Cette recherche vise à explorer les apports du design thinking dans sa capacité à catalyser la création de nouvelles connaissances organisationnelles pour le secteur des musées. Sont ainsi abordées et décrites les dynamiques sociales perceptibles au travers du processus collaboratif de conception mené dans les cellules d'innovation de PRISME afin de révéler la contribution des activités de design dans l'organisation et création de nouvelles connaissances. PRISME, le laboratoire d'innovation en médiation numérique du Musée des beaux-arts de Montréal voit le jour en 2019 avec le soutien du Plan Culturel Numérique du Québec. Sa mission consiste en la création de nouvelles connaissances en médiation muséale avec le numérique afin de stimuler l'innovation dans ce secteur. Pour atteindre ses objectifs, PRISME conduit une série d'activités diverses, parmi lesquelles on compte la création de projets d'innovation numérique menés par des équipes de travail multidisciplinaires, aussi appelées cellules d'innovation. Ces cellules d'innovation mobilisent des acteurs de l'écosystème bâti par le laboratoire, qui compte plus de 300 collaborateurs issus, dans leur majorité, du milieu muséal, du milieu de l'entrepreneuriat technologique et du milieu de la recherche. Au travers de ses deux premières années d'existence, le laboratoire a développé un processus caractéristique de gestion de projets en innovation numérique en s'inspirant de l'approche méthodologique dite design thinking. Ce processus est décrit et analysé dans ce mémoire. La recherche présente dans ce mémoire décrit et analyse cette approche, à travers une étude de cas menée au sein de deux cellules d'innovation du laboratoire PRISME. L'étude de cas repose sur de l'observation participante, de l'observation non participante réalisée lors d'un stage de recherche MITACS d'une durée de 06 mois, complétée par 7 entrevues semi-dirigées. / This research aims to explore the contributions of design thinking in its ability to catalyze creation of new organizational knowledge for the museum sector. The social dynamics perceptible through the collaborative design process carried out in the PRISME innovation cells are addressed and described in order to reveal the contribution of design activities in the creation of new knowledge within it. PRISME, the digital mediation innovation laboratory of the Montreal Museum of Fine Arts was created in 2019 with the support of the Plan Culturel Numérique du Québec. Its mission is to create new knowledge regarding practices of museum mediation with digital technologies in order to stimulate innovation in this sector. To achieve its objectives, PRISME conducts cultiple activities, including the creation of digital innovation projects led by multidisciplinary teams, also known at its innovation cells. These innovation cells mobilize stakeholders from an ecosystem built by the laboratory which has more than 300 potential contributors, the majority of whom come from museums, technological entrepreneurship and as well as from the research community. Throughout its first two years of existence, the laboratory has developed a unique approach for the managing digital innovation projects, drawing inspiration from the methodological approach known as design thinking. The process applied by PRISME is described and analyzed in this research through a case study carried out within two innovation cells. The case study is based on participant observation, non-participant observation carried out during a 06-month MITACS research internship, supplemented by 7 semi-structured interviews.

L’art public se présente sous divers modes d’expression artistique dans l’espace public. Qu’il soit permanent, temporaire ou éphémère, qu’il soit singulier, interactif ou participatif, qu’il soit traditionnel ou numérique, l’œuvre intégrée ou insérée dans ce contexte tente d’interpeller le public. Cette recherche examine l’évolution des modes d’expression artistique dans l’espace public, dans l’espoir de trouver une définition de l’art public. L’étude de cas de la Ville de Montréal est la base de cette recherche pour examiner les nombreuses manifestations de l’art dans l’espace public et ses périmètres. Dans une perspective conceptuelle et transdisciplinaire, sous lesquels nous considérons les approches artistiques, paysagères et politiques dans l’analyse du sujet, nous nous intéressons aux frontières des modes d’expression artistique et les moyens de les représenter. En somme, nous souhaitons saisir ce que l’on considère comme l’art public dans l’aménagement urbain montréalais et générer des connaissances plus générales. Notre revue de littérature et les observations faites sur le terrain révèlent de nouveaux enjeux qui influencent les pratiques artistiques et la perception que peut susciter une œuvre d’art public aujourd’hui. Nous examinons les facteurs qui les influencent à ce jour. En étudiant la question, nous constatons que la tâche de définir ce qui constitue l'art public est difficile, d'autant plus que les pratiques évoluent constamment. Souvent définie comme une fonction plus cosmétique qu’artistique et dans une logique d'équipement, l'art dans l'espace public joue un rôle passif et fait l'objet de débats et de critiques. Pour le public, l'art public est difficile à discerner bien que sa présence semble être appréciée. Nos résultats mettent en lumière la complexité des processus politiques, les attentes spécifiques, les règles et modalités oppressantes pour l'artiste, la difficulté à saisir les œuvres