Este trabalho examina a representação das cidades na obra de Woody Allen. No intuito de compreender a saída do cineasta patrimônio da cidade de Nova York para a Europa, retoma-se criticamente a questão da Era da Lista Negra, das runaway productions e dos blockbusters. Para analisar os filmes de Allen na Europa considera-se importante entender como a cidade de Nova York configura-se no início da carreira do diretor, notadamente, em filmes que estabelecem um contraponto entre o Brooklyn e Manhattan. Em seguida, examina-se a questão crítica fundamental do trabalho: o cartão-postal corporativo na Europa. Nesse sentido, propõe-se a análise dos cartões-postais de Barcelona, Paris e Roma. O filme Vicky Cristina Barcelona adquire centralidade nesta pesquisa por apresentar de maneira exemplar a paisagem postiça da cidade encarcerada sob intervenção corporativa. / This research examines the representation of cities in Woody Allens work. In order to understand Allens European sojourn, it discusses the Blacklist Era, the runaway production and the impact of the blockbuster productions in the industry. The work understands New York as the quintessential frame of Allens depiction of cities overseas, notably in the early films that juxtapose Brooklyn and Manhattan. Henceforth, the key critical core of this work is presented: the corporate postcard in Europe. In this sense, it proposes an analysis of the postcards of Barcelona, Paris and Rome. The film Vicky Cristina Barcelona presents in an exemplary manner the cityscape under corporate intervention.

Este trabalho examina a representação das cidades na obra de Woody Allen. No intuito de compreender a saída do cineasta patrimônio da cidade de Nova York para a Europa, retoma-se criticamente a questão da Era da Lista Negra, das runaway productions e dos blockbusters. Para analisar os filmes de Allen na Europa considera-se importante entender como a cidade de Nova York configura-se no início da carreira do diretor, notadamente, em filmes que estabelecem um contraponto entre o Brooklyn e Manhattan. Em seguida, examina-se a questão crítica fundamental do trabalho: o cartão-postal corporativo na Europa. Nesse sentido, propõe-se a análise dos cartões-postais de Barcelona, Paris e Roma. O filme Vicky Cristina Barcelona adquire centralidade nesta pesquisa por apresentar de maneira exemplar a paisagem postiça da cidade encarcerada sob intervenção corporativa. / This research examines the representation of cities in Woody Allens work. In order to understand Allens European sojourn, it discusses the Blacklist Era, the runaway production and the impact of the blockbuster productions in the industry. The work understands New York as the quintessential frame of Allens depiction of cities overseas, notably in the early films that juxtapose Brooklyn and Manhattan. Henceforth, the key critical core of this work is presented: the corporate postcard in Europe. In this sense, it proposes an analysis of the postcards of Barcelona, Paris and Rome. The film Vicky Cristina Barcelona presents in an exemplary manner the cityscape under corporate intervention.

