Submitted by Marta Toyoda (1144061@mackenzie.br) on 2017-03-11T16:48:34Z No. of bitstreams: 2 Fernanda Binotti Pereira.pdf: 12947970 bytes, checksum: 0dc31682e0d19315964da21bea4ae126 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Paola Damato (repositorio@mackenzie.br) on 2017-03-31T14:02:22Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Fernanda Binotti Pereira.pdf: 12947970 bytes, checksum: 0dc31682e0d19315964da21bea4ae126 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2017-03-31T14:02:22Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Fernanda Binotti Pereira.pdf: 12947970 bytes, checksum: 0dc31682e0d19315964da21bea4ae126 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2016-12-16 / This research is based on the interpretive analysis of the wardrobe of Frida Kahlo from images of the book El Ropero de Frida 2007. The Mexican artist had a strong visual identity and she was able to communicate through her clothing. The clothes allow the formation of a non-verbal language and when we analyze the body dressed we find personal speeches. Within a society the language is subject to cultural and esthetic values, but questions of political interests, patterns of decorum and artistic movements influence the choice of colors, proportions, volumes and accessories. Frida Kahlo's life was troubled and her body was formed and transformed by diseases and accidents. As a counterpoint to a history of frailty, the artist became a strong woman. His personality, his political engagement and mainly his artistic career reflect how she lived. Analyzing her wardrobe we recognize three models of speeches in different panels. The daily panel shows the Frida´s clothes daily routine. Casual pieces, adapted to the customs and weather of her country. The pieces that the artist wore with strong Mexican influence are gathered in the cultural panel. Wheel dresses, embroidered gowns, with striking references of the Tehuan tribes and pieces that allow the symbolic reading of the strong Mexican culture. And the protest panel features the clothes Frida Kahlo used with the intention of clearly exposing her political intentions or personal dissatisfaction. Men's pieces, black clothes and corsets with communist symbols were able to shock the moment it was proposed. Common to all three panels is Frida's strong personality, her willingness to hide her physical disability with skirts and dresses, her passion for accessories and colors, and her fascinating personal history. / A pesquisa tem como base a análise interpretativa do guarda roupa de Frida Kahlo a partir das imagens do livro El Ropero de Frida de 2007. A artista mexicana possuía uma forte identidade visual e conseguia se comunicar por meio de seu vestuário. As roupas permitem a formação de uma linguagem não verbal e quando analisamos o corpo vestido encontramos discursos pessoais. Dentro de uma sociedade a linguagem está sujeita aos valores culturais e estéticos, mas questões de interesses políticos, padrões de decoro e movimentos artísticos influenciam na escolha de cores, proporções, volumes e acessórios. A vida de Frida Kahlo foi conturbada e seu corpo foi marcado e transformado por doenças e acidentes. Como contraponto de uma história de fragilização, a artista se tornou uma mulher forte. Sua personalidade, seu engajamento político e principalmente sua carreira artística refletem o que viveu. Analisando seu guarda roupa reconhecemos três modelos de discursos que dividimos em painéis. O painel cotidiano apresenta as roupas que Frida usava em seu dia a dia. Peças casuais, adaptadas aos costumes e clima de seu país. As peças que a artista vestia com forte influência mexicana estão reunidas no painel cultural. Vestidos rodados, batas bordadas, com referências marcantes das tribos tehuanas e peças que permitem a leitura simbólica de uma forte cultura mexicana. E o painel protesto apresenta as roupas que Frida Kahlo usou com intenção de expor claramente suas intenções políticas ou insatisfações pessoais. Peças masculinas, roupas pretas e corpetes com símbolos comunistas conseguiram chocar no momento que se propôs. Comum nos três painéis está a forte personalidade de Frida, sua vontade em esconder sua deficiência física com saias e vestidos rodados, sua paixão por acessórios e cores, e sua fascinante história pessoal.

