Submitted by Morgana Silva (morgana_linhares@yahoo.com.br) on 2016-09-14T19:13:17Z No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 3503999 bytes, checksum: c183efb0d5d0f49bf06d948d758b1d58 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-09-14T19:13:17Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 3503999 bytes, checksum: c183efb0d5d0f49bf06d948d758b1d58 (MD5) Previous issue date: 2016-03-30 / Esta pesquisa trata de um processo pedagógico desarrollado com educandos del Curso Técnico en Instrumento Musical del IFPB – Campus João Pessoa, envolviendo la mediación cultural entre la escuela y la Estação Cabo Branco, Ciência, Cultura e Artes. El objeto fue lo de analizar la contribución que tales espacios, formal y no formal respectivamente, proporcionaron para la comprensión del arte contemporáneo por los estudiantes. La pesquisa es calitativa, con la utilización de cuestionarios, consulta a documentos de las instituciones y observación como instrumentos para la colecta de datos. Abordo sobre el arte contemporáneo, mediación cultural, la mediación en la escuela y en el museo y educación formal y no formal la relación entre escuela y museo. En este estudio presento y analizo las concepciones de la coordinadora de mediación y del mediador del museo sobre el arte contemporáneo, mediación y relación entre escuela y museo, entre otras. Traigo, como foco principal la comprensión de los estudiantes del IFPB sobre el arte contemporáneo antes y después del proceso pedagógico y hago un análisis comparativo entre sus concepciones sobre ese arte en fases distintas de este proceso. / Esta pesquisa trata de um processo pedagógico desenvolvido com educandos do Curso Técnico em Instrumento Musical, do IFPB campus João Pessoa, envolvendo a mediação cultural entre a escola e a Estação Cabo Branco, Ciência, Cultura e Artes. O objetivo foi o de analisar a contribuição que tais espaços, formal e não formal respectivamente, proporcionaram para a compreensão da arte contemporânea pelos estudantes. A pesquisa é qualitativa, com a utilização de questionários, consulta a documentos das instituições e observação como instrumentos para a coleta de dados. Abordo sobre a arte contemporânea, mediação cultural, a mediação na escola e no museu e educação formal e não formal ou a relação entre escola e museu. Neste estudo apresento e analiso as concepções da coordenadora de mediação e do mediador do museu sobre arte contemporânea, mediação e relação entre escola e museu, entre outras. Trago, como foco principal, a compreensão dos estudantes do IFPB sobre a arte contemporânea antes e após o processo pedagógico e faço uma análise comparativa entre suas concepções sobre essa arte em fases distintas deste processo.

Submitted by LUDMILA LEE CASTILLO null (ludmilee2@gmail.com) on 2016-08-17T05:12:03Z No. of bitstreams: 1 dissertação ludmila completa português.pdf: 3649670 bytes, checksum: 7a1434e1caa7ecfbc457f013fdf3d305 (MD5) / Approved for entry into archive by Ana Paula Grisoto (grisotoana@reitoria.unesp.br) on 2016-08-18T13:52:50Z (GMT) No. of bitstreams: 1 castillo_ll_me_ia.pdf: 3649670 bytes, checksum: 7a1434e1caa7ecfbc457f013fdf3d305 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-08-18T13:52:50Z (GMT). No. of bitstreams: 1 castillo_ll_me_ia.pdf: 3649670 bytes, checksum: 7a1434e1caa7ecfbc457f013fdf3d305 (MD5) Previous issue date: 2016-06-17 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico (CNPq) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / A Arteducação em Cuba é um campo ainda a ser definido e aprofundado. Seu surgimento está relacionado ao contexto de liminaridade da ilha a partir dos anos noventa. É neste período que se torna visível um esvaziamento do conceito do político, provocado pela operação do dispositivo da institucionalização. Para quebrar a ação do mesmo, se usaram as práticas arteducativas como táticas profanadoras. Elas se distinguem pela presença do político, reativando novas configurações do ser e do agir. Nesse sentido, a dissertação pretende refletir a partir de uma experiência arteducativa juvenil acontecida na ilha entre 2008-2013 e à luz da perspectiva contemporânea, sobre a incidência do político na ressignificação da condição ética de seus participantes. / La Arteducación en Cuba es un campo en definición. Su surgimiento está relacionado al contexto de liminaridad de la isla a partir de los años noventa. Es en este período que se visibiliza un vaciamiento del concepto de lo político, provocado por la operación del dispositivo de la institucionalización. Para romper la acción del mismo, se emplearon las prácticas arteducativas como tácticas profanadoras. Ellas se distinguen por la presencia de lo político, reactivando nuevas configuraciones del ser y el actuar. En ese sentido, la disertación pretende reflexionar a partir de una experiencia arteducativa juvenil acontecida en la isla entre 2008-2013 y a la luz de la perspectiva posmoderna, sobre la incidencia de lo político en la resignificación de la condición ética de sus participantes. / The Art-education in Cuba is a field still in definition. Their emergence is related to the context of liminality lived on the island from the nineties. It is in this period that made visible an emptying of the concept of the political, caused by the operation of the device of institutionalization. To interrupt the action of this, were employed the art-educative practices as desecrator tactics. They are distinguished by the presence of the political, reactivating new configurations of being and acting. In that sense, the dissertation aims to reflect, from the youthful experience art-educative that took place on the island between 2008-2013 and in the light of the perspective postmodern, on the incidence of the political in the redefinition of ethics condition of its participants. / CNPq: 190377/2013-5