d'art et le manque de médiatisation pour sensibiliser le public. Avec la politique d'intégration, l’art dans les espaces publics résulte souvent d'une médiation conflictuelle dans un rapport de compromis et d’attentes contrastées afin que soit réalisée une œuvre. Les résultats permettent de penser que les processus de sélection sont souvent pervers et fermés aux initiatives artistiques. En outre, il serait nécessaire dans ce contexte que les artistes définissent mieux leur statut professionnel et leur pratique. Malgré des efforts du Bureau d'art public de Montréal, l'art public semble peu perçu sur son territoire. Par ailleurs, les nombreuses discussions avec le grand public portent à l'attention l'absence de médiatisation pour les arts publics sur le territoire de Montréal. / Public art comes in various modes of artistic expression in the public space. In this context, whether it is permanent, temporary or ephemeral, if it is singular, interactive or participatory, whether traditional or digital, the integrated or inserted artwork attempts to engage the public. This research examines the evolution of artistic expression modes in the public space, hoping to find a definition of public art. The case study of Montreal City sits at the base of this study to examine the various manifestations of art in the public space and its perimeter. In a conceptual and transdisciplinary approach under which we consider the artistic, political and the landscape boundaries of artistic expression modes and the means to represent them, in order to understand the significance of public art. In short, we wish to seize what is considered public art in the Montreal urban development and generate a more global knowledge. In studying the issue, we find that the task of defining what constitutes public art is difficult, especially since practices are constantly evolving. Often defined to a function more cosmetic than artistic and in a logic of equipment, art in public space plays a passive role and is the subject of debates and criticism. As for the public, public art is hard to discern although its presence seems to be appreciated. Our results highlight the complex political processes, specific expectations, rules, and oppressive methods for the artist, the difficulty in understanding the works of art and the lack of effort to touch the public. With the politics of integration, art in public spaces often result from a mediation conflict in a relation of compromise and contrasted expectations for a piece of art to be achieved. The results allow to think that the selection processes are often perverse and often closed to artistic initiatives. In addition, it is necessary in this context that artists define their professional status and practice. Despite the efforts of the Bureau d’Art Public de Montréal, public art seems to be little perceived on its territory. Incidentally, many discussions with the general public brought to the attention the absence of mediatisation for the public arts on Montreal’s territory.

Ce mémoire propose une étude de la thématique hivernale dans les tableaux réalisés par Maurice Cullen (1864-1936) entre 1896 et 1914. Elle s’appuie sur une analyse des contextes politiques et culturels. Pour représenter les paysages enneigés canadiens, Cullen adapte quelques techniques modernes issues de l’impressionnisme, acquises lors de son premier séjour en Europe. Malgré cette influence artistique étrangère présente par l’emploi d’une palette de couleurs vives et de la touche divisée, le respect de la perspective et de la tridimensionnalité témoignent du maintien de certains principes académiques. L’usage de procédés impressionnistes permet à cet artiste de mettre en évidence les caractéristiques atmosphériques et lumineuses de son pays. Par l’application de ces procédés sur la représentation de la neige, Cullen participe ainsi à un travail de redécouverte et de valorisation du territoire. En effet, il privilégie plutôt l’expérience sensitive du territoire que le choix de la thématique des œuvres. L’ensemble des données visuelles et sensitives contenues dans ses œuvres a pour objectif de faire prendre conscience au spectateur de sa difficulté à se repérer au sein de son propre territoire et à accepter les rudes conditions climatiques inhérentes au Canada. Ce travail demeure impartial face au conflit identitaire opposant les francophones et les anglophones, bien qu’il intervienne dans les prémices de la mise en place d’une esthétique canadienne. Ce mémoire défend l’idée que Cullen renouvelle l’imagerie hivernale et s’inscrit dans les débuts du processus de création d’une iconographie nationale. Avec ses pairs, il s’engage à valoriser l’art local, et il ouvre une réflexion sur la représentation du territoire canadien, qui sera poursuivie par la génération suivante avec le Groupe des Sept. / This thesis proposes a study of the winter theme in paintings by Maurice Cullen (1864-1936) between 1896 and 1914. It is based on an analysis of political and cultural contexts. To represent the snowy Canadian landscape, Cullen adapts some techniques from modern impressionism, acquired during his first stay in Europe. Despite this foreign artistic influence thanks to his use of a bright color palette and divisional brush strokes, the perspective and the three dimensions reflect his academic principles. The use of impressionist processes allows Cullen to highlight the features and atmospheric light of his country. By applying these processes on the snow, Cullen creates a work of