L’étude proposée dans ce mémoire porte sur le processus de visite des adolescents de 14-16 ans au Musée des beaux-arts de Montréal. Je mobilise principalement les concepts de « médiateurs » et « médiations », entendus selon la définition proposée par Hennion (1988, 2000). En effet, Hennion propose de voir la médiation non comme un pont entre deux entités, vision commune de la médiation, mais comme un processus en construction. Ainsi, le médiateur est un élément qui va capter l’attention du jeune visiteur et la médiation est l’action qui va se développer dans cette relation médiateur-visiteur. L’analyse vise plus particulièrement à identifier les médiateurs qui agissent durant cette visite et à comprendre les médiations qui se mettent en place. Cette étude a été réalisée au moyen d’entrevues semi-structurées et d’observations participantes, auprès de six adolescents, âgés de 14 à 16 ans. Une première entrevue permettait de connaître les antécédents de ces jeunes à l’égard des musées et de comprendre suite à quelles mises en condition ils se rendaient à l’exposition. Une observation, par groupe de deux participants, a ensuite été menée lors de l’exposition du Musée des beaux-arts de Montréal : Il était une fois l’impressionnisme. Une histoire de l’impressionnisme : chefs-d’œuvre de la peinture française du Clark. Ces observations ont permis de repérer les moments qui ont capté l’attention des participants durant leur visite. Enfin, une seconde entrevue a été l’occasion de revenir sur leur expérience de visite et de dégager les médiations qui se sont mises en place. Sur les bases de ce terrain, ce mémoire met en avant un ensemble de médiateurs (les autres visiteurs, l’environnement physique, l’œuvre et le récit) et de médiations (rêver, comprendre, se projeter, admirer, comparer et refuser) qui se sont développées chez ces adolescents. Suite à cela, ce mémoire propose une explication du processus de visite tel qu’analysé chez ces adolescents à travers la représentation de la « spirale coquillage ». Cette représentation souligne le fait que le processus de visite n’est pas un phénomène linéaire mais se fait par la confrontation des antécédents de l’adolescent avec sa nouvelle expérience de visite. Il s’agit donc d’un processus circulaire qui se base sur ses antécédents pour construire progressivement de nouvelles strates, qui conditionneront ses prochaines expériences au musée. / The study presented in this thesis focuses on the visiting process of teenagers from 14 to 16 years old at the Montreal Museum of Fine Arts. I am principally drawing on concepts of “mediators” and “mediations”, following the definition given by Hennion (1988, 2000). Indeed, Hennion suggests that mediation should not be seen as a bridge between two entities, which is the common vision of mediation, but rather as a process under construction. Thus, the mediator is an element that will capture the young visitor's attention and mediation is the action that will develop in this mediator-visitor relationship. The analysis more specifically aims to identify the mediators acting during this visit and to understand the mediations that get constituted. This study was conducted with six teenagers between 14 and 16 years old. A first interview enabled me to become acquainted with the background of the young visitors regarding museums, and to understand in which conditions they were going to the exhibit. An observation, done in binomial groups, was then carried out during Once upon a time Impressionism. A story of impressionism: great French paintings from the Clark, the exhibit held at the Montreal Museum of Fine Arts. These observations allowed me to spot the moments that attracted the teenagers' attention during the visit. Finally, a second interview gave the opportunity to go over their visiting experience and to bring out the mediations that occurred. On the basis of this fieldwork, this thesis foregrounds a set of mediators (the other visitors, the environment, the works and stories) and mediations (dreaming, understanding, planning, admiring, comparing and refusing) that teenagers have developed. Following this, the thesis offers an explanation of the visiting process as analyzed with these teenagers through the representation of the “shell spiral''. This representation emphasizes the fact that the visiting process is not a linear phenomenon, but is created through the confrontation of the teenager's background with his new visiting experience. It is thus a circular process that relies on the teenager's background to progressively build new strata that will condition his future museum experiences.