Submitted by Fabio Sobreira Campos da Costa (fabio.sobreira@ufpe.br) on 2016-07-19T15:19:00Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 1232 bytes, checksum: 66e71c371cc565284e70f40736c94386 (MD5) DISSERTAÇÃO SILVANA CRISOSTOMO DA SILVA 2015.pdf: 981552 bytes, checksum: 3a1cbfc716ccb1625e7c675fe08cc4da (MD5) / Made available in DSpace on 2016-07-19T15:19:00Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 1232 bytes, checksum: 66e71c371cc565284e70f40736c94386 (MD5) DISSERTAÇÃO SILVANA CRISOSTOMO DA SILVA 2015.pdf: 981552 bytes, checksum: 3a1cbfc716ccb1625e7c675fe08cc4da (MD5) Previous issue date: 2015-08-31 / CAPEs / Este estudo trata da incorporação da problemática socioambiental pelo Serviço Social a partir da produção de conhecimento nesta área. A questão ambiental se acirra com a crise estrutural do capital e torna-se evidente mediante diversos fenômenos, como as mudanças climáticas; a poluição da água, do solo e do ar; a desertificação; a extinção de inúmeras espécies animais e vegetais, dentre outras, o que por sua vez, expõe as contradições entre as necessidades de expansão do modo de produção capitalista com a exploração da natureza e a finitude dos recursos naturais, posto que ameaça as condições de reprodução de diversos ecossistemas planetários. Nas últimas décadas, a sociedade (organizações internacionais, governos e setores privados) se empenhou em fomentar definições e conceitos sobre a questão ambiental, além de traçar estratégias para seu enfrentamento, configurando-se em uma temática bastante controversa. Nesse processo, os (as) assistentes sociais são chamados para atuar - tendo em vista que o Serviço Social se constitui em uma profissão inserida na divisão sociotécnica do trabalho - configurando um novo campo interventivo, fomentando, igualmente, uma incipiente produção de conhecimento sobre a temática. O objetivo desta pesquisa consistiu em analisar as dimensões teórico-metodológicas e ídeo-políticas que nortearam a produção de conhecimento do Serviço Social sobre a questão ambiental. Para isso, nos baseamos no método de análise marxiano e adotamos a metodologia da análise documental e bibliográfica, a partir dos anais do XII e XIII Encontro Nacional de Pesquisadores em Serviço Social (ENPESS) e artigos da Revista Katálysis (edição Relações Sociais, Desenvolvimento e Questões Ambientais). A análise da realidade, a partir dos dados supracitados, indicou que a problemática socioambiental vem sendo incorporada pela profissão e sua apropriação vem ocorrendo através de múltiplas influências ídeo-políticas, polarizadas entre a ecossocialista e ecocapitalista, sendo que esta última agrega a ecodemocracia e a ecoirracionalidade. No campo teórico-metodológico, os (as) profissionais do Serviço Social recorrem às correntes de base marxiana/marxista, positivista, fenomenológica e pós-moderna. Esse movimento parte tanto de um rigor teórico – desenvolvido tanto pelas correntes crítica e (neo) conservadoras, como também do sincretismo com a confluência dessas matrizes. Esta última dimensão configura-se em uma tendência predominante nos dados analisados. / Este estudio trata de la incorporación de la problemática socio ambiental por el servicio social a partir del conocimiento de la producción en esta área. El problema ambiental se estimula con la crisis estructural del capital y se torna evidente mediante diversos fenómenos, como los cambios climáticos; la polución de la agua, del suelo y del aire; la desertificación; la extinción de innumerables especies, animales y vegetales, entre otras, lo que a su vez expone las contradicciones entre las necesidades de expansión del mundo de la producción capitalista con la exploración de la naturaleza y la finitud de los recursos naturales, puesto que amenaza las condiciones de reproducción de diversos ecosistemas planetarios. En las últimas décadas, la sociedad (organización internacional, gobiernos y sectores privados) se empeñó en fomentar definiciones y conceptos sobre el problema ambiental, además de trazar estrategias para su enfrentamiento, configurándose en una temática bastante controversial. En este proceso, los (as) asistentes sociales son llamados para actuar, teniendo en vista que el servicio social se constituye en una profesión insertada en la división socio técnica del trabajo, configurando un nuevo campo donde intervenir, fomentando igualmente, una incipiente producción de conocimiento sobre la temática. El objetivo de la investigación consistió