Esta pesquisa tem como objetivo organizar uma histÃria do ensino das artes plÃsticas em Fortaleza a partir da experiÃncia de alguns artistas plÃsticos que se tornaram professores. Optamos por um recorte temporal que se inicia em 1944 com a criaÃÃo da Sociedade Cearense de Artes PlÃsticas (SCAP), e termina em 2005 com a formatura dos primeiros artistas plÃsticos graduados numa instituiÃÃo pÃblica de Fortaleza. Nosso objetivo principal foi investigar o significado que os artistas plÃsticos conferiam Ãs suas experiÃncias docentes. Interessava-nos identificar alguns espaÃos de formaÃÃo de artistas plÃsticos em Fortaleza; saber como esses artistas percebiam o ato de ensinar/aprender artes; como lidavam com as expectativas pessoais e familiares sobre a profissÃo artÃstica, sobretudo, como outros saberes de sua prÃxis social e polÃtica se incorporavam à prÃtica docente. Para alcanÃar tais objetivos, trabalhamos a histÃria oral como recurso metodolÃgico, entrevistando dez artistas cujas narrativas sÃo o eixo principal que sustentam nossa organizaÃÃo historiogrÃfica. Estas narrativas nos permitem conhecer como era a cidade no perÃodo estudado, as oportunidades socioculturais que lhes eram acessÃveis e os contextos escolares nos quais os artistas se iniciaram como alunos. O desejo por uma escola de formaÃÃo profissionalizante para artistas plÃsticos em Fortaleza foi acalentado por vÃrias geraÃÃes desde a dÃcada de 1950, e se consolidou no inÃcio dos anos 2000. Nesse Ãnterim, vÃrias tentativas de escola foram alocadas em instituiÃÃes pÃblicas e privadas com a participaÃÃo de artistas mais experientes que discutiam um modelo de ensino de arte. Constatamos que o desafio atual para as escolas de artes plÃsticas à definir rumos para a formaÃÃo do artista, nos quais a profissionalizaÃÃo via educaÃÃo nÃo seja compulsÃria. Para isso à fundamental que o artista plÃstico que deseja ser professor seja orientado para produzir reflexÃes mais consistentes sobre suas experiÃncias estÃticas. Saber articular tais experiÃncias com os gerentes, coordenadores e demais professores da escola formal, talvez seja o maior desafio para o artista que se propÃe a ser professor. / The objective of this paper is to trace the history of the teaching of plastic arts in Fortaleza, taking into account the experience of some plastic artists who became teachers. We have opted for a time span which starts with the creation of the Plastic Arts Society of Cearà (SCAP), and ends in 2005 with the graduation of the first plastic artists from a public institution in Fortaleza. Our main goal was to investigate the meaning the plastic artists conferred to their teaching experience. It was our interest to identify some of the venues for the vocational training of plastic artists in Fortaleza; to learn how these artists perceived the act of teaching/learning arts; how they dealt with family and personal expectations on the artistic career, especially, how other knowledge of his social and political practice have incorporated to the teaching activity. In order to reach such objectives, we made use of oral history as a methodological resource by interviewing ten artists whose narratives are the main axis that support our historiographic organization. These narratives allow us to know how the cities were in the period of study, the social-cultural opportunities to which they had access and the school context when the artists started as students. The eager wish for a career training school for plastic artists in Fortaleza has been suppressed for several generations since the 1950Âs, but it has been carried out in the early 2000Âs. In the meantime, several attempts for a school have been allocated in public and private institutions, with the participation of the most experienced artists who discussed a model for teaching arts. We got to the conclusion that the present challenge for the plastic arts schools is to set goals for the training of an artist, where the career through education is not compulsory. For this, it is essential that the plastic artist who wishes to become a teacher be guided to produce more consistent reflection on his aesthetic experience. Knowing how to articulate with managers, coordinators and other teachers at the formal school, perhaps is the greatest challenge for the artist who proposes to be a teacher

