Cette thèse articule les cadres d’analyse des sociologies du travail et de l’éducation pour étudier l’émergence et les évolutions, voire les disparitions, des métiers de la mode et de ses instances de formation. Elle repose sur une enquête réalisée dans trois institutions de formation appartenant à trois niveaux différents de la hiérarchie scolaire : une école de stylisme privée, un lycée technique et un lycée professionnel. La méthodologie employée associe des observations de longue durée, 104 entretiens réalisés auprès d’étudiants, de personnels enseignants et d’acteurs du monde de la mode et une analyse documentaire. La perspective sociohistorique adoptée permet d’observer la structuration d’un monde social ainsi que l’offre de formation. Celle-ci s’organise au cours du XXe siècle, permettant aux femmes d’accéder à l’éducation technique, suit les évolutions de l’activité et passe progressivement d’une formation ouvrière à une formation supérieure orientée vers la création (partie I). Les analyses de la sociologie du curriculum permettent de montrer la diversité de ces institutions et de poser la question de l’existence d’une filière de formation aux métiers de la mode (partie II). Les écoles privées, les plus nombreuses dans le stylisme, illustrent la marchandisation de la certification. L’insertion professionnelle consécutive à ces cursus met à l’épreuve les relations entre la sphère de l’école et celle du travail et montre la place privilégiée accordée aux garçons dans le monde de la création (partie III). / This dissertation is based on the analytical patterns developed in sociology on labor and in sociology on education, in order to study the rise and evolution, and eventually the loss, of the fashion industry professions and its vocational schools. It is supported by a survey pursued through three educational institutions representing three different levels of education in the hierarchy of the school system : a private fashion designer school, a technical High school and a secondary school for vocational training. The methodology used associates long-term observations – 104 interviews with students, teachers and actors of the fashion world – as well as a commentary based on documents. The sociohistorical perspective adopted here allows us to observe the structure of a social world as well as the panel of professional trainings it offers. It rises through the 20th century allowing women to get access to a technical education ; it follows the evolutions of the activity that grows progressively from a blue-collar schooling to a higher level of education with an orientation towards creativity (Part 1). The analysis of the sociological structure of curriculum allows us to show the diversity of these institutions and to ask the question of the existence of a career path towards the fashion industry professions (Part 2). The Private schools, the most numerous in the field of fashion design, emphasize the trade to obtain these diplomas. The Professional insertion following these trainings challenges the relations between the school and the work spheres and shows the privileged place granted to young men in the world of fashion design and creation (Part 3).

Le monde du travail est en perpétuel changement : évolution rapide de nouvelles technologies, compétition globale et marché économique incertain en sont des exemples. Pour rester compétitives et assurer leur pérennité dans un environnement en bouleversement continuel, les organisations doivent être créatrices et innovatrices. La présente recherche s’appuie sur les résultats d'études s’étant penchées sur la formation à la créativité et son efficacité en milieu organisationnel. Cette recherche vise à étudier les impacts perçus d'une formation à la créativité offerte à des gestionnaires du réseau de la santé et des services sociaux au Québec. Les objectifs spécifiques sont d'évaluer les effets de la formation tels que perçus par les gestionnaires et leurs subordonnés en regard du potentiel créateur, de la créativité au travail et du climat d'équipe. Le devis de recherche a nécessité la mise en oeuvre d'un atelier de formation à la créativité offert à des gestionnaires, des mesures quantitatives pré et post formation, l’utilisation d'un groupe témoin qui a aussi été formé, et ce, pour un temps de mesure différent du groupe expérimental. La participation d'employés subordonnés aux gestionnaires des deux groupes formés a aussi été sollicitée, afin d'apporter un complément d'information aux mesures autorévélées des gestionnaires. Au total, l’échantillon comprend 23 gestionnaires et 107 employés sous leur supervision. L'atelier de formation d'une journée a été planifié et animé par un formateur d'expérience. Plusieurs moyens ont été mis en place avant, pendant et après la formation pour maximiser les retombées potentielles de la formation en milieu de travail. Les données ont été recueillies en trois temps par voie de questionnaires et des analyses de comparaison de moyennes (tests-t de Student) et des ANOVAs à plans factoriels à mesures répétées ont été réalisées. Les résultats ne révèlent aucune différence notable entre les scores pré et post formation, sauf en ce qui a trait à trois items qui affichent des différences de moyennes pré et post formation significatives. Ces trois items ont en commun la création, le partage ou le développement d'idées. Il s'avère donc que peu de transfert des apprentissages est observé, et ce, malgré la motivation intrinsèque des participants à s’inscrire à la formation, l’excellence de la formation offerte et les envois subséquents de capsules rappelant les notions apprises, comme mesure de suivi. La présente recherche confirme la difficulté de transférer un savoir-faire non technique ou procédural suite à une formation et, conséquemment, le défi de soutenir la motivation des apprenants dans le transfert des apprentissages.