Ce travail de recherche en muséologie porte sur la place de la mythologie gréco-romaine dans les musées des beaux-arts de la région des Hauts-de-France en proposant une analyse critique et pose la question de ses liens possibles avec les cultures de l’imaginaire. En effet, alors que la mythologie gréco-latine et sa réception auprès d’un vaste public n’ont jamais été autant présentes qu’aujourd’hui par le biais de divers médias (littérature, cinéma, bandes dessinées, jeux-vidéo), et que les œuvres inspirées des mythes sont aussi légions dans les musées, du vase grec à l’art contemporain, les liens entre ces deux « mondes » sont quasi inexistants comme le prouve notre analyse menée dans dix-huit musées de la région des Hauts-de-France. Malgré leur indéniable potentiel, les œuvres mythologiques sont souvent noyées dans les collections, peu valorisées et peu connues du grand public. Comment rendre plus accessibles des œuvres inspirées par une longue et riche tradition littéraire et artistique alors que les pratiques culturelles témoignent encore souvent d’un certain élitisme dans la fréquentation des musées de type beaux-arts ? Les objectifs de notre recherche sont de trouver, par des outils de médiation adaptés, des solutions pour rendre accessible au plus grand nombre la richesse iconographique de ces épisodes de l’Antiquité classique.Un terrain d’entente est-il possible afin de faire dialoguer beaux-arts et cultures actuelles de l’imaginaire, par le prisme de la mythologie ? Par le biais d’une analyse muséologique précise et d’un sondage ayant réuni plus de sept cent réponses, nous proposons un programme de médiation adapté sur cette thématique, tout en étayant notre analyse par l’étude d’expériences menées tant au niveau national qu’à l’international. Suite à l’analyse d’expériences déjà entreprises dans la région, il s’agit avant tout de créer du lien en explorant des solutions variées avec l’aide de la médiation humaine et d’Internet : théâtre dans les collections, ateliers hors-les-murs, expositions virtuelles sont quelques-unes des réponses que nous apportons au sein de ce travail. Nos recherches sont ainsi un exemple réflexif d’une tentative de démocratisation culturelle au sein de l’espace muséal, à l’échelle régionale. / My academic research work in museology deals with the place of Greco-Roman mythology in the Fine Arts Museums of Hauts-de-France by proposing a critical analysis and raising the question of its possible links with the cultures of imagination. Indeed, while Greco-Latin mythology and its reception by a large public have never been more present than today in various media (literature, cinema, comics, video games) and many works of art are inspired by myths in museums (from Greek vases to contemporary art), the links between these two "worlds" are almost nonexistent, as shown by our analysis in eighteen museums of Hauts-de-France.Despite their undeniable potential, mythological works are often lost in the collections, poorly valued and little known by the general public. How can we make more available works inspired by a long and rich literary and artistic tradition, while cultural practices still often show a sort of elitism in Fine Arts Museums? The objectives of our research are to find solutions, through suitable mediation tools, to make accessible to the broader public the iconographic richness of these episodes of classical antiquity. Is there a common ground for dialogue between Fine Arts and the current cultures of imagination, through the prism of mythology? Through a precise museological analysis and a survey of more than seven hundred answers, we propose an adapted mediation program, while supporting our analysis through the study of experiments at national and international levels. Following the analysis of experiences already undertaken in the region, its purpose is above all to create a link by exploring various solutions with the help of human mediation and Internet: theatre in collections, off- the-walls workshops, virtual exhibitions are some of the answers we bring. Thus, our research is a reflective example of an attempt for a cultural democratization in the museum space on a regional scale.

