Ce travail de thèse propose de s’intéresser au développement des capacités de compréhension et de marquage graphique des émotions de manière conjointe. Ce manuscrit aborde plusieurs questions comme le décalage pouvant exister entre ces deux capacités ou encore l’influence des stéréotypes liés au genre sur la manière dont les enfants comprennent les émotions dans une histoire et les représentent dans leurs dessins (Etudes 1 et 2). Dans une visée plus appliquée, ce travail de thèse pose la question de la pertinence d’utiliser une tâche de dessin pour évaluer la compréhension des émotions chez des enfants présentant des troubles du langage oral (Etude 3). Pour répondre à ces questions, nous avons demandé à des enfants âgés de 6 à 10 ans d’identifier l’état émotionnel du personnage d’un récit (i.e., tâche d’identification) et/ou de marquer cette émotion dans leur dessin en complétant le visage du personnage (i.e., tâche de marquage graphique). Contrairement aux travaux déjà existant dans le domaine, les histoires utilisées pour examiner les capacités de compréhension et de marquage des émotions sont issues de la littérature jeunesse. Les résultats de ce travail de thèse suggèrent que l’âge, l’émotion mais aussi l’importance de l’évènement déclencheur de l’émotion sont autant de facteurs pouvant expliquer le décalage existant entre la capacité à comprendre une émotion et celle consistant à la représenter dans un dessin. Par ailleurs, les enfants semblent identifier et représenter les émotions en tenant compte des stéréotypes de genre. Enfin, la tâche de dessin semble être une tâche intéressante lorsque nous nous intéressons à la compréhension émotionnelle des enfants présentant des troubles du langage. Les apports de ce travail de doctorat sont discutés au regard des connaissances théoriques et méthodologiques qu’il fournit à propos des capacités de compréhension et de marquage des émotions. Nos perspectives de recherches futures sont également abordées. / This thesis deals with the development of two abilities: understanding and drawing of emotions studied together. This work considers many questions, namely on the gap between both abilities, and the influence of gender stereotypes on how children understand emotions in a story and how children represent these emotions in their drawings (Study 1 and 2). On an applied basis, we consider the interest of using a drawing task to assess the emotional understanding in children with language impairment (Study 3). To answer these questions, we ask children aged 6 to 10 to identify the emotional state of a character in a story (i.e., identification task) and to depict this emotion in a drawing by completing the character’s face (i.e., drawing task). Contrary to prior studies, we used natural stories from children literature to assess abilities to understand and to depict emotions. Our results suggest that age, emotion and the trigger event of the emotion can explain in part the difference between both abilities. Moreover, children seem to identify and depict emotions taking account of gender stereotypes. Finally, the drawing task seems to be relevant to assess the emotional understanding in children with language impairment. Contributions of this thesis are discussed in view of theoretical and methodological knowledge about abilities to understand and to depict emotions. Research perspectives are also approached.

Ce travail de recherche en arts visuels est un travail de l'intervalle : à mi-chemin entre dessin et peinture, abstraction et figuration, forme et informe, les éléments picturaux fragmentés migrent afin d'établir un lien entre l'image du corps et les formes organiques abstraites relevant du hasard, de systèmes chaotiques. Par un travail sans croquis, au sol, je délègue mon autorité créatrice à la matière, dans cet environnement horizontal sans gravitation, ce qui me permet d'ouvrir l'œuvre à de nouvelles perspectives et d'ajouter des éléments à mon vocabulaire esthétique. Cette recherche d'inconnu permet une abolition de la distinction entre la matière et la forme du corps et donne un effet de flottement, les éléments visuels se dispersant à la manière d'un bruit à travers l'espace.

Le présent mémoire porte sur les matériaux et les instruments utilisés en dessin à la Renaissance. Le papier, qui fait son apparition en Europe au 12e siècle, permet aux artistes de développer un art - l'arte del disegno - jusqu'alors considéré comme une pratique relevant davantage de la technique que de la créativité. Grâce aux différents instruments (pointes de métal, plumes, pinceaux) et matériaux (encre, pierre noire, sanguine), ainsi qu'aux diverses techniques (lavis, hachures, estompe), les artistes renaissants parviennent à concevoir la nature et la figure humaine non plus en tant que forme géométrique, mais plutôt comme expression de l'esprit. L'analyse du processus de fabrication des papiers et instruments, de la préparation des matériaux et des multiples usages de l'ensemble de ces outils permet de mieux comprendre cette nouvelle conception de l'art.

