A dissertação aqui presente procura cartografar a produção artística da brasileira Regina Vater, desde seu período de formação durante os anos 60 no Rio de Janeiro, até meados da década de 90, quando já fixara residência nos EUA. Vater é contemporânea de um período fértil da produção plástica nacional, tendo participado tanto dos pressupostos figurativos dos anos 60, até os conceitualismos dos 70, culminando assim nas décadas seguintes em um ecologismo artístico votivo que se perpetua até os dias atuais. Nesse percurso, deu-se ênfase nas relações entre sua produção artística e o movimento feminista brasileiro, procurando com isso estabelecer vínculos teóricos e críticos com as principais questões feministas em voga e as práticas artísticas conceitualistas e de vanguarda. / The dissertation presented here seeks to chart the artistic production of the Brazilian artist Regina Vater, since her formation during the period of 60`s in Rio de Janeiro until the mid-90´s, when she already set residence in the U.S.. Vater is contemporary of a fertile plastic production in the country, taking part in both figurative assumptions of 60´s, until the conceptualism of 70´s, thus leading to the following decades in an artistic votive environmentalism that is perpetuated to this day. In this course, was placed emphasis on the relationship between artistic production and Brazilian feminist movement, seeking to establish theorists and critics links with the principal feminist issues and practices in vogue and the artistic avant-garde and conceptual.

Pietro Maria Bardi, \"cronista\" de arte, arquitetura, design (e de muitos outros temas) e galerista experiente na Itália, veio ao Brasil em 1947, aos 47 anos. Trouxe consigo sua segunda esposa, Lina Bo Bardi, e uma coleção de arte a ser exposta no Ministério da Educação e Saúde, no Rio. Foi tão logo convidado por Assis Chateaubriand, diretor da cadeia de jornais Diários Associados, (Diário de S. Paulo etc.) a organizar um Museu de Arte \"Antiga e Moderna,\" que resultou no Museu de Arte de São Paulo--Masp. Tinha por intenção criar um museu vivo organizando, vinculados ao Masp, o Instituto de Arte Contemporânea--IAC, e a Escola de Propaganda, embrião da atual Escola Superior de Propaganda e Marketing--ESPM, as primeiras tentativas, no Brasil, de uma escola de design e de publicedade. Suas iniciativas buscavam atrair público e tornar a arte acessível, contribuído para que fosse produzida com qualidade pelos brasileiros para os próprios brasileiros, através da conscientização de apreciadores e patrocinadores dessas manifestações. Assim, Bardi, ciente do papel da publicidade, percebia a importância de divulgar tudo relativo às iniciativas do Masp e à arte. Usava como veículos a rede dos Diários, a Habitat (a revista do Masp), a Mirante das Artes & etc. (a revista homônima de sua galeria) e periódicos diversos, principalmente os geridos pelas famílias Carta e Alzugaray. Esses textos brasileiros do diretor e criador do maior museu da América Latina ainda não foram oficialmente compilados nem analisados, especialmente em virtude da dificuldade em acessá-los. Esta pesquisa, um primeiro passo para essa importante e trabalhosa tarefa e concentrou-se em seus artigos publicados nos magazines Casa Vogue, Homem Vogue, Arte Vogue, Senhor Vogue, Senhor e Istoé, no intervalo de 1976 à 1988, período que compreende sua primeira aparição como colaborador nas revistas de Vogue, até a fusão, em 1988, das revistas Senhor e Istoé, da Editora Três. / Pietro Maria Bardi was a journalist and author who wrote about art, design and architecture (along with many other subjects) and an experienced gallerist in Italy. He came to Brazil in 1947, at the age of 47. He brought his second wife, Lina Bo Bardi, and a collection of art to be exhibited in the Health and Education Administration, in Rio De Janeiro. Later Bardi was invited by Assis Chateaubriand, the Diários Associados\'s director, to create an Ancient and Modern Art Museum. This resulted in the creation of the São Paulo Art Museum - Masp. He wanted to create a \"living\" museum, by which he meant a museum with a more interesting and interactive experience. He combined the Contemporary Art Institute, (IAC) the first Brazilian design school, with an advertising school, all under one roof. His goal was to make all kinds of art accessible to everybody, contributing to its creation and quality, by brasilians for brasilians, he did this with the conscientiousness of a connoisseur and with the sponsorship of the art community. Thus, Bardi, conscious of the role of marketing realized the true importantance of advertizing everything related to Masp\'s exhibitions and other initiatives. Alongside the Chateaubriand\'s media, Bardi also advertised and wrote article in the Habitat (the Museum magazine) and Mirante das Artes & etc. (the homonym magazine of his art gallery) magazines and other periodicals like the ones directd by Carta and Alzugaray families. These brazilian articles on art and other related topics, produced by the creator and director of the most important latin american art museum, were never compiled or analysed, most likely because of the difficulty to access them. This research is intended to be the first step of this important and laborious task and focuses on Bardi´s writings published in Casa Vogue, Homem Vogue, Arte Vogue, Senhor Vogue, Senhor e Istoé magazines, between 1976 and 1988, from his first showing as collaborator in Vogue to the merger of Senhor e Istoé magazines, of Editora Três.