Cette thèse s’attache à mettre en lumière l’organisation du système des beaux-arts et les conditions de production des œuvres d’art en Espagne entre 1853 et 1898, autour de trois pôles principaux : Madrid, Barcelone et Séville. Dans cette période de crise politique et économique, généralement envisagée sous le prisme du paradigme du retard ou de l’échec, la désillusion des artistes fut une réalité. Loin de conduire à la passivité, elle engendra un désir de « régénération » culturelle, de nombreuses controverses sur la manière d’encourager les arts ainsi que tout un jeu de comparaisons et de regards portés vers l’étranger. Ce bouillonnement intellectuel fut à l’origine d’un renouveau des structures de promotion des arts se traduisant par la création de musées, d’expositions, de concours ou par la concession de pensions. L’analyse des missions artistiques de la Maison royale, du ministère du Développement, des députations, des associations artistiques et des sociétés économiques des amis du pays s’appuie sur des études de cas et révèle les acteurs à l’œuvre : petits ou hauts fonctionnaires, artistes méconnus ou renommés, hommes politiques. Fondé sur un vaste travail de recherche en archives, ce parcours dans le paysage des arts espagnols permet de mieux comprendre quels furent les objectifs, les conséquences et les spécificités de l’encouragement public et privé de l’art, d’un point de vue régional et national, dans un contexte de construction de l’État-Nation. / This dissertation aims to bring to light the organization of the fine arts system and the conditions under which works of art were produced in Spain between 1853 and 1898, centering on three leading cities: Madrid, Barcelona, and Seville. During this period of political and economic crisis, usually understood through the lens of the paradigm of Spanish backwardness or failure, the artists’ disenchantment was considerable. However, far from driving them into passive resignation, this spurred a desire for cultural "regeneration," born of countless debates over the way in which the arts should be supported and a keen interest in comparison with what was happening abroad. This intellectual exuberance led to a renewal of the institutions promoting the arts, giving way to the creation of museums, exhibitions, contests, and grants. The analysis of the artistic missions of the royal household, the Ministry of Development, diputaciones (provincial governments), societies of artists, and the various Economic Societies of Friends of the Country, relies on case studies and reveals the agents at work: senior and junior civil servants, not-known or famous artists, and politicians. Rooted in broad archival research, this journey through the world of Spanish art enriches our understanding of the goals, consequences, and specific features of the public and private support of the arts on a regional and national scale and within the context of the construction of the nation-state.

L'architecte Alfred-Nicolas Normand est un oublié de l'histoire. Après quatre années d'études aux Beaux-Arts, il obtient le Grand Prix de Rome en 1846. Pensionnaire à la Villa Médicis durant les cinq années suivantes, il se confronte aux canons de l'Antiquité. Il réalise cinq Envois d'une grande qualité, parmi lesquels une étude de la maison du faune à Pompéi, et la restauration du Forum romain en un travail mêlant art, érudition et archéologie. Il sillonne l'Italie et la Grèce, constituant un portefeuille de modèles qui nourrira sa pratique architecturale. S'y ajoute un beau corpus de calotypes influencé par les modalités du dessin. De retour en France, Normand réalise un hötel pompéien pour le prince Jérôme Napoléon. Il y voit l'occasion d'appliquer les leçons reçues de Rome, élaborant une juste synthèse entre archéologie, modèles canoniques et vie moderne. Puis il se verra confié la réedification de la Colonne Vendôme, effaçant ainsi le traumatisme mal assumé de la Commune. Sa carrière se diversifie, entre architecture privée et construction édilitaire : chäteaux, hötels particulier, halle métallique, maison centrale de Rennes. Il représente ces générations brillantes mais sans relief qui répondent aux exigences institutionnellles; Alfred Normand, en tant que banal modèle de l'excellence, incarne une histoire des strates, une figure du transitoire / The architect Alfred-Nicolas Normand is forgotten by the history. After four year at the Beaux-Arts, he obtains the Grand Prix de Rome in 1846. He is student at the villa Medici for the five next years. He makes five Envois in high quality. One of them is the house of the Faun in Pompeii. He realizes a great Restoration of the Roman Forum. His works proposes a synthesis of art, erudition and archaeology. During his pension he is travelling acrosss Italy and is given a recent authorization to reach Greece. the boarding school is opportunity for Normand to find out and to