Mediante esta investigación se demuestra el nexo de unión entre la música culta y el jazz dentro del repertorio clásico de saxofón más representativo del siglo XX y se pone de manifiesto una metodología en la cual se pueden vincular ambos mundos sin ningún prejuicio. Para conseguir cada uno de los objetivos planteados, se ha efectuado un desarrollo metodológico dividido en dos partes: una analítica-comparativa y otra de aplicación docente (experimentación en el aula y creación). La parte analítica-comparativa es la parte principal y está organizada en dos capítulos trazando una síntesis de las décadas que han ido aconteciendo durante el siglo XX. El primer capítulo (repertorio tradicional), abarca obras desde comienzo del siglo XX hasta 1950, y el segundo (repertorio de vanguardia) desde 1950 hasta la actualidad. Los apartados y subapartados que constituyen ambos capítulos, se concretan mediante numerosos ejemplos musicales de obras maestras del repertorio de saxofón exponiendo la transición y evolución que ha experimentado gran parte de este repertorio con estas características. El análisis efectuado, muestra una visión general de las diferentes épocas que han ido surgiendo, tratando, entre otros aspectos, todos los elementos determinantes de las diversas corrientes aparecidas a lo largo de este periodo. Asimismo, cada capítulo versa sobre un tema distinto, donde se relacionan y comparan los elementos principales de las obras más representativas con el mundo del jazz. La segunda parte, aplicaciones docentes, constituye un aporte experimental práctico de índole creativo que consiste en la realización de diversos ejercicios incorporando de forma progresiva la práctica de la improvisación y creación dentro de un contexto educativo. Este capítulo, principalmente se fundamenta en la composición de piezas, ejemplos jazzísticos, e incorporación de conceptos y recursos para la improvisación y creación, aplicando algunas de las conclusiones más im / Pérez Ruiz, A. (2009). Influencia del Jazz dentro del repertorio clásico de Saxofón más representativo del siglo XX [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/4337 / Palancia

Nuestros intereses en Métodos exactos y heurísticos de afinación. Aplicación a la trompeta han respondido a tres tipos de objetivos: la investigación, propiamente dicha, en la que se ha perseguido el máximo rigor en la utilización del método científico, la aplicabilidad por otros músicos o estudiosos de la acústica, de los resultados obtenidos y del diseño de las experiencias y, por último, la utilidad pedagógica del estudio. En el primer capítulo se presenta una breve descripción de la evolución histórica de la trompeta y su acústica. En el segundo capítulo se introducen en términos "musicomatemáticos" los sistemas de afinación de Pitágoras, Holder y el temperamento igual de 12 notas. Se ha hecho un estudio exhaustivo de cada uno de los sistemas y se han comparado cada uno de ellos consigo mismo y con los demás. En el tercer capítulo hemos realizado algunos experimentos para contrastar la teoría de los capítulos anteriores. Además en este capítulo se ha realizado un ejercicio práctico con una obra compuesta a partir de los cálculos que Kepler realizó en Harmonices mundi (1619) para obtener la música que "debería constituir la armonía universal". En el cuarto capítulo se dan las bases para trabajar con afinación borrosa y hemos establecido la idea de grados de compatibilidad entre sistemas de afinación, además se dan métodos para calcular su grado de compatibilidad. por último en el capítulo 5 se describe un test que se ha realizado a alumnos y profesores de música para medir el grado de percepción de las notas. / Ibáñez Barrachina, J. (2008). Métodos exactos y heurísticos de afinación. Aplicación a la trompeta [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/4338 / Palancia