Ce travail a été entrepris dans deux pays vivant des catastrophes naturelles et humaines à long terme. Il porte sur les processus créateurs, les traumas complexes et les processus psychiques des adolescents : en Haïti, pour se rétablir à la suite du séisme de janvier 2010 qui a ravagé plusieurs villes du pays et tué environ 2,5% de la population ; en Israël, après la deuxième guerre du Liban en 2006 et les attentats terroristes ayant touché tout le pays. La présente recherche avait pour objectif d'étudier les processus créatifs exprimés après les conséquences traumatiques du séisme, de la guerre et des attentats, parmi les adolescents haïtiens et israéliens, ainsi que les stratégies mises en place pour y faire face et se rétablir. Elle était basée sur des approches multidisciplinaires et des méthodes qualitatives et narratives, tout en tenant compte des particularités culturelles du processus créateur. Nous avons examiné deux groupes, l'un composé de 60 adolescents israéliens âgés de 11-12 ans, l'autre composé de 45 adolescents haïtiens entre 10 et 18 ans, à l'aide d'outils d'analyse non verbaux, de la symbolisation d'événements marquants de la vie, de la manifestation traumatique et de la résilience. Nous avons ensuite recueilli des données grâce à des entretiens cliniques et des dispositifs groupaux de médiation malléable, auprès de 30 adolescents. Nous présentons dans ce travail 6 études de cas que nous avons sélectionnées pour leurs particularités. Les résultats indiquant que le soutien social constitue le meilleur facteur manifeste de la résilience ont pu être constatés au travers des survivants qui s'appuyaient sur un ensemble de tuteurs de résilience et sur leurs réseaux personnels. Ils montrent également que l'influence du risque, les facteurs de protection et la résilience coexistent dans le continuum de la vie de l'adolescent exposé à des situations traumatiques. L'ensemble des résultats souligne la nécessité d'établir des cadres de médiation thérapeutique et créative avec la culture comme levier thérapeutique, pour accompagner à long terme les adolescents en situation de danger et de détresse. / This cross-cultural study has been researched in two countries exposed to natural and human disasters in the long-term. It focuses on the creative processes, complex traumas and mental processes of adolescents: in Haiti, following the January 2010 earthquake, which devastated several towns and killed about 2.5% of the Haitian population ; in Israel after the Second Lebanon War of 2006 and terrorist attacks that devastated the country and affected 4-5% of the Israeli population. This research aimed to study the creative process after the traumatic consequences of an earthquake, war and terrorists attacks among Haitian and Israeli adolescents and the strategies they implement for coping and recovering. It was based on multidisciplinary approaches, as well as, qualitative and narrative methods, taking into account the cultural aspects of the creative process of the adolescents in each country. We examined two groups. In first group there were 60 Israeli adolescents aged 11-12 years. In the second group, 45 Haitian adolescents aged 10-18 years. We collected data from clinical interviews and expressive art groups of 30 adolescents. We used nonverbal methods to analyze the adolescent significant life and traumatic events and resilient experiences. In this study we present six case studies that were selected because of their special features. The results indicate that social support is the highest factor of resilience in adolescents’ survivors of complex trauma situations. We found that the adolescents used resilient tutors and individual resources to survive. The results also show that the influences of risk, protective factors and resilience co-exist in the adolescent`s life continuum in the long-term coping with traumatic events.The overall results emphasize the need for on-going therapeutic and creative process groups to support youth living in dangers and distress situations.