experience all the forms of his art which are well abovethe competences taught by the Institute. He will feed upon all these influences his architectural skills. In 1851, he discovers the calotype process, and after that he is taking photographs of the monuments in their context. The observer would remark a relative ressemblance between his practice as drawer and as a photographer. As he wants the process to be clearly documentary, the shooting process is drastically influenced by the drawing codes and method standards. Back in France he realizes a antique style Villa for the Prince Jérôme Napoléon. Normand finds here the opportunity to apply the lessons learned from Roma : monumentality and sense of decor. He does a good mix between archaeology, canonical models and modern lifestyle. A few years after, he is been given the maintenance of the Colonne Vendôme. As this monument has been thrown down during the Commune events, the State puts him in charge of its restoration in order to erase this painful episode from the popular memory. Throughout his career he will be required to build private prestigious residences (castles and private mansions) for which he will request a varied vocabulary : medieval, neo-Renaissance or XVIIIth century. He also achivied numbers of tombs and honorific monuments. Thereafter he turns to work on the penal institution architecture. He is appointed to be responsible for the conception of the Maison Centrale of Rennes, a prison for a thousand women serving a long sentence. He turns the panoptical system into a wide central courtyard to which converge all the windows of the prison building. Alfred Normand, as recognized as he could be in his time, is one of the history's forgotten people. He is a good representative of these generations : brilliant, but whitout relief, that could fit perfectly the institutional needs. He personifies the inertia of a professional corps facing the modern societies' individualistic conception

C’est un étude entre le poème et la toile, un jeu de rapport mental où l’artiste Roberto Matta Echaurren s’invente à soi même. Il était l’artiste qui a beaucoup influencé la dernière phase du surréalisme post-guerre. Il était aussi un peintre, un penseur, un activiste et poète de lumière unique. Très tôt, formé en architectura, abandonne son pays natal (Chili) en 1936. À Paris, après travailler avec Le Corbusier, il s’intègre aux surréalistes, au groupe de Breton. D’abord, cet étude propose situer les bases de ce mouvement, par la vie et oeuvre de cet artiste, en analysant la phase de l’exil du surréalisme en les Amériques. Les impacts qui sont provoqués Ernst, Tanguy, Masson, Dalí, Mirò et Lam, par exemple, furent de la majeur importance en touchant beaucoups des jeunes artistes. Dans le cas de Matta, son influence sera fortement marquée sur la génération qui comprendra plus tard The School of New York, parmi eux, Pollock, Mothewell et Gorky. Voilà la poétique de Matta, son art espacial, leur dynamique du voir et les idées du verbe. Avec lui, on aurait plusiers explosions nucléaire sur leurs toiles, après les cubistes, fauvistes et post-impressionistes. Matta apparaît comme une explosion volcanique en créeant des nouvelles structures multidimensionnelles. Donc, cet’étude marque les différentes phases de la production de l’artiste jusqu’à sa mort en 2002. Quelques oeuvres plus importantes, chargées de titres poétiques, nous laissent traces profondes dans l’histoire de l’art contemporain. / Este é um estudo entre o poema e a tela pintada, um jogo de relações mentais, onde o artista Roberto Matta Echaurren se inventa a si próprio. Artista que muito influenciou a ultima fase do surrealismo pós-guerra. Foi um pintor, um pensador, ativista e poeta de luz própria. Bem cedo se forma em arquitetura, deixa seu país natal (Chile) em 1936. Em Paris, depois de trabalhar com Le Corbusier, se integra aos surrealistas, ao grupo de Breton. Este presente estudo se propõe situar às bases do surrealismo, através e da vida e obra deste artista, analisar a trajetória do exílio deste movimento nas Américas. O impacto que alguns surrealistas vão ter, como Ernst, Tanguy, Dalí, Masson, Miró e Lam, estes influenciarão muitos jovens artistas do continente. O caso de Matta exercerá forte influencia sobre a geração que virá mais tarde: The School of New York, entre eles, Pollock, Motherwell e Gorky. A poética de Matta se consolida a partir da arte espacial à dinâmica do ver e as idéias do verbo. Assim, através deles, haverá novas explosões nucleares em suas telas, precedida pelos cubistas, fauvistas e pós-impressionistas. Matta surge como a explosão vulcânica, criando novas estruturas multidimensionais. Este estudo marca as diferentes fases da produção do artista até sua morte em 2002. Algumas de suas obras mais importantes carregam títulos poéticos, deixando assim, pistas profundas na história da arte contemporânea.