Orientador: Claudia Valladão de Mattos / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-17T05:59:50Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Goncalves_TatianaFecchiodaCunha_D.pdf: 15934035 bytes, checksum: afa8628c48b9d193a001ddb1e5f7d750 (MD5) Previous issue date: 2010 / Resumo: Esta tese discute a forma com a qual a representação do "louco" e da loucura foi construída nas imagens de quatro fotógrafos que realizaram ensaios fotográficos em Hospitais Psiquiátricos brasileiros no século XX - Alice Brill (1950), Leonid Streliaev (1971), Claudio Edinger (1989-90) e Claudia Martins (1997) - com o objetivo de explicitar a concepção de loucura subjacente às imagens, bem como pontuar elementos naturalizados nestas construções. Partindo da análise de conteúdo e iconográfica, da pesquisa sobre a tradição de representação do "louco" e da loucura na produção cultural imagética do ocidente, do estudo das implicações que a técnica fotográfica por si suscita, da análise história de veiculação e recepção das imagens, bem como de seus contextos culturais de produção; foi possível pontuar conceitos e pressupostos subjacentes à construção formal da representação do "louco" e da loucura nas imagens de cada um dos fotógrafos estudados. Este estudo permitiu identificar que elementos tradicionais de representação foram acessados pelos fotógrafos estudados, num movimento de perpetuação de formas tipificadas de compreender o diverso. Por outro lado, foi possível verificar que novos elementos compositivos surgiram relacionados com contextos específicos. Assim, este estudo, contribuindo para o desvelamento de formas tipificadas de representação do "louco" e da loucura, almeja representar um esforço no sentido de ampliar as possibilidades de crítica às construções imagéticas que circulam na sociedade, bem como para o questionamento de formas naturalizadas de apreensão destes sujeitos. / Abstract: This thesis discusses ways in which the representation of madmen and madness was built on images taken by four photographers who created photographic essays in Brazilian psychiatric hospitals during the twentieth-century - Alice Brill (1950), Leonid Streliaev (1971), Claudio Edinger (1989 -90) and Claudia Marshall (1997) - in order to unveil underlying social concepts about madness, while also highlighting specific elements that were naturalized in these constructions. The method was based on content analysis and iconographic research, We studied the traditional ways Western culture represents the insane in visual productions, and the implications raised by photographic techniques. We examined the history of transmission and reception of the images and the cultural contexts in which they emerged, so as to understand concepts and assumptions underlying the formal construction of the representation of the mad in the images of the photographers that were selected for this study. The results showed that traditional elements were accessed by the photographers, as a means of perpetuating characteristic modes of understanding diversity. Nevertheless, we observed that new compositional elements emerged, related to specific contexts. By questioning the naturalized ways that society has come to apprehend madness, by critically discussing the construction of images of madmen that circulate in society, our aim was to contribute to the unveiling of typified forms of representation of the mad and madness. / Doutorado / Artes / Doutor em Artes