Submitted by Geandra Rodrigues (geandrar@gmail.com) on 2018-08-22T17:22:05Z No. of bitstreams: 1 ceciliasamelcortesfernandes.pdf: 4286966 bytes, checksum: 9ff6291280c4ff9f25af5d28baea8b86 (MD5) / Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2018-08-28T13:26:02Z (GMT) No. of bitstreams: 1 ceciliasamelcortesfernandes.pdf: 4286966 bytes, checksum: 9ff6291280c4ff9f25af5d28baea8b86 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-08-28T13:26:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 ceciliasamelcortesfernandes.pdf: 4286966 bytes, checksum: 9ff6291280c4ff9f25af5d28baea8b86 (MD5) Previous issue date: 2018 / A presente dissertação consiste na análise e revisão bibliográfica da obra de Arthur Danto, filósofo norte-americano. O intuito dessa pesquisa é buscar nas obras de Danto seu “modelo” de artista e analisar a forma como ele utiliza o exemplo de Andy Warhol, artista norteamericano, como principal figura desse modelo. Danto não estrutura esse modelo conceitualmente, no entanto é possível extraí-lo a partir dos exemplos em que são utilizados artistas. A pesquisa foi desenvolvida em três momentos, a saber: as fundamentações e influências teóricas de Danto que sustentam seus conceitos principais, que são o de arte e do de “fim da arte”; o uso de exemplos de artistas na obra de Danto e a demonstração de seu “modelo” de artista; a análise de Andy Warhol a partir de Danto e outros teóricos. Serão estabelecidos, ao longo da dissertação, diálogos de Danto com Georg Hegel, Clement Greenberg, Thierry de Duve, Hal Foster, Lucy Lippard, Hector Obalk. / The present dissertation consists on the analysis and bibliographical revision of North American philosopher Arthur Danto’s work. The aim of this research is to seek in Danto’s works his “idea” of the artist and to analyse the way North American artist Andy Warhol is used as an example and as the main figure in this idea. Danto does not structure this idea conceptually, however is is possible to extract it by means of his examples in which artists are in. The research was divided into three moments: Danto’s theoretical fundaments and influences that sustain his main concepts, which are the concept of art and of the “end of art”; usage of examples of artists in Danto’s work and demonstration of his “ideia” of artist; Andy Warhol’s analysis according to Danto and other authors. In the course of the dissertation, there will be stablished dialogues between Danto and Georg Hegel, Clement Greenberg, Thierry de Duve, Hal Foster, Lucy Lippard, Hector Obalk.

O presente trabalho investiga o papel e o lugar ocupados pelo jovem artista dentro do campo da arte hoje. Demonstra que esta figura passou por um processo de dupla mitificação: a de ser jovem e a de ser artista. Revela o processo da sua construção histórica e social, mostrando como este assumiu um papel central na arte do século XXI. A pesquisa foi realizada a partir de entrevistas com seis artistas nascidos na década de 1980 e 1990 – Daniel Escobar, Marcos Fioravante, Marina Camargo, Rafael Pagatini, Raquel Magalhães e Romy Pocztaruk. O olhar dos entrevistados é representativo de uma geração e serve como fonte primária para esta análise. / This work seeks to investigate the role and place occupied by young artists in todays art field. It shows that this group has gone through two different mythification processes: being young and being an artist. Revealing the social-historical process that they went through and showing how they play this central role in the arts of XXI century. A research was made by interviewing six artists born on 1980 and 1990 decades - Daniel Escobar, Marcos Fioravante, Marina Camargo, Rafael Pagatini, Raquel Magalhães e Romy Pocztaruk. The view of the interviewees is representative of this generation and serves as a primary source for this analysis.