en analizar las dimensiones teóricas-metodológicas e ideo-políticas que nortearan a producción de conocimiento del servicio social sobre el problema ambiental. Para eso, nos basamos en el método de análisis marxiano y adoptamos la metodología de análisis documental y bibliográfico, a partir de los anales del XII y XIII encuentro nacional de investigadores en servicio social (ENPESS) y artículos de la revista Katálysis (edición relaciones sociales, desenvolvimiento y problemas ambientales). El análisis de la realidad, a partir de los datos citados anteriormente, indica que la problemática socio ambiental viene siendo incorporada por la profesión y su apropiación viene ocurriendo a través de multiples influencias ideo-políticas, polarizadas entre la ecosocialista y ecocapitalista, siendo que esta última agrega la ecodremocracia y la ecoirracionalidad. En el campo teorico-metodologico, los (as) profesionales del servicio social recorren las corrientes de base marxiana/marxisita, positivista, fenomenología y pós-moderna. Ese movimiento parte tanto de un rigor teórico desenvuelto tanto por las corrientes críticas y (neo) conservadoras, como también del sincretismo como la influencia de esas matrices. Esa última dimensión se configura en una tendencia predominante en los datos analizados.

La hipótesis de esta investigación, ha partido de la idea de que la muerte se presenta de manera universal, siendo el único destino común de todo ser viviente. Si bien la muerte ha sido estudiada desde distintos enfoques, su inclusión implícita o explícita a través de la imagen en impresos, grabados y estampas es el motivo principal de este trabajo. La muerte por lo tanto representa una respuesta a los imaginarios simbólicos pudiendo ser estudiada en el marco de las Bellas Artes. El objetivo general se ha construido a partir de cuatro secciones que corresponden a tiempos históricos y percepciones distintas de a muerte y que se encuentran al mismo interrelacionadas: la prehispánica, la colonial, la surgida de la independencia, la moderna y contemporánea. Estos temas se abordan mediante apartados o sub/capítulos que son acompañados de imágenes gráficas que tienen la intención de ilustrar y de reforzar el texto indicándose al final de la investigación su procedencia respectiva. / Plancarte Morales, FU. (2008). Presencia de la muerte en la gráfica mexicana [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/3981 / Palancia

[EN] With the arrival of creative freedom, experimentation and the search for limits, Contemporary art slowly dissociates itself from physical matter to become ideas and concepts. This is the moment when the discipline of Conservation of Contemporary Art is forced to revise its principles, methods and strategies. The lack of information about some aspects that determine the conservation of a contemporary artwork can endanger the conceptualization and the physical artwork itself. If this information is not acquired in a direct and appropriate manner, it could lead us to situations of professional negligence that endanger the existence and the respect for the work. The purpose of this investigation is to establish early and safe preventive conservation guidelines. These guide lines, must respect the intent and the deterioration concept of each of the artists, through the information extracted by the use of the interview applied to a group of emerging artists. It is clear that the interview has been used successfully in an array of disciplines and in the discipline of Conservation of Contemporary Art, very little has been done regarding its application before conservation problems arise, much less when speaking about its use on emerging artists. In this work two interrelated phases can be established that will determine its success. After the introduction, which reviews the status quo and the key points of the research, a first phase begins, establishing the objectives and describing the methodology that will be followed. The theoretical section of the research has analyzed the bibliographical sources that provide historical information on the method applied to different disciplines and specifically to the Conservation of Contemporary Art. The following chapters presents an in depth analysis of three projects, in which the interview has been a determining tool. The presentation of a series of entities and lines of work where the interview is applied follows. In the experimental section we present the process, the application and the results of using the interview on emerging artists participating in the artistic projects Perspectives Art Inflammation and Me and Perspectives Art Liver Diseases and Me. Each of the experimental projects has been illustrated with a selection of case studies that will show in practice what has been observed from this research. Throughout the application of the method in the experimental section we have been able to see how the concept of deterioration will determine what preventive conservation strategies will be established. From this experimental phase we have been collecting and analyzing a series of results that lead us to final conclusions. These conclusions