Orientador: Luciano Migliaccio / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-17T07:44:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Silva_RosangeladeJesus_D.pdf: 63097274 bytes, checksum: 84af1c370116f80dd2d0aa92aa69e13e (MD5) Previous issue date: 2010 / Resumo:Nos últimos anos o interesse pelo trabalho de Angelo Agostini vem crescendo, sobretudo no que tange a sua atuação política e abolicionista na imprensa oitocentista. No entanto os aspectos ligados a sua obra como pintor e crítico de arte são apenas brevemente mencionadas, mesmo estando estas em diálogo com seu entendimento político. Essa pesquisa constatou que as questões ligadas à arte tiveram um espaço relevante no trabalho jornalístico de Agostini, da mesma maneira que sua atividade como pintor, embora pouco mencionada, estaria presente em toda a sua vida profissional, além de ter precedido seu início na imprensa ilustrada brasileira. Observa-se um discurso de valorização da arte e do artista, considerados peças de grande importância na construção da nação bem como da aproximação do Brasil aos ideais civilizacionais europeus. Este estudo procura evidenciar o artista Angelo Agostini, pois acreditamos que sua formação artística fornece a base para as ilustrações dos periódicos com os quais colaborou, o que pode ser observado, por exemplo, na manipulação da linguagem pictórica. O trabalho gráfico aparece em diálogo, em diversos momentos, com suas criações plásticas, ambos reveladores de debates contemporâneos ao artista. Apresenta-se neste estudo a análise da prática artística de Angelo Agostini, bem como do discurso que a acompanha, empreendida tanto em seu trabalho gráfico quanto pictural. / Abstract:In the last years the interest for the work of Angelo Agostini is growing, overcoat as regards his political acting and abolition ideas in the press. However the connected aspects his work as painter and critic of art are mentioned only shortly, even being this in dialog with his political understanding. This inquiry noted that the questions connected with the art had a relevant space in the journalistic work of Agostini, of the same way that his activity like painter, though little mentioned, it would be present in his professional life, besides having preceded his beginning in the illustrated Brazilian press. There is observed a speech of increase in value of the art and of the artist, thought pieces of great importance in the construction of the nation as well as of the approximation of Brazil to the ideals European of civilization. This study tries to show the artist Angelo Agostini up, since we believe that his artistic formation supplies the base for the illustrations of the magazines with which it collaborated, which can be observed, for example, in the handling of the pictorial language. The graphic work appears in dialog, at several moments, with his plastic creations, both revealers of contemporary discussions to the artist. There shows up in this study the analysis of the artistic practice of Angelo Agostini. / Doutorado / Historia da Arte / Doutor em História

Orientador: Luciano Migliaccio / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-06T09:36:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dazzi_CamilaCarneiro_M.pdf: 8078619 bytes, checksum: 3220fee87ea343fb3a72e572ad3353c2 (MD5) Previous issue date: 2006 / Resumo: Este trabalho apresenta a trajetória artística de Henrique Bernardelli na década de 1880, enfocando seus anos de estudo na Itália e a forma como sua produção desse período é recebida no meio artístico do Rio de Janeiro pré-republicano. O projeto busca uma melhor compreensão da pintura brasileira na segunda metade do Oitocentos, destacando as suas relações com a arte italiana do período / Abstract: This work presents Henrique Bernardelli¿ s artistic carrier focusing the 1880s, years in which he studies in Italy and the way this production was received by the Brazilian¿s art critics. The project aims also a better understanding of the Brazilian¿s painting in the second half of the 19th century, detecting its relations with the Italian art of the period / Mestrado / Historia da Arte / Mestre em História

Na segunda metade do século XX, a relação entre pintura e fotografia se modifica.. Pintores como Andy Warhol e Gerhard Richter partem de imagens ordinárias e esquemáticas como modelo para as suas pinturas. Warhol assume os procedimentos gráficos e seriais dos meios de comunicação de massa, Richter representa com óleo sobre tela a superfície e a luz da imagem fotográfica. Essas novas práticas têm impactos decisivos na história da arte. Esta tese pretende levantar as relações entre pintura e fotografia na obra de Warhol e Richter. Tentaremos relacioná-los com um contexto mais amplo da arte do pós-guerra na Europa e nos Estados Unidos e entender como isso sugere uma mudança no sentido da arte depois da década de 1960. / From mid 20th century, the relations between painting and photography changes. Painters like Andy Warhol and Gerhard Richter use ordinary and schematic images as a model for their paintings. Warhol assumes the graphic and serial procedures of the mass media, Richter represents with oil on canvas the surface and the light of the photographic image. These new practices have a decisive impacts on the history of art. This thesis aims to raise questions on the impact of the photography in the work of Warhol and Richter. We will try to relate them to a wider context of postwar art in Europe and the United States and to understand how this suggests a change in the direction of the visual arts after the 1960s.