L’objet de cette thèse consiste à décrire le processus et les techniques de composition utilisées par Claude Debussy à la fin de sa vie. À partir d’une réflexion préliminaire sur la situation et les conditions des pratiques compositionnelles de Debussy, plusieurs éléments du processus créateur et un certain nombre de techniques de composition peuvent être illustrés, en se fondant sur une analyse des esquisses qui conservent la trace du travail créateur. Ces dernières prennent la forme de ratures, interprétables grâce aux outils que fournit la critique génétique. Le corpus considéré embrasse plusieurs avant-textes d’œuvres composées durant l’été 1915, En blanc et noir pour deux pianos, les Douze études pour piano et la Sonate pour violoncelle piano, auxquelles s’ajoute la Sonate pour violon et piano, composée entre 1916 et 1917. Les documents les plus intéressants des dossiers génétiques, porteurs de traces abondantes du processus créateur, ont fait l’objet de transcriptions diplomatiques. Ces dernières ne constituent pas des facsimilés normalisés, mais offrent une représentation du manuscrit dans sa dimension à la fois spatiale et temporelle, tout en le reliant au devenir de l’œuvre. Ces transcriptions sont au fondement des analyses par lesquelles sont envisagés trois grands angles d’approche que la lecture des esquisses a fait émerger : la genèse des idées, les techniques de composition appliquées au matériau et la gestation de la forme musicale. La notion d’idée musicale permet d’explorer d’abord la constitution du projet musical, souvent cristallisé autour d’un élément extra-musical, puis le rapport entre l’invention mélodique et le processus de composition et, enfin, la construction des phrases musicales. Les techniques de composition mises en lumière se structurent par couples complémentaires : l’ellipse et l’interpolation, l’harmonie et le rythme, la duplication et la variation. La forme musicale est abordée selon deux problèmes apparents dans les esquisses : premièrement, la relation entre les fonctions formelles et leur mobilité, propre à l’œuvre in statu nascendi ; deuxièmement, la difficulté spécifique des zones conclusives. Cette « visite » de l’atelier de Debussy permet de faire l’hypothèse d’une méthode de composition reposant sur les catégories dégagées par l’analyse que d’autres travaux pourront étayer, nuancer ou préciser. / This dissertation describes the compositional process and the techniques used by Claude Debussy at the end of his life. Starting from a preliminary thought on the status of Debussy’s compositional practices, several features of the creative process and some compositional techniques may be highlighted, by analysing the sketches which record the traces of the creative work. These traces appear as crossings-out, which can be interpreted with the tools given by the genetic criticism. The corpus includes several avant-textes from works composed during the summer 1915, En blanc et noir for two pianos, the etudes for the piano, and the cello sonata plus the violin sonata, composed between 1916 and 1917. From the most pertinent documents, that are part of the genetic files and carry many traces of the creative process, diplomatic transcriptions have been realised. They do not constitute facsimile, nor normalised transcriptions; they rather represent the manuscript in terms of time and space, linking it also to the achieved work. These transcriptions form the basis of the analysis through which three perspectives are considered: the genesis of the ideas, the compositional techniques applied to the material, and the gestation of the musical shape. The notion of musical idea allows exploring first the constitution of a musical project, often focused on an extra-musical element, then the relationship between the melodic invention and the compositional process, and, lastly, the building of musical phrases. The compositional techniques go in complementary pairs: the ellipse and the interpolation, the harmony and the rhythm, the duplication and the variation. The musical shape is approached from two points of view: first, the relationship between the formal functions and their mobility, peculiar to the work in progress; second, the specific difficulty located in the conclusion areas. This ‘guide tour’ from Debussy’s studio leads up to hypothesise that there is a compositional method, relying on the categories identified by the analysis, and that further studies can support, moderate and precise.