show the adequacy of the use of the interview on the documentation protocols for the preventive conservation of artworks. / Con la llegada de la libertad, la experimentación y la búsqueda de los límites, el arte contemporáneo se desliga poco a poco de la materia para transformarse en ideas y conceptos. Es ese el momento en que la disciplina de Conservación de Arte Contemporáneo se ve obligada a revisar sus principios, métodos y estrategias. La falta de informacio'n sobre aspectos que pueden determinar la conservacio'n de una obra de arte contempora'nea, puede poner en riesgo la conceptualizacio'n y la materia de la misma. El hecho de no adquirir esta informacio'n de una manera adecuada y directa, nos puede llevar a situaciones de negligencia profesional que ponen en peligro la existencia y el respeto por la obra. El propo'sito de la presente investigacio'n se centra en establecer unas pautas de conservacio'n preventiva tempranas y seguras, que respeten la intencionalidad y el concepto de deterioro de cada uno de los artistas, a trave's de la informacio'n extrai'da por el uso de la entrevista aplicada a un grupo de artistas emergentes. Queda claro que la entrevista ha sido empleada de manera exitosa en diversidad de disciplinas y en la disciplina de Conservacio'n de Arte Contempora'neo, pero muy poco es lo que podemos encontrar respecto a su aplicacio'n antes de que surjan problemas relacionados con conservacio'n y mucho menos cuando se trata de su uso sobre artistas emergentes. En este trabajo se pueden establecer dos fases interrelacionadas que determinara'n su e'xito. Tras la introduccio'n, que hace un repaso del estado de la cuestio'n y los puntos clave de la investigacio'n, se inicia una primera fase estableciendo los objetivos y describiendo la metodologi'a que se va a seguir. La seccio'n teo'rica de la investigacio'n ha analizado las fuentes bibliogra'ficas que nos aportan informacio'n histo'rica sobre el me'todo aplicado a distintas disciplinas y a la disciplina de Conservacio'n de Arte Contempora'neo especi'ficamente, dando paso a los capi'tulos donde se presenta tres proyectos en profundidad, en que la entrevista ha sido una herramienta determinante. Seguido la presentacio'n de una serie de entidades y li'neas de trabajo donde se aplica la entrevista. En la parte experimental, presentamos el camino, la aplicacio'n y los resultados del uso de la entrevista sobre artistas emergentes de los proyectos arti'sticos Perspectives Art Inflammation and Me y Perspectives Art Liver Diseases and Me. Se ha ilustrado cada uno de los proyectos experimentales con una seleccio'n de casos que mostrara'n de manera pra'ctica lo que de esta investigacio'n se ha podido extraer. A lo largo de la aplicacio'n del me'todo en la parte experimental hemos podido ver co'mo el concepto de deterioro va a determinar lo que se establezca a posteriori en cuanto a estrategias de conservacio'n preventiva. De esta fase experimental hemos ido recolectando y analizando una serie de resultados que nos conducen a establecer las conclusiones que finalmente se presentan y que demuestran la adecuacio'n del uso de la entrevista entre los protocolos de documentacio'n para la conservacio'n preventiva de las obras de arte. / Amb l'arribada de la llibertat, l'experimentacio' i la cerca dels li'mits, l'art contemporani es deslliga a poc a poc de la mate¿ria per a transformar-se en idees i conceptes. E's el moment en que la disciplina de Conservacio' d'Art Contemporani es veu obligada a revisar principis, mètodes i estratègies. La falta d'informacio' sobre aspectes que poden determinar la conservacio' d'una obra d'art contempora¿nia en pot posar en risc la conceptualitzacio' i la matèria. El fet de no adquirir aquesta informacio' d'una manera adequada i directa, ens pot portar a situacions de negligència professional que posen en perill l'existència i el respecte per l'obra. El propòsit d'aquesta investigació se centra a establir unes pautes de conservacio' preventiva primerenques i segures, que respecten la intencionalitat i el concepte de deterioracio' de cada artista, a trave's de la informacio' extreta de l'u's de l'entrevista aplicada a un grup d'artistes emergents. E's clar que l'entrevista ha sigut utilitzada de manera reeixida en diversitat de disciplines i en la disciplina de Conservacio' d'Art Contemporani, pero¿ molt poc e's el que podem trobar pel que fa a l'aplicacio' abans que sorgisquen problemes relacionats amb conservacio' i encara menys quan es tracta de l'u's amb artistes emergents. En aquest treball es poden establir dues fases interrelacionades que en determinaran l'e¿xit. Despre's de la introduccio', que fa un repa¿s de l'estat de la qu¿estio' i els punts clau de la investigacio', s'inicia una primera fase que estableix els objectius i descriu la metodologia del treball. La seccio' teo¿rica de la investigacio' ha analitzat les fonts bibliogra¿fiques que ens aporten informacio' histo¿rica sobre el me¿tode aplicat a diferents disciplines i a la disciplina de Conservacio' d'Art Contemporani especi'ficament; do'na pas als capi'tols on es presenten tres projectes en profunditat, en els quals l'entrevista ha sigut una