Submitted by Rosivalda Pereira (mrs.pereira@ufma.br) on 2017-05-23T17:16:48Z No. of bitstreams: 1 AlineNascimento.pdf: 2696407 bytes, checksum: 665ba8238aae99a193a05082c01bc8a5 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-05-23T17:16:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 AlineNascimento.pdf: 2696407 bytes, checksum: 665ba8238aae99a193a05082c01bc8a5 (MD5) Previous issue date: 2016-07-27 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / This narrative and autobiographical nature research addresses the formative processes of a theater teacher / artist / researcher and her initiation into the practice of teaching. It describes the steps taken and the experiences accumulated over the life course, from basic education to vocational training, with an emphasis on the teaching practice in a public elementary school education in São Luís (MA). The memory taken up work led to the construction of a retrospective look at the rethinking of education, artistic practice and teaching, inspiring reflections on events, conditions and subjectivities leading up to and at the same time staked out an investigative process developed for the professional master's degree in Education of Arts. From the participant observation of a school theater group - Behind the scenes, the UEB Prof. Sa Valle - involving documentation of rehearsals and registration of images, among others, and a dialogue with the literature, the focus turns narrative to attempt to contribute to the knowledge on the formation of theater teachers, giving emphasis on artistic production and research on creative behavior. / A presente pesquisa narrativa, de natureza autobiográfica, aborda os processos formativos de uma professora/artista/pesquisadora de teatro e sua iniciação ao exercício da docência. Descreve os passos percorridos e as experiências acumuladas ao longo da trajetória de vida, desde a educação básica à formação profissional, dando ênfase à prática docente em uma escola pública de educação fundamental, em São Luís (MA). O trabalho de retomada da memória propiciou a construção de um olhar retrospectivo sobre o repensar da formação, prática artística e docência, suscitando reflexões acerca de ocorrências, circunstâncias e subjetividades que antecederam e ao mesmo tempo demarcaram um processo investigativo desenvolvido durante o mestrado profissional em Ensino de Artes. A partir da observação participante de um grupo do teatro escolar – Por trás do pano, da UEB Prof. Sá Valle – que envolveu a documentação de ensaios e o registro de imagens, entre outros, além do diálogo com a literatura especializada, o foco da narrativa volta-se para a tentativa de contribuir com o conhecimento referente à formação de professores de teatro, dando ênfase a produção artística e pesquisa sobre as condutas criativas.

Made available in DSpace on 2016-03-15T19:44:12Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Denise Araujo Meira.pdf: 4418242 bytes, checksum: eef5fd4bf2aa53d1a001e05a38be7155 (MD5) Previous issue date: 2013-08-26 / Universidade Presbiteriana Mackenzie / Taking into account that researchers who study Franklin Cascaes work and life dissociate the artist from the professor, I have chosen his life trajectory, as an artist and as a professor, the object of analysis. The importance of such choice lies on the fact that his work as an artist/professor is almost unexplored in the academic literature, especially, from the point of view of his lack of traditional formal education. So, the aim was to show that there was a Franklin before and after his own autobiographical narratives, where he portrays himself as an outsider. Thus, the research was carried out through the examination of his academic works, autobiographical fragments, notes on his academic daily life, letters sent to journalists and politicians, interviews, photos, magazines, as well as his drawings, sculptures, and stories. All of these documents have provided hints of who Franklin Joaquim Cascaes was. This thesis departs from the common principle of the Elisian studies about the relationship between the individual and the society (especially in the case of Mozart, which prompted Nobert Elias to observe the possible forms of relationship, while studying the man), in order to understand Franklin Cascaes within the limits and possibilities of his own time. The opposition between the concepts of outsider and established were crucial in the analysis of Franklin s trajectory. These concepts are seen within an approach that embraces him as a deviant artist and professor. Thus, this work is divided into three sections, which one aiming at answering the following working question: how social tensions work on individual trajectories? In the first section, that covers Franklin s trajectory up to 1948, I analyses different factors in the experience of the man that have contributed to the construction of his mission: to keep up the culture of the inhabitants of the Isle of Santa Catarina. In the second section I try to understand the limits and the possibilities for him to carry out his project, taking 10 into consideration the determinants from the environment over his trajectory. Furthermore, I try to understand the strategies used by Franklin to face the rules and the attitudes that were imposed on him in the Escola Industrial as a professor and as an artist in the city of Florianópolis. In the last part I question how it was possible for the Museum Oswaldo Rodrigues Cabral of Archeology and Ethnology to keep up with Franklin s work of art. I also analyses the creation of other places devotes to his memory. In both cases, I have identified the strategies used for the recognition of the