Ce travail psychanalytique interroge le surdon infantile (QI > 140 et harmonieux) dans tous ses aspects dynamiques (clinique, psychopathologique, psychogénétique). L'exposé théorique articule les notions de génie et de folie chez l'enfant surdoué, l'adolescent et le génie créateur adulte ; il propose une approche métapsychologique de la régression ; puis traduit ces notions à la lueur de notre outil méthodologique : les techniques projectives. L'échantillon est composé de 26 enfants et adolescents surdoués âgés de 7 à 16 ans. Parmi eux, 13 sont consultants et 13 sont non-consultants : ces derniers, ignorant leur QI, ont été recrutés dans les classes d'une institution scolaire classique. Tous ont été soumis à un bilan psychologique complet (WISC III ou IV – Rorschach – Épreuve thématique : TAT ou CAT). Les résultats, dans la continuité ou non des hypothèses, révèlent en particulier la souffrance globale de ces enfants et la fonction toujours défensive du surinvestissement de la pensée, variant selon leur registre de fonctionnement psychopathologique. Ils observent également la place centrale de l'agressivité dans le détournement pulsionnel vers la pensée, en lien avec des profils parentaux bien spécifiques. La question de l'agressivité réprimée, puis détournée, de ces enfants, aide par ailleurs à expliquer un certain nombre de symptômes (ou traits) fréquemment prêtés à cette population, et jusqu'ici inexpliqués. Elle permet aussi d'interroger la dualité entre idéalisation et sublimation. Notre échantillon, inédit, éclaire également les raisons de la prévalence de garçons de la latence dans les consultations d'enfants surdoués, ainsi que la fonction fondamentalement socialisante de la figure paternelle, comme principal argument de distinction entre les deux groupes. Ce travail interroge également la question du douloureux passage pubertaire chez ces sujets et une découverte étonnante de notre étude, relative à leur fréquent défaut de symbolisation primaire. Notre conclusion tente d'aiguiller le professionnel de santé dans sa prise en charge curative de l'enfant dit surdoué, à la lueur de ces voies d'entrée dynamiques.

Les études critiques littéraires insistent sur le fait que la langue poétique joue un rôle prépondérant dans la construction du poème et ce qu’il englobe comme sens et symboles. La langue poétique a, en effet, une particularité inspiratrice à travers laquelle elle exprime l’objectif axial du discours poétique. Elle est l’épicentre du rayonnement de la créativité et le liant entre les constituants subjectifs et objectifs du poète. Elle est la traduction fidèle des conceptions, des sensations et des inquiétudes de l’auteur. C’est ainsi que s’opère la consonance entre la langue et le processus poétique pour créer une cohésion organique basée sur un interactionnisme symbolique. Celui-ci aide, de son côté à définir les manifestations de la fonction poétique à travers «le rythme, la manipulation phonétique et l’image ». Cependant, avec l’émergence de la modernité ou la conception moderne de la critique, cette langue acquiert de nouvelles notions et méthodes fondées sur le sens, la construction imagée de même que sur la saturation musicale du texte. C’est pourquoi nous relevons de nombreux textes débordant de dépaysement, de nostalgie. Nous relevons, aussi, d’autres textes reflétant un état de tension et d’inquiétude au niveau du sens ou une langue qui ne peut exister que par les glissements de sens, le récit, le discours ou la narration poétique. C’est là où réside le rôle du poète dans la mise en avant de cette langue en faisant appel à sa capacité et à sa force créatives qu’il met au service de son texte afin de parvenir à la transmission la plus juste du sens.Le chercheur que je suis tentera de suivre à la trace l’expérience poétique de l’auteur qui a perduré plus de huit décades de prises de position. Le lecteur de son recueil se retrouve en face de l’histoire ancienne de l’Iraq, du monde arabe voire du monde entier. Il a composé des poèmes et strophes pour exprimer ses tiraillements et ses idées. Les thèmes qu’il aborda se subdivisent entre une poésie strictement personnelle dans laquelle il relate ses sentiments et sa nostalgie pour son pays de même que les souffrances et privations qu’il assuma durant son exil et une poésie où il traite pêle-mêle d’érotisme, de panégyrie, de description, d’élégie, de causticité… Le tout a été traité dans un style, une musicalité