Esta tesis se basa en una investigación que realicé durante el doctorado en Artes y Educación (2010-2015); en ella reflexiono en torno a la práctica “cosplay”, particularmente en la performance del disfraz realizada por un fan en su conexión afectiva con un personaje ficticio. Esta reflexión se centra en las narrativas e imágenes de anime y manga desde su relación con cyborgs, animales y personajes abyectos. ¿De qué manera el proceso material de elaboración del traje articula conocimientos, visibiliza relaciones de poder y agencias en la confección de la propia identidad? Para responder esta pregunta realicé un trayecto indagatorio por salones de manga que inició en Barcelona y que finalmente derivó hacia informantes de “cosplay” en México. Mi análisis combina instrumentos de etnografía desde una postura “queer” y performativa, basados en etnografía visual, etnografía digital y entrevista reflexiva, asimismo utilizo modos de interpretación sustentados en la teoría “New Materialism” con la intención de crear un texto performativo que propone a las tecnologías como herramientas en la confección de la identidad, a las prótesis como extensiones que nos acercan a materializar nuestros deseos, así como evidenciar las tensiones y ansiedades que éstas generan en lo social. ¿Qué aporta la práctica “cosplay” desde esta reflexión a la pedagogía crítica como proceso identitario basado en la performance? / Performative technologies in costume: bodily recoding in cosplay is the result of an investigation made during the course of the Artes y Educación Doctorate Program (2010 - 2015). In this work, I reflect about the Practice of Cosplay, particularly in terms of the costume performance carried out by a fan in the context of its affective bond to a fictional character. This work centers in the Anime and Manga narratives and imagery from their relation to cyborgs, animals or abject characters. How the material process of preparing the suit articulates knowledge and makes visible the power relations and agencies in the construction of a self identity? In order to answer this question I went on an investigatory journey that took me to manga conventions starting in Barcelona and then turned to Cosplay informers in Mexico. This analysis combines ethnographic analysis instruments from Queer and Performative perspectives, sustained on elements of visual ethnography, digital ethnography, and reflexive interviews. This work also includes interpretation tools sustained in the New Materialism theory with the intention of creating a performative text where I propose that technologies are tools in the making of an identity: where prostethics can work as extensions that bring us closer to materialize our desires, and also to make visible the strains and anxiety generated in the social spectrum by the aforementioned technologies. From this perspective, what does the practice of cosplay brings to the table in terms of critical pedagogy as an identitary process based in performance? / Tecnologias performativas no disfarce: Corpo recodificação em cosplay é minha pesquisa para seu doutorado em Artes e Educação (2010-2015), eu refleti-la em torno da prática cosplay, particularmente no desempenho do disfarce por um fã em a sua ligação emocional com um personagem fictício. Esta discussão centra-se nas narrativas e imagens de anime e mangá de sua relação com cyborgs, animais e personagens abjetos. Como o processo de desenvolvimento material articula conhecimento terno, torna visíveis as relações de poder e as agências na elaboração de sua própria identidade? Para responder a esta pergunta que eu fiz uma viagem de investigação, mediante o cumprimento de mangá que começou em Barcelona e, eventualmente, derivou para informantes cosplay no México. Minha análise combina instrumentos etnografia de uma estranha e postura performática, com base em etnografia visual, etnografia digital e entrevista reflexiva, também eu usar modos de interpretação apoiadas pela teoria New Materialismo com a intenção de criar um performativo tecnologias como ferramentas de Texto na fabricação de identidade, para próteses como extensões que nos trazem para realizar nossos desejos e destacar as tensões e ansiedades que eles geram socialmente. O que faz cosplay partir desta reflexão para a prática de uma pedagogia crítica como um processo de identidade com base no desempenho?

