórica mexicana presenta un creciente interés por la incorporación del elemento vegetal, existen antecedentes previos que nos han llevado a considerar la obra de autores que pueden calificarse como precursores en relación a esta temática, como son los casos de Helen Escobedo, Jan Hendrix o Marta Palau. / Abarca Martínez, I. (2012). Tiempo Vegetal. Referencias botánicas en la escultura mexicana contemporánea (1990-2010) [Tesis doctoral]. Editorial Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/16876 / Palancia

El propósito de esta investigación se centra en profundizar en las metodologías y criterios de intervención aplicados a la adhesión y consolidación de capas pictóricas contemporáneas sin proteger, así como en el estudio del comportamiento frente al envejecimiento de diversos polímeros y su posible viabilidad en el tratamiento de pintura vinílica, un tipo de aglutinante muy empleado en pintura actual. Los problemas de estabilidad presentados (levantamientos y pulverulencia) comprometen la integridad de las obras y plantean tratamientos de limitada reversibilidad y elevada complejidad técnica. Además de los cambios de tipo óptico y de la afectación del concepto de la obra, pueden producirse cambios físicos, químicos y mecánicos, pues los polímeros introducidos deben proporcionar uniones adhesivas y cohesivas correctas, compatibles y duraderas. De ahí que debamos seleccionar los sistemas más seguros y los materiales más estables. La parte teórica se inicia con el análisis del estado de la cuestión, el establecimiento de objetivos y la descripción de la metodología. Tras una introducción sobre los materiales, técnicas y acabados en pintura contemporánea, se analizan las principales tipologías y causas de alteración. Los capítulos siguientes están dedicados tanto a los polímeros empleados, como a los principios físicos y químicos implicados, así como a las técnicas y sistemas actuales de intervención. Estos se ilustran con múltiples ejemplos procedentes de las fuentes, del estudio e intervención de obras o de la encuesta realizada a especialistas en la materia. En la parte experimental se lleva a cabo un estudio comparativo de la estabilidad óptica, química (pH) y mecánica frente al envejecimiento acelerado de 16 polímeros naturales y sintéticos. Finalmente, se incluye una sección con la evaluación de los cambios ópticos y del grado de adhesión y cohesión obtenidos antes y después de envejecer, tras la aplicación de tres consolidantes y tres adhesivos sobre probetas que simulan pulverulencia (estrato con alto PVC: medio vinílico, blanco de titanio y azul ultramar) y falta de adhesión (estrato con bajo PVC: pintura vinílica comercial blanco titanio). Esta investigación ha sido desarrollada gracias a la Fundación ICO a través de una beca de postgrado en el Área B Arte Contemporáneo (2003-2004 y 2004-2005), al Instituto Valenciano de Conservación y Restauración de Bienes Culturales (IVC+R) y la colaboración del Museu d'Art Contemporani Aguilera Cerni de Vilafamés, Fons Artístic de la Universitat Jaume I, Colección Patronato Martínez-Guerricabeitia-UV, Departamento de Química Inorgánica y Orgánica de la Universitat Jaume I (UJI) e Instituto de Tecnología Cerámica (ITC). / Pastor Valls, MT. (2013). Estudio de sistemas y tratamientos de estabilización de capas pictóricas no protegidas en pintura contemporánea. Criterios y metodologías de actuación [Tesis doctoral]. Editorial Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/34784 / TESIS / Premios Extraordinarios de tesis doctorales

[EN] Video possible/spaces. A geographic approximation to the audiovisual language of the Northern border of Mexico. The purpose of this thesis is to evidence the artistic practice that develops en a specific context, the city of Tijuana on the Northern border of Mexico. This practice limited to Video Art and the artists that produce within this medium, but overall the relationship between the artists and video. The emphasis on the body of work is put on the experience of the artists to produce audiovisuals and build an artistic language with a condition we have designated as nomad. This nomad condition, permits us to engage the dialog with the border context. Thinking