[ES] El título y subtítulo del presente trabajo resume y refleja el contenido de la labor de investigación y catalogación realizada, a partir del material disponible en el taller de Tipografía de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia. La tipografía es la principal protagonista del trabajo, siendo los caracteres tipográficos los elementos más relevantes. Con los mismos se ha editado un catálogo para un mayor y mejor conocimiento de las características de cada familia de tipos móviles, ello podrá ayudar a estudiantes e investigadores a conocer e identificar la tipografía utilizada en la impresión de múltiples textos. Al ser un material procedente de imprentas de Valencia y poblaciones de alrededor, permitirá conocer un poco más la historia de la sociedad y el patrimonio de un periodo importante del pasado siglo XX. Partiendo de la metodología de investigación desde la práctica artística en los Libros de Artista, hemos pretendido alcanzar un mayor conocimiento de los tipos empleados utilizando la tipografía de forma plástica para conseguir un gran libro de artista, en el que se refleja una interpretación personal de todas las familias de caracteres tipográficos disponibles y catalogados en el taller de la mencionada facultad de Bellas Artes, al igual que proseguir con la edición de otros ejemplares de libros, continuando de esta forma la actividad iniciada en la Licenciatura y posteriormente en el Máster de Producción Artística. / [CA] El títol i subtítol del present treball resumeix i reflecteix el contingut de la labor d'investigació i catalogació realitzada, a partir del material disponible en el taller de Tipografia de la Facultat de Belles Arts de la Universitat Politècnica de València. La tipografia és la principal protagonista del treball, sent els caràcters tipogràfics els elements més rellevants. Amb els mateixos s'ha editat un catàleg per a un major i millor coneixement de les característiques de cada família de tipus mòbils, això podrà ajudar estudiants i investigadors a conéixer i identificar la tipografia utilitzada en la impressió de múltiples textos. A l'ésser un material procedent d'impremtes de València i poblacions de voltant, permetrà conéixer una mica més la història de la societat i el patrimoni d'un període important del passat segle XX. Partint de la metodologia d'investigació des de la pràctica artística en els Llibres d'Artista, hem pretés aconseguir un major coneixement dels tipus emprats utilitzant la tipografia de manera plàstica per a aconseguir un gran llibre d'artista, en el qual es reflecteix una interpretació personal de totes les famílies de caràcters tipogràfics disponibles i catalogats en el taller de l'esmentada facultat de Belles Arts, igual que prosseguir amb l'edició d'altres exemplars de llibres, continuant d'aquesta manera l'activitat iniciada en la Llicenciatura i posteriorment en el Màster de Producció Artística. / [EN] The title and subtitle of this work summarizes and reflects the content of the research and cataloguing work carried out, based on the material available in the Typography workshop of the Faculty of Fine Arts of the Polytechnic University of Valencia. Typography is the main protagonist of the work, with typographical characters being the most relevant elements. With them a catalogue has been published for a greater and better knowledge of the characteristics of each family of mobile types, this will help students and researchers to know and identify the typography used in the printing of multiple texts. Being a material from printing presses in Valencia and surrounding populations, it will allow you to learn a little more about the history of society and the heritage of an important period of the last 20 th century. Based on the research methodology from artistic practice in the Artist's Books, we have sought to achieve a greater knowledge of the types used using typography in plastic form to obtain a large artist's book, which reflects a personal interpretation of all the families of typographical characters available and catalogued in the workshop of the aforementioned faculty of Fine Arts , as well as continuing with the edition of other copies of books, continuing in this way the activity initiated in the undergraduate degree and later in the Master's Degree in Artistic Production. / Ferré Ferri, E. (2021). Tipos anónimos. Palabras vivas. Estudio e inventario de tipos móviles de imprenta en los talleres de la Facultad de Bellas Artes de Valencia. Incorporación de la Tipografía al Libro de Artista. Una aportación personal [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/172176 / TESIS