L’objectiu que ens hem proposat és el de respondre a la pregunta: hi ha un taller català del metall als segles XII i XIII? I, en cas afirmatiu, respondre a una segona doble qüestió: primerament, si va sorgir de forma espontània o va ser la continuació d’un taller precedent, i segonament, quina és la hipotètica relació de les seves obres amb les de l’Œuvre de Limoges / Taller de Llemotges? La documentació dels segles XII i XIII que hem treballat ens ha fet percebre la magnitud dels registres de vasos litúrgics de metall preuat i metall de les esglésies catalanes d’època comtal i reial. Es tracta d’un cos extraordinari que presentem en forma de quadres. Aquesta ingent obra ens va plantejar ben aviat una pregunta relacionada amb els possibles orígens en els que poguéssim establir les bases del taller que anomenem taller català que treballa el metall d’època alt medieval. Des d’un primer moment vàrem intuir que era necessari recular la cronologia dels documents als segles IX-XI per poder fixar les bases del segles XII i XIII. El tractament aprofundit de l’orfebreria medieval catalana dels segles XII i XIII ha donat com a resultat la definició que hem fet del taller català en una doble vessant. La primera que des dels precedents fins a final del segle XIII el denominem genèricament «taller català que treballa el metall» d’època alt medieval. La segona és el taller català que definim com el que treballa «a la manera de Llemotges», aquest taller s’inicià a finals del segle XII, fructificà al XIII i s’extingí al XIV. En el nostre estudi ens hem basat tant en la documentació com en l’obra que en els segles XII i XIII han estat el nostre referent. El taller català que treballa el metall preuat, l’orfebreria, té molt poca obra representativa. El gran nombre d’obra litúrgica que hem extret de la documentació ens hauria aportat tota la riquesa d’aquest taller si s’hagués conservat. Per altra banda, és deixen vasos d’argent, anells, estris d’animals i d’altres objectes per a fer fondre per a una determinada obra, això indica que, en una contrada no massa llunyana, hi ha un taller que possibilita aquest procés. Per altra banda, el taller català que treballa el metall (fosa) ha estat una gran sorpresa per la informació que ens ha aportat una de les tipologies, la de l’encenser amb un total de cinquanta cinc exemplars. Això ens ha permès classificar-los i agrupar-los per tal de donar-los-hi fonament dins cada grup que hem acotat. Aquest taller català del metall s’ha de reivindicar com un taller extraordinari per la durada en el temps, alhora que reafirmar-lo com un taller creador de repertoris i formes. Un taller que no treballa aïlladament sinó que té en compte, aplica o assumeix models coneguts per la il·lustració de manuscrits, per la pintura mural o de taula i l’escultura catalana sense descartar, per suposat, la influència que per via forana en tingui coneixença. El segon aspecte del taller català és el que fructificà a partir de l’arribada de les obres del Taller de Llemotges, obres que l’influïren decisivament i de les que va sorgir, un «taller català a la manera de Llemotges». No va ser un taller creador sinó més aviat seguidor (de Llemotges). L’obra més significativa quant a la creació d’aquest taller és el copó; però no es menys cert que els esmalts que s’apliquen al copó no sorgeixen per generació espontània, sinó que és un procés llarg, treballat i experimentat des de finals del segle XII fins al XIV. Aquest taller va produir obra que considerem d’ús local. / The vast body of documentation we have studied from the twelfth and thirteenth centuries have helped us understand the magnitude of the existing records on liturgical vessels in precious metals (gold and silver) and other metals (bronze, copper, tin, etc.) of the Catalan churches.Their study has enabled us to define the Catalan workshop in two ways, based on the types of pieces it worked on.First, we call it generically “Catalan metal workshop" (c. X-XIII). In defining it as such, we have based our analysis on the documentation, the remaining works and the artistic comparison. The Catalan workshop that worked on precious metals has little representative work. Had it been preserved, the large number of liturgical pieces that we found referenced in the documentation would have represented a huge wealth. In some documentation references silver vessels and other objects left to melt for a silver piece, indicates that there must have been a workshop close in distance that allowed the process.Discovering the Catalan metal workshop has been extremely helpful in that it has provided information on one of the types of works, the censer. A workshop that does not work in isolation but takes