eina determinant. Tot seguit hi ha la presentacio' d'una se¿rie d'entitats i li'nies de treball on s'aplica l'entrevista. En la part experimental, presentem el cami', l'aplicacio' i els resultats de l'u's de l'entrevista sobre artistes emergents dels projectes arti'stics Perspectives Art Inflammation and Me i Perspectives Art Liver Diseases and Me. S'ha il·lustrat cada un dels projectes experimentals amb una seleccio' de casos que mostraran de manera pra¿ctica el que s'ha pogut extraure de la investigacio'. Al llarg de l'aplicacio' del me¿tode, en la part experimental hem pogut veure com el concepte de deterioracio' determina el que s'establisca a posteriori quant a estrate¿gies de conservacio' preventiva. D'aquesta fase experimental hem arreplegat i analitzat una se¿rie de resultats que ens menen a establir les conclusions que, finalment, es presenten i que demostren l'adequacio' de l'u's de l'entrevista entre els protocols de documentacio' per a la conservacio' preventiva de les obres d'art. / Del Fresno-Guillem, R. (2017). LA ENTREVISTA AL ARTISTA EMERGENTE COMO MODO DE CONSERVACIÓN PREVENTIVA Estudio aplicado a los proyectos Perspectives Art Inflammation and Me y Perspectives, Art Liver Diseases and Me [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/90410 / TESIS

[ES] La presente investigación aborda el vigente interés por la figura del camino a partir del estudio de una serie de prácticas artísticas contemporáneas, otorgando especial relevancia a los caminos del deseo. Se propone, así, un recorrido dividido en tres partes cuyo punto de partida se sitúa en el estudio de los contextos para el caminante, tanto desde el punto de vista de su justificación teórica e histórica como desde el propio análisis de los espacios físicos donde tienen lugar las prácticas caminantes, destacando aquellos donde es posible crear camino, entendiendo el paisaje más relacionado con la experiencia móvil del recorrido que con una imagen (López Silvestre, 2008). Otros lugares que también se acometen son la metrópolis, el jardín o la carretera. El presente estudio abarca un panorama extenso a partir de las obras de arte contemporáneo seleccionadas en diversas exposiciones de alcance internacional, destacando las celebradas en España. El itinerario parte del rastro más elemental -la pisada (footprint)- para recorrer distintas morfologías del camino en el arte contemporáneo desde finales de 1960 hasta la actualidad, tales como senderos (footpaths), escaleras, laberintos, pasillos, corredores, plataformas y puentes, así como el trayecto en el plano, textworks y audiowalks, o la poética del final del camino, entre otros. La última parte de la tesis está dedicada en exclusiva al fenómeno de los caminos del deseo, enfocado tanto desde las recientes publicaciones sobre el tema (Shuey, 2021; Coutts et al., 2019; Foster y Newell, 2019; Schorr, 2019, Jarosz, 2019) como desde la propia práctica artística. Esta investigación constata que la cuestión móvil de estar en el camino -in itinere- es decisiva para interpretar un amplio conjunto de obras de arte contemporáneo, formalmente emparentadas con A Line Made by Walking (1967), de Richard Long, pieza clave en el desarrollo del arte conceptual, demostrando que el recorrido experiencial constituye uno de los ejes centrales de la producción artística desde finales del siglo XX. / [CA] La present investigació aborda el vigent interés per la figura del camí a partir de l'estudi d'una sèrie de pràctiques artístiques contemporànies, atorgant especial rellevància als camins del desig. Es proposa, així, un recorregut dividit en tres parts el punt de partida de les quals se situa en l'estudi dels contextos per al caminant, tant des del punt de vista de la seua justificació teòrica i històrica com des de la pròpia anàlisi dels espais físics on tenen lloc les pràctiques caminants, destacant aquells on és possible crear camí, entenent el paisatge més relacionat amb l'experiència mòbil del recorregut que amb una imatge (López Silvestre, 2008). Altres llocs que també s'escometen són la metròpolis, el jardí o la carretera. El present estudi abasta un panorama extens a partir de les obres d'art contemporani seleccionades en diverses exposicions d'abast internacional, destacant les celebrades a Espanya. L'itinerari part del rastre més elemental -la trepitjada (footprint)- per a recórrer diferents morfologies del camí en l'art contemporani des de finals de 1960 fins a l'actualitat, com ara senderes (footpaths), escales, laberints, corredors, plataformes i ponts, així com el trajecte en el pla, textworks i audiowalks, o la poètica del final del camí, entre altres. L'última part de la tesi està dedicada en exclusiva al fenomen dels camins del desig, enfocat tant des de les recents publicacions sobre el tema (Shuey, 2021; Coutts et al., 2019; Foster i Newell, 2019; Schorr, 2019, Jarosz, 2019) com des de la pròpia pràctica artística. Aquesta investigació constata que la qüestió mòbil d'estar en el camí -in itinere- és decisiva per a interpretar un ampli conjunt d'obres d'art contemporani, formalment emparentades amb A Line Made by Walking (1967), de Richard Long, peça clau en el desenvolupament