importance of Franklin as a catarinense artist. If the condition of established/outsider illuminates the power relations of a social dimension, defined by values, such as recognition, belonging, and exclusion, in the 1970s Franklin Cascaes begins to participate of spaces in the past open only to those who had an academic degree or a privileged social condition, the established. It is in the local political and social context of those years that the açoriana identity turned into a strategy for the invention of a city , which desired to become a tourist site. In 1977, the researcher and paranaense arts critic, Adalice Maria de Araujo, in her thesis Franklin Cascaes, The Myth of an Island: myth and magic , turned the artist in the big wizard of the island of Santa Catarina. Franklin, appearing frequently at the pages newspapers, especially, the O Jornal, the main local paper, and with the help from the students of the Industrial at the town hall and at the Federal University of Santa Catarina (UFSC), was able to secure the keep up of his works by the Museum Oswaldo Rodrigues Cabral. It is in this atmosphere that Franklin goes from the condition of an outsider to the established one, although, in the following years, in different autobiographic narratives, he had never seen himself as such. / Partindo do pressuposto que ao tratar de Franklin Cascaes os pesquisadores que estudam a sua obra e vida, dissociam o artista do professor, foi eleita a trajetória do professor/artista como objeto de análise, sobretudo porque ela possibilitaria uma trajetória praticamente inexplorada nos trabalhos acadêmicos, sobretudo do ponto de vista de um professor/artista que não teve uma formação escolar tradicional. Objetivou-se, assim, mostrar que existe um Franklin anterior e um posterior as narrativas autobiográficas em que o mesmo busca representar-se como um sujeito outsider. Para isso, estudos acadêmicos, fragmentos autobiográficos, escritas do cotidiano escolar, correspondências enviadas a jornalistas e políticos, entrevistas, fotografias, revistas, bem como os desenhos, esculturas e contos por ele produzidos, foram tomados como documentos-monumento fornecendo indícios de quem foi Franklin Joaquim Cascaes. Parte-se do princípio comum aos estudos Elisianos sobre a relação indivíduo/sociedade, em especial o caso de Mozart, em que Norbert Elias estudando um indivíduo, espreita as formas de relações possíveis, buscando compreendê-lo dentro dos limites e das possiblidades do seu tempo. Os conceitos de outsiders e estabelecidos foram fundamentais na análise da trajetória de Franklin, na abordagem que o acolhe como um professor/artista desviante. O trabalho esta dividido em três partes, objetivando responder a seguinte questão: como as tensões sociais se operam em trajetórias individuais. Na primeira parte que compreende a trajetória de Franklin até 1948, analiso as diferentes experiências do personagem procurando identificar alguns fatores que contribuíram para a construção da sua missão: guardar a cultura dos moradores da Ilha de Santa Catarina. No segundo momento, busco compreender os limites e as possibilidades para a realização do seu projeto, levando em consideração as determinações do meio sobre a sua trajetória. Além disso, busco entender as estratégias utilizadas para Franklin fazer frente às normas e condutas que lhe foram impostas no espaço da Escola Industrial como docente e, na cidade de Florianópolis, como artista. Na última parte, problematizo de que forma foi possível a guarda da obra do professor/artista pelo Museu de Arqueologia e Etnologia Oswaldo Rodrigues Cabral. Problematizo, também, a criação de outros lugares de memória. Nos dois casos busco identificar as estratégias utilizadas para reconhecer a sua importância como artista catarinense. Se a condição de estabelecido/outsider ilumina relações de poder de uma dimensão social definida por valores como reconhecimento, pertencimento e exclusão, então, o professor e artista Franklin Cascaes, nos anos 70, passa a partilhar espaços antes só destinados aos portadores de uma formação acadêmica ou de uma condição social privilegiada, os estabelecidos. É no quadro social e político local, daqueles anos, que a identidade açoriana torna-se uma estratégia para a "invenção de uma cidade" que desejava se fazer turística. Em 1977, a pesquisadora e crítica de arte paranaense Adalice Maria de Araujo, na tese "Franklin Cascaes, o Mito Vivo da Ilha: mito e magia na arte catarinense", transforma o artista no grande bruxo da Ilha de Santa Catarina. Franklin, ocupando com frequência as páginas dos jornais, especialmente o Jornal O Estado, principal periódico local e; contando com o apoio dos alunos da "Industrial" na Prefeitura e na UFSC, consegue a guarda da sua obra pelo Museu de Arqueologia e Etnologia Oswaldo Rodrigues Cabral. É neste contexto, que Franklin passa da condição de outsider à de outsider/estabelecido, embora nos anos seguintes, nas diferentes narrativas autobiográficas ele não se perceba como tal.