into account known models of the Catalan illustration of manuscripts, mural or table painting, or sculpture without discarding, of course, the influence of foreign styles.Second, we have also defined a Catalan workshop as working "the Limoges way" (c. XII-XIV). This workshop developed at the end of the twelfth century and lasted until the fourteenth century and bore fruit after the arrival of the works of the L’Œuvre de Limoges. These works had a decisive influence on the Catalan workshop from which developed, "a Catalan workshop in the way of Limoges." This workshop was less creative as it followed the Limoges style but had its one personality. / La documentación de los siglos XII y XIII que hemos trabajado nos ha hecho percibir la magnitud de registros de vasos litúrgicos de metal noble y metal de las iglesias catalanas de época condal y real. Su estudio ha permitido la definición que hemos hecho del taller catalán en un doble sentido. Por un lado, lo denominamos genéricamente «taller catalán que trabaja el metal» (s. X-XIII). Para ello nos hemos basado en la documentación, en la obra conservada y en la comparativa. El taller catalán que trabaja el metal noble, la orfebrería, tiene escasa obra representativa. El gran número de obra litúrgica que hemos extraído de la documentación nos habría aportado toda la riqueza de este taller en caso de conservarse.Se legan objetos de plata para fundirlos y destinarlos a nuevas obras (litúrgicas) lo que indica que en un lugar no excesivamente lejano hay un taller que lo posibilita.El taller catalán que trabaja el metal nos ha sorprendido por la información que ha aportado una de las tipologías, la del incensario. Hay que reivindicar este taller como un taller extraordinario, un taller que no trabaja aisladamente sino que tiene en cuenta modelos conocidos por la ilustración de manuscritos, la pintura mural o de tabla así como la escultura catalana, sin descartar, por supuesto, la influencia foránea de la que pudiera tener conocimiento.Por otro lado, el taller catalán que definimos como el que «trabaja a la manera de Limoges», este taller se inició a finales del siglo XII, fructificó en el XIII y se extinguió en el XIV; fue a partir de la llegada de l’Œuvre de Limoges, obra que influyó decisivamente en este taller que no fue un taller creador sino más bien seguidor, con rasgos específicos que lo caracterizan.

Exists a tight link between man and his place; between man and architecture. And it is in this relationship where the present investigation finds its leitmotiv, since man, as being that inhabits, develops and transforms himself in and with his places. In this relationship resides the importance of reaching a balance between change and permanency at the moment to modify place, with the purpose of offering to man a place in which his memories and hopes melt down into a more human today. In this transformation process both project and history are revealed as fundamental elements. This thesis assumes as primary hypothesis: since place is always physical and social, all aspiration of annulling anyone of these two elements or giving more value to one in detriment to the other impoverishes the reality and hinders the reading of the architectural object, putting in risk the tight articulation between man and place. As starting point, I take the concept of «sociophyisical place» developed by Josep Muntañola in “La arquitectura como lugar”, as well as the concept of «cronotop» elaborated by Mikhail Bakhtin. The earlier underlines the fact that architecture, as physical and social phenomenon, becomes an element of mediation between nature and culture. And, the latest, stands that space-time relations, generated inside a certain social frame and condensed in the artistic work through cronotop, enables to establish a new mediation between the real world, which fills with sense the work, and the world of fiction, that this work deploys. All this through the refiguration process or the use of the configured object. We are left to the hermeneutic scheme developed by Paul Ricour in Time and Narrative. In this work, Ricour demonstrates that the «human time», or historical time, emerges from the crossing, which is the outcome of the time refiguration through the reading act, between the Story (ideal) and the History (real). This fruitful crossing generates a narrative identity for an individual and for a community. In the same way, Ricour explains in his article “Architecture et narrativité” that in architecture the «human space» is configured starting from the intersection, which emerges from the space refiguration through the dwelling act, between the Project (ideal) and the Construction (real). But in this