of a culture related with the concepts that Nicolas Bourriaud promotes in his book The Radicant, showed a contemporary art under the acts of translation. The concepts of migration and nomadism in relation with fluidity and movements that culture has developed since modernity. From the aspect of humanist geography and experimental anthropology that give us the possibility of framing the concept of space and direct it toward the border as representational spaces (Lefebvre, experimenting, perceiving and imagining). We rely upon a qualitative method while performing a series of interviews of 10 artists: Marcos Ramírez "Erre"; Julio Orozco, Salvador Ricalde "Sal", Aldo Guerra, Adriana Trujillo, Omar Pimienta, Michelle Romero, Mayra Huerta, Abraham Ávila y Karina Álvarez. To identify the three classifications that derive from the following; the origin of the artist; the use of the medium (video) and the topics that the artists develop in their creative approaches. In this manner the research shows a panorama of the audiovisual language that connects with certain art history moments with which video has been related to in some way. We think of the displacement of video as well as of the artists selected to create classifications that can be modified at any moment. Either by the technical, discursive or interdisciplinary aspects with which it is produced in this medium. The result of this study, shows the relation of video art and the selected artists that work in the border context; providing an artistic practice linked to the mobile aspect of a contemporary society. This possibility makes evident ten nomad conditions in the analyzed audiovisuals. Including the widespread definition of how video is produced based on the various forms of working among all of them. The video demonstrates its ease to acquire this nomadic condition, as in the genres we have, some of the artist share their production in both genres (single channel video and video installation). The proposal can continue and change according to the needs of the audiovisuals that are analyzed. / [ES] Vídeo espacios/posibles. Una aproximación geográfica del lenguaje audiovisual de la Frontera Norte de México. El propósito de esta tesis es evidenciar la práctica artística que se desarrolla en un contexto específico, la ciudad de Tijuana al Norte de la frontera en México. Está práctica delimita al vídeo como medio de creación, y también a los artistas, pero sobre todo la relación de estos con el vídeo. El énfasis del cuerpo de trabajo está planteado desde la experiencia de los artistas para producir audiovisuales y construir un lenguaje artístico con una condición que hemos denominado nómada. Esta condición nómada nos permite entablar el diálogo con el contexto fronterizo. Al pensar en una cultura relacionada con los conceptos que Nicólas Borriaud promueve en su libro Radicante, se evidencia un arte contemporáneo bajo los actos de traducción. Conceptos como migración y nomadismo aparecen relacionados con la fluidez y movimientos que la cultura ha desarrollado a partir de la modernidad. Desde la perspectiva de la geografía y la antropología experimental nos dan la posibilidad de enmarcar el concepto de espacio, al direccionarlo a la frontera integrándolo a los espacios de representación (Lefebvre, experimentado, percibido e imaginado). Nos apoyamos en el método cualitativo al realizar una serie de entrevistas a diez artistas: Marcos Ramírez "Erre"; Julio Orozco, Salvador Ricalde "Sal", Aldo Guerra, Adriana Trujillo, Omar Pimienta, Michelle Romero, Mayra Huerta, Abraham Ávila y Karina Álvarez. Se han identificado tres clasificaciones que derivan de lo siguiente; el origen del que proviene al artista; el uso del medio (el vídeo) y los temas que los artistas desarrollan en sus propuestas creativas. De esta forma la investigación muestra un panorama del lenguaje audiovisual que se conecta con ciertos momentos históricos del arte, de los cuales el vídeo ha estado relacionado de alguna manera. Pensamos en el desplazamiento del vídeo así como el de los artistas seleccionados para crear clasificaciones que pueden modificarse en cualquier momento. Ya sea por los aspectos técnicos, discursivos o