A dissertação propõe um estudo teórico-prático sobre a importância dos mapas subjetivos realizados por criadores de diversas áreas como dispositivos \"táticos\", capazes de propor conhecimento sobre o espaço para além da visão panóptica e impessoal da cartografia tradicional. Busca-se com a pesquisa, refletir sobre como ações de deriva e errância e seu posterior \"mapa-como-relato\", em diversos formatos, permitem arquitetar um espaço-tempo nômade dentro da cidade, capaz de ressignificar as relações que o indivíduo - tanto o próprio criador quanto o público/leitor/usuário - tem com a urbe. Isto ocorre uma vez que os caminhos percorridos, o \"entre\", é tido como um valor em si, para além dos pontos de chegada, o que cria brechas nos ditames do tempo veloz e funcional, promovendo situações de amabilidade, fruição e reflexão. Tomo como referência os mapas e livros produzidos por Guy Debord e Asger Jorn no contexto Situacionista, os livros Les dormeurs e Suite Vénitienne da artista francesa Sophie Calle, o Guia de terrenos baldios de São Paulo, de Lara Almarcegui e a trilogia I got up, I went e I met do artista conceitual japonês On Kawara. A investigação teórica se dá paralelamente à produção de um experimento prático, a criação do livro Cidade Passo, que traz o conteúdo de quinze entrevistas com moradores de cinco bairros de São Paulo em um projeto gráfico que traz à tona, visualmente, os aspectos conceituais que permeiam a pesquisa. / The dissertation proposes a theoretical-practical study about the importance of subjective maps made by creators of diverse areas as \"tactical\" devices capable of proposing knowledge about space beyond the panoptic and impersonal vision of traditional cartography. It seeks to reflect on how actions of drift and wandering and its subsequent \"map-as-reporting\", in various formats, allow the architecting of a nomadic space-time within the city, able to re-signify the relations that the individual - both the creator himself and the audience / reader / user - have with the city. This occurs because the path is taken as a value in itself, beyond the points of arrival, which creates breaches in the dictates of fast and functional time, promoting situations of kindness, fruition and reflection. I take as a reference the maps and books produced by Guy Debord and Asger Jorn in the Situationist context, the books Les dormeurs e Suite Vénitienne of the French artist Sophie Calle, The Guide of vacant lots of São Paulo (2006), by Lara Almarcegui and the trilogy I got up, I went and I met of the Japanese conceptual artist On Kawara. The research goes hand in hand with the production of a practical experiment, the creation of the book Cidade Passo, which brings the content of fifteen interviews with residents of five districts of São Paulo in a graphic project that brings to the surface visually the conceptual aspects that permeate research.