et un imaginaire féconds et qui nous rappelle la période florissante de la poésie arabe. Ces poèmes se présentent, donc, truffés de créativités esthétiques. Il a fait appel à l’habillage le plus étincelant, la langue la plus éloquente et les sens les plus nets de la poésie des poètes éminents (šu‘arâ’ al-Fuḥûl ), le plus célèbre des poètes de l’époque de Muhammad Mahdi Al-Jawâhirî.C’est pour ces raisons, et beaucoup d’autres, que cette étude propose de jeter la lumière sur les composantes esthétiques et créatives de sa poésie. Il n’est point étonnant si nous affirmons que ce personnage se distingue par plusieurs figures de style et d’esthétisme. Ceci constitue, par ailleurs, un des points axiaux que traitera cette recherche. La première partie concerne « la musicalité du texte ». Elle propose un travail analytique de la musique poétique de l’auteur. Elle englobe trois chapitres dans lesquels nous avons traité trois questions personnelles : la mesure, la rime et le rythme. La seconde partie porte le titre « techniques de la langue poétique ». Cette question s’appuie sur plusieurs fondements et éléments divers qui permettent de démontrer la façon d’utiliser la langue par le poète et sa capacité à la modeler harmonieusement avec les autres éléments du texte. Cette partie se décompose en deux chapitres. La troisième partie porte le titre (la symbolique de l’image poétique). Nous y avons abordé la question de l’image dans la poésie d’al- Jawâhirî et l’avons divisée en deux chapitres. La quatrième partie s’intitule (la symbolique dans la poésie d’al- Jawâhirî). Nous y avons démontré que le symbole joue un rôle prépondérant dans la formation du texte ...... / Literary critics studies insist that poetic language plays a leading role in the construction of the poem and what it includes as meaning and symbols. Poetic language is indeed an inspiring feature through which it expresses the axial objective of poetic discourse. It is the epicenter of the radiation creativity and linking between subjective and objective components of the poet. It is the accurate translation of ideas, feelings and concerns of the author. Thus operates the consonance between language and the poetic process to create an organic cohesion based on symbolic interactionism.This help his side to define the manifestations of poetic function through "the pace, phonetics and image manipulation." However, with the emergence of modernity and the modern conception of criticism, the language acquires new concepts and methods based on meaning, pictorially building as well as the musical saturation of the text.That is why we note many texts full of scenery, nostalgia. We note, also, other texts reflecting a state of tension and anxiety in meaning or language that can only exist by the shifts in meaning, narrative, speech or poetic narration. This is where lies the role of the poet in the prior implementation of this language by using his ability and his creative force that it offers to its text in order to achieve the most accurate transmission of meaning.The researcher I try to keep track of the poetic experience of the author that lasted more than eight decades of positions.The sound collection drive ends up in front of the ancient history of Iraq, the Arab world or the whole world. He composed poems and verses to express her worries and ideas. The themes he tackled are divided between a strictly personal poetry in which he recounts his feelings and his nostalgia for his country as well as the suffering and deprivation that he assumed during his exile and a poetry which he deals jumble of eroticism, panegyric, description, elegy, caustic ... everything was covered in a style, musicality and a fertile imagination and reminds us of the flourishing period of Arabic poetry. These poems present themselves, so riddled with aesthetic creativity. He appealed to the most sparkling dress, the most eloquent language and the clearest sense of the poetry of prominent poets (šu'arâ al-Fuḥûl), the most famous poets of the time of Muhammad Mahdi Al-Jawahiri.It is for these reasons and many others, that this study will shed light on the aesthetic and creative components of his poetry. It is not surprising if we say that this character is distinguished by several figures of style and aesthetics. This is, moreover, one of the axial points as process this search. The first part "the musicality of the text." It provides analytical work of the poetic