Submitted by Divisão de Documentação/BC Biblioteca Central (ddbc@ufam.edu.br) on 2017-03-21T20:15:36Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertação - Bernardo Ale Abinader.pdf: 1700776 bytes, checksum: bc8ed05e2d701f28709ae70aaf331467 (MD5) / Approved for entry into archive by Divisão de Documentação/BC Biblioteca Central (ddbc@ufam.edu.br) on 2017-03-21T20:15:51Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertação - Bernardo Ale Abinader.pdf: 1700776 bytes, checksum: bc8ed05e2d701f28709ae70aaf331467 (MD5) / Approved for entry into archive by Divisão de Documentação/BC Biblioteca Central (ddbc@ufam.edu.br) on 2017-03-21T20:16:03Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertação - Bernardo Ale Abinader.pdf: 1700776 bytes, checksum: bc8ed05e2d701f28709ae70aaf331467 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-03-21T20:16:03Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertação - Bernardo Ale Abinader.pdf: 1700776 bytes, checksum: bc8ed05e2d701f28709ae70aaf331467 (MD5) Previous issue date: 2017-02-09 / This study has the purpose of analyzing comparatively the play Sweet bird of youth, of 1959, by the playwright Tennessee Williams, and the movie Sunset Boulevard, of 1950, by the filmmaker Billy Wilder, focusing on the decadence, observing how this aspect was represented and what purpose it has in the text and in the film. In both study objects, there are characters who were famous movie stars in the past, but now are relegated to ostracism by Hollywood. There are male characters in the play and the movie who want, but cannot achieve fame in the American film industry and they establish a prostitution relationship with the actresses. These are people presented as decadent, narcissistic, materialistic and have tragic endings. Furthermore, there are other characters and aspects of the selected works that expose decadent facets of American society at the time, as the representation of religious conservatism in Sweet bird of youth and the working relationship in the film Sunset Boulevard. By analyzing the characters in the works and how they relate with each other and with the society which surrounds them, it is possible to verify a commentary done by the authors about the negative consequences of capitalism, of the film industry and of the conservatism in the American society. / O presente estudo tem como objetivo analisar comparativamente a peça Doce pássaro da juventude, de 1959, do dramaturgo Tennessee Williams, e o filme Crepúsculo dos deuses, de 1950, do cineasta Billy Wilder, com foco na decadência, observando como este aspecto foi representado e qual função desempenha no texto dramático e no filme. Nos dois objetos de estudo figuram personagens atrizes que, no passado, foram famosas estrelas de cinema, mas que agora se encontram relegadas ao ostracismo por Hollywood. Há personagens masculinas na peça e no filme que desejam, mas não conseguem alcançar a fama na indústria cinematográfica americana e estabelecem uma relação de prostituição com as atrizes. São figuras apresentadas como decadentes, narcisistas, materialistas e que têm finais trágicos. Também há, além dessas, outras personagens e aspectos nas obras selecionadas que expõem facetas decadentes da sociedade americana da época, como a representação do conservadorismo religioso em Doce pássaro da juventude e das relações de trabalho no cinema em Crepúsculo dos deuses. Por meio das personagens nas obras e no modo como elas se relacionam entre si e com a sociedade que as cercam, é possível verificar uma análise feita pelos autores das consequências negativas do capitalismo, da indústria cinematográfica e do puritanismo da sociedade americana.

O objetivo dessa tese é investigar de que maneira Little Caesar (Mervyn Leroy, 1931) e Force of Evil (Abraham Polonsky, 1947) registram, dentro do gênero gângster, questões como a Depressão na década de 1930, e o macarthismo na década de 1940, ao mesmo tempo em que estabelecem homologias estruturais entre o crime organizado e o mundo dos negócios. Tais questões surgem nesses dois filmes por força da matéria histórica envolvida nas condições de produção. Nossa tese é de que os filmes configuram, em diferentes medidas, estratégias de representação da matéria histórica apesar das tentativas de seu apagamento, como a censura e o macarthismo. / The aim of this thesis is to analyze how Little Caesar (Mervyn Leroy, 1931) and Force of Evil (Abraham Polonsky, 1947) portray, in the gangster genre, historically relevant questions such as the Great Depression in the 1930s and McCarthyism in the 1940s, while establishing structural homologies between organized crime and the business world. These themes arise in both films due to the strength of the historical substance implicated in the conditions of production. Our thesis is that these films depict, in different proportions, strategies of representation of the historical substance in spite of attempts to suppress it, such as censorship and McCarthyism.