La presente Tesis Doctoral (Visiones del entorno: paisaje, territorio y ciudad en las artes visuales) efectúa una aproximación interdisciplinar a las diversas estrategias y concepciones visuales que la cultura occidental ha desarrollado para representar el entorno y transformarlo en un concepto cultural que, a través del proceso de artealización, se califica de paisaje. El trabajo realizado no se ajusta a una metodología historicista ni iconográfica, puesto que la utilización de referentes históricos e icónicos se supedita a la realización de una aproximación conceptual dirigida a entender nuestro entorno "natural y urbano" y ver cómo la noción de espacio está delimitándose en nuestros días. En este sentido, mirar al pasado no es el objetivo de nuestra investigación, ya que lo buscado es poder interpretar nuestro presente y reflexionar de forma global, sistemática y no fragmentaria sobre la evolución del entorno y/o del paisaje urbano dentro de las artes visuales. Frente a la idea restrictiva de un paisaje que sólo se entiende como relacionado con una realidad natural estática, su ampliación a cualquier entorno (dado que los entornos naturales también son elaboraciones culturales cambiantes) y a cualquier mirada (puesto que el paisaje implica el espacio o el territorio que es observado desde una determinada posición o desde un determinado punto de vista), ha propiciado que esta investigación analice no sólo el significado de los nuevos territorios urbanos y periurbanos, sino también las visiones que estos generan, especialmente tras las aportaciones teóricas efectuadas por Charles Baudelaire y Umberto Boccioni (aportaciones que han de ser contextualizadas dentro del papel hegemónico que en la ordenación territorial está asumiendo contemporáneamente el fenómeno urbano). Para efectuar nuestro análisis hemos partido de las críticas culturalistas realizadas sobre la idea de naturaleza, así como de las posiciones fenomenológicas teorizadas por Martin Heidegg. / Santiago Martin De Madrid, P. (2009). Visiones del entorno. Paisaje, territorio y ciudad en las artes visuales [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/7122 / Palancia

La tesis estudia la producción pictórica del brasileño José Pancetti (1902-1958), con una mirada no comprometida con las amarras usuales. Para comprenderla con más profundidad, se analiza la cuestión: ¿La clasificación como pintor marinista, imputada al artista, traduce adecuadamente su obra pictórica? Para responderla, son señaladas y debatidas las incursiones del pintor en los géneros y escuelas por las que pasó, relacionándolos con sus influencias, a fin de proporcionar elementos para un análisis de apoyo más fundamental jamás habido sobre el pintor, cuya fuente más fiable es su propia obra. Los cambios socioculturales de la primera mitad del siglo XX en Brasil son debatidos a la luz de esquemas metodológicos desarrollados por algunos de sus más importantes autores, pero buscando en sus entrelineas una comprensión más allá de su formulario. Con base en esta literatura y matizándola con relatos de figuras remanentes de este momento, fue posible enfocar las acciones artísticas desarrolladas por el Núcleo Bernardelli, el cual integró Pancetti, en la formulación del arte moderno brasileño. La investigación verifica que el pintor ha recorrido un largo camino para edificar su obra, realizando avances y retrocesos, derivados de la propia condición del artista al colocarse ante los obstáculos que le imponen el arte de la pintura. El análisis revela la preocupación social y cultural, y el carácter de la brasilidad que asoman en la obra del pintor, donde se concluye, que la expresividad y la simplicidad son las claves predominantes en su poética. De este modo, la pluralidad y heterogeneidad circunscriben su obra, apartando, por tanto, el estereotipo de pintor marinista, contribuyendo a un mayor y mejor (re)conocimiento de dicha obra pictórica, reclamándole otra dimensión. / Reis De Macedo, FR. (2010). El pintor José Pancetti y su proyección en el arte social [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/7462 / Palancia

La investigación establece un paralelo entre los diseños y motivos decorativos de los tejidos labrados de España del siglo XVIII y la pintura de imitación textil presente en el interior rococó de las Iglesias del Estado de Minas Gerais, Brasil, con estudios relacionados a la identificación y caracterización de sus aspectos formales, materiales y técnicos, identificando correlaciones y analogías entre estas dos categorías de arte: el arte de la seda labrada de España y el arte de la pintura de imitación textil brasileña. Los objetivos de la tesis se confluyen en un objetivo principal que pasa por el rescate de sus valores, y por la promoción y protección como bienes de importancia cultural. / Batista Dos Santos, AF. (2009). Los tejidos labrados de la España del siglo XVIII y las sedas imitadas del arte rococó en Minas Gerais (Brasil). Análisis formal y analogías [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/6292 / Palancia