music of the author. It includes three chapters in which we treated three personal questions: the measure, rhyme and rhythm. The second part is entitled "techniques of poetic language." This question is based on several foundations and various elements that demonstrate how to use the language of the poet and his ability to shape harmoniously with the other elements of the text. This part is divided into two chapters. The third part of the title (the symbolism of the poetic image). We approached it the question of the image in the poetry of al-Jawahiri and have divided into two chapters. The fourth part is called (the symbolism in the poetry of al-Jawahiri). We have shown that the symbol plays a key role in the formation of the text and opens a wide field for interpretation in view of the fact that it is based on a coated indirect language of a relative confusion of sailing. This is where lies the pleasure of the reader who finds himself forced to reread the text several times hoping to decipher the exact meaning hidden. The most successful poetry is the one whose meaning is latent or confused....

La thèse analyse les modes de production de valeur et les mécanismes du travail dans un milieu particulier, celui de l'escalade, en empruntant les outils conceptuels de recherches menées dans le domaine de la création. En s'appuyant sur de récentes investigations sur le travail créateur réalisées dans les mondes de l'art, de la mode ou de la communication, cette étude appréhende la figure du grimpeur professionnel comme le résultat d'un processus collectif d'élaboration mobilisant différents groupes d'acteurs. En travaillant ensemble, ceuxci vont produire un idéal, celui du « professionnel » qui, grâce au soutien des marques, des entreprises ou des fédérations, voyage à travers le monde afin de réaliser sa passion. Cette enquête ethnographique menée entre 2012 et 2014 aux Etats-Unis et en Europe de l'Ouest avec certains des meilleurs grimpeurs professionnels mondiaux, des photographes, des vidéastes, des journalistes ou encore des membres de l'industrie spécialisée permet d'éclairer la construction de la « professionnalité » et les mécanismes de travail qui lui sont associés. Il est question, d'une part, d'étudier comment et pourquoi des individus travaillent ensemble et, d'autre part, d'analyser l'organisation et la structuration de ce travail créateur. En effet, derrière le sens et les représentations associés à la figure du « grimpeur professionnel » qui se dédie exclusivement à la réalisation d'une activité primaire, l'escalade, le travail de ce dernier repose fondamentalement sur la polyvalence professionnelle. Ainsi, cette étude explore le quotidien de ceux qui ont atteint le sommet de leur art et fait le pari audacieux que l'analyse réalisée contribue à la connaissance du travail créateur tel qu'il est analysé dans d'autres domaines / This research analyzes the production of value and the transformations of work and labor in climbing by drawing on the conceptual tools of recent research in the realm of creation. Building on studies of creative work in the worlds of art, fashion and communication, this research captures the persona of the professional climber as the result of a collective process of elaboration carried out by different groups of actors. By working together, they produce an ideal of the “professional”, who, thanks to the support of brands, companies and sports federations, travels across the world for climbing. An ethnographic research, conducted between 2012 and 2014 in the USA and Western Europe with some of the best professional climbers, photographers, filmmakers, and industry members, sheds light on the crafting of “professionalism” and the related mechanisms of work. The aim of the research, on the one hand, is to study how and why people work together and, on the other hand, to analyze the organization and structure of this creative work. In fact, beyond the meaning and representations associated with the persona of the professional climber whose work revolves exclusively on the primary task of climbing, the work of professional climbers is fundamentally multilayered. Therefore, this research explores the everyday livelihood of the ones who are at the top of their game and contributes to the knowledge of creative work as it has been studied in other areas