rediscovery and praises the territory. Indeed, this artist’s main focus is the experience one has in the distinct and sensitive environment that is unique to his territory rather than the choice of thematic canvases. All sensory and visual data contained in his works aim to make the viewer aware of the difficulty to locate within its own territory and to accept the harsh conditions inherent in Canada. His work remains impartial to the conflict of identity between Francophones and Anglophones, although it occurs within the premises of the establishment of a Canadian aesthetic. This thesis argues that Cullen renews winter imagery and the early part of the process of creating a national iconography. With his peers, he is committed to enhancing the local and he opens a debate on the representation of Canadian territory, which will be continued by the next generation with the “ Groupe des Sept”.

L’étude proposée dans ce mémoire porte sur le processus de visite des adolescents de 14-16 ans au Musée des beaux-arts de Montréal. Je mobilise principalement les concepts de « médiateurs » et « médiations », entendus selon la définition proposée par Hennion (1988, 2000). En effet, Hennion propose de voir la médiation non comme un pont entre deux entités, vision commune de la médiation, mais comme un processus en construction. Ainsi, le médiateur est un élément qui va capter l’attention du jeune visiteur et la médiation est l’action qui va se développer dans cette relation médiateur-visiteur. L’analyse vise plus particulièrement à identifier les médiateurs qui agissent durant cette visite et à comprendre les médiations qui se mettent en place. Cette étude a été réalisée au moyen d’entrevues semi-structurées et d’observations participantes, auprès de six adolescents, âgés de 14 à 16 ans. Une première entrevue permettait de connaître les antécédents de ces jeunes à l’égard des musées et de comprendre suite à quelles mises en condition ils se rendaient à l’exposition. Une observation, par groupe de deux participants, a ensuite été menée lors de l’exposition du Musée des beaux-arts de Montréal : Il était une fois l’impressionnisme. Une histoire de l’impressionnisme : chefs-d’œuvre de la peinture française du Clark. Ces observations ont permis de repérer les moments qui ont capté l’attention des participants durant leur visite. Enfin, une seconde entrevue a été l’occasion de revenir sur leur expérience de visite et de dégager les médiations qui se sont mises en place. Sur les bases de ce terrain, ce mémoire met en avant un ensemble de médiateurs (les autres visiteurs, l’environnement physique, l’œuvre et le récit) et de médiations (rêver, comprendre, se projeter, admirer, comparer et refuser) qui se sont développées chez ces adolescents. Suite à cela, ce mémoire propose une explication du processus de visite tel qu’analysé chez ces adolescents à travers la représentation de la « spirale coquillage ». Cette représentation souligne le fait que le processus de visite n’est pas un phénomène linéaire mais se fait par la confrontation des antécédents de l’adolescent avec sa nouvelle expérience de visite. Il s’agit donc d’un processus circulaire qui se base sur ses antécédents pour construire progressivement de nouvelles strates, qui conditionneront ses prochaines expériences au musée. / The study presented in this thesis focuses on the visiting process of teenagers from 14 to 16 years old at the Montreal Museum of Fine Arts. I am principally drawing on concepts of “mediators” and “mediations”, following the definition given by Hennion (1988, 2000). Indeed, Hennion suggests that mediation should not be seen as a bridge between two entities, which is the common vision of mediation, but rather as a process under construction. Thus, the mediator is an element that will capture the young visitor's attention and mediation is the action that will develop in this mediator-visitor relationship. The analysis more specifically aims to identify the mediators acting during this visit and to understand the mediations that get constituted. This study was conducted with six teenagers between 14 and 16 years old. A first interview enabled me to become acquainted with the background of the young visitors regarding museums, and to understand in which conditions they were going to the exhibit. An observation, done in binomial groups, was then carried out during Once upon a time Impressionism. A story of impressionism: great French paintings from the Clark, the exhibit held at the Montreal Museum of Fine Arts. These observations allowed me to spot the moments that attracted the teenagers' attention during the visit. Finally, a second interview gave the opportunity to go over their visiting experience and to bring out the mediations that occurred. On the basis of this fieldwork, this thesis foregrounds a set of mediators (the other visitors, the environment, the works and stories) and mediations (dreaming, understanding, planning, admiring, comparing and refusing) that teenagers have developed. Following this, the thesis offers an explanation of the visiting process as analyzed with these teenagers through the representation of the “shell spiral''. This representation emphasizes the fact that the visiting process is not a linear phenomenon, but is created through the confrontation of the teenager's background with his new visiting experience. It is thus a circular process that relies on the teenager's background to progressively build new strata that will condition his future museum experiences.

Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Cette thèse propose une étude de l’œuvre intégrale de Jacques-Antoine de Révéroni Saint-Cyr (1767-1829), ingénieur militaire et écrivain, au sein de la production littéraire de l’époque révolutionnaire et impériale, à la croisée de la littérature, de l’histoire des sciences et de la musique. Étude historique, thématique et herméneutique, cette lecture critique analyse un imaginaire au tournant des Lumières qui comprend des mémoires sur l’art militaire, sur les beaux-arts et sur l’équilibre européen, des textes scéniques (opéras-comiques et comédies) et des romans. Cette diversité générique témoigne d’un complexus imaginaire partagé entre cœur et raison, mécanique et sensibilité, sérénité et inquiétude, qui inscrit le corpus révéronien dans un paradigme charnière entre l’héritage rationaliste de la philosophie des Lumières et une esthétique à coloration romantique. / This thesis studies the integral work of Jacques-Antoine de Révéroni Saint-Cyr (1767-1829), a military engineer and writer, at the breast of literary production of the French Revolution and Empire, encompassing literature, history of sciences and music. Historical, thematic and hermeneutical, this critical study analyses Reveroni’s imagery at the turning point of the age of enlightenment which includes essays about military art, fine arts and European equilibrium, theatrical production (comic operas and comedies) and novels. This variety of genres constructs an “imagery complexus” divided between heart and reason, mechanic and sensibility, serenity and anxiety, linked to a key paradigma between the rationalist heritage of the philosophy of enlightenment and an aesthetic coloured with romanticism.

C’est un étude entre le poème et la toile, un jeu de rapport mental où l’artiste Roberto Matta Echaurren s’invente à soi même. Il était l’artiste qui a beaucoup influencé la dernière phase du surréalisme post-guerre. Il était aussi un peintre, un penseur, un activiste et poète de lumière unique. Très tôt, formé en architectura, abandonne son pays natal (Chili) en 1936. À Paris, après travailler avec Le Corbusier, il s’intègre aux surréalistes, au groupe de Breton. D’abord, cet étude propose situer les bases de ce mouvement, par la vie et oeuvre de cet artiste, en analysant la phase de l’exil du surréalisme en les Amériques. Les impacts qui sont provoqués Ernst, Tanguy, Masson, Dalí, Mirò et Lam, par exemple, furent de la majeur importance en touchant beaucoups des jeunes artistes. Dans le cas de Matta, son influence sera fortement marquée sur la génération qui comprendra plus tard The School of New York, parmi eux, Pollock, Mothewell et Gorky. Voilà la poétique de Matta, son art espacial, leur dynamique du voir et les idées du verbe. Avec lui, on aurait plusiers explosions nucléaire sur leurs toiles, après les cubistes, fauvistes et post-impressionistes. Matta apparaît comme une explosion volcanique en créeant des nouvelles structures multidimensionnelles. Donc, cet’étude marque les différentes phases de la production de l’artiste jusqu’à sa mort en 2002. Quelques oeuvres plus importantes, chargées de titres poétiques, nous laissent traces profondes dans l’histoire de l’art contemporain. / Este é um estudo entre o poema e a tela pintada, um jogo de relações mentais, onde o artista Roberto Matta Echaurren se inventa a si próprio. Artista que muito influenciou a ultima fase do surrealismo pós-guerra. Foi um pintor, um pensador, ativista e poeta de luz própria. Bem cedo se forma em arquitetura, deixa seu país natal (Chile) em 1936. Em Paris, depois de trabalhar com Le Corbusier, se integra aos surrealistas, ao grupo de Breton. Este presente estudo se propõe situar às bases do surrealismo, através e da vida e obra deste artista, analisar a trajetória do exílio deste movimento nas Américas. O impacto que alguns surrealistas vão ter, como Ernst, Tanguy, Dalí, Masson, Miró e Lam, estes influenciarão muitos jovens artistas do continente. O caso de Matta exercerá forte influencia sobre a geração que virá mais tarde: The School of New York, entre eles, Pollock, Motherwell e Gorky. A poética de Matta se consolida a partir da arte espacial à dinâmica do ver e as idéias do verbo. Assim, através deles, haverá novas explosões nucleares em suas telas, precedida pelos cubistas, fauvistas e pós-impressionistas. Matta surge como a explosão vulcânica, criando novas estruturas multidimensionais. Este estudo marca as diferentes fases da produção do artista até sua morte em 2002. Algumas de suas obras mais importantes carregam títulos poéticos, deixando assim, pistas profundas na história da arte contemporânea.