O trabalho investiga a presença do expressionismo alemão em Mário de Andrade, a partir da análise de alguns momentos de sua atividade intelectual e artística sobretudo, sua crítica de arte, passagens de seus manifestos literários e os livros Losango cáqui e Amar, verbo intransitivo. A escolha desses momentos se deu após uma leitura abrangente da obra, em que foram identificadas três categorias igualmente essenciais ao expressionismo: o primitivismo, a deformação e a preocupação social, que, portanto, nos serviram de guia para o discurso crítico. / The dissertation investigates the presence of German Expressionism in Mário de Andrade, as from the analysis of some periods of his intelectual and artistic activities - especially, his art criticism, his literary manifestos\' passages and the books Losango Cáqui and Amar, verbo intransitivo. The choice of this specific moments occurred after an embracing reading of his work, which identified three essential categories to the Expressionism: the primitivism, distortion and social concern, that led us to the critical speech.

Uma das mais antigas matérias-primas utilizadas pelo homem, a cerâmica vive hoje uma das mais importantes revoluções conceituais de sua história. Como expressão artística, a cerâmica tem atravessado séculos sob o estigma de \"arte menor\" e refugiada no que o pesquisador Garth Clark denomina \"fortaleza cerâmica\", recorrendo a um gueto artístico construído com seus próprios veículos de comunicação, espaços expositivos e eventos. Esta pesquisa investiga quais foram os ecos desta condição marginal que conformaram a cerâmica tal como ela se apresenta na atualidade entre as artes visuais e o design, em tempos de intenso desenvolvimento dos recursos tecnológicos disponíveis e da ideia da não-materialidade como forma de manifestação. O estudo revisa a trajetória de artistas que, a despeito das diferenças hierárquicas que segregaram o artista do artesão, atribuíram novos significados a essa que é uma das mais primitivas formas de expressão do sentimento humano. A partir da revisão histórica dos pensamentos, tanto a favor quanto contra, sobre a classificação das artes em \"maiores\" ou \"menores\"; \"belas artes\" ou \"artes aplicadas\", questionamos a necessidade desta categorização. Analisamos, ainda, como as especificidades da cerâmica a tornam representação legítima da arte pós-moderna, conforme a visão de teóricos como Charles Jencks, Stuart Hall, Arthur Danto, Zygmunt Bauman, entre outros, pela sua capacidade de se adaptar as novas linguagens e aos conceitos nos nossos dias. / One of the most ancient media employed by the human being, ceramics nowadays is passing through one of the most important conceptual revolutions of its history. As art expression, ceramics has crossing over centuries under the stigma of \"low art\" and it looked for refuge wherein researcher Garth Clark calls \"Fortress ceramica\", recurring to an artistic ghetto built with its own communication vehicles, exposition spaces and events. This research investigates which were the echoes of this marginal condition that shaped pottery as it stands today among the visual arts and design, in a time of intense development of technological resources available and of non-materiality concept as expression. We look over the path of artists who, despite of hierarchic differences that segregate artist from artisan, gave new meanings to this form of expression that is one of the most primitives in history of humanity. From the historic revision of theories, both against or pro, about classification in \"low art\" or \"high art\"; \"fine arts\" or \"applied arts\", we question the necessity of any categorization. The research analyzes also how the specificities of ceramics turns it as a legitimate representation of postmodern art, under the vision of theorists as Charles Jencks, Stuart Hall, Arthur Danto, Zygmunt Bauman, among others, by its capacity of adaptation to the new languages and to the nowadays concepts.