de l'art conceptual, demostrant que el recorregut experiencial constitueix un dels eixos centrals de la producció artística des de finals del segle XX. / [EN] This research addresses the current interest in the concept of the path through the study of a series of contemporary artistic practices, giving special importance to the desire paths. It proposes a journey divided into three parts, starting with an examination of the contexts for the walker, both from a theoretical and historical perspective and from the analysis of the physical spaces where walking practices take place, emphasizing those where it is possible to create a path, understanding the landscape more in relation to the mobile experience of the journey than as an image (López Silvestre, 2008). Other places that are also explored include the metropolis, the garden, or the road. This study encompasses a broad panorama based on selected contemporary artworks from various international exhibitions, with a focus on those held in Spain. The itinerary begins with the most elementary trace - the footprint - to explore different morphologies of the path in contemporary art from the late 1960s to the present, such as footpaths, stairs, labyrinths, corridors, walkways, platforms, and bridges, as well as the journey on the plane, textworks, and audiowalks, or the poetics of the journey's end, among others. The last part of the thesis is exclusively dedicated to the phenomenon of desire paths, approached both through recent publications on the subject (Shuey, 2021; Coutts et al., 2019; Foster and Newell, 2019; Schorr, 2019, Jarosz, 2019) and through artistic practice itself. This research confirms that the mobile question of being on the path - in itinere - is crucial for interpreting a wide range of contemporary artworks, formally related to Richard Long's A Line Made by Walking (1967), a key piece in the development of conceptual art, demonstrating that the experiential journey constitutes one of the central axes of artistic production since the late 20th century. / Teira Muñiz, I. (2023). Caminos, caminos del deseo, senderos y pisadas en la práctica artística contemporánea. Una posibilidad de itinerario [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/199980

[ES] Números en el arte contemporáneo desde la propia práctica es una investigación que busca indagar sobre la presencia de los números en el arte contemporáneo. Plantea cómo los números, algo general y objetivo, son abordados de forma consciente por algunos artistas desde la subjetividad y la creatividad. Los números participan del universo artístico como causa, medio o fin, con el objetivo de convertirse en obras de arte singulares con valores culturales, estéticos y artísticos. Estos valores dependen del contexto y su significado, otorgados por la intención y la forma de pensar del artista. En este plano, los números pueden ser formas, cantidades o datos; pueden estar en un objeto, en una imagen, en un texto o en un video. Los dígitos numéricos en el arte operan al nivel de su connotación, no tanto de su denotación. En palabras del Dr. Gerardo Suter: "En este caso, un número es lo que es en su sentido denotativo, pero puede ser otra cosa, mucho más amplia, en un sentido connotativo" creando así un significado más complejo, pues como menciona Roland Barthes, "sólo tiene sentido en la inserción del referente dentro de un contexto dado". Resulta interesante cómo algo tan concreto como un número se vuelve arte. Esta disertación busca dar sentido a dicha complejidad. A partir de la distinción establecida por la semiótica entre denotación y connotación, y utilizando la propia obra artística como referencia, la investigación plantea una aproximación a la comprensión de las particularidades que asumen los números en el arte contemporáneo. Como marco teórico y herramienta metodológica, el binomio denotar-connotar y su efecto en la noción de significado y significante serán la columna vertebral de esta investigación. / [CA] Números a l'art contemporani des de la meva pròpia pràctica, és una investigació que busca indagar sobre la presència dels números a l'art contemporani. Aquesta dissertació planteja com quelcom general i objectiu, com són els números, són abordats de manera conscient per alguns artistes des de la subjectivitat i la creativitat. Els números entren a l'univers artístic com a causa, mitjà o fi, amb l'objectiu d'esdevenir obres d'art singulars amb valors cultuals, estètics i artístics, aquests valors depenen del context i el seu significat, atorgats per la intenció i la manera de pensar del artista. En aquest pla, els números poden ser formes, quantitats, dades, poden estar en un objecte, en una imatge, en un text, o en un vídeo. Els papers que juguen els dígits numèrics a l'art tenen una connotació no una denotació. En paraules del Dr. Gerardo Suter: "En aquest cas, un nombre és el que és en el sentit denotatiu, però pot ser una altra cosa, molt més àmplia, en un sentit connotatiu". Creant així un significat més complex, que com esmenta Barthes "només té sentit en la inserció del referent dins un context donat". És interessant com una cosa tan concreta, com un