interdisciplinarios con los que se produce en este medio. El resultado de este estudio muestra la relación del vídeo de creación y los artistas seleccionados que producen en el contexto fronterizo; proporcionando una práctica artística vinculada al aspecto móvil de una sociedad contemporánea. Esta posibilidad permite evidenciar diez condiciones nómadas en los audiovisuales analizados. Incluyendo, entre ellas la definición generalizada de cómo se produce en vídeo, y partiendo de las diversas formas de trabajar entre ellos. El vídeo demuestra su facilidad de adquirir esta condición nómada, pues en los géneros que tenemos, algunos de los artistas comparten la producción en ambos géneros (el vídeo monocanal y la vídeo instalación). La propuesta puede continuar y modificarse de acuerdo a las necesidades de los audiovisuales que se analicen. / [CA] Vídeo: espais/possibles. Una aproximació geogràfica del llenguatge audiovisual de la Frontera Nord de Mèxic. El propòsit d'aquesta tesis és evidenciar la pràctica artística que es desenvolupa en un contexte específic, la ciutat de Tijuana, al Nord de la frontera de Mèxic. La pràctica està delimitada al video com a mitjà de creació i als artistes, però, sobretot, a la relació del artistes amb el video. L'èmfasi del cos de treball està plantejat des de l'experiència dels artistes per produir audiovisuals i construir un llenguatge artístic com una condició que hem denominat nòmada. Aquesta condició nòmada ens permet entaular el diàleg amb el contexte fronterer. Al pensar en una cultura relacionada amb els conceptes que Nicólas Borriaud promou al seu llibre Radicante, s'evidencia un art contemporani sota els actes de traducció. Els conceptes com de migració i nomadisme en relació a la fluïdesa i els moviments que la cultura ha desenvolupat a partir de la modernitat. Desde la perspectiva de la geografia i l'antropologia experimental que ens donen la possibilitat d'emmarcar el concepte d'espai al redireccionar-lo a la frontera com els espais de representació (Lefebvre, experimentat, percebut i imaginat). Ens recolzem d'un mètode qualitatiu al realitzar una sèrie d'entrevistes a deu artistes: Marcos Ramírez "Erre", Julio Orozco, Salvador Ricalde "Sal", Aldo Guerra, Adriana Trujillo, Omar Pimienta, Michelle Romero, Mayra Huerta, Abraham Ávila y Karina Álvarez. S'han d'identificat tres classificacions que deriven del següent: l'origen del qual prové l'artista; l'ús del medi (el video) i els temes que els artistes desenvolupen en les seues propostes creatives. D'aquesta forma, l'investigació mostra un panorama del llenguatge audiovisual que es conecta amb certs moments històrics de l'art, dels quals el video ha estat relacionat d'alguna manera. Pensem en el desplaçament del video així com el dels artistes seleccionats per a crear classificacions que poden ser modificades en qualsevol moment, siga pels aspectes tècnics, discursius o interdisciplinaris amb els quals es produeix aquest medi. El resultat d'aquest estudi mostra la relació del video de creació amb els artistes seleccionats, que produeixen en el contexte fronterer; proporcionant una pràctica artística vinculada a l'aspecte mòbil d'una societar contemporània. Aquesta possibilitat permet evidenciar deu condicions nòmades en els audiovisuals analitzats. Incloent, entre elles, la definició generalitzada de cóm es produeix en video, i partint de les diverses formes de treballar entre ells. El video demostra la seua facilitat d'adquirir aquesta condició nòmada, ja que en els gèneres que tenim, alguns dels artistes comparteixen la producció en ambdós gèneres (el video monocanal i la video instalació). La proposta pot continuar i modificar-se d'acord amb les necessitats dels audiovisuals que s'analitzen. / Huerta Jiménez, M. (2016). Video espacios/ posibles. Una aproximación geográfica del lenguaje audiovisual en la Frontera Norte de México [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/63453