Le travail de recherche en Arts Plastiques propose de questionner et d’expliciter le processus qui conduit de l’expérience de la maladie à celle de la création. Comment le geste créateur se trouve-t-il activé, transformé par la maladie ? Le travail plastique articulé à l’écriture, tente de vérifier l’hypothèse suivante : c’est à travers le processus de fragmentation (Heinz Kohut), de rassemblement (Anne-Sophie Le Poder) et de réparation (Jeanine Chasseguet-Smirgel) que le corps, devenu créateur, se dépasse tout en reprenant chair, devient autre, traversé par ses propres peurs et douleurs, réparé ou reconstruit par leur passage. La première partie (fragmentation), qui interroge la notion d’espace, analyse des œuvres de Louise Bourgeois et Yayoï Kusama. La fragmentation du corps et sa représentation permettent-elles de figurer la manière dont l’expérience de la maladie s’incarne, s’incorpore dans la création, sans pour autant l’illustrer ? La seconde partie explore le rassemblement comme geste de conciliation avec le corps. Dans le travail de Mona Hatoum, Chiharu Shiota, ou Niki de Saint Phalle, comment le geste de rassemblement devient-il un sang qui soude (Agamben), tout en mettant à l’épreuve du regard la faille du temps ? Dans la troisième partie (réparation), la réflexion se poursuit avec les œuvres de Rebecca Horn, Berlinde de Bruyckere, et la pièce chorégraphique Körper de Sasha Waltz. Sont développées les questions de la mémoire, et de l’altérité dans le processus qui lie corps malade et corps créateur. Dans la singularité de leur plasticité, les matériaux deviennent des lieux pour réécrire le corps dans son expérience de la douleur, sans pour autant la figurer. / The research in Arts suggests questioning and clarifying the process from the illness experience to creation. How is the creative gesture activated, transformed by the illness? The plastic work associated with the writing tries to verify the following hypothesis: it’s through the process of fragmentation (Heinz Kohut), of gathering (Anne-Sophie Le Poder) and mending (Jeanine Chasseguet-Smirgel) that the body, now a creator, surpasses itself while resuming flesh, turns itself into something different, through its own fear and pain, repaired or reconstructed by their passage. The first part (fragmentation), whith the notion of space, analyses Louise Bourgeois and Yayoï Kusama’s works. Does the fragmentation of the body represent the way the experience of the illness is embodied, incorporated into creation, without illustrating it? The second part explores gathering as a gesture of conciliation with the body. In Mona Hatoum, Chiharu Shiota, or Niki de Saint Phalle’s works, how does this gesture become a blood which welds (Agamben), while making us looking at a hole in time? In the third part (Repair), the reflection goes on with Rebecca Horn and Berlinde de Bruyckere ‘s works, and the choreographic play "Körper" by Sasha Waltz. Questions related to the illness and creative body will be linked to memory and otherness. In the peculiarity of their plasticity, materials become places to rewrite the body in its experience of pain, without representing it.

Cette recherche étudie l'effet de l'exploration de la création artistique sur l'identité professionnelle d'art-thérapeute, d'enseignante en art-thérapie et de psychologue avec une approche heuristique, c'est-à-dire en se plaçant au cœur de l'expérience sensible de la création. La question de recherche est la suivante : comment l'exploration de mon identité d'artiste à travers la création artistique modifiera-t-elle mon identité professionnelle? Cette recherche exploratoire vise à découvrir les processus et vécus présents lors de la création artistique, susceptibles de modifier l'identité professionnelle. La variante HSSI (Sela-Smith, 2002) de la méthode heuristique de recherche est utilisée. Nous retrouvons deux types de données : 11 productions artistiques et un Journal de processus créateur de 430 pages manuscrites. L'analyse des données comporte une analyse de la symbolique des œuvres artistiques, une analyse thématique du contenu du Journal de processus créateur, une analyse des étapes du processus créateur et une analyse de l'application de la méthode heuristique dans cette recherche. Les résultats obtenus concernent l'identité professionnelle d'art-thérapeute, celle d'enseignante en art-thérapie, celle de psychologue et celle d'artiste. Un intérêt secondaire de cette recherche est la formalisation de la méthode heuristique pour son application à l'art-thérapie.