case it generates a spatial identity. By this way, the true «human place», comprised in the Greek word χώρα (Chora), not only arises from the union between a narrated human time and a built human space but from their true entwining in both a built time and a narrated space. All the complexity of this human place must be respected along its transformation process in time, and any intent of simplification impoverishes and makes considerably difficult the dialogue and exchange between project and history. Therefore, and as second hypothesis, I seek to demonstrate the importance that a dialogic process of design has for man and his place, being the «difference» not an obstacle for the exchange but an incentive and indispensable condition for the same one. For this reason I defend that only starting from a profound knowledge of history a new project can be truly generated and only by starting from a renewal look of the project, history can be enriched and evaluated…. / Existe una estrecha vinculación que entre el hombre y su lugar; entre el hombre y la arquitectura. Es en esta relación en donde la presente investigación encuentra su leitmotiv, ya que el hombre, como ser que habita, se construye a sí mismo y se transforma en y con sus lugares. Aquí radica la importancia de alcanzar un equilibrio entre cambio y permanencia en el momento de modificar un lugar, con la finalidad de ofrecer al hombre un lugar en el que sus recuerdos y esperanzas se fundan en un hoy más humano, y el proyecto y la historia se revelan como los elementos fundamentales en dicho proceso de transformación. Esta tesis, sostiene, como primera hipótesis de trabajo, que, ya que el lugar es siempre físico y social, toda pretensión de anular cualquiera de estos dos elementos o de dar mayor valor a uno en detrimento del otro empobrece la realidad y dificulta la lectura del objeto arquitectónico, poniendo en riesgo la estrecha articulación entre hombre y lugar. Tomo como punto de partida, tanto el concepto de «lugar socifísico» desarrollado por Josep Muntañola en “La arquitectura como lugar” como el de «cronotopo» elaborado por Mijaíl Bajtín. El primero, subraya el hecho de que la arquitectura, como fenómeno físico y social, se convierte en un elemento mediador entre naturaleza y cultura, y, el segundo, resalta que las relaciones espacio-temporales que se generan dentro de un marco social determinado y que se encuentran condensadas en la obra artística a través del cronotopo, ayudan a establecer un nuevo trabajo de mediación, a partir de la refiguración o uso del objeto configurado, entre el mundo real que llena de sentido a la obra y el mundo de ficción que la obra despliega. Así pues, llegamos al esquema hermenéutico que Paul Ricour desarrolla en Tiempo y narración. En dicha obra Ricour demuestra que el «tiempo humano», o tiempo histórico, es el resultado del cruce, fruto de la refiguración del tiempo a través del acto de lectura, entre el relato de ficción (ideal) y el relato histórico (real), y genera tanto para un individuo como para una comunidad una identidad narrativa. De la misma manera, Ricour explica en su artículo “Architecture et narrativité” que en la arquitectura, el «espacio humano» se configura a partir del entrecruzamiento, que resulta de la refiguración del espacio a través del acto de habitar, del proyecto (ideal) y la construcción (real), y genera una identidad espacial. De esta forma, el verdadero «lugar humano», que comprende la palabra griega χώρα (Khôra), no sólo surge de la unión de un tiempo humano narrado y de un espacio humano construido sino de su verdadero entrelazamiento en un tiempo construido y un espacio narrado. Ahora bien, este lugar humano requiere que a lo largo de su proceso de transformación en el tiempo toda su complejidad sea respetada, y cualquier intento de simplificación empobrece y dificulta considerablemente el diálogo e intercambio entre proyecto e historia. Por lo tanto, y como segunda hipótesis de trabajo, busco demostrar la importancia que tiene para el hombre y su lugar un proceso dialógico de diseño, en el cual la «diferencia» no es obstáculo para el intercambio sino aliciente y condición para el mismo…

