Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão. Programa de Pós-Graduação em Literatura / Made available in DSpace on 2012-10-23T02:17:04Z (GMT). No. of bitstreams: 1 246314.pdf: 1446898 bytes, checksum: 98e5fc23b2d8ef730fd8bdc253f2e08a (MD5) / O presente ensaio busca pensar as questões relacionadas à leitura da obra plástica contemporânea diante da dissolução dos fundamentos tradicionais destinados à interpretação da arte. Para tanto, oferece uma possibilidade de refletir sobre as obras contemporâneas através dos conceitos de Emmanuel Levinas e Maurice Blanchot. Os conceitos de #Outro#, #Vestígio#, #Rosto# e #Há#, de Levinas, e de #Neutro#, #Fora# e #Desobra#, de Blanchot, passam a ser centrais para essa discussão. Daí resulta que, em vez de termos com a arte um contato revelador, vivenciamos o #impossível#: a arte como um #absolutamente Outro#. This essay intends to discuss some of the issues related to contemporary plastic arts, facing the dissolution of their traditional foundations. For this purpose, it offers a possibility of thinking about contemporary works of art using concepts coined both by Emmanuel Levinas and Maurice Blanchot. In other words, Emmanuel Levinas, #Otherness#, #Trace#, and Maurice Blanchot's #Neutral#, #Outside#, #Infinite#, play a central role in this discussion. As a result, instead of having a revealing encounter with art, we deal with the #impossible#, art as a complete other.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão. Programa de Pós-Graduação em Literatura. / Made available in DSpace on 2012-10-20T19:04:13Z (GMT). No. of bitstreams: 0 / Esta dissertação analisa a questão da autoria no cruzamento de textos e imagens no interior de dois livros de Waltercio Caldas: "Aparelhos", publicado em 1979, com texto de Ronaldo Brito, e Manual da ciência popular, publicado em 1982, com texto de Paulo Venâncio Filho. O recorte da pesquisa abrange o final da década de sessenta até o início da década de oitenta. Na virada da década de sessenta, com o advento das linguagens contemporâneas e a explosão do mercado de arte; com os museus passando por uma crise de identidade institucional decorrente, por um lado, da censura ideológica da ditadura militar e, por outro lado, da incapacidade de certos setores da crítica e do público de absorver as novas investidas da arte experimental (como era chamada nesse período) a crítica se viu diante de uma tarefa difícil: combater a crítica conveniente para o mercado de arte e para os valores cultivados pela instituição conservadora, produzindo, ao mesmo tempo, uma crítica articulada com as novas linguagens contemporâneas, sem perder de vista sua inserção no mercado de arte e no espaço da instituição. Nesse sentido, este trabalho pesquisa as estreitas relações que Waltercio Caldas manteve com a produção da crítica contemporânea, em especial com Ronaldo Brito e Paulo Venâncio Filho, considerando como horizonte da análise a questão da autoria do discurso crítico.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro Tecnológico. Programa de Pós-Graduação em Engenharia de Produção. / Made available in DSpace on 2012-10-22T03:28:39Z (GMT). No. of bitstreams: 1 213968.pdf: 4889631 bytes, checksum: 7701edc9e1201a2d7d6f554deffe1599 (MD5) / O presente estudo busca na Ergonomia a solução para uma problemática constatada na relação entre o espectador e as obras de arte participo-interativas da arte contemporânea - os dispositivos poéticos. Esta problemática vai, desde a destruição das obras através de participações conflituosas, até a inadequações institucionais de agentes oficiais do Sistema de Arte, além de constrangimentos causados às pessoas que fazem parte deste processo de agenciamento, e que são consideradas despreparadas para este tipo de arte. As soluções para estes conflitos são sugeridas através do incremento de Ergonomia em todos os processos que envolvem a criação e o desenvolvimento dos dispositivos poéticos. Esta sugestão é fundamentada no fato