Made available in DSpace on 2016-04-28T20:38:44Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Daniela de Oliveira Mattos.pdf: 15763375 bytes, checksum: 699aead56c914acdb58ff39ea6e04ef1 (MD5) Previous issue date: 2013-08-23 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / This thesis is as much an academic investigation as it is a work of art. It is constituted by text and image mutual crossings, problematizing the artist s writing as a poetic-performative device that produces itself by means of the contiguities that mediate discourse and visuality (and beyond). Conceived of as a space composed of sucessive rectangles, like those filled with words and velocity in the same way as a book , this work also configures itself as a sort of exhibition space or in-between space, which opens room for activations: from the ones, here analyzed, effectuated by the artist s gestures, to the singular experiences that will be generated by each one of the readers, when in contact with what is presented here. The heterogeneous parts that embody this text establish relations to each other, but don t configure a whole; they are not even submitted to hierarchization or evolutive enchainments of any sort, like the ones occurring in accordance with the traditional organization by chapters. Therefore, the research intends to implement and open relations among certain productions of the art field, both from my authorship and from other s, bringing them close to certain works from literature, poetry and philosophy / Esta tese é tanto uma pesquisa acadêmica quanto uma obra de arte. Constitui-se por atravessamentos entre texto e imagem, problematizando a escrita de artista como um dispositivo poético-performativo que se produz por meio das contiguidades entre enunciados e visualidades (e além). Pensado como um espaço composto por retângulos sucessivos, desses repletos de palavras e velocidades assim como um livro , este trabalho também se configura como uma espécie de espaço expositivo ou espaço entre, que dá lugar a ativações, desde aquelas efetivadas por meio dos gestos de artistas aqui analisados até as experiências singulares que serão geradas por cada um dos leitores, em seu contato com o que aqui se apresenta. As partes heterogêneas que dão corpo a este texto se relacionam mas não configuram um todo; tampouco se submetem a quaisquer hierarquizações ou encadeamentos evolutivos como os que ocorrem segundo a organização tradicional por capítulos. A pesquisa busca, portanto, tornar fecundas as relações entre certas produções do campo da arte, tanto as de minha autoria quanto aquelas de outros autores, aproximando-as de algumas obras da literatura, da poesia, da filosofia

Submitted by Nathalya Silva (nathyjf033@gmail.com) on 2017-06-06T18:06:29Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_ArtePopularReal.pdf: 26568298 bytes, checksum: ed5322c2b383a0694cd726be5267665e (MD5) / Approved for entry into archive by Edisangela Bastos (edisangela@ufpa.br) on 2017-06-09T17:01:19Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_ArtePopularReal.pdf: 26568298 bytes, checksum: ed5322c2b383a0694cd726be5267665e (MD5) / Made available in DSpace on 2017-06-09T17:01:19Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_ArtePopularReal.pdf: 26568298 bytes, checksum: ed5322c2b383a0694cd726be5267665e (MD5) Previous issue date: 2016-07-08 / A arte popular entre o real e o fantástico: o imaginário na xilogravura e no cordel de J. Borges usa uma investigação sobre a Arte Popular através do estudo da arte de J. Borges e os vários olhares voltados a esse tema desde a primeira metade do século XX. A pesquisa sublinha o entendimento e o posicionamento de artistas e estudiosos sobre o papel da arte do povo brasileiro na criação de uma identidade nacional e cultural, assim como o espaço da arte popular no sistema de arte; particularmente os aportes de Mário de Andrade e Lina Bo Bardi e as considerações de Gilbert Durand e Michel Maffesoli sobre o imaginário. Ao longo dessa narrativa é traçado um panorama possível da arte popular e sua evolução (ou evolução do seu estudo e debate) para ambientar e situar o tema historicamente até os dias atuais. Em meio a isso, a pesquisa apresenta o artista pernambucano J. Borges, reconhecido por seus cordéis e suas xilogravuras. O trabalho tenta demonstrar como o artista é influenciado pelas mais diversas questões e transpõe isso para seu trabalho, fazendo dele um relato de experiências cotidianas, sociais e imaginárias. Pesquisa bibliográfica com entrevistas e observações de campo e de vida se encontram para construir este trabalho e formar uma base - entre tantas possíveis - sobre a qual se pode pensar e discutir a arte popular brasileira. / The folk art between reality and fantasy: the imaginary in the woodcut and string literature by J. Borges investigates Folk Art by studying the artwork of J. Borges and several views about this theme since the first half of the twentieth century. This research emphasizes the understanding and positioning of artists and scholars about the role of the art of brazilian people in the creation of a national and cultural identity, as well as the space of folk art in the art system, particularly the contributions of Mário de Andrade and Lina Bo Bardi and considerations of Gilbert Durand and Michel Maffesoli about this universe. Throughout this narrative is set a possible panorama of folk art and its evolution (or evolution of its study and debate) to locate the subject during the ancient history until the present times. Among this, this research presents the artist from Pernambuco J. Borges, recognized for his string literature and woodcut works. This research demonstrates how the artist is influenced by several issues and the way he transposes it to his work, transforming his artworks in a registration of everyday life, social and fantastic experiences. Bibliographic research with interviews, field and life observations build this job and form a basis - among many possibilities - where Brazilian folk art can be discussed.