nombre esdevé art, aquesta dissertació busca donar sentit a aquesta complexitat. A partir de la distinció establerta per la semiòtica entre denotació i connotació, i utilitzant la pròpia obra artística com a referència, aquesta investigació planteja una aproximació a la comprensió de les particularitats que assumeixen els números a l'art contemporani. Com a marc teòric i eina metodològica, el binomi denotar-connotar i el seu efecte en la noció de significat i significant seran la columna vertebral d'aquesta dissertació. / [EN] Numbers in contemporary art, from my own practice, is an investigation that seeks to investigate the presence of numbers in contemporary art. This dissertation raises how something general and objective, such as numbers, are consciously approached by some artists from subjectivity and creativity. Numbers enter the artistic universe as a cause, mean or end to become unique works of art with cultic, aesthetic and artistic values. These values depend on the context and their meaning, granted by the intention and way of thinking of the artist. On this plane, numbers can be shapes, quantities or data. They can be in an object, in an image, in a text, or in a video. The roles that numerical digits play in art have a connotation, not a denotation. As Dr. Gerardo Suter says: "In this case, a number is what it is in its denotative sense, but it can be something else, much broader, in a connotative sense". Thus, creating a more complex meaning, which, as Barthes mentions, "only makes sense in the insertion of the referent within a given context". It is interesting how something so concrete, like a number, becomes art; this dissertation seeks to make sense of this complexity. Based on the distinction established by semiotics between denotation and connotation and using the personal artistic work as a reference, this research proposes an approach to understanding the particularities assumed by numbers in contemporary art. As a theoretical framework and methodological tool, the denoting-connoting binomial and its effect on the notion of meaning and signifier will be the backbone of this dissertation. / Jiménez López, J. (2024). Números en el arte contemporáneo desde la propia práctica [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/204636

Nous partons de la présentation de l'oeuvre de Mark Rothko et d’une analyse quirévèle en elle les « risques du sublime », ce qui nous permet alors d’adopter un point de vue esthétique. Attirant l'attention sur l’acte nécessaire du spectateurcontemporain s’il veut découvrir un sens à son expérience des oeuvres d’art, nouscherchons à forger de nouvelles voies de compréhension. La réflexion vise ainsi àmontrer la manière dont le sublime et l’approche apophatique de la mystique peuventnous aider à mieux comprendre l‘attitude nouvelle exigée par la peinture moderne. Il faut comprendre que nous devons nous disposer à (ou pour) l’oeuvre, sans chercher à lui attribuer un sens. Il faut accepter d’être d’abord désorientés et apprendre à reconnaître ensuite d'autres relations possibles entre l’oeuvre et soi-même, pour finir par voir d’un oeil éminemment spirituel. De sorte qu’il s’agit au final d’apprendre à vivre l’oeuvre de Rothko et un certain type d'art contemporain en intégrant des modes nouveaux d’accès à cette peinture, tout en vérifiant une expérience proche du religieux, bien que séculaire. / Using the presentation of Mark Rothko’s work and an analysis unveiling the "risks of the sublime" in it, we advance through an aesthetic approach. Focusing on thenecessary act that the contemporaneous viewer must engage in to find a meaning inthe experience of the paintings; our aim is to forge new ways of understanding. This consideration reveals how the sublime and an apophatic mystic help us understand a new and needed appreciation for modern art. By becoming fully open and available to the painting without searching to assign a sense and accepting to be disorientated at first, we arrive at other possible relationships and we can see with an eminently spiritual vision. Thus, we learn to live Rothko’s works and too, contemporary painting, suggesting new ways of access and evincing an experience that can be religious, while remaining secular. / Partimos de la presentación de la obra de Mark Rothko y de un análisis que nosdescubre los "riesgos de lo sublime" en ella, para tomar después un punto de vistaestético. Dirigiendo la atención al necesario acto que el espectador contemporáneodebe realizar para encontrar un sentido en su experiencia con las obras, buscamosforjar nuevas vías de comprensión. La reflexión, entonces, pretende descubrir cómolo sublime y una mística apofática podrían ayudarnos a entender esa nueva actitudque pide la pintura moderna. Entender que debemos disponernos a la obra, sinbuscar un sentido para atribuirle, aceptando una desorientación primera, para llegar a aceptar otras relaciones posibles y ver finalmente con una visión eminentemente espiritual. Así, aprender a vivir la obra de Rothko y de un cierto tipo de arte contemporáneo proponiendo nuevos modos de acceso y constatando unaexperiencia que pude ser religiosa, aunque secular.