da Ergonomia agrupar um conjunto de conhecimentos tecno-científicos viabilizadores dos processos participativos em sistemas organizados onde as pessoas desenvolvem algum tipo de trabalho. O dispositivo poético é um caso destes sistemas, pois a participação do indivíduo no agenciamento poético da obra requer trabalho físico e cognitivo a partir de um contexto dado. O estudo também sugere o uso dos processos de gestão participativa como modo poético para o fazer em arte contemporânea baseando-se na História da Arte, onde o conhecimento e a ciência sempre andaram juntos com a criação artística, mas também, devido à mudança de paradigma que transformou o antigo observador passivo da obra de arte em seu agente transformador, sendo também, co-autor da mesma.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Filosofia e Ciências Humanas. Programa de Pós-Graduação em História. / Made available in DSpace on 2012-10-22T03:39:35Z (GMT). No. of bitstreams: 1 204243.pdf: 3422764 bytes, checksum: 265b6cdc50d5aa0dde6a5c952e2ccad1 (MD5) / O objetivo desta dissertação é refletir acerca de obras situadas entre as décadas de sessenta e setenta, de modo a relacioná-las com algumas obras da década de noventa. Com a intenção de conectar os artistas através de suas obras, o espaço pode ser concebido de duas maneiras: como uma poética permeada pelo vazio e pelo silêncio; e também como um espaço que agrega, amontoa, e enche tornando-se um espaço povoado, cheio. Percebendo o espaço como um tema relevante para abordar questões atuais relativas à sensibilidades e à percepções contemporâneas, esta dissertação desenvolve uma reflexão através de elementos presentes nas obras de artistas plásticos, literatos e cineastas. Sendo o espaço entendido por duas concepções complementares _ o vazio e o cheio_ o recorte cronológico será efetuado através da compreensão referente à arte a partir da década de sessenta. Considerando exposições, galerias e Bienais de Arte, avista-se menos os locais específicos e pontuais, recolocando o tema através de um viés histórico tecido em suas nuances, pontos de semelhanças, repetições e diferenças, em que o mesmo assunto pode ser visto como fragmentos justapostos e dispersos, em distintas e complexas combinações.

[pt] A dissertação discute a Arte Povera, tendência artística italiana do final da década de 1960 e início dos anos 1970. A partir da análise dos trabalhos de seus artistas mais significativos e dos textos críticos produzidos na época, o trabalho pretende discutir o conceito de Arte Povera, mostrando suas especificidades e os pontos de contato entre as diferentes propostas dos artistas: Michelangelo Pistoletto, Giovanni Anselmo, Gilberto Zorio, Giuseppe Penone, Jannis Kounellis, Luciano Fabro, Alighiero Boetti, Giulio Paolini, Marisa Merz e Mario Merz.Através desse recorte, aborda algumas questões da arte contemporânea, como o estatuto do objeto de arte, a inserção da dimensão temporal no espaço da obra, a problematização do lugar e dos materiais tradicionais da arte, a crítica à estrutura na qual se insere. / [en] This dissertation discusses Arte Povera, an italian artistic tendency that took place at the end of the 1960's and the beginning of 1970's. Through the analysis of the works from its most significant artists and the critical texts produced at that time, the work intends to discuss the concept of Arte Povera, showing its specific aspects and the similarities that the diferent artist's proposals have in common. The artists are Michelangelo Pistoletto, Giovanni Anselmo, Gilberto Zorio, Giuseppe Penone, Jannis Kounellis, Luciano Fabro, Alighiero Boetti, Giulio Paolini, Marisa Merz e Mario Merz. Using this point of view, the work includes some questioning about contemporary art, like the discussion about the art object status, the insertion of the temporal dimension in the work space, the questioning of place and traditional art materials, the criticism of the institutional structure in which art belongs.