Considéré comme une étude préparatoire subordonnée à l’œuvre finale, le dessin a longtemps été un objet de collection réservé aux artistes et à quelques connaisseurs. À partir de la seconde moitié du XVIIIe siècle, ce regard porté sur le dessin évolue indéniablement. En prenant appui sur diverses sources (inventaires après décès, catalogues de ventes, presse périodique, correspondances, livrets et critiques d’expositions…), cette étude tente de déterminer quels facteurs contribuent à l’émergence de ce goût et de quelles manières il se manifeste au sein de divers Salons, sur le marché de l’art ainsi que dans les cabinets privés. La croissance du nombre de collectionneurs de dessins à partir de la seconde moitié du XVIIIe siècle constitue l’une des principales manifestations de la diffusion de ce goût. Nous avons ainsi cherché à déterminer qui sont ces « nouveaux » collectionneurs, quelle place est accordée au dessin au sein de leurs cabinets et quelles sont les grandes tendances de leurs goûts. Ces nombreuses collections qui apparaissent au cours du XVIIIe siècle réunissent plusieurs dizaines, centaines, voire milliers de feuilles. Nous avons ainsi étudié les méthodes de classement, de conservation et de présentation des dessins. Aborder cette question des pratiques quotidiennes implique de s’intéresser aussi aux nouvelles formes de sociabilité qui se développent autour de ce dernier. À l’instar du cabinet de tableaux, la collection de dessins devient au cours du XVIIIe siècle un espace de rencontre, d’échange et de formation. De plus, le XVIIIe est aussi marqué par l’essor du dessin en amateur, comme en témoignent les nombreuses feuilles conservées aujourd’hui dans les plus grands musées. / Considered as a preliminary work to painting, the drawing has for a long time been considered as a collection’s item only reserved to artists and a few connoisseurs. However, from the second half of the 18th century, this look at the drawing undeniably changed. On the basis of various sources (inventories after death, sales catalogs, correspondences, press, booklets and critics of exhibitions …), this study mainly aims at understanding which factors contributed to the emergence of this taste, and how this became perceptible in Salons, in the art market and in private collections. The growing number of drawing collectors in the second half of the 18th century, is one of the most significant expression of this emergence of a taste for drawings. We tried to determine who were these “new” collectors, which place was given to drawing in their cabinets and what were the main trends of the collectors’ tastes. These numerous collections which appeared during the second half of the 18th century included several tens, hundreds or even thousands of sheets. We thus studied the methods of classification, presentation and conservation of drawings. However, studying this issue of collectors’ daily practices involved to additionally study the new forms of sociability which developed around the drawings. Like the cabinet of paintings, the collection of drawings became a place of meeting, exchanging and educating ones’ self. Moreover, the 18th century was particularly marked by the rise of the amateur drawing, as evidenced by the large number of sheets which are conserved in the greatest museums.

Les changements sociaux mettent aujourd'hui en question les identités individuelles et collectives, le rapport à soi-même et aux autres. À partir d'une méthodologie croisée, ce travail interroge la construction de l'identité en fonction du lien social, en comparant les dessins d'enfants québécois et ivoiriens (méthode projective de quatre dessins : libre, bonhomme, famille, famille idéale). Huit études de cas, de même qu'une comparaison statistique avec des données internationales (France, Russie, Vietnam), mettent en lumière des différences culturelles. La primauté de la représentation de soi-même, spécifique au Québec, et l'absence du sujet dans le dessin, particulière à la Côte d'Ivoire, font l'objet d'un examen particulier. Le dessin témoignant des identifications à l'interface subjective et sociale, la synthèse des résultats révèle la possibilité d'un lien entre le sujet solipsiste moderne et une organisation identificatoire privilégiant des figures du Même ou du semblable, qui implique des aspects régressifs. L'identification (secondaire) à des figures de l'Autre, nécessaire à la construction d'idéaux et d'une identité qui puisse se projeter dans l'avenir, paraît facilitée dans un lien social où une tradition symbolique fonctionne. De manière générale, l'identité est à penser comme un équilibre entre mêmeté et altérité, dont le lien social viendra faire varier la configuration.