Submitted by Geandra Rodrigues (geandrar@gmail.com) on 2018-06-29T15:06:19Z No. of bitstreams: 1 joaovictorrossettibrancato.pdf: 10806451 bytes, checksum: 86ccf90523ed056be6f8ddc22576cca2 (MD5) / Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2018-07-03T14:04:42Z (GMT) No. of bitstreams: 1 joaovictorrossettibrancato.pdf: 10806451 bytes, checksum: 86ccf90523ed056be6f8ddc22576cca2 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-07-03T14:04:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 joaovictorrossettibrancato.pdf: 10806451 bytes, checksum: 86ccf90523ed056be6f8ddc22576cca2 (MD5) Previous issue date: 2018-05-14 / CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Adalberto Pinto de Mattos (1888-1966) foi artista, professor e crítico de arte no Rio de Janeiro. Esta pesquisa tem por objetivo analisar a literatura artística produzida pelo autor durante a década de 20, momento de sua atividade nas revistas O Malho, Para Todos e Illustração Brasileira. A partir dessas fontes, busca-se investigar os princípios que regem seus textos e suas principais referências formativas a fim de compreender seus juízos acerca da pintura nacional e estrangeira. O trabalho centra-se no diálogo entre a tradição e a modernidade e privilegia as relações de intertextualidade entre a crítica de Mattos e a de outros críticos e teóricos, tanto do passado quanto seus contemporâneos. A postura historiográfica assumida compromete-se a uma revisão sobre a arte brasileira do entresséculos XIX e XX. / Adalberto Pinto de Mattos (1888-1966) was an artist, teacher and art critic in Rio de Janeiro. This research aims to analyze the author’s artistic literature produced during the 20's, period of his activity in the magazines O Malho, Para Todos and Illustração Brasileira. From these sources, it seeks to investigate what principles rule his texts and his main formative references, in order to understand his judgements about national and foireign painting. This work focuses in the dialogue between tradition and modernity and privileges intertextual relations between Mattos’ criticism and that of others critics and theorists, both of the past and his contemporaries. The assumed historiographical position commits itself to a revision about brazilian art between 19th and 20th centuries.

Submitted by Renata Lopes (renatasil82@gmail.com) on 2018-08-08T11:56:22Z No. of bitstreams: 0 / Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2018-08-08T11:57:31Z (GMT) No. of bitstreams: 0 / Made available in DSpace on 2018-08-08T11:57:31Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2016-04-15 / PROQUALI (UFJF) / Uma das mais antigas matérias-primas utilizadas pelo homem, a cerâmica vive hoje uma das mais importantes revoluções conceituais de sua história. Como expressão artística, a cerâmica tem atravessado séculos sob o estigma de “arte menor” e refugiada no que o pesquisador Garth Clark denomina “fortaleza cerâmica”, recorrendo a um gueto artístico construído com seus próprios veículos de comunicação, espaços expositivos e eventos. Esta pesquisa investiga quais foram os ecos desta condição marginal que conformaram a cerâmica tal como ela se apresenta na atualidade entre as artes visuais e o design, em tempos de intenso desenvolvimento dos recursos tecnológicos disponíveis e da ideia da não-materialidade como forma de manifestação. O estudo revisa a trajetória de artistas que, a despeito das diferenças hierárquicas que segregaram o artista do artesão, atribuíram novos significados a essa que é uma das mais primitivas formas de expressão do sentimento humano. A partir da revisão histórica dos pensamentos, tanto a favor quanto contra, sobre a classificação das artes em “maiores” ou “menores”; “belas artes” ou “artes aplicadas”, questionamos a necessidade desta categorização. Analisamos, ainda, como as especificidades da cerâmica a tornam representação legítima da arte pós-moderna, conforme a visão de teóricos como Charles Jencks, Stuart Hall, Arthur Danto, Zygmunt Bauman, entre outros, pela sua capacidade de se adaptar as novas linguagens e aos conceitos nos nossos dias. / One of the most ancient media employed by the human being, ceramics nowadays is passing through one of the most important conceptual revolutions of its history. As art expression, ceramics has crossing over centuries under the stigma of “low art” and it looked for refuge wherein researcher Garth Clark calls “Fortress ceramica”, recurring to an artistic ghetto built with its own communication vehicles, exposition spaces and events. This research investigates which were the echoes of this marginal condition that shaped pottery as it stands today among the visual arts and design, in a time of intense development of technological resources available and of non-materiality concept as expression. We look over the path of artists who, despite of hierarchic differences that segregate artist from artisan, gave new meanings to this form of expression that is one of the most primitives in history of humanity. From the historic revision of theories, both against or pro, about classification in “low art” or “high art”; “fine arts” or “applied arts”, we question the necessity of any categorization. The research analyzes also how the specificities of ceramics turns it as a legitimate representation of postmodern art, under the vision of theorists as Charles Jencks, Stuart Hall, Arthur Danto, Zygmunt Bauman, among others, by its capacity of adaptation to the new languages and to the nowadays concepts.