[ES] Esta tesis doctoral se enfoca en explorar las potencialidades discursivas que se dan al construir una genealogía situada del arte de acción. Nuestra investigación se centra en el concepto de «lo mínimo» y analiza una serie de ideas que ayudan a definir tipologías específicas en este campo. En particular, utilizamos tres conceptos clave que nos guían en un recorrido histórico del arte de acción, destacando sus convergencias en lo mínimo perceptible -un sutil acontecimiento de la experiencia-, el espacio mínimo -una vacuidad experiencial- y el tiempo mínimo -un instante elusivo de experiencia-. Para lograr este objetivo, hemos desarrollado una narrativa híbrida, una suerte de historia acumulativa, que busca identificar repeticiones y elementos comunes en las prácticas artísticas que tomamos como objetos de estudio. Para respaldar nuestros argumentos, consideramos los contextos políticos y cronológicos específicos en los que estas prácticas surgieron, y utilizamos expresiones discursivas que ayudan a dar un sentido más completo y situado a nuestra interpretación. / [CA] Aquesta tesi doctoral s'enfoca a explorar les potencialitats discursives que es donen en construir una genealogia situada de l'art d'acció. La nostra investigació se centra en el concepte de «el mínim» i analitza una sèrie d'idees que ajuden a definir tipologies específiques en aquest camp. En particular, utilitzem tres conceptes clau que ens guien en un recorregut històric de l'art d'acció, destacant les seues convergències quant el mínim perceptible -un subtil esdeveniment de l'experiència-, l'espai mínim -una vacuïtat experiencial- i al temps mínim -un instant elusiu d'experiència-. Per a aconseguir aquest objectiu, hem desenvolupat una narrativa híbrida, una espècie d'història acumulativa, que busca identificar repeticions i elements comuns en les pràctiques artístiques que prenem com a objectes d'estudi. Per a recolzar els nostres arguments, considerem els contextos polítics i cronològics específics en els quals aquestes pràctiques van sorgir, i utilitzem expressions discursives que ajuden a donar un sentit més complet i situat a la nostra interpretació. / [EN] This doctoral thesis focuses on exploring the discursive potentials that arise when constructing a situated genealogy of action art. Our research centers on the concept of «the minimal» and analyzes a series of ideas that help define specific typologies in this field. Particularly, we employ three key concepts that guide us through a historical journey of performance art, highlighting their convergences regarding the minimally perceptible -a subtle occurrence of experience-, minimal space -an experiential void- and minimal time -an elusive moment of experience-. To achieve this goal, we have developed a hybrid narrative, a sort of cumulative history, that seeks to identify repetitions and common elements in the artistic practices we take as objects of study. To support our arguments, we consider the specific political and chronological contexts in which these practices emerged and utilize discursive expressions that contribute to a more comprehensive and situated interpretation. / Porras Soriano, Á. (2023). No pasa nada. Vinculaciones discursivas en torno al arte de acción mínima [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/201112

[ES] La presente investigación gira en torno a la noción de la curaduría o co- misariado de las artes visuales y su posible aplicación como técnica de producción artística en sí misma. Tras observar que existen múltiples ma- neras de asimilar lo curatorial, la finalidad de esta investigación es analizar la diversidad de sus características cualitativas a partir del estudio de sus diferentes prácticas, principalmente expositivas. Para ello, hemos realiza- do cuatro ensayos sobre la curaduría desde distintos marcos temporales: los tres primeros en términos internacionales y, el último, enmarcado en el contexto español: Exhibir lo creado, Producir para exponer, Curar lo expuesto y Más allá de las definiciones. El primer capítulo, Exhibir lo creado, parte de las Wunderkammern, las pri- meras galerías palaciegas, y los salones franceses, donde eran exhibidos sus correspondientes tesoros como modelos de lo que hoy entendemos como exhibición y exposición y, por ende, como precedente de los mu- seos modernos. De mostrar lo creado, pasamos a Producir para exponer, enmarcado en el siglo XX cuando las exposiciones organizadas por los propios artistas (como las de