Esta pesquisa tem como objetivo analisar a produção fílmica do cineasta norte-americano Michael Moore, tendo como questão central a relação que se estabelece entre arte e política num momento histórico que, de um lado, aponta para a crise do capitalismo e, de outro, para a fragmentação política da classe trabalhadora. A partir da análise formal de dois de seus filmes, estabelecemos uma relação com os momentos históricos que lhes deram condições de produção, a fim de compreender o método desenvolvido pelo cineasta para lidar com a crise de representação e comunicação vivida pela arte política nas últimas décadas. Os dois filmes escolhidos para tal análise são Roger e Eu (Roger & Me, 1989) e Capitalismo: uma história de amor (Capitalism: a love story, 2009). Ambos os filmes possuem diagnósticos de momentos distintos da crise do capitalismo, juntamente com a constatação de que existe um desmonte da classe trabalhadora, fruto de uma série de mudanças econômicas, políticas e culturais, especialmente ao longo da segunda metade do século XX e início do XXI. Este trabalho faz um estudo comparativo dos dois filmes, traçando as continuidades e mudanças estéticas e políticas ocorridas na obra de Michael Moore num intervalo de duas décadas, bem como sua relação com as condições de representação da luta de classes dentro da cultura norte-americana. Esta pesquisa reflete sobre o surgimento do fenômeno Michael Moore como parte de um processo de construção e desconstrução de uma tradição da classe trabalhadora norte-americana. / This research aims to analyze the film production of the American filmmaker Michael Moore, proposing as a central question the relationship established between art and politics in a historical moment which, on one side, points to the crisis of capitalism and, on the other side, to the political fragmentation of the working class. Starting from the formal analysis of two of his films, we have established a relationship with the historical moments which gave conditions of production to them, in order to understand the method developed by the filmmaker to deal with the crisis of representation and communication experienced by political art in the last decades. The two films chosen for this analysis are Roger & Me (1989) and Capitalism: a love story (2009). Both films have different diagnoses of the distinct moments of the capitalist crisis, along with the realization of the fact there is a dismantling of the working class, result of a series of economic, political and cultural chances, especially during the second half of the 20th century and early 21st century. This research makes a comparison between the two films, tracing the aesthetic and political continuities and changes in the work of Michael Moore which happened throughout two decades, as well as its relation to the conditions of representation of class struggle in American culture. This work reflects on the rise of the Michael Moore phenomenon as part of a process of construction and deconstruction of a tradition of the American working class.

O objetivo dessa tese é investigar de que maneira Little Caesar (Mervyn Leroy, 1931) e Force of Evil (Abraham Polonsky, 1947) registram, dentro do gênero gângster, questões como a Depressão na década de 1930, e o macarthismo na década de 1940, ao mesmo tempo em que estabelecem homologias estruturais entre o crime organizado e o mundo dos negócios. Tais questões surgem nesses dois filmes por força da matéria histórica envolvida nas condições de produção. Nossa tese é de que os filmes configuram, em diferentes medidas, estratégias de representação da matéria histórica apesar das tentativas de seu apagamento, como a censura e o macarthismo. / The aim of this thesis is to analyze how Little Caesar (Mervyn Leroy, 1931) and Force of Evil (Abraham Polonsky, 1947) portray, in the gangster genre, historically relevant questions such as the Great Depression in the 1930s and McCarthyism in the 1940s, while establishing structural homologies between organized crime and the business world. These themes arise in both films due to the strength of the historical substance implicated in the conditions of production. Our thesis is that these films depict, in different proportions, strategies of representation of the historical substance in spite of attempts to suppress it, such as censorship and McCarthyism.

Made available in DSpace on 2015-08-18T17:46:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Fabrizio Di Sarno.pdf: 1414929 bytes, checksum: 2d0361e38e0a0c44208eedb54c9ec08e (MD5) Previous issue date: 2011-12-12 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / O objetivo desta pesquisa é estudar o papel do Teremin (considerado o primeiro instrumento musical eletrônico da história) na trilha sonora do cinema norteamericano. Para tanto, procuramos fazer um levantamento desde o princípio de seu uso na indústria cinematográfica dos Estados Unidos. Constatamos cinco momentos cruciais do uso do Teremin nesta cinematografia: os três primeiros compreendem, respectivamente, as décadas de 1930, 1940 e 1950; no quarto período, iniciado em 1966, o uso do instrumento entra em decadência ao perder a força de representação que vinha tendo até então; o quinto período tem início no princípio dos anos 90, neste momento o uso do instrumento é recuperado pelo cinema norte-americano sob uma nova perspectiva. O Teremin é visto de duas maneiras nesta pesquisa: 1) como instrumento melódico; 2) como produtor de efeitos sonoros. Nos dois casos procuramos entender as estratégias utilizadas pelas trilhas sonoras que levam a representação do estranho, do desconhecido, do monstruoso. O percurso histórico do instrumento pelo cinema norte-americano aponta para motivações que o fazem lugar ideal para representar efeitos sonoros que tem seu uso associado a um território governado por fenômenos inexplicáveis. O processo de representação ao qual o Teremin foi associado acompanha um período histórico singular, que vai do nazi-fascismo, passa pela Guerra Fria e desemboca na queda do muro de Berlim. No entanto, no início dos anos 60, o instrumento perde seu poder de sedução no momento em que, por exemplo, as viagens espaciais começam a se tornar realidade. Além de catalogar os filmes mais importantes que fazem uso do Teremin como instrumento melódico ou como instrumento responsável pela execução de efeitos sonoros, estudamos os tipos de uso do som do instrumento, para que se possa entender a sua influência no imaginário cinematográfico norte-americano.