En tant que centre le plus puissant de l'influence française en Afrique, l'Algérie sera la clef de voûte de l'empire africain. Plus généralement et cela dès le début de la colonisation, on observe que l'Algérie constitue une terre d'essai et d'aventure, et l'institution y a assez vite encouragé le développement des arts. Le monde de l'art de l'Algérie française se construit par la reproduction institutionnelle du système de la métropole. Certes, le musée des Beaux-Arts d'Alger est également né de la volonté des politiques. Il exerce un rôle fondamental en tant que stabilisateur de l'idéologie coloniale et baromètre de l'identité culturelle particulière de l'Algérie. Ses collections sont constituées avec l'objectif de représenter un panorama de l'art français et pas seulement celui de l'orientalisme. Par la volonté de faire la France en Algérie, les choix des œuvres ont été faits pour des raisons non seulement esthétique, mais également idéologiques. Une fois le musée inauguré, on met en œuvre un ambitieux programme d'enrichissement des collections. Cette thèse démontrera que le musée des Beaux-Arts d'Alger participe à l'édification coloniale à échelle nationale et locale par la constitution stratégique de ses collections. Sous la bannière du colonialisme, cette institution porte un plaidoyer culturel de l'autorité coloniale dépendante de la visibilité de leurs ordres. Entre la métropole et l'espace « périphérique», le musée des Beaux-Arts d'Alger et ses collections contribuent à dessiner le contour de l'identité de l'Algérie coloniale et postcoloniale en accomplissant leur rôle qui était de lier tout ce qui concerne les arts et les cultures. / As the most powerful center of French influence in Africa, Algeria will be the keystone of the African empire. More generally, from the very beginning of colonization, Algeria is a land of experimentation and ad venture, and the institution has encouraged the development of the arts. The art world of French Algeria is built by the institutional reproduction of the metropolitan system. Of course, the Museum of Fine Arts of Algiers was also born of the will of the politicians. It exercises a fundamental role as a stabilizer of the colonial ideology and barometer of the particular cultural identity of Algeria. Its collections are constituted with the objective to represent a panorama of the French art and not only that of Orientalism. By the will to make France in Algeria, the choices of the art works are made for reasons not only aesthetic, but also ideological. Once the museum is inaugurated, an ambitious enrichment program is being implemented. This thesis will demonstrate that the Museum of Fine Arts of Algiers participates in the colonial construction on a national and local scale by the strategic constitution of its collections. Under the banner of colonialism, this institution carries a cultural advocacy of colonial authority dependent on the visibility of their orders. Between the metropolis and the "peripheral" space, the Algiers Museum of Fine Arts and its collections help to shape the identity of colonial and post-colonial Algeria by fulfilling their role of linking everything related to the arts and cultures.