[pt] O problema da morte da arte atravessa praticamente toda a história artística moderna. As preleções sobre estética de Hegel, realizadas não muito tempo depois da fundamentação kantiana de um juízo de gosto autônomo, já apresentam a idéia da dissolução da arte- a qual teria, nas palavras do filósofo, se tornado coisa do passado. Este trabalho pretende investigar a estreita e intrigante conexão entre uma arte que finalmente obteve sua autonomia na época moderna e a sombra constante de sua própria morte. Seja nos discursos estéticos que, desde os primórdios da modernidade, assinalam uma obsolescência da arte, seja no ímpeto crítico-revolucionário das vanguardas, que ensaiaram uma autodestruição da esfera artística, seja numa contemporaneidade em que parecem se apagar quaisquer distinções palpáveis entre a obra de arte e os demais produtos, entre valor estético e valor de troca, a questão da morte da arte, de um modo ou de outro, confirma sua presença. Indagar o sentido dessa longa vigência, assim como averiguar sua persistência no horizonte artístico contemporâneo, é, em resumo, a proposta da tese. / [en] The problem of the death of the art crosses practically all modern artistic history. The Hegel’s lectures Aesthetics, delivered not much later of the Kantian validation of an autonomous judgment of taste, already present the idea of the dissolution of the art- that would have, in the words of the philosopher, become thing of the past. This work intends to investigate the narrow and intriguing connection between an art that finally reached autonomy at the modern times and the constant shade of its proper death. Either in the aesthetic discourses that, since the beginning of modernity, indicate an obsolescence of the art, either in the critical-revolutionary impulse of the avant-gardes, that had fomented a selfdestruction of the artistic sphere, either in our present time, where any concrete distinctions between the work of art and other things, that is, between aesthetic value and exchange value, seems to disappear, the question of the death of the art, in one way or another, confirms its presence. To inquire the meaning of this long validity, as well as verifying its persistence in the contemporary time, is, in short, the proposal of this work.

[pt] Lugar da contingência radical da arte, nos anos 1960 e 1970, tal como proposta pelas obras do francês Yves Klein, do norte- americano Andy Warhol e do alemão Joseph Beuys, o lugar-melancolia dimensiona a crise contemporânea da substância poética a partir da iminente saturação pública da arte. Por que agir quando toda ação é absorvida homogênea e acriticamente? Como se portar diante de uma realidade aparentemente refratária a qualquer valor? Destituídas da realidade da obra como espaço íntegro da possibilidade de ação e conhecimento, tais subjetividades artísticas fragmentárias apontam, segundo nossa hipótese, novas coordenadas para a capacidade produtiva do homem. Klein, Warhol e Beuys elaboram personas artísticas públicas a fim de circular com desenvoltura no iminente contexto cultural aberto, crescentemente dominado por formas de cultura de massa. Esses artistas se identificam com certas categorias artísticas, mas propõem a revitalização da arte a partir do ponto de indiferença entre potência e não-potência poética - condição precípua do dar forma ao mundo e, conseqüentemente, a nós mesmos. / [en] A place of radical contingency in art in the 1960s and 1970s, as proposed by the works of Frenchman Yves Klein, American Andy Warhol and German Joseph Beuys, the place of melancholia gives a dimension to the contemporary crisis concerning the poetic substance in view of the imminent public saturation of art. What is the point of taking action when all action is absorbed both homogeneously and acritically? How should one behave when faced with a reality which would appear resistant to any value? Bereft of the reality of the artwork as an unmarred space for the possibility of action and knowledge, we propose that these fragmentary artistic subjectivities set a new route for man´s productive capacity. Klein, Warhol and Beuys developed public art personae to circulate freely in the impending context of open culture that was increasingly dominated by forms of mass culture. Though they are identified with certain artistic categories, these artists set out to revitalize art from the point of indistinction between poetic potency and non-potency - an essential precondition for shaping the world, and therefore, for shaping ourselves.

[pt] Esta dissertação aborda o experimentalismo da artista Lygia Clark (1920- 1988), sobretudo a fase final de sua produção artística, a Estruturação do Self (1976-1988). Colocando história da arte e psicanálise em diálogo, buscou-se encontrar vestígios da mobilização de novas subjetividades e do exercício criativo a partir do trabalho corporal. Na primeira parte do trabalho, tratou-se do debate concreto-neoconcreto ocorrido nos anos 1960, através do estudo da obra e dos textos da própria artista. Buscou-se ainda estabelecer um inventário de suas investigações em direção à convocação do potencial poético do homem comum. Num segundo momento, a pesquisa procurou apresentar os mecanismos do sistema de arte nos quais trabalhos experimentais como os de Lygia Clark estão inseridos, discutindo a transformação do experimentalismo dos anos 1960/70 em arte experimental pelo circuito. Além disso, aborda-se o