los impresionistas o surrealistas) y el cubo blanco cambiarían definitivamente el paradigma del aparato expositivo. A continuación, partimos de 1969 como punto de inflexión, con respecto a la desmaterialización del arte en relación al desarrollo curatorial y desem- bocar en Curar lo expuesto, donde proponemos un recorrido a través de una suerte de textos en relación a la autoría y una selección de exposiciones paradigmáticas de la historia del arte que van desde Magiciens de la Te- rre (1989) hasta Modernologías (2009). Por último, terminaremos con la columna vertebral de esta tesis, una selección de proyectos curatoriales organizados en el estado español en los últimos veintiséis años. Para ello, han sido realizadas dieciocho entrevistas a otros tantos profesionales que actualmente trabajan en torno a las diversas formas de curar, analizando sus maneras de trabajar, y buscando el diálogo entre dos generaciones de curadores y curadoras para comprender como algunos de sus proyectos los convierte en artistas, ya que han utilizado lo curatorial como técnica de producción artística. / [CA] La present investigació gira entorn de la noció de curaduria o comissariat de les arts visuals i la seua possible aplicació com a tècnica de producció artística en si mateixa. Després d'observar que existeixen múltiples ma- neres d'assimilar el treball curatorial, la finalitat d'esta investigació és analitzar la diversitat de les seues característiques qualitatives a partir de l'estudi de les seues diferents pràctiques, principalment expositives. Per a això, hem realitzat quatre assajos sobre la curaduria des de diferents marcs temporals: els tres primers en termes internacionals i, l'últim, emmarcat en el context espanyol: Exhibir el creat, Produir per a exposar, Curar l'exposat i Més enllà de les definicions. El primer capítol, Exhibir el creat, part de les Wunderkammern, les pri- meres galeries palatines, i els salons francesos, on eren exhibits els seus corresponents tresors com a models del que hui entenem com a exhibició i exposició i, per tant, com a precedent dels museus moderns. De mostrar el creat, passem a Produir per a exposar, emmarcat en el segle XX quan les exposicions organitzades pels propis artistes (com les dels impressionis- tes o surrealistes) i el poal blanc canviarien definitivament el paradigma de l'aparell expositiu. A continuació, partim de 1969 com a punt d'inflexió, respecte a la desmaterialització de l'art en relació al desenvolupament cu- ratorial per a desembocar a Curar l'exposat, on proposem un recorregut a través d'una sort de textos en relació a l'autoria i una selecció d'exposicions paradigmàtiques de la història de l'art que van des de Magiciens de la Terre (1989) fins a Modernologías (2009). Finalment, acabarem amb la columna vertebral d'esta Tesi, una selecció de projectes curatorials organitzats en l'estat espanyol en els últims vint-i-sis anys. Per a això han sigut realit- zades 18 entrevistes a altres tants professionals que actualment treballen en torn de les diverses maneres de curar, analitzant les seues formes de fer i buscant el diàleg entre dues generacions de curadors i curadores per a comprendre com alguns dels seus projectes els converteixen en artistas per haver utilitzat lo curatorial com a tècnica de producció artística. / [EN] The present research revolves around the notion of curatorship in the vi- sual arts and its possible application as a technique of artistic production in itself. After observing that there are multiple ways of assimilating the curatorial, the purpose of this research is to analyze the diversity of its qualitative characteristics from the study of its different practices, mainly expository. To this end, we have carried out four essays on curatorship from different time frames: the first three in international terms and the last one, framed in the Spanish context: Exhibiting What Is Created, Produ- cing to Exhibit, Curating What Is Exhibited and Beyond definitions. The first chapter, Exhibiting What Is Created, starts with the Wunderkam- mern, the first palace galleries, and the French salons, where their corres- ponding treasures were exhibited as models of what we understand today as exhibition