Les changements sociaux mettent aujourd’hui en question les identités individuelles et collectives, le rapport à soi-même et aux autres. À partir d’une méthodologie croisée, ce travail interroge la construction de l’identité en fonction du lien social, en comparant les dessins d’enfants québécois et ivoiriens (méthode projective de quatre dessins : libre, bonhomme, famille, famille idéale). Huit études de cas, de même qu’une comparaison statistique avec des données internationales (France, Russie, Vietnam), mettent en lumière des différences culturelles. La primauté de la représentation de soi-même, spécifique au Québec, et l’absence du sujet dans le dessin, particulière à la Côte d’Ivoire, font l’objet d’un examen particulier. Le dessin témoignant des identifications à l’interface subjective et sociale, la synthèse des résultats révèle la possibilité d’un lien entre le sujet solipsiste moderne et une organisation identificatoire privilégiant des figures du Même ou du semblable, qui implique des aspects régressifs. L’identification (secondaire) à des figures de l’Autre, nécessaire à la construction d’idéaux et d’une identité qui puisse se projeter dans l’avenir, paraît facilitée dans un lien social où une tradition symbolique fonctionne. De manière générale, l’identité est à penser comme un équilibre entre mêmeté et altérité, dont le lien social viendra faire varier la configuration. / Today, social changes question individual and collective identities, or the sense we have of our selves and our relation to others. Based on a crossed methodology, this thesis thinks the problem of identity construction depending on the social link, by comparing the drawings of children from Quebec and Ivory Cost (four drawings projective method: free drawing, human figure, family and ideal family). Eight cases studies, and a statistical comparison with international data (France, Russia, Vietnam), bring to light cultural differences. Priority of self-representation,specific to Quebec, and the subject’s absence in the drawing, particular to Ivory Cost, are studied more precisely. Since drawings testify of identifications at the subjective and social junction, the results synthesis reveals the possibility of a relation between the modern solipsist subject and identification to Same figures, or similar figures, involving regressive aspects. Identification (secondary identification) to Other figures, necessary for the construction of ideals and for an identity that can be projected in the future, seems facilitated in a social link where a symbolic tradition works. In general, we can think identity as an equilibrium between sameness and otherness,witch is influenced by the social link.

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Cette étude explore la problématique psychologique axée sur les traumatismes infligés par le double pouvoir politico-religieux aux jeunes iraniens âgés de 20 à 35 ans. Le matériel utilisé provient d’entretiens menés à Téhéran en 2007 à l’aide de dessins projectifs, spécifiquement développés pour cette étude, renvoyant à des scènes connues des jeunes iraniens et suffisamment significatives pour développer et favoriser l’expression des ressentis personnels et l’émergence des émotions. Après investigation des théories en rapport avec la problématique, les entretiens sont étudiés selon la dimension politique, religieuse, sociale et culturelle des traumas (acculturation forcée, modes et vecteurs de transformation et de transmission culturelle et héritage culturel des mythes fondateurs). L’analyse porte sur : le Père fondateur, de sa chute organisée à sa mise à mort, sur les conflits psychiques de filiation avec les deux pères originaires Perse (Cyrus le Grand) et arabo-musulman (Prophète Mahomet et l’Imam Ali), sur la disqualification du père de la famille et l’organisation totémiste du pouvoir, les traumas subis au quotidien et les syndromes post-traumatiques engendrés par la révolution, la guerre, le culte du martyre, les châtiments publiques (flagellations, pendaisons,…) et les interactions quotidiennes avec les gardiens de l’ordre révolutionnaire, les pathologies consécutives aux troubles identitaires, les psychopathologies sociales telles que l’image de soi dégradée, le port du masque imposé, la mélancolie, la dépression, et les troubles de la personnalité. Il en résulte une société iranienne désorganisée, incontrôlée et chaotique, à la recherche de ses valeurs, de ses repères culturels et identitaires et où se développent d’intenses souffrances. Pourtant le régime pervers et pervertissant, n’a réussi ni à délimiter à l’islam les repères identificatoires de jeunes, ni à circonvenir leur psychisme. / This study explores the psychological problematic centered on traumas imposed by the double politico-religious power on young Iraniansbetween 20 to 35 years old The material used comes from interviews conducted in Teheran in 2007. The projective drawings usedwere specifically developed for this study and reflected scenes known to young Iranians, and were sufficiently significant and subjective to enable the expression of personal feelings, and the emergence of emotions. After an investigation of the theories related to these problems, the interviews are analyzed from a political, religious, social and cultural dimension of the traumas, the acculturation, the trends and transformation vectors of the cultural transmission andpassing on a forced culture by founding myths. Then analyze concerns: the Founding father viewpoint: from his organized downfall to his execution, the inter and intra psychic filiations conflicts with these two initiating father figures Cyrus the Great and Imam Ali, the disqualification of the family’s father, the totemiste organization of the power; the traumas endured daily and post-traumatic syndromes brought about by the revolution, war, martyr cult, whipping, public hanging, and permanent interaction with guardians of revolutionary order; the pathologies as a consequence of the regime: identity crises and disorders, psychosocial pathologies as diminished image of self, projected mask, melancholy, depression, and personality disorders. As a result today Iranian society is disrupted, uncontrolled, and chaotic, in search of its values, and its cultural and identification references. In spite of the intense sufferings the pervert political system not managed to define to Islam the identification references of the young people, or to circumvent their psyche.