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L'historiographie a étudié l'ancienne forteresse de Luxembourg, son démantèlement, l'urbanisation des anciens domaines militaires et la construction de la ville suivant les points de vue de l'ingénieur, de l'amateur d'histoire militaire, ou encore de l'historien d'art. La particularité de cette thèse consiste à étudier, à partir des comportements types des promoteurs (Gouvernement, commune, communautés religieuses, société civile) le pourquoi et le comment des choix opérés sur le plan de l'urbanisation, de la construction et de l'architecture historiciste de la ville au cours de la période 1859 (arrivée du chemin de fer) à 1920 (fusion avec les communes périphériques). Sources écrites, sources monumentales et photographiques se sont complétées pour délivrer les valeurs sociologiques, économiques et philosophiques qui ont guidé les « bâtisseurs » de cette ville, appelée à s'inventer une nouvelle identité suite au départ de la garnison prussienne au lendemain du Traité de Londres de 1867. Depuis 963, la ville de Luxembourg occupe un site accidenté, au centre de deux cultures différentes, latine et germanique. Sa situation stratégique et militaire, est constamment convoitée par la politique de ces trois voisins. Tout en étant la capitale d'un Etat indépendant depuis 1839, elle fait partie de l'espace économique allemand avec lequel le Grand-Duché a signé les accords douaniers. Alors qu'en 1867/68 les projets de création d'une université catholique échouent, que la topographie du site ne permet pas de raccordement direct au réseau ferroviaire, les autorités nationales devenues propriétaires des anciens domaines militaires, décident de convertir la ville en marché national et international, en la reliant par de larges percées aux marchés que présentent ses pays voisins. L'urbanisation épouse les cycles économiques, lâchant tour à tour les terrains au moment où le marché est prêt. En s'adjoignant Edouard André comme expert, l'Etat, s'inspire des expériences des capitales étrangères, notamment de Paris. Le Gouvernement est l'agent immobilier exclusif, maîtrisant, à ses propres fins, les pouvoirs législatif et exécutif. Les travaux d'urbanisme, faisant usage des nouvelles technologies, créent un paysage tout à fait artificiel répondant aux exigences d'hygiène. Les embellissements et services culturels et de loisirs implantés dans les nouveaux lotissements sont destinés à attirer une clientèle qui devait sa prospérité aux sociétés anonymes nouvellement créées. La taxe d'octroi servira jusqu'au terme de l'urbanisation des anciens domaines militaires, à bannir l'industrie du centre destiné à accueillir les services nobles et à rendement économique élevé. Celle-ci tout comme les communautés religieuses fuyant le « Kulturkampf » ou profitant de la proximité de la gare s'établissent en périphérie, qui de plus en plus attire à son tour les milieux populaires. Cette ségrégation sociale se reflète également au niveau de l'architecture. L'Etat arrête les valeurs qui définissent le citoyen: être instruit, appliqué et mobile. Celui qui les affiche sur ses façades ou sa tombe, fait partie des couches sociales bourgeoises qui détiennent le pouvoir. La monarchie protège l'Etat qui garantit le cadre légal à la prospérité. Il détient sa légitimité d'une présumée indépendance vécue au Moyen Age et retrouvée après le départ de la garnison prussienne. Le programme architectural de la révolution industrielle consomme des superficies élevées à organiser de façon rationnelle. Les études d'architecture exclusivement faits à l'étranger, les voyages d'études et la presse spécialisée permettent aux architectes de répondre aux nouveaux besoins. Vu l'ouverture sur les deux mondes culturels, l'architecture à Luxembourg revêtait un caractère résolument international. La recherche d'une fonctionnalité optimale et d'un prix minimal de construction ouvre la porte aux nouveaux matériaux. Le clivage entre l'architecture traditionnelle, axée sur l'esthétisme et l'artisanat, et une architecture moderne, fixée