[EN] This thesis provides an analysis of the different graphic art production areas in Spain, in 2014. Firstly, we review the concept of graphic work, multiplicity, and editing, as well as the role of responsible individuals involved in the production of graphic art: editor, technical printer and artist, through the study of remarkable personalities. Secondly, we explore the different graphic works workshop production classifications, as well as their design and structure, according to their specialization process. This thesis follows with a panoramic and historical view of graphic art creation and production establishments, analyzing international draft reference spaces, finishing with the study of different models of workshop in Spain, today. These workshops are sorted into the following categories: training, new technologies research workshop, development projects in residence workshop, creation and artistic experimentation workshop, desktop publishing workshop, prints by custom production workshop, edition of artists workshop and workshop as a multipurpose space. This work is complemented by a updatable directory of graphic art's creation, education, production and editing spaces in Spain, a practical guide for artists, printers, publishers, students, teachers, and anyone interested in graphic art. / [ES] La presente tesis ofrece un análisis de los diferentes modelos de espacios de producción de arte gráfico en España, en 2014. En primer lugar, se revisa el concepto de obra gráfica, multiplicidad y edición, así como el papel de las figuras responsables que intervienen en la producción de arte gráfico: editor, técnico impresor y artista, a través del estudio de personalidades destacadas. En segundo lugar, se exploran las diferentes clasificaciones del taller de producción de obra gráfica, así como el diseño y estructura del mismo, de acuerdo a su especialización procesual. A continuación, se presenta una visión panorámica e histórica de los establecimientos de creación y producción de arte gráfico, analizando espacios de referencia de calado internacional, concluyendo con el estudio de los diferentes modelos de taller presentes en España, en la actualidad. Éstos se ordenan en torno a las siguientes categorías: el taller de formación, el taller de investigación de nuevas tecnologías, el taller de desarrollo de proyectos en residencia, el taller de creación y experimentación artística, el taller de autoedición, el taller de producción de obra gráfica por encargo, el taller de edición de artistas y el taller como espacio polivalente. Este trabajo se complementa con un directorio de los espacios dedicados a la creación, enseñanza, producción y edición de arte gráfico en nuestro país, una guía práctica para artistas, impresores, editores, estudiantes, docentes, y todo aquel interesado en arte gráfico, abierta a futuras actualizaciones. / [CA] Aquesta tesi ofereix una anàlisi de les diferents zones de producció d'art gràfic a Espanya, el 2014. En primer lloc, podem revisar el concepte d'obra gràfica i multiplicitat, edició, així com el paper d'encarregat figures que intervenen en la producció de arts gràfiques: editor, impressora tècnic i artista, mitjançant l'estudi de la personalitat. En segon lloc, podem explorar les diferents classificacions de dramatitzada d'obres gràfiques, així com el disseny i estructura, segons el seu procés d'especialització. A continuació, és una visió panoràmica i històric de creació i producció d'establiments d'arts gràfiques, analitzar espais de referència de calat internacional, concloent amb l'estudi de diferents models de taller d'Espanya, avui. Aquests es classifiquen en les categories següents: formació, investigació de noves tecnologies taller, taller de projectes de desenvolupament en residència, taller de creació i experimentació artística, autoedició taller, taller de producció de gravats de costum, edició del taller d'artistes i taller com a espai polivalent. Aquest treball es complementa amb una guia dels espais dedicats a la creació, formació, producció i edició d'art gràfic en el nostre país, una guia pràctica per a artistes, impressores, editors, estudiants, professors, i qualsevol persona interessada en l'obra gràfica, obert a futures actualitzacions. / Matute Marín, J. (2016). El taller de arte gráfico. Modelos de producción de arte gráfico en España 2014 [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/61767

El objetivo esencial para la investigación es la conservación de las líneas artesanales tradicionales mediante espacios de capacitación y difusión de la actividad artesanal en el Centro de Innovación Tecnológica y Difusión artesanal en el distrito de Túcume, Lambayeque; debido a que existe una pérdida de interés generacional, espacios inadecuados de exhibición y difusión en los talleres e infraestructura poco implementada con capacidad limitada para capacitaciones de artesanos. Realizando un análisis descriptivo, espacial y funcional de los talleres como espacios de trabajo y de las técnicas artesanales, herramientas y mobiliarios que utilizan; además de analizar contexto y ubicación de estos espacios en Túcume; junto a un estudio de casos análogos de espacios de capacitación y difusión artesanal. El método de investigación es cualitativa, con un alcance descriptivo y con diseño no experimental teniendo como muestra a un taller y dos asociaciones artesanales de la localidad de Túcume. En los talleres y actividad artesanal se encontró espacios vernáculos genuinos construidos intuitivamente por el mismo artesano, acondicionándolos según sus necesidades, superponiendo actividades caseras y artesanales en un mismo espacio y teniendo una relación fuerte hacia los patios o zonas arboladas; existiendo en estos deficiencias funcionales y espaciales. Finalmente se sintetizó los resultados en estrategias de emplazamiento, diseño formal y funcional junto con programación: en una propuesta arquitectónica, que dotara de espacios de capacitación y difusión artesanal como centro pedagógico y plazas públicas como focos de actividad cultural. Contando con materiales vernáculos con características bioclimáticas reduciendo el impacto energético de esta infraestructura.