L’axe principal de cette thèse intitulée « La pratique du dessin et la cognition » concerne le rapport entre la perception de l’artiste et son geste graphique, tout en limitant la portée de la recherche aux productions picturales réalistes. En ce sens, la thèse pose deux questions fondamentales. Premièrement : Comment l’artiste voit-il le monde ? Et deuxièmement : dans quelle mesure la manière dont l’artiste voit le monde détermine sa pratique et son résultat ? La thèse présente les différentes approches qui ont tenté d’expliquer le regard de l’artiste lors de la réalisation d'œuvres picturales. Englobant ces points de vue dans deux théories générales sur la perception de l’artiste, la thèse présente Gombrich et Ruskin comme les représentants de cette divergence. Trouver des rapports entre ces théories, les observations et les expériences personnelles est une des motivations initiales de cette thèse qui regroupe les différentes expériences de pratique du dessin dans deux approches, une holistique et l’autre régit par le principe de détail. Les caractéristiques principales de ces différents types de pratique sont examinées par une approche expérimentale de la cognition, tout en essayant de redéfinir l’activité du dessin sur le plan cognitif. La thèse se compose de trois parties. La première partie retrace la problématique dans un champ qui intègre l’expérience personnelle ainsi que les idées historiques et esthétiques sur le dessin. La deuxième partie comprend une initialisation du même sujet dans le domaine cognitif, où la question de la perception est détaillée dans ses mécanismes basiques. Ces apports conduisent à la synthèse de la thèse, objet de la troisième partie. / The principal axis of this thesis entitled "The Practice of Drawing and Cognition" refers to the relationship between the perception of the artist and his graphic gesture, limiting the scope of the research to the realistic pictorial productions. In this sense, the thesis poses two fundamental questions. First: How the artist sees? And secondly, to what extent the manner in which the artist sees determines (his) its practice and its result. The thesis presents the different approaches that have attempted to explain the vision of the artist during the execution of pictorial works. Incorporating these viewpoints in two general theories on the perception of the artist, the thesis presents Ruskin and Gombrich as representatives of this divergence. Finding relationships between these theories, personal observations and experiences is one of the initial motivations of this thesis that comprises the various experiments in practice of drawing two approaches- a holistic and the other by the principle of detail. The principal characteristics of these different types of practice are examined by an experimental approach to cognition, trying to redefine the activity of drawing on the cognitive level. The thesis consists of three parts. The first part traces the problematic in a field that integrate personal experience and the historical and a esthetic ideas on drawing. The second part contain initialization of the same subject in the cognitive domain, where the issue of perception is detailed in its basic mechanisms. These efforts lead to the synthesis of the thesis, the subject of the third part.

De 1954 à 1976, l'œuvre de Quino paraît essentiellement dans la presse argentine. Très vite, l'humoriste est reconnu de la profession et rejoint les pages de quelques-uns des plus grands périodiques d'humour et d'actualité de l'époque. S'adaptant à différentes lignes éditoriales, il explore plusieurs courants comiques, du burlesque à l'absurde, en passant par la satire d'une société en crise. Le rythme de publication soutenu et la variété des formes employées par l'humoriste – strip, planche et dessin unique – sont propices à l'élaboration d'une poétique de la brièveté. L'œuvre de Quino se construit dans une dynamique de répétition et de variation qui revisite la tradition du dessin humoristique de presse et thématise les conditions de sa création / From 1954 to 1976, Quino's work is essentially published in argentinian press. The humorist is very soon acknowledged by his profession and joins the pages of some of the most important journals and magazines of humor and information at this time. Adapting his creation to different editorial lines, he explores several forms of comic, from slapstick to absurdity, and even the satirizing of a society in crisis. His intense rhythm of publication and the diversity of forms used by the humorist – strip, page and cartoon – are favorable to elaborate a poetics of briefness. Quino's work is elaborated in a dynamics of repetition and variation which revisits graphic humor tradition and thematizes the conditions of his creation. / De 1954 a 1976, la obra de Quino se publica principalmente en la prensa argentina. Muy pronto, el humorista recibe el reconocimiento de los profesionales del humor y accede a las páginas de algunos de los periódicos y revistas de humor y de actualidad más importantes de la época. Al adaptarse a diversas líneas editoriales, explora varias formas de comicidad, del burlesco al absurdo, pasando por la sátira de una sociedad en crisis. El ritmo de publicación intenso y la diversidad de formas empleadas por el humorista – tira, página y dibujo único – son propicios para elaborar una poética de la brevedad. La obra de Quino se construye en una dinámica de repetición y variación que revisita la tradición del humor gráfico y tematiza las condiciones de su creación.