jogo de recusa e captura entre artistas e instituição de arte e a situação limite em que a obra da artista se coloca, tangenciando o campo da clínica. A terceira parte da dissertação dedica-se a analisar as políticas de subjetivação empreendidas pelo sistema capitalista e sua contrapartida manifesta nos processos de singularização de indivíduos ou grupos. Abordando a tensão entre as esferas pública e privada, a pesquisa procurou mostrar a relevância de ações localizadas e até individuais, atribuídas à economia do desejo, na rede de relações sociais, conferidas à economia política. É investigado, por fim, o potencial liberador encontrado na última fase experimental de Lygia Clark, a Estruturação do Self, que levaria o participante a um estar no mundo mais criativo diante da realidade objetiva. / [en] This dissertation examines the experimentalism of the brazilian artist Lygia Clark (1920-1988), especially in her final artistic phase, Structuring the Self (1976-1988). By bringing together art and psychoanalysis, I tried to find hints of the activation of new subjectivities and of the creative exercise, based on work with the body. The first part of this dissertation focuses on the debate between concrete and neoconcrete art which occurred in the 1960 s, as seen through the work and the texts of the artist. It also intends to establish an inventory of her investigations leading to invocation of the common man`s poetic potential. Following the first part, I attempt to present the mechanisms of the art system in which experimental works such as those of Lygia Clark are included, and I discuss the transformation of the 1960 s/70 s experimentalism in experimental art by the circuit. Besides, I approach the game of refusal and capture between artists and art institutions, as well as the borderline situation in which the Clark s work is located, as it enters the field of psychological clinic. The third part of this writing is dedicated to the analysis of the politics of subjectivation carried through in the capitalist system and the reaction manifested in the singularization processes of individuals or groups. Approaching the tension between the public and private spheres, I attempt to show the relevance of localized and even individual actions, attributed to the economy of desire, in the network of social relations, conferred upon political economy. Finally, I investigate the liberating potential found in the last experimental phase of Lygia Clark, The Structuring of the Self, that could lead the participant to a more creative being in the world, in the face of objective reality.

[pt] A dissertação tem como objetivo investigar o uso do termo instauração na obra de Tunga e a singularidade de sua experimentação. Pensar a instauração em Tunga leva a repensar noções como autoria, espaço e imersão. O primeiro capítulo focalizará a presença do corpo como lugar da experimentação na obra de Tunga, e possíveis conexões com as obras de Lygia Clark, Hélio Oiticica e Artur Barrio, que surgem a partir da produção poética desses artistas. O segundo capítulo é dedicado a instauração na obra de Tunga e às ressonâncias desse procedimento na obra de artistas da cena contemporânea do Rio de Janeiro. / [fr] Cette étude a l objectif d interroger l usage du terme instauration dans l oeuvre de Tunga ainsi que la singularité de son experimentation. Penser l instauration chez Tunga nous conduit a réfléchir sur les notions d auteur, d espace et d immersion. Le premier chapitre est dedié a la presence du corps comme lieux de l experimentation dans l oeuvre de Tunga, et les conections possibles avec les oeuvres de Lygia Clark, Hélio Oiticica et Artur Barrio, qui emergent de la production poétique de ces artistes. Le deuxième chapitre est dedié à l instauration dans l oeuvre de Tunga et les ressonances de cette estrategie dans l oeuvre des artistes de la scène contemporaine à Rio.

[pt] O trabalho expõe os novos desafios das práticas do monumento, reativadas pela tarefa - aporética, por definição, - da memória de Auschwitz. A partir do contexto mais amplo da arte moderna e contemporânea, os monumentos ao Holocausto são vistos como imprescindíveis na construção da República de Berlim. No infindável debate sobre o colossal Monumento aos judeus assassinados da Europa, a construir-se no centro da capital da Alemanha reunificada, espelham-se, exaustivamente, ampla gama de questões historiográficas, memoriais e identitárias. Por outro lado, uma rede de obras dispersas propiciam diferentes inscrições da insanável ausência dos judeus na cidade. Nestes (anti) monumentos, percebemos Berlim como oficina da história e a arte contemporânea face ao imperativo ético do testemunho. / [en] The work presents the new challenges of monument practices, revived by the so-called paradoxical task of Auschwitz memory. From the broader context of modern and contemporary art, the monuments to Holocaust are seen as essential to the construction of the Berlin Republic. The endless debate on the colossal Monument to Jews slaughtered in Europe, to be built in the centre of the capital of the reunited Germany, reflects questions such as history, memory and identity to the fullest. On the other hand, a network of scattered works provide different accounts of the irremediable lack of Jews in the City. In such (anti) monuments, we see Berlin as a history workshop and the contemporary art in view of the ethical imperative of witnessing.