Esta pesquisa tem como objetivo analisar a produção fílmica do cineasta norte-americano Michael Moore, tendo como questão central a relação que se estabelece entre arte e política num momento histórico que, de um lado, aponta para a crise do capitalismo e, de outro, para a fragmentação política da classe trabalhadora. A partir da análise formal de dois de seus filmes, estabelecemos uma relação com os momentos históricos que lhes deram condições de produção, a fim de compreender o método desenvolvido pelo cineasta para lidar com a crise de representação e comunicação vivida pela arte política nas últimas décadas. Os dois filmes escolhidos para tal análise são Roger e Eu (Roger & Me, 1989) e Capitalismo: uma história de amor (Capitalism: a love story, 2009). Ambos os filmes possuem diagnósticos de momentos distintos da crise do capitalismo, juntamente com a constatação de que existe um desmonte da classe trabalhadora, fruto de uma série de mudanças econômicas, políticas e culturais, especialmente ao longo da segunda metade do século XX e início do XXI. Este trabalho faz um estudo comparativo dos dois filmes, traçando as continuidades e mudanças estéticas e políticas ocorridas na obra de Michael Moore num intervalo de duas décadas, bem como sua relação com as condições de representação da luta de classes dentro da cultura norte-americana. Esta pesquisa reflete sobre o surgimento do fenômeno Michael Moore como parte de um processo de construção e desconstrução de uma tradição da classe trabalhadora norte-americana. / This research aims to analyze the film production of the American filmmaker Michael Moore, proposing as a central question the relationship established between art and politics in a historical moment which, on one side, points to the crisis of capitalism and, on the other side, to the political fragmentation of the working class. Starting from the formal analysis of two of his films, we have established a relationship with the historical moments which gave conditions of production to them, in order to understand the method developed by the filmmaker to deal with the crisis of representation and communication experienced by political art in the last decades. The two films chosen for this analysis are Roger & Me (1989) and Capitalism: a love story (2009). Both films have different diagnoses of the distinct moments of the capitalist crisis, along with the realization of the fact there is a dismantling of the working class, result of a series of economic, political and cultural chances, especially during the second half of the 20th century and early 21st century. This research makes a comparison between the two films, tracing the aesthetic and political continuities and changes in the work of Michael Moore which happened throughout two decades, as well as its relation to the conditions of representation of class struggle in American culture. This work reflects on the rise of the Michael Moore phenomenon as part of a process of construction and deconstruction of a tradition of the American working class.