As publicações de artistas são uma das principais formas de manifestação da arte do século 20: tanto por serem originárias da modernidade artística, quanto por marcarem aspectos próprios da linguagem contemporânea. Como formas operativas potencialmente acolhedoras do trabalho coletivo entre artistas e poetas, materializando um espírito de rede, analisamos algumas publicações de artistas brasileiras dos anos 1970 presentes no acervo do MAC USP. De livros de artistas a revistas literárias, as publicações coletivas são consideradas veículos de comunicação bem como da própria arte. Enquanto produtos do design gráfico, tais edições estabelecem relações entre ler e ver, palavras e imagens, propondo desafios críticos e museológicos. Após apresentar um estudo geral sobre as publicações de artistas, buscamos organizar nossa reflexão em dois grandes grupos, as relações entre Poesia e Visualidade e Poesia e Performatividade, como modos de se apropriar artisticamente dos objetos editáveis e publicáveis. No primeiro caso, ligados a uma tradição construtiva, os poetas e artistas estão interessados na construção visual de suas obras e em seus efeitos, criando uma poesia visual ou uma imagem visual poética. No segundo, aliados sobretudo ao tropicalismo e à poesia marginal, servem-se das publicações para atingir e interagir com o leitor ou o público, através do potencial imagético e performático da palavra e de imagens visuais poeticamente construídas enquanto enunciados discursivos e socialmente identificados na cultura de massa. / The artists publications are one of the main forms of art manifestation in the 20th century: both because they originate on the modernity period of art, and by bringing aspects inherent to the contemporary means of expression. We analyze some editions of Brazilian artists from the 1970s, as operative forms, potentially welcoming to collective work of artists and poets, which materialize a network impulse. They are all part of Museum of Contemporary Art at USP collection. From artistic books to literary journals, collective publications are considered means of communication as well as objects of art per se. As products of graphic design, such editions establish relations between reading and seeing, words and images, setting up some critical and museologic challenges. After introducing with a general study about the artists publications, we aim to organize our reflection in two larger groups: the relations between Poetry and Visuality and the one between Poetry and Performativity, as ways of appropriating artistically some editable and publishable materials. In the former, connected to a constructive tradition, poets and artists are interested in visual construction of their works and their effects, creating some kind of visual poetry or a visual poetic image. In the latter, aligned mostly to Tropicalism and marginal poetry, the artists use the publications to reach out and interact with a certain public or reader, through the imagetic and performatic potential of the words and poetically visual images constructed as discursive utterances that are socially identified in mass culture.