and exposition and, therefore, as a precedent of modern museums. From showing what has been created, we move on to Producing to Exhibit, framed in the 20th century when exhibitions organized by the artists themselves (such as those of the Impressionists or Surrealists) and the white cube would definitively change the paradigm of the exhibition apparatus. Next, we start from 1969 as a turning point, with respect to the dematerialization of art in relation to curatorial development and end up in Curating What is Exhibited, where we propose a journey through a sort of texts in relation to authorship and a selection of paradigmatic exhi- bitions in the history of art ranging from Magiciens de la Terre (1989) to Modernologies (2009). Finally, we will end with the backbone of this thesis, a selection of curatorial projects organized in Spain over the last twen- ty-six years. To this end, eighteen interviews have been conducted with many professionals currently working on the various forms of curating, analysing their ways of working, and seeking a dialogue between two ge- nerations of curators to understand how some of their projects turn them into artists, since they have used the curatorial as a technique of artistic production. / Fernández Del Castillo Roca, A. (2024). Ensayos sobre lo curatorial como técnica de producción artística. La curaduría en españa a través de dos generaciones, 1997-2023 [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/203098

Submitted by Morgana Silva (morgana_linhares@yahoo.com.br) on 2016-09-14T19:13:17Z No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 3503999 bytes, checksum: c183efb0d5d0f49bf06d948d758b1d58 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-09-14T19:13:17Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 3503999 bytes, checksum: c183efb0d5d0f49bf06d948d758b1d58 (MD5) Previous issue date: 2016-03-30 / Esta pesquisa trata de um processo pedagógico desarrollado com educandos del Curso Técnico en Instrumento Musical del IFPB – Campus João Pessoa, envolviendo la mediación cultural entre la escuela y la Estação Cabo Branco, Ciência, Cultura e Artes. El objeto fue lo de analizar la contribución que tales espacios, formal y no formal respectivamente, proporcionaron para la comprensión del arte contemporáneo por los estudiantes. La pesquisa es calitativa, con la utilización de cuestionarios, consulta a documentos de las instituciones y observación como instrumentos para la colecta de datos. Abordo sobre el arte contemporáneo, mediación cultural, la mediación en la escuela y en el museo y educación formal y no formal la relación entre escuela y museo. En este estudio presento y analizo las concepciones de la coordinadora de mediación y del mediador del museo sobre el arte contemporáneo, mediación y relación entre escuela y museo, entre otras. Traigo, como foco principal la comprensión de los estudiantes del IFPB sobre el arte contemporáneo antes y después del proceso pedagógico y hago un análisis comparativo entre sus concepciones sobre ese arte en fases distintas de este proceso. / Esta pesquisa trata de um processo pedagógico desenvolvido com educandos do Curso Técnico em Instrumento Musical, do IFPB campus João Pessoa, envolvendo a mediação cultural entre a escola e a Estação Cabo Branco, Ciência, Cultura e Artes. O objetivo foi o de analisar a contribuição que tais espaços, formal e não formal respectivamente, proporcionaram para a compreensão da arte contemporânea pelos estudantes. A pesquisa é qualitativa, com a utilização de questionários, consulta a documentos das instituições e observação como instrumentos para a coleta de dados. Abordo sobre a arte contemporânea, mediação cultural, a mediação na escola e no museu e educação formal e não formal ou a relação entre escola e museu. Neste estudo apresento e analiso as concepções da coordenadora de mediação e do mediador do museu sobre arte contemporânea, mediação e relação entre escola e museu, entre outras. Trago, como foco principal, a compreensão dos estudantes do IFPB sobre a arte contemporânea antes e após o processo pedagógico e faço uma análise comparativa entre suas concepções sobre essa arte em fases distintas deste processo.