La presente tesis surgió de la necesidad de analizar y teorizar un grupo de pinturas y dibujos realizados en los años 2005-06, pertenecientes a la serie denominada Al-boeira (Albufera en árabe). El Paisaje del lago es la geografía referencial en la que situamos el cuerpo fundamental de esta investigación, y sobre el que intentamos extraer cuestiones que nos parezcan relevantes para concretar nuestra tesis. En este estudio se han analizado principalmente el componente temático y su tratamiento representativo, la composición y los desarrollos estructurales, el empleo del color, y la línea y la forma como factores definidores de imágenes. Uno de los alicientes ligados a este trabajo ha sido volver a estudiar la historia del paisaje, y su evolución en el tiempo, así como algunos componentes de su vertiente cultural, social, filosófica y estética, algo que hemos hecho desde la experiencia que supuso el trabajo de creación inherente a la realización de Al-boeira. Escribir de todo ello ha supuesto un ejercicio de reflexión para clarificar en la medida de lo posible la parte de nuestro pensamiento que tiene que ver con aquello que aquí se dice, permitiéndonos entender mejor lo que otros han aportado. La metodología se ha estructurado partiendo de antecedentes históricos, abordando cuestiones relacionadas con el arte y la naturaleza, y de la naturaleza con el paisaje; se ha hecho a si mismo un estudio de aquellas nociones como "belleza, gusto, pintoresco y sublime", aplicables a la idea de paisaje. Para este trabajo se ha recurrido a diferentes fuentes documentales, predominando aquellas relacionadas con el paisaje. Otra parte esencial de la tesis se ha centrado en el análisis pormenorizado de los elementos que constituyen material, formal y conceptualmente las pinturas de paisaje que conforman la serie. Para finalizar, aparecen las conclusiones alcanzadas en el proceso de ejecución del presente trabajo de investigación. / Pérez Sanleón, JF. (2010). La Pintura de paisaje en la serie Al-boeira [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/8363 / Palancia

Son años de desarrollo arquitectónico y reforma interior en el planeamiento de la ciudad de Valencia con la apertura de nuevas vías, modificación de las existentes, edificación en el ensanche de la calle Colón y la construcción de nuevos edificios como la fachada del Ayuntamiento en 1905, la nueva Estación del Norte de 1906 y el Edificio de Correos en 1910 y un poco mas tarde en 1914 el Mercado Colón, entre otros. Después de varios intentos de iniciar la construcción de un nuevo mercado (1869, 1874 y 1907), llegamos al año 1910, momento en que el ayuntamiento de Valencia convoca un nuevo concurso nacional para la construcción del nuevo Mercado Central. Se presentaron seis opciones y fue resuelto a favor de la propuesta presentada por los arquitectos catalanes Alejandro Soler i March y Francisco Guardia i Vial, ambos colaboradores del conocido arquitecto catalán Luís Doménech i Montaner. Las obras del Mercado Central dieron comienzo en 1904 y finalizaron en 1928. El ámbito de estudio que contempla esta Tesis abarca: el contexto histórico del edifico, el espacio urbano donde se ubica, las influencias arquitectónicas que retoma, las aportaciones singulares que le definen, y el pormenorizado análisis gráfico de las unidades arquitectónicas que conforman su continente. Se han dibujado y analizado cada uno de los elementos motivo de este estudio; de este modo hemos conseguido disponer de un completo catálogo de todas las unidades tratadas. Disponemos ahora de fichas técnicas individualizadas de cada elemento constructivo que nos permiten conocer su composición cromática, sus dimensiones, sistema de enlace (en su caso), tipo de ornamentación, localización, patologías que han sufrido y la intervención de consolidación o restauración empleada. Fruto de este trabajo ven la luz datos no documentados hasta el momento, como ha sido los cambios del diseño original proyectado y lo realmente ejecutado. / Hidalgo Delgado, F. (2010). Investigación integral de las unidades constructivas-arquitectónicas que definen el Mercado Central de Valencia como ejemplo singular de la arquitectura modernista valenciana [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/8474 / Palancia

Uno de los primeros impulsos en la presente investigación, pasa por revisar el juicio superficial al que estaba sometida la producción arquitectónica valenciana de principios del siglo XX. Alejada de los centros germinales europeos, sucumbió relegada al bipolarizado debate nacional Madrid - Barcelona, sin alcanzar merecimientos para un agudo análisis arquitectónico. Aluzar semejante oclusión se infiere como objetivo. Investigar fuentes, catalogar y sistematizar el grueso de la producción racionalista valenciana, constata el cambio en el gusto de los jóvenes arquitectos, como acercamiento a la modernidad. Resta concretar una coherencia doctrinal y el compromiso social preconizado por los maestros del Movimiento Moderno. Generalizar exhibe una clara falta de compromiso y, con el objeto de ausentar tal falta de atención, se escinde un autor, Luis Albert Ballesteros con la finalidad de contrastar su voluntad racionalista. Redibujar planimetrías originales, recrear esquemas, perspectivas, detalles y procurar maquetas, resulta el método empleado. Recrear el análisis gráfico como herramienta a la profundidad del conocimiento, devuelve la mirada analítica a una producción individual. La metrópoli, referente aspiración de modernidad, dilucida el ámbito físico de este trabajo. Los albores de la arquitectura de Albert, un concurso Nacional para el Ateneo Mercantil de Valencia, marca el límite cronológico inferior. El superior, no admite argumentos disyuntivos, La Guerra Civil asume la frontera ineludible. Luis Albert destaca entre los promotores de la intención racionalista, en la capital levantina, inmersa en la trasnochada España de los años veinte y treinta. Sus aportaciones dejan evidencias de su espíritu trasgresor hacia las doctrinas academicistas e historicistas, su afán de renovación profesional y su sinceridad proyectual. Su proclamado camino de la verdad, ocupado en crear líneas puras y volúmenes armoniosos, en fomentar la utilidad de lo construido y acometer el espacio moderno, bien vale para procurar el pase a sus aportaciones edilicias en los catálogos de la arquitectura moderna. / Giménez Ribera, M. (2010). LUIS ALBERT: RACIONALISMO EN LA CIUDAD DE VALENCIA. 1927/1936 [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/8478 / Palancia