C’est un étude entre le poème et la toile, un jeu de rapport mental où l’artiste Roberto Matta Echaurren s’invente à soi même. Il était l’artiste qui a beaucoup influencé la dernière phase du surréalisme post-guerre. Il était aussi un peintre, un penseur, un activiste et poète de lumière unique. Très tôt, formé en architectura, abandonne son pays natal (Chili) en 1936. À Paris, après travailler avec Le Corbusier, il s’intègre aux surréalistes, au groupe de Breton. D’abord, cet étude propose situer les bases de ce mouvement, par la vie et oeuvre de cet artiste, en analysant la phase de l’exil du surréalisme en les Amériques. Les impacts qui sont provoqués Ernst, Tanguy, Masson, Dalí, Mirò et Lam, par exemple, furent de la majeur importance en touchant beaucoups des jeunes artistes. Dans le cas de Matta, son influence sera fortement marquée sur la génération qui comprendra plus tard The School of New York, parmi eux, Pollock, Mothewell et Gorky. Voilà la poétique de Matta, son art espacial, leur dynamique du voir et les idées du verbe. Avec lui, on aurait plusiers explosions nucléaire sur leurs toiles, après les cubistes, fauvistes et post-impressionistes. Matta apparaît comme une explosion volcanique en créeant des nouvelles structures multidimensionnelles. Donc, cet’étude marque les différentes phases de la production de l’artiste jusqu’à sa mort en 2002. Quelques oeuvres plus importantes, chargées de titres poétiques, nous laissent traces profondes dans l’histoire de l’art contemporain. / Este é um estudo entre o poema e a tela pintada, um jogo de relações mentais, onde o artista Roberto Matta Echaurren se inventa a si próprio. Artista que muito influenciou a ultima fase do surrealismo pós-guerra. Foi um pintor, um pensador, ativista e poeta de luz própria. Bem cedo se forma em arquitetura, deixa seu país natal (Chile) em 1936. Em Paris, depois de trabalhar com Le Corbusier, se integra aos surrealistas, ao grupo de Breton. Este presente estudo se propõe situar às bases do surrealismo, através e da vida e obra deste artista, analisar a trajetória do exílio deste movimento nas Américas. O impacto que alguns surrealistas vão ter, como Ernst, Tanguy, Dalí, Masson, Miró e Lam, estes influenciarão muitos jovens artistas do continente. O caso de Matta exercerá forte influencia sobre a geração que virá mais tarde: The School of New York, entre eles, Pollock, Motherwell e Gorky. A poética de Matta se consolida a partir da arte espacial à dinâmica do ver e as idéias do verbo. Assim, através deles, haverá novas explosões nucleares em suas telas, precedida pelos cubistas, fauvistas e pós-impressionistas. Matta surge como a explosão vulcânica, criando novas estruturas multidimensionais. Este estudo marca as diferentes fases da produção do artista até sua morte em 2002. Algumas de suas obras mais importantes carregam títulos poéticos, deixando assim, pistas profundas na história da arte contemporânea.

Depuis l'apparition des expositions universelles jusqu'à la création des sécessions européennes, le Salon parisien a joué un rôle plus ou moins déterminant dans la carrière de centaines de peintres étrangers. Sans partis-pris esthétique, le corpus d'œuvres, d'artistes et de textes étudiés retrace la présence et la réception de la peinture étrangère au Salon de 1852 à 1900. L'histoire politique et administrative de l'institution révèle un statut de l'exposant étranger presque inexistant au début du Second Empire, qui devint une question majeure à la fin du siècle, liée à la création de la Société nationale des beaux-arts. Hasardeuse et compétitive, l'expérience du Salon constituait pour l'ensemble des artistes un enjeu considérable, tant symbolique que commercial. Les carrières parisiennes des peintres étrangers, depuis le séjour de formation jusqu'à l'impact de l'exposition au Salon, se prêtent moins que celles de leurs homologues français à une opposition entre sphère officielle et sphère indépendante; elles décrivent un système des beaux-arts largement ouvert sur le monde et sur l'ensemble du champ artistique. La réalité internationale des expositions parisiennes eut un profond impact sur l'évolution et la définition d'un art français qui en fit rapidement un motif d'hégémonie. Contrairement au cloisonnement nationaliste des expositions universelles, le brassage du Salon décrit l'unité et la diversité des forces créatrices européennes. L'expression nationale participe d'une communauté de démarches et de formes, et l'Europe des arts ne peut se réduire ni aux catégories d'écoles nationales, ni aux catégories de style de la tradition moderniste. / From the origin of World Fairs until the creation of the European secessions, the Paris Salon played a fairly significant role in the careers of hundreds of foreign painters. Avoiding aesthetic biases, the corpus of works, artists and texts studied traces the presence and the reception of foreign painting in the Paris Salon, from 1852 to 1900. The political and administrative history of the institution reveals the evolution of foreign painter status: from almost nonexistent at the beginning of the Second Empire, to a major issue at the end of the century, linked to the creation of the Société Nationale des beaux-arts. Risky and competitive, the Salon experience was a considerable challenge for all artists, both symbolic and commercial. Parisian careers of foreign painters, from their training studio to their exposition in the Salon, are less interpretable than for their French counterparts as an opposition between official and independent sphere; Fine Art system appears as wide open to the world and to the whole artistic field. The international dimension of Paris exhibitions had a profound impact on the evolution and the definition of French art who quickly built a hegemonic pattern on it. Unlike the nationalist partitioning of world fairs, the melting of the Salon is an image of the unity and diversity of European creative forces. The national expression is part of a community of approaches and expressions, and Arts of Europe cannot be categorized into national schools nor the style categories of the modernist tradition.