[EN] With the arrival of creative freedom, experimentation and the search for limits, Contemporary art slowly dissociates itself from physical matter to become ideas and concepts. This is the moment when the discipline of Conservation of Contemporary Art is forced to revise its principles, methods and strategies. The lack of information about some aspects that determine the conservation of a contemporary artwork can endanger the conceptualization and the physical artwork itself. If this information is not acquired in a direct and appropriate manner, it could lead us to situations of professional negligence that endanger the existence and the respect for the work. The purpose of this investigation is to establish early and safe preventive conservation guidelines. These guide lines, must respect the intent and the deterioration concept of each of the artists, through the information extracted by the use of the interview applied to a group of emerging artists. It is clear that the interview has been used successfully in an array of disciplines and in the discipline of Conservation of Contemporary Art, very little has been done regarding its application before conservation problems arise, much less when speaking about its use on emerging artists. In this work two interrelated phases can be established that will determine its success. After the introduction, which reviews the status quo and the key points of the research, a first phase begins, establishing the objectives and describing the methodology that will be followed. The theoretical section of the research has analyzed the bibliographical sources that provide historical information on the method applied to different disciplines and specifically to the Conservation of Contemporary Art. The following chapters presents an in depth analysis of three projects, in which the interview has been a determining tool. The presentation of a series of entities and lines of work where the interview is applied follows. In the experimental section we present the process, the application and the results of using the interview on emerging artists participating in the artistic projects Perspectives Art Inflammation and Me and Perspectives Art Liver Diseases and Me. Each of the experimental projects has been illustrated with a selection of case studies that will show in practice what has been observed from this research. Throughout the application of the method in the experimental section we have been able to see how the concept of deterioration will determine what preventive conservation strategies will be established. From this experimental phase we have been collecting and analyzing a series of results that lead us to final conclusions. These conclusions show the adequacy of the use of the interview on the documentation protocols for the preventive conservation of artworks. / Con la llegada de la libertad, la experimentación y la búsqueda de los límites, el arte contemporáneo se desliga poco a poco de la materia para transformarse en ideas y conceptos. Es ese el momento en que la disciplina de Conservación de Arte Contemporáneo se ve obligada a revisar sus principios, métodos y estrategias. La falta de informacio'n sobre aspectos que pueden determinar la conservacio'n de una obra de arte contempora'nea, puede poner en riesgo la conceptualizacio'n y la materia de la misma. El hecho de no adquirir esta informacio'n de una manera adecuada y directa, nos puede llevar a situaciones de negligencia profesional que ponen en peligro la existencia y el respeto por la obra. El propo'sito de la presente investigacio'n se centra en establecer unas pautas de conservacio'n preventiva tempranas y seguras, que respeten la intencionalidad y el concepto de deterioro de cada uno de los artistas, a trave's de la informacio'n extrai'da por el uso de la entrevista aplicada a un grupo de artistas emergentes. Queda claro que la entrevista ha sido empleada de manera exitosa en diversidad de disciplinas y en la disciplina de Conservacio'n de Arte Contempora'neo, pero muy poco es lo que podemos encontrar respecto a su aplicacio'n antes de que surjan problemas relacionados con conservacio'n y mucho menos cuando se trata de su uso sobre artistas emergentes. En este trabajo se pueden establecer dos fases interrelacionadas que determinara'n su e'xito. Tras la introduccio'n, que hace un repaso del estado de la cuestio'n y los puntos clave de la investigacio'n, se inicia una primera fase estableciendo los objetivos y describiendo la metodologi'a que se va a seguir. La seccio'n teo'rica de la investigacio'n ha analizado las