sur le rendement, la fonction et la technique est parfait.En conciliant ces vues, l'historicisme s'est voulu le fondement de l'architecture moderne. Le décor historisant, ni ne visualisant de façon satisfaisante, ni ne servant la fonction, devient progressivement superflu. L'égalité des citoyens prônée par la société post-révolutionnaire entraîne une rivalité entre les couches sociales et les mondes philosophiques. Le siège d'une société commerciale ou l'hôtel particulier rivalise avec le palais grand-ducal ou l'hôtel des Postes, le pensionnat religieux ou le projet d'une cathédrale. La nécropole du XIXe siècle, par ses monuments, devient le reflet de cette société.

Ce mémoire propose une étude de la thématique hivernale dans les tableaux réalisés par Maurice Cullen (1864-1936) entre 1896 et 1914. Elle s’appuie sur une analyse des contextes politiques et culturels. Pour représenter les paysages enneigés canadiens, Cullen adapte quelques techniques modernes issues de l’impressionnisme, acquises lors de son premier séjour en Europe. Malgré cette influence artistique étrangère présente par l’emploi d’une palette de couleurs vives et de la touche divisée, le respect de la perspective et de la tridimensionnalité témoignent du maintien de certains principes académiques. L’usage de procédés impressionnistes permet à cet artiste de mettre en évidence les caractéristiques atmosphériques et lumineuses de son pays. Par l’application de ces procédés sur la représentation de la neige, Cullen participe ainsi à un travail de redécouverte et de valorisation du territoire. En effet, il privilégie plutôt l’expérience sensitive du territoire que le choix de la thématique des œuvres. L’ensemble des données visuelles et sensitives contenues dans ses œuvres a pour objectif de faire prendre conscience au spectateur de sa difficulté à se repérer au sein de son propre territoire et à accepter les rudes conditions climatiques inhérentes au Canada. Ce travail demeure impartial face au conflit identitaire opposant les francophones et les anglophones, bien qu’il intervienne dans les prémices de la mise en place d’une esthétique canadienne. Ce mémoire défend l’idée que Cullen renouvelle l’imagerie hivernale et s’inscrit dans les débuts du processus de création d’une iconographie nationale. Avec ses pairs, il s’engage à valoriser l’art local, et il ouvre une réflexion sur la représentation du territoire canadien, qui sera poursuivie par la génération suivante avec le Groupe des Sept. / This thesis proposes a study of the winter theme in paintings by Maurice Cullen (1864-1936) between 1896 and 1914. It is based on an analysis of political and cultural contexts. To represent the snowy Canadian landscape, Cullen adapts some techniques from modern impressionism, acquired during his first stay in Europe. Despite this foreign artistic influence thanks to his use of a bright color palette and divisional brush strokes, the perspective and the three dimensions reflect his academic principles. The use of impressionist processes allows Cullen to highlight the features and atmospheric light of his country. By applying these processes on the snow, Cullen creates a work of rediscovery and praises the territory. Indeed, this artist’s main focus is the experience one has in the distinct and sensitive environment that is unique to his territory rather than the choice of thematic canvases. All sensory and visual data contained in his works aim to make the viewer aware of the difficulty to locate within its own territory and to accept the harsh conditions inherent in Canada. His work remains impartial to the conflict of identity between Francophones and Anglophones, although it occurs within the premises of the establishment of a Canadian aesthetic. This thesis argues that Cullen renews winter imagery and the early part of the process of creating a national iconography. With his peers, he is committed to enhancing the local and he opens a debate on the representation of Canadian territory, which will be continued by the next generation with the “ Groupe des Sept”.