Submitted by Adriana Alves Rodrigues (aalves@espm.br) on 2017-11-29T13:28:02Z No. of bitstreams: 1 PPGCOM Tese Paulo RF Cunha.pdf: 6248280 bytes, checksum: acaf4627860c7d7335eca120b06aad90 (MD5) / Approved for entry into archive by Adriana Alves Rodrigues (aalves@espm.br) on 2017-11-29T13:31:52Z (GMT) No. of bitstreams: 1 PPGCOM Tese Paulo RF Cunha.pdf: 6248280 bytes, checksum: acaf4627860c7d7335eca120b06aad90 (MD5) / Approved for entry into archive by Ana Cristina Ropero (ana@espm.br) on 2017-12-01T11:22:08Z (GMT) No. of bitstreams: 1 PPGCOM Tese Paulo RF Cunha.pdf: 6248280 bytes, checksum: acaf4627860c7d7335eca120b06aad90 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-12-01T11:24:37Z (GMT). No. of bitstreams: 1 PPGCOM Tese Paulo RF Cunha.pdf: 6248280 bytes, checksum: acaf4627860c7d7335eca120b06aad90 (MD5) Previous issue date: 2017-03-13 / This thesis aims to understand the context and the articulations related to the consumption of model images of a lifestyle pattern – named as American way of life –, through the dissemination of mass communication, in particular, of North American cinema in the 1950‟s. Such mediatization of images made sense to viewers and adhered to the common sense of United States citizens. However, in parallel with the pedagogical action of the diffusion of said model, contradictions and contextual factors that did not conform to pattern and which continued to be presented in that society – as well as in the films – have dialogued with diverse portions of the population and have generated verisimilitude to the referenced displayed on the screen. In this way, after the film analysis of production launched in the aforementioned decade, this project will have a responsibility to understand the process, the elements, the strategies and the plural representations implemented by film industry in order to include in the films features of the model and non-model – after all, making sense is a way of working on the order to of customer loyalty. The research carried out through the contemporaneousness of the theme is justified, since a significant part of the cultural and media production of the United States in the 20th century crossed frontiers and reached the world, taking with it the image of a country and of exemplary citizens whose form of living should be a reference – as it still is in certain instances. / A presente Tese possui como objetivo central compreender o contexto e as articulações relacionadas ao consumo de imagens modelares de um padrão de estilo de vida – denominado como American way of life –, através da disseminação da comunicação de forma massiva, em particular, do cinema norte-americano nos anos 1950. Tal midiatização de imagens fez sentido para espectadores e aderiram ao senso comum dos cidadãos dos Estados Unidos. Entretanto, em paralelo à ação pedagógica da difusão do referido modelo, contradições e fatores contextuais que não compunham o padrão e que continuavam presentes na sociedade – assim como nos filmes –, dialogavam com parcelas distintas da população e geravam verossimilhança às referências exibidas na tela. Desta forma, ao final, após a realização de análise fílmica de produções lançadas na já citada década, este projeto terá a responsabilidade de compreender o processo, os elementos, as estratégias e as representações plurais implementadas pela indústria cinematográfica para contemplar as características do modelo e do não-modelo nos filmes – afinal, fazer sentido é trabalhar na ordem da manutenção de espectadores. Justifica-se, assim, a pesquisa realizada pela contemporaneidade do tema, posto que parte significativa da produção cultural e midiática dos Estados Unidos no Século XX ultrapassou suas fronteiras e alcançou o mundo, levando consigo a imagem de um país e de cidadãos exemplares, cuja forma de viver deveria ser uma referência – como ainda o é em determinadas instâncias.

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2018-06-28T13:16:57Z No. of bitstreams: 1 Glauber Ormundo Dias Martins.pdf: 415635 bytes, checksum: 63fa1de0d5b56e217bcf19dba75e8158 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-06-28T13:16:57Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Glauber Ormundo Dias Martins.pdf: 415635 bytes, checksum: 63fa1de0d5b56e217bcf19dba75e8158 (MD5) Previous issue date: 2018-04-20 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / This work analyzes two films by Woody Allen in the 1980s - Zelig and The Purple Rose of Cairo - using as methodologies sociological theories and literary and cinematographic critiques. With this, reflections od modernity and American history are analyzed / Este trabalho analisa dois filmes do diretor Woody Allen da década de 1980- Zelig e A rosa púrpura do Cairo- Usando como metodologias teorias sociológicas e de críticas literárias e cinematográficas. Com isto, reflexões a respeito da modernidade e da história americana são analisadas