Esta tesis, que integra los estudios de la Sociología del Arte, se centra en la vinculación de la poética del artista Edgardo Antonio Vigo (1928 - 1997) con la política y lo político, así como con los procesos sociales más generales entre 1968 y 1975. Vigo ocupó una posición emergente en el desarrollo del arte platense y desplegó producciones que emprendieron una poética rupturista con lo establecido por algunos de los cánones tradicionales del arte y sus instituciones, y elaboró propuestas estéticas innovadoras que abarcaban las artes visuales en sus diversas formas. Se analizan en esta tesis los modos por los que Vigo al mismo tiempo que apunta a cuestionar las estructuras y manifestaciones de las Bellas Artes, lo hace con las formas dominantes de la cultura a través de obras y textos que tendían a desestabilizar los roles de autor, espectador y obra, así como a involucrarse de distintos modos en los acontecimientos políticos de la época. Se estudian, además, las producción de acciones artísticas en el espacio público, que Vigo llamó señalamientos, la utilización y apropiación del discurso y aspectos materiales de lo judicial-administrativo y la edición de la revista ensamblada Hexágono ’71 (1971 -1975). En estas zonas de la poética de Vigo se consideran las diversas relaciones entre arte y política, las cuales no han sido lineales ni unidireccionales, sino modos de distorsionar y disentir con las jerarquías, lugares y funciones de los sujetos y objetos del entramado social. Para la realización de la tesis se produjo un diseño metodológico cualitativo, se utilizaron fuentes documentales y entrevistas. Se desarrolla un análisis de las obras del artista, más que remitiéndolas a una corriente artística particular, haciendo foco en su relación con la situación social y política, especialmente en sus vinculaciones con el particular proceso de subjetivación política de la época. Se procuró para ello realizar una investigación que se detenga de manera pormenorizada en el trabajo artístico y sus particularidades (materiales, técnicas, formas, estrategias de intervención), así como en sus discursos escritos, plasmados en ensayos, artículos y otros textos, para avanzar desde allí hacia un análisis interpretativo y comprensivo de las conexiones y de los efectos que perseguía tal trabajo con los procesos políticos. Se presentan en los Anexos matrices de datos de los señalamientos y de Hexágono ’71, así como un índice razonado de la misma. / This dissertation is part of the field of Sociology of Arts and focuses on the relationship between the poetics of the artist Edgardo Antonio Vigo (1928-1997) and politics and the political, as well as the general social processes between 1968 and 1975. Vigo occupied an emerging position in the development of local art and carried out productions that undertook a poetics which broke with some traditional canons of art and their institutions, and he also made innovative aesthetic proposals in visual arts. We analyze the ways in which Vigo, while questioning structures and manifestations of Beaux Arts, did it with the dominant culture forms through works and texts that tended to destabilize the roles of author, spectator and work, as well as to be involved in political events. We also study the production of artistic actions in the public space, which Vigo called señalamientos [signalings], the use and appropriation of the judicial-administrative discourse and materials, and the publication of the assembling magazine Hexágono ’71 (1971-1975). In these zones of Vigo’s poetics we consider diverse relationships between art and politics, which were not linear or one-way, but means of distorting and dissenting from hierarchies, places and roles of subjects and objects in society. To prepare this dissertation we produced a qualitative research design and used documental sources and interviews. We developed an analysis of Vigo’s works, focusing on the relationship with the social and political situation and the process of political subjectivation of that time, rather than following a specific artistic movement. The research discusses in detail the artistic work and its distinctive features (materials, techniques, forms, strategies of intervention), as well as Vigo’s written discourses expressed in essays, articles and other texts, to progress from there to an interpretative and comprehensive analysis of the connections and effects pursued by those works with regard to the political process. In the Appendix we include data matrices of señalamientos and Hexágono ’71, and an index of this magazine.

Tesis para optar al grado de Magíster en Estudios Latinoamericanos / Este trabajo de investigación pretende realizar un estudio de las políticas públicas ligadas a la extensión de las artes visuales de Chile y Brasil en las décadas de los cuarenta y los cincuenta, enfocándose en dos eventos fundamentales para la modernización de la institucionalidad artística. El primero, la fundación del Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Chile en 1947. Y, el segundo, la fundación del Museo de arte Moderno de Sao Paulo en 1948 y la posterior realización de la Bienal de Arte de la misma ciudad en 1951. Dicho estudio refiere a los modelos de financiamiento que se entregaron para la fundación de dichas instituciones, el primero de carácter estatal llevado a cabo por la Universidad de Chile y el segundo, de carácter privado, llevado a cabo por la élite metalúrgica paulista, analizando las programáticas y marcos ideológicos que delimitaron las inauguraciones de las institucionalidades y el cómo estas se insertan en las redes de intercambio mundial del arte.