fuentes bibliogra'ficas que nos aportan informacio'n histo'rica sobre el me'todo aplicado a distintas disciplinas y a la disciplina de Conservacio'n de Arte Contempora'neo especi'ficamente, dando paso a los capi'tulos donde se presenta tres proyectos en profundidad, en que la entrevista ha sido una herramienta determinante. Seguido la presentacio'n de una serie de entidades y li'neas de trabajo donde se aplica la entrevista. En la parte experimental, presentamos el camino, la aplicacio'n y los resultados del uso de la entrevista sobre artistas emergentes de los proyectos arti'sticos Perspectives Art Inflammation and Me y Perspectives Art Liver Diseases and Me. Se ha ilustrado cada uno de los proyectos experimentales con una seleccio'n de casos que mostrara'n de manera pra'ctica lo que de esta investigacio'n se ha podido extraer. A lo largo de la aplicacio'n del me'todo en la parte experimental hemos podido ver co'mo el concepto de deterioro va a determinar lo que se establezca a posteriori en cuanto a estrategias de conservacio'n preventiva. De esta fase experimental hemos ido recolectando y analizando una serie de resultados que nos conducen a establecer las conclusiones que finalmente se presentan y que demuestran la adecuacio'n del uso de la entrevista entre los protocolos de documentacio'n para la conservacio'n preventiva de las obras de arte. / Amb l'arribada de la llibertat, l'experimentacio' i la cerca dels li'mits, l'art contemporani es deslliga a poc a poc de la mate¿ria per a transformar-se en idees i conceptes. E's el moment en que la disciplina de Conservacio' d'Art Contemporani es veu obligada a revisar principis, mètodes i estratègies. La falta d'informacio' sobre aspectes que poden determinar la conservacio' d'una obra d'art contempora¿nia en pot posar en risc la conceptualitzacio' i la matèria. El fet de no adquirir aquesta informacio' d'una manera adequada i directa, ens pot portar a situacions de negligència professional que posen en perill l'existència i el respecte per l'obra. El propòsit d'aquesta investigació se centra a establir unes pautes de conservacio' preventiva primerenques i segures, que respecten la intencionalitat i el concepte de deterioracio' de cada artista, a trave's de la informacio' extreta de l'u's de l'entrevista aplicada a un grup d'artistes emergents. E's clar que l'entrevista ha sigut utilitzada de manera reeixida en diversitat de disciplines i en la disciplina de Conservacio' d'Art Contemporani, pero¿ molt poc e's el que podem trobar pel que fa a l'aplicacio' abans que sorgisquen problemes relacionats amb conservacio' i encara menys quan es tracta de l'u's amb artistes emergents. En aquest treball es poden establir dues fases interrelacionades que en determinaran l'e¿xit. Despre's de la introduccio', que fa un repa¿s de l'estat de la qu¿estio' i els punts clau de la investigacio', s'inicia una primera fase que estableix els objectius i descriu la metodologia del treball. La seccio' teo¿rica de la investigacio' ha analitzat les fonts bibliogra¿fiques que ens aporten informacio' histo¿rica sobre el me¿tode aplicat a diferents disciplines i a la disciplina de Conservacio' d'Art Contemporani especi'ficament; do'na pas als capi'tols on es presenten tres projectes en profunditat, en els quals l'entrevista ha sigut una eina determinant. Tot seguit hi ha la presentacio' d'una se¿rie d'entitats i li'nies de treball on s'aplica l'entrevista. En la part experimental, presentem el cami', l'aplicacio' i els resultats de l'u's de l'entrevista sobre artistes emergents dels projectes arti'stics Perspectives Art Inflammation and Me i Perspectives Art Liver Diseases and Me. S'ha il·lustrat cada un dels projectes experimentals amb una seleccio' de casos que mostraran de manera pra¿ctica el que s'ha pogut extraure de la investigacio'. Al llarg de l'aplicacio' del me¿tode, en la part experimental hem pogut veure com el concepte de deterioracio' determina el que s'establisca a posteriori quant a estrate¿gies de conservacio' preventiva. D'aquesta fase experimental hem arreplegat i analitzat una se¿rie de resultats que ens menen a establir les conclusions que, finalment, es presenten i que demostren l'adequacio' de l'u's de l'entrevista entre els protocols de documentacio' per a la conservacio' preventiva de les obres d'art. / Del Fresno-Guillem, R. (2017). LA ENTREVISTA AL ARTISTA EMERGENTE COMO MODO DE CONSERVACIÓN PREVENTIVA Estudio aplicado a los proyectos Perspectives Art Inflammation and Me y Perspectives, Art Liver Diseases and Me [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/90410 / TESIS