Desde el punto de vista temático, la investigación aborda la ilustración del libro chino de un modo general, si bien tratando la influencia entre las relaciones con los ámbitos literario, pictórico, cultural, social y técnico. A pesar de su vasta amplitud, se profundiza en las tipologías y características formales, estéticas y técnicas de la xilografía por antonomasia de la ilustración del libro chino. Dicha temática está plenamente justificada por los conocimientos y la producción ilustrativa del autor de la tesis y, asimismo, por la proximidad de las fuentes documentales existentes, que se hallan en su mayor parte en Taiwán, gracias a la salvaguarda de Chang Kai Shek tras el levantamiento de Mao Tse Dong. Por tanto, los fondos documentales xilográficos investigados existentes en Taiwán nos dan un juicio y conocimiento completo, esencial y pleno de la ilustración del libro chino. Cabe destacar que la mayoría de las xilografías investigadas son de autores anónimos, artesanos formados en la tradición ancestral que aprendieron a expresar los aspectos sociales y culturales más importantes de cada dinastía. En total se han examinado 283 ilustraciones, gran parte de las cuales son desconocidas por el público general, dado que se hallan en los fondos de reserva de la Biblioteca Museo Palacio Nacional y la Biblioteca Nacional, ambas de Taiwán. Es cierto, sin embargo, que la investigación ha llevado al autor a adquirir y formar su propia biblioteca de facsímiles, reproducciones fieles de incunables de los siglos ix-x y de otros libros de hasta principios del siglo xx. Los contenidos sobre el origen y desarrollo técnico y material del libro ilustrado abarcan desde el período clásico al período Qing, pasando por todas sus dinastías: Han (202 d. C.-220), Tres Reinos (222-280), Jin (279-589), Sue (581-619), Tang (618-907), Cinco Dinastías (907-960), Song (960-1279), Yuan (1271-1368), Ming (1368-1644) y Qing (1644-1912). De todas las dinastías mencionadas, cabe destacar la dinastía Tang, puesto que su reinado coincidió con el momento en el que apareció la xilografía, además de centrarse en los factores de las obras del maestro Gu Kaizhi del período Jin, que tanto por su originalidad como por su creatividad pueden considerarse el origen técnico y estético de la ilustración. Asimismo, los elementos estudiados a través de los análisis tipológicos nos demostrarán la antigua vinculación artística entre la ilustración y la pintura china. Los conceptos literarios mencionados en esta tesis son imprescindibles para el desarrollo de la ilustración, relacionada con la literatura popular, y nos sirven para profundizar en el conocimiento estético de la misma. En este sentido, cabe destacar la dinastía Song, por las influencias del neoconfucionismo que dieron origen a una nueva concepción de la pintura china literaria, en la que esta se separa de la ilustración y da lugar a la fundación de la ilustración del libro chino. Por otra parte, tampoco debe olvidarse el entusiasmo por el estudio de la historia de las clases altas de la dinastía Song, que se nutrió de la literatura secular que va formando una nueva literatura potencial para el nuevo desarrollo de la ilustración. En cuanto a la dinastía Ming, el período más conocido de la historia de la ilustración china, no solo nos hemos dedicado a analizar la recuperación material y técnica de la ilustración que tuvo lugar en sus inicios, sino que también hemos abarcado ampliamente los factores culturales y sociales para profundizar en el conocimiento del apogeo del arte ilustrativo. Asimismo, nos hemos centrado en el estudio del cambio del concepto literario y la aparición de las nuevas literaturas como la novela y la dramaturgia, que sirvieron de fondo de inspiración para las mejores ilustraciones de China. Se profundiza en el conocimiento de la evolución del estilo de la ilustración a través del análisis de las obras de los seis centros de publicación, según sus aspectos temático y tipológico, o el comparativo de ciertas versiones emblemáticas que servirán de muestra de la trayectoria o evolución de la ilustración conseguida por los maestros anónimos. Todos estos conocimientos nos dan a entender lo esencial de las obras de los maestros de la dinastía Ming. Aparte del estereotipo de la ilustración xilográfica de la dinastía Qing como un arte en declive, cabe destacar el análisis de la ilustración litográfica que apareció en la segunda mitad del siglo XIX, consecuencia de la introducción de las nuevas técnicas occidentales y de los nuevos medios ilustrados como los periódicos y las revistas. En este sentido, analizamos las nuevas ilustraciones litográficas de estilo tradicional y occidentalizado para demostrar la actitud de los ilustradores frente a las novedades técnicas inéditas. La tesis incluye más de quinientas notas a pie de página y una bibliografía con más de un centenar de referencias citadas, además de otras muchas de carácter general. Al final de la tesis se incluyen dos anexos con una selección de colecciones de ilustraciones de libros antiguos y de manuscritos del autor de la tesis, como testimonio del complejo proceso de la plasmación de las ideas al idioma materno chino para su posterior transcripción al español.