Le phénomène de la création dans le cadre d’un discours sur la création – la production littéraire et artistique – ne va pas de soi. La tâche de le circonscrire comme un objet est antinomique : l’expérience du discours est en soi une création. Alors que le langage écrit semble au plus souvent «supprimer» l’auteur, le processus de création implique un «Je» créateur qui pense, qui se transforme, qui vit et dont la pensée s’imbrique à son objet qui, quant à lui, est «supprimé»; car il n’est pas extérieur à la pensée mais en relation avec elle. Ce travail, qui démontre le rapport complexe entre l’objet, la critique, le sujet et le commentaire, se penche donc sur l’«avant», le «pendant» et l’«après» de la création, dans un acte de mémoire, qui découle d’une performance littéraire sur la création. Des forces motrices informes et inconscientes, à la mise en forme jusqu’à la transmission, qui lui redonne un caractère d’informe, la création est en mouvement, comme le savoir est toujours prisonnier d’un «work in progress». Tributaire d’Antonin Artaud, le texte s’inscrit à partir de l’artiste en guise d’archétype existentiel, et s’y réfère constamment pour témoigner de la création sans la détacher de la vie et de ses expériences. Pour accéder au mystère du processus de création, lié à la pensée subjective, inobjectivable et irréductible au discours linéaire, ce travail met l’accent sur les associations de la pensée qui procède, exprimées par un «Je» exemplaire omniprésent, tatoué par l’expérience, mais à la position ambiguë à titre d’auteur. Processus de vie, de pensée et de création sont non seulement entremêlés, mais traversés par le champ du tout autre, historique, mondial et social, en perpétuelle évolution. Le rôle du créateur n’est pas de ne créer qu’à partir des connaissances extérieures à lui, mais à partir de lui-même – de son moi multiple et de sa pensée imprégnée de lectures et de ce qui le traverse et l’habite dans un temps donné – pour aboutir à la mise en forme d’un texte cohérent, d’une gravure particulière de l’esprit en marche vers le savoir, qui se situe toujours dans le devenir. / The creation phenomenon within a discourse on creation – the literary and artistic production – is not self-evident. The task to define it as an object is antinomic; the experience of discourse is in itself creative. While written language seems often to “suppress” the author, the creation process actually implies a creative “self” who thinks, lives and transforms itself, and whose thoughts are overlapping into its object, which is thus “suppressed” because it is not outside of thought, but bound to it. This work, showing the complex relationship between object, criticism, subject and comment, is focussed on the “before”, “during” and “after” portions of the creative process, in an act of memory that stems from a literary performance about creation. From the shapeless and unconscious forces at its origin, to the its shaping, and then transmission, which gives it back its shapeless form feature, creation is in motion as knowledge is always captive of the work in progress. Tributary of Antonin Artaud, the text acts as an existentialist archetype of the artist and refers to him constantly to show creation without separating it from life and its experiences. To access the mystery of the creative process, linked to subjective, non-objectivable tought irreducible to linear discourse, this work focuses on the associations within the mind that proceeds, expressed through an ever present and exemplary “self”, tainted by experience, but in the ambiguous position of author. The processes of life, thought and creation are not only intertwined but infused by the “outside”, which is historical, global, social and in perpetual evolution. The creator's function is not to create based solely on his external knowledge, but from within himself – from his multiple selves and his mind filled by what he reads, what goes through his mind and inhabits him at a given time – to eventually shape a coherent text, a specific engraving of the soul as it marches towards the knowledge always hiding in the becoming.