Tras la Revolución Industrial la máquina fue adoptada como epicentro de las prácticas artísticas del siglo XX. Esta fusión con lo popular creó la ecuación arte = vida y, con ello, lo somático se transformó en una manera de reflexionar sobre las repercusiones que la técnica infligía en el cuerpo así como su papel en la sociedad. La Segunda Guerra Mundial silenció este capítulo hasta que ciertos sectores intelectuales se negaron a aceptar un contenido cultural desideologizado. A finales de la década de 1950 se reemprendió la acción corporal en la práctica artística como un lenguaje necesario para atacar la ideología burguesa. Llegamos al año 1968, fecha en la que se despertó la conciencia social contra el totalitarismo y en la que el cuerpo recuperó su categoría. La performance se transformó en el lenguaje apropiado para representar los nuevos valores. Poco a poco se consolidaba un concepto de arte sociológico que defendía la integración del cuerpo en el proceso creativo surgiendo así el Body Art. Sin embargo, algunos y algunas artistas adoptaron elementos configuradores de la corporeidad tales como vestidos, complementos y objetos de diversa naturaleza. Aquel interés que la vanguardia mostró por la tecnología se había transformado en otra de distinta naturaleza que cumplía las mismas funciones que la máquina adquirió a principios de siglo XX: la de "extensión corporal". / Albero Teijeiro, A. (2010). Extensiones corporales en el contexto del Body Art. Revolución del deseo [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/8496 / Palancia

Durante toda la historia existió una cierta relación entre la ciencia (matemática, física, dinámica, óptica) y el arte. Desde 1900/1945 , la primera guerra mundial 1914-1918 , otras fechas como la revolución Rusa 1917 , y la teoría de la relatividad como física moderna, con sus nociones de Cuatridimensional, Espacio tiempo 1901 , marcarían tres hitos importantes en el devenir histórico de la iconografía industrial mecanicista. El surgimiento del Psicoanálisis, el cine, la velocidad, las comunicaciones y nuevas teorías físicas y filosóficas, motivaron a que artistas intelectuales vivieran en un constante cuestionamiento y en un ambiente de gran necesidad de conocimientos nuevos. El concepto del mecanicismo logró su máxima expresión con las vanguardias que tuvieron origen en los impresionistas, Cubistas, Dadaístas y Futuristas. Se trataba, por lo tanto, de establecer una estrecha relación entre, la ciencia en general y el arte, en busca de otras nuevas formas de expresión y de otros conceptos. El fenómeno de la atención artística por el mecanicismo y la utilización del objeto mecánico (La Máquina), surge como una actitud generalizada entre las diferentes tendencias de vanguardia. Tanto los futuristas como los dadaístas y cubistas, Boccioni, Duchamp y Léger afrontaron el valor de la máquina no como un nuevo sistema, sino como una fuente inagotable donde obtener las ideas para representar el mecanicismo y el dinamismo en sus cuadros. También como crítica de los temas y del objeto artístico tradicional. Se ha subtitulado precisamente esta Tesis Mecanicismo y dinamismo en las obras de Marcel Duchamp, Fernand Léger y Umberto Boccioni, Tres estilos diferentes , para concretar que la relación con el arte, la ciencia y la industria (El maquinismo) no se ha tomado en su significación habitual, sino atendiendo la utilización iconográfica que el artista ha hecho de los elementos formales propios de la industria, aplicados en su obra para lograr muchos objetivos, ........... / El Hadri, N. (2008). Mecanicismo y dinamismo en las obras de Marcel Duchamp, Fernand Léger y Umberto Boccioni. Tres estilos diferentes [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/2003 / Palancia