Cuando comenzó el cine sonoro, muchas películas que se exportaban de Hollywood al resto del mundo, como Drácula de 1931, fueron llevadas a distintos países donde la lengua natal no era el inglés. En aquella época no existían los subtítulos, así que la solución era volverla a filmar en distintos idiomas, entre ellos el español. Bela Lugosi, el actor que encarnaba a Drácula en la versión original, se hizo famoso gracias a ese papel no solo por su forma de actuar, sino también por su acento húngaro que le daba un aspecto más tenebroso al personaje. Sin embargo, la versión en español de esta película no tenía como protagonista a Bela Lugosi sino a un actor español y contaba con un reparto con múltiples nacionalidades (mexicanos, argentinos y a un director que solo hablaba inglés). El resultado de fue una película con problemas de identificación dentro de los hispano hablantes ya que los acentos estaban todos mezclados por lo que no se podía ubicar geográficamente a la historia. Pero había más, no solo el acento no ayudaba a que la película no tuviera éxito, sino que la gente quería ver a Bela Lugosi en el papel que le dio la fama. No importaba que no entendieran lo que estaba diciendo, lo importante era verlo. A raíz de esto, todos los demás vampiros que se han presentado en las distintas películas han tenido un poco (o bastante) de la personalidad de este, como si se hubiera marcado un punto de inicio para estereotipar esta clase de monstruos. Bela Lugosi hizo que los vampiros sean vistos de determinada forma e hizo que las personas que lo veían sintieran que, realmente, él era un vampiro. Esta persona creó un molde. Puede ser, por ejemplo, que una nueva tienda de disfraces acaba de abrir en la ciudad y que esta tiene el presupuesto necesario para contratar a este actor para un comercial. Un aficionado de una serie de vampiros está sentado en la sala de la casa frente al televisor viendo su programa favorito. En la mitad, como es costumbre, comienzan los comerciales, entonces, en su intento por escapar de ellos busca el control remoto para cambiar de canal pero antes de cambiar de canal aparece el comercial donde sale Bela Lugosi promocionando los disfraces. Para su suerte, en unas semanas, esta persona tiene una fiesta de disfraces y este comercial cayó en el momento preciso. No solo decide ir a la tienda a comprarse el disfraz, sino que va porque quiere EL disfraz de Bela Lugosi. Quiere ser como él en su disfraz. No en vano esta tienda eligió poner a este personaje en ese horario. Si él hubiera salido en el comercial de Nike donde Ronaldinho hace piruetas con una pelota de fútbol, el mensaje que se hubiera transmitido hubiera sido completamente distinto, pues, la credibilidad sería otra.

O objeto desta dissertação são os trabalhos de arte produzidos pelo autor entre 2013 e 2015. Partindo dos próprios trabalhos e dos espaços onde foram apresentados, este ensaio busca articular procedimentos e conceitos recorrentes na produção do artista por meio de imagens, descrições, desenhos, anotações, projetos e interpretações que interroguem a ideia de livro como suporte, matéria-prima e lugar. / The object of this Master\'s thesis is the author\'s works of art produced between 2013 and 2015. Departing from the works of art themselves and from the spaces where they were presented, this essay seeks to articulate recurring procedures and concepts in the artist\'s production through images, descriptions, drawings, notes, projects and interpretations that question the idea of the book as a support, raw material and place.

O objeto desta dissertação são os trabalhos de arte produzidos pelo autor entre 2013 e 2015. Partindo dos próprios trabalhos e dos espaços onde foram apresentados, este ensaio busca articular procedimentos e conceitos recorrentes na produção do artista por meio de imagens, descrições, desenhos, anotações, projetos e interpretações que interroguem a ideia de livro como suporte, matéria-prima e lugar. / The object of this Master\'s thesis is the author\'s works of art produced between 2013 and 2015. Departing from the works of art themselves and from the spaces where they were presented, this essay seeks to articulate recurring procedures and concepts in the artist\'s production through images, descriptions, drawings, notes, projects and interpretations that question the idea of the book as a support, raw material and place.

A presente tese investiga as interfaces entre livro de artista e poesia urbana. São explorados limites e recursos da tradução entre as linguagens, evidenciando tanto o que possuem em comum, quanto aquilo que é próprio de cada uma. As experiências poético-editoriais são tomadas enquanto memória e parte do processo criativo da intervenção urbana, atuando como uma extensão crítica das operações realizadas. Mais do que o registro de uma produção particular, as publicações artísticas propõem uma abordagem teórica e prática acerca das linguagens envolvidas. À semelhança de uma cartogra?ia afetiva, o leitor é convidado a percorrer a trajetória do autor em sua vivência individual e coletiva no espaço público, junto aos diversos agentes que atuam na construção da paisagem urbana. / The present thesis investigates the interfaces between artist\'s book and urban poetry. The limits and the resources of translation between the languages are explored, evidencing both what they have in common and what is proper to each one. The artist\'s book is taken as a memory and as a part of urban intervention\'s creative process, acting as a critical extension of the operations performed. More than the recording of a production, the published editorial experiences propose a theoretical and practical approach on the languages involved. Like an affective cartography, the reader is invited to go through the individual and collective trajectory of the author in his relationship with the public space and the various agents that act in the construction of the urban landscape.