A presente tese aborda os graus de interatividade presentes na experiência com e na obra de arte. O ato de experienciar na obra de arte nos mostra que qualquer experiência se constitui por relações intensivas entre corpos e meios em processos de interatividade. Constata-se que há diferentes graus de interatividade na experiência, sendo: misturas, atrações, incorporações e percepções. As misturas são as afecções voluntárias e involuntárias entre corpos em meios associados. A compreensão sobre as misturas dos corpos está relacionada às diferentes concepções filosóficas sobre imanência. As atrações falam de uma arte animal que nos ensina a potência do meio e os afectos dos corpos. O corpo que se menciona, aqui, não se restringe ao humano, mas também ao não humano – animal, tecnológico, imaterial – formado de velocidades e lentidões da matéria-tomando-forma. Tais corpos incorporam a vida via tecnologias dos fazeres e suas tecnicidades que não dissociam natural e artificial, analógico e digital, matéria e forma. As (im)percepções produzem paisagens efêmeras no sistema metaestável obra-humano-meio. As paisagens oscilam entre panoramas, presos a ilusionismos e representações miméticas; e simulacros que se formam no encontro das dessemelhanças e produzem realidades inventadas. Tais idéias são fundamentadas nas filosofias de Benetithus Espinosa, Gilbert Simondon e Gilles Deleuze. Ainda, são levadas para o campo da Arte Interativa, uma vez que estas obras se efetuam e se modificam ao longo da experiência artista/espectador/obra/meio. Deste modo, entende-se que os processos de interatividade direcionam-se para uma Ética da potência de agir dos corpos, ou seja, o quanto pode um corpo na experiência a partir das dinâmicas dos graus de interatividade na obra de arte. Tal investigação resulta na produção teórica da tese e na produção da videoinstalação “CorposAssociados” e da série de fotografias “Incorporações”. / This thesis addresses the degrees of interactivity produced with and within an artwork. The act of experiencing an artwork shows that any experience is made up of relations of intensity within processes of interactivity between bodies and milieus. It is maintained that there are various degrees of interactivity in experience: mixtures, attractions, incorporations, embodiments and perceptions. Mixtures are the voluntary and involuntary affects between bodies in associated milieus. The understanding of mixtures of bodies is related to various philosophical conceptions of immanence. Attractions speak of an animal art that shows us the potential of the milieu and the affects of bodies. The body referred to includes not only the human but non-human others as well—animal, technological, immaterial—formed by the speed or slowness of matter-taking-form. Such bodies embody life through technics and technicities which do not dissociate the natural and the artificial, the analog and the digital, matter and form. The (mis)perceptions produces an ephemeral landscapeness within the metastable system constituted by the artwork-human-milieu. The landscapes oscillate between panoramas—prisoners of illusion and mimetic representations—and simulacra which are formed in the encounter of dissimilarities which produce invented realities. These ideas are based on the philosophical writings of Baruch Spinoza, Gilbert Simondon and Gilles Deleuze and are applied to the field of interactive art in order to understand that artworks are created and modified through the artist/spectator/artwork/milieu experience. Thus, interactive processes are driven by an Ethics of the potential of bodies to act, which is to say, by what a body can do in its intensity in the dynamics of degrees of interactivity in the experience of the artwork. The research has resulted in this theory-based thesis, the production of a video installation entitled “CorposAssociados” and the series of photographs “Incorporações”.

Esta pesquisa analisa os modos de existência dos escritos de artistas no processo de documentação e circulação da obra de arte efêmera, bem como as práticas de arquivamento realizada pelos próprios artistas. Afinal, ao documentarem suas experiências efêmeras através da escrita e da fotografia, estariam eles contribuindo de que modo para a historiografia da arte? Durante o desenvolvimento dessa questão, serão realizados estudos de caso sobre as obras "Parangolés" e "Con glomerado", de Hélio Oiticica, e a Série "Documento Areal", realizada pelos artistas André Severo, Maria Helena Bernardes, Elaine Tedesco, Hélio Fervenza, Karin Lambrecht e Marcelo Coutinho. / This research explores the modes of existence of artists' writings in the documentation and dissemination process of the ephemeral artwork, as well as the practice of filing done by the artists. After all, in documenting their ephemeral experiences through writing and photography, they would be contributing in that way to the historiography of art? During the development of this issue, case studies will be conducted on the artworks "Parangoles" and "Conglomerado" by Helio Oiticica, and "Documento Areal" Series, performed by artists Andre Severo, Maria Helena Bernardes, Elaine Tedesco, Helio Fervenza, Lambrecht and Marcelo Coutinho.

Este estudo visa verificar o intervalo formativo entre o comparecimento e a ausência das estratégias de narração nos livros de artista de edição e se e como a narrativa visual é capaz de determinar sua bibliogênese. / This research, As existências da narrativa no livro de artista (“The existences of narrative in the artist’s book”), aims to verify the formative spectrum from attendance to nonappearance of narration strategies into the published artist’s books and if and how the visual narrative is able to determine its bibliogony.