En France, la bande dessinée est exposée dans des musées et des bibliothèques, ses dessins originaux sont vendus dans des galeries dédiées et par de prestigieuses maisons de ventes, mais est-elle pour autant réellement légitimée en tant qu'art au sein de ces champs ? Qui a initié et participe aujourd'hui à ce processus, et selon quelles stratégies ? Cette thèse s'attache à répondre à ces questions en mobilisant les concepts de champs et de légitimité développés par Pierre Bourdieu mais aussi par des emprunts théoriques et méthodologiques à différents sociologues de l'art comme Howard Becker, Serge Chaumier, Jean-Louis Fabiani, Nathalie Heinich, Bernard Lahire, Eric Maigret, Raymonde Moulin, ou Alain Quemin. En venant questionner les trois pôles que sont les artistes, les institutions et le marché, nous établissons un corpus d'évènements et de dessinateurs valorisés par ceux-ci, mais aussi des producteurs de ces évènements. En étudiant leurs déclarations et en allant à leur rencontre lors d'entretiens, nous analysons leurs motivations. Nous parvenons finalement à établir la relativité de la légitimation de la bande dessinée, tant en qualité qu'en nombre d'individus concernés. Malgré la mise en valeur d'un phénomène générationnel dans l'évolution du statut de la bande dessinée et de sa reconnaissance, nous concluons que l'acquisition d'une semi-légitimité (pour reprendre le mot de Jean-Louis Fabiani) du neuvième art est davantage d'un état de fait que d'un processus dynamique en cours d'évolution. / In France, museums and libraries exhibit comics, galleries devoted to them sell their original drawings and renowed art auction houses do too, but does it mean thereby that comics are truly legitimated as art within these fields ? Who initiated the process and today who keeps participating in it, and in doing so, according to which strategies ? This thesis seeks to answer these questions by gathering together the concepts of fields and legitimacy developed by Pierre Bourdieu but also by borrowing theories and methodologies from art socioloists such as Howard Becker, Serge Chaumier, Jean-Louis Fabiani, Nathalie Heinich, Bernard Lahire, Eric Maigret, Raymonde Moulin, or Alain Quemin. By questioning the three poles formed by the artists, the institutions and the art market, we have established a corpus of events, of strip cartoonists highlighted by these events and of the producers of these same events. By studying their declarations and by meeting them to interview them, we have analysed their motivations. We have finally come to establish the relativity of the legitimation of comics both for their quality and the number of the individuals concerned. Despite the fact that a generational phenomenon has been given prominence in the evolution of the status and the recognition of comics, we can conclude that the acquisition of a semi-legitimacy (to employ Jean-Louis Fabiani’s own word) by the ninth art is more of a fact than a dynamic process in development.

Par l’analyse de la scénographie de l’exposition Louis-Philippe Hébert (1850-1917), sculpteur national, présentée au Musée du Québec (actuellement Musée national des beaux-arts du Québec) en 2001, ce mémoire vise à démontrer comment la mise en espace des œuvres parvient à créer un discours indépendant de celui contenu dans le catalogue accompagnant la rétrospective. Afin de mettre en relation le contenu scientifique du catalogue et l’expérience du spectateur au musée, la scénographie d’exposition a été utilisée comme cadre théorique. C’est en définissant cette pratique dans ses composantes fondamentales et actuelles qu’il a été possible de revoir le cas à l’étude pour en extraire un discours essentiellement sensoriel.