Esta investigación constituye una lectura reflexiva sobre las respuestas que generan diversas especies para mantener su vida en la naturaleza, vinculados a solucionar los problemas relacionados con sus habitáculos, su mimetismo, así como sus instrumentos. Bajo esta idea, se rescatan los conceptos, ideas, procesos, formas y composiciones que se manifiestan en ellos, al ser estudiadas principalmente desde el punto de vista del diseño, la etología, la zoología, la filosofía, la historia, y la comunicación, con el fin de contribuir con nuevas propuestas interpretativas que beneficiarán al ser humano al aplicarse a su diseño. / BioDesign / Conceptual contributions of the animals’ work This research is a reflexive reading on the responses generated by different species to maintain their life in nature, related to resolving problems linked to their dwellings, their mimicry and their instruments. Under this idea, there are rescued the concepts, ideas, processes, forms and compositions that are manifested in them, upon being studied principally since the point of view of the design, the ethology, the zoology, the philosophy, the history, and the communication in order to contribute with new interpretive proposals that they will benefit to the human being to be applied in their design.

El presente trabajo se configura a través de la confluencia de tres ejes fundamentales, todos ellos en consonancia con las características de la autora y relacionados entre sí. En primer lugar, cabe mencionar la idea de viaje, desplazamiento interior o exterior, en el que el viajero toma obligada consciencia de si mismo y enriquece su experiencia existencial, lo que en el ámbito del artista practicante se traduce normalmente en una serie de eclosiones y cambios que pueden llegar a alterar signos identitarios o su significante, tales como el uso de la luz, la forma o el color. En segundo término, y con un carácter plenamente emotivo, la significación apuntada alcanza una intensa importancia al ser referida al pintor Luigi Capece, abuelo materno de la autora, al que no llegaría a conocer personalmente y del que obtuvo enseñanzas implícitas a través de la observación de su variada y coherente obra pictórica, así como de su relación con el tiempo propio de su ejecución. La incorporación de este segundo aspecto se produce en el transcurso del desarrollo del trabajo, al percatarse de una suerte de relación con la investigación iniciada. Finalmente advertir que de las mencionadas confluencias surge la necesidad de desarrollar la propia experiencia artística, como una respuesta soñada cuyo estímulo coincide con el propio deseo de viajar, recoger en una suma las experiencias vividas y trasladarlas inevitablemente al proceso creativo en el que se halla sumida la autora. El tema del viaje es extenso e incluye un abanico policromo de metáforas y sugestiones, por lo que el presente trabajo está construido sobre una estructura ramificada, determinada por las aproximaciones realizadas desde distintos puntos de vista. El objetivo ha sido estudiar la relación viaje-arte y reflexionar sobre la experiencia del viaje desde el punto de vista del pintor, tras investigar en las obras de diversos artistas, para finalmente ofrecer la propia mirada proponiendo un acercamiento tanto desde la didáctica como a través de la práctica artística realizando distintos tipos de viajes. La estructura del trabajo se fundamenta sobre una parte teórica y una parte experimental. En la parte teórica, se contextualiza el tema del viaje, analizando la historia, las fases y los motivos que empujan a viajar y la figura del viajero. Para reflexionar sobre la relación entre viaje y arte, se considera la experiencia de diferentes artistas viajeros, en particular pintores del s. XIX y la primera mitad del s. XX. El viaje es importante en la trayectoria formativa y profesional de los artistas, propiciando cambios en la propia paleta de colores e introduciendo nuevas visiones de la luz. El sentido profundo de esta experiencia no es tanto la distancia, o ir a lugares exóticos, sino está en la renovación de la mirada, poniendo atención en los pequeños detalles. Se analiza con especial atención la obra del artista de Apulia (Italia) Luigi Capece quien solía recorrer los campos y el casco antiguo de su ciudad natal con pequeñas tabletas y pinturas al óleo para atrapar colores e imágenes en apuntes frescos y así contar historias. El suyo era un viaje al interior de los colores de su tierra. El estudio de este artista no sólo permite profundizar des de la proximidad la relación entre desplazamientos y obra, también ha permitido a la autora realizar un viaje más profundo hacia los orígenes para encontrar las motivaciones que han generado la presente tesis: se indaga en la historia que cada uno conserva en el inconsciente, una historia vivida hecha de memorias y afectos, y que posteriormente marca todas las elecciones que se puedan tomar. A continuación se diserta sobre una de las herramientas de trabajo de artistas y viajeros, el diario de viaje: instrumento para explicar el mundo en imágenes y palabras. El diario permite dar cuerpo a sensaciones fugaces destinadas a perderse, creando un dialogo fresco y espontaneo entre el artista y su experiencia de viaje, con una visión detallada y ralentizada de un ambiente. En la segunda parte se ponen en práctica los análisis y reflexiones que se extraen de los precedentes estudios. En ella se proponen miradas personales sobre el viaje, sea a través de la didáctica del arte sea mediante la práctica artística. Por lo que concierne a la didáctica, se adaptan los diarios gráficos a la programación de un ciclo formativo de grado superior en ilustración. Se concluye que son instrumentos útiles para la educación de la mirada permitiendo experimentación, equivocarse, favoreciendo la libertad de expresión, la espontaneidad y la observación del propio proceso de búsqueda personal. La parte de práctica artística se desarrolla a través de cuatro viajes simbólicos: hacia lo desconocido, por medio de los apuntes al natural tomados en los propios diarios; hacia el otro por medio de retratos al óleo de mujeres de diferentes culturas; hacia el alma representado a través de la cartografía de la propia alma, un trabajo que pasa de lo bidimensional de una libreta a lo tridimensional con una performance; y hacia la ausencia a través de fotografías de espacios vacíos y objetos que han pertenecido a los ausentes. El tema del viaje se ha convertido en un vehículo que ha permitido unir diversas cuestiones, todas ellas relacionadas entre si, y crear una propia pluralidad del lenguaje para discernir sobre sentimientos, como el amor, la ausencia. En definitiva, las experiencias vividas, el aprendizaje constante y el crecimiento personal han marcado el trayecto hasta el momento, no obstante el itinerario queda abierto dejando la posibilidad de emprender nuevos recorridos. / Travelling is a very extensive subject. This thesis aims to focus on the relationship between travelling and art, not only from a historical point of view but also from other approaches that the experience of art can offer. The text is divided in two parts: Theory and Practice. In the theoretical part, the work of different artists has been analysed, with special emphasis on the period between the 19th and mid-20th century, when this kind of artistic experience was in vogue. Detailed study is done on the figure of Luigi Capece (grandfather of the author), who explored his homeland of Apulia in Italy making sketches in a travel log that he would later develop in his studio. For the author, this has been also a journey to the origin. The use of this tool, the travel log, is considered as the key to capture the atmosphere, light and flavour of a location. The practical part is also divided into two sections. Firstly, the author suggests the use of the travel log as a tool for art collage, to train the student to develop an individual view of his surroundings and to learn how to express this view. Secondly, the author relates a series of artistic experiences through four symbolic journeys: (1) towards the unknown, using travel logs, (2) towards the other, using a collection of oil portraits of women from different cultures, (3) towards the soul, which starts in a sketch book and ends in performance and (4) towards the absence, based on a collection of photographs taken at abandoned flats, where the details captured reveal much of their former owners. Travel is the train of thought that links experiences, continuous learning and personal growth. This is true of the travelling and research that has been done. But this field is always open to new itineraries. / El present treball es configura a través de la confluència de tres eixos fonamentals, tots ells en consonància amb les característiques de l’autora i relacionats entre si. En primer lloc, cal esmentar la idea del viatge, desplaçament interior o exterior, en el qual el viatger pren obligada consciència de si mateix i enriqueix la seva experiència existencial, el que en l’àmbit de l’artista pràcticament es tradueix normalment en una sèrie d’eclosions i canvis que poden arribar a alterar signes identitaris o llur significant, així com els usos de la llum, la forma o el color. En segon terme, i amb un caràcter plenament emotiu, la significació apuntada assoleix una intensa importància al ser referida al pintor Luigi Capece, avi matern de l’autora, al que no va arribar a conèixer personalment i del qual va obtenir ensenyaments implícits a través de l’observació de la seva variada i coherent obra pictòrica, així com la de la seva relació amb els temps propis de la seva execució. La incorporació d’aquest segon aspecte es produeix en el transcurs del desenvolupament del treball, en adonar-se d’una sort de relació amb la investigació iniciada. Finalment advertir que de les mencionades confluències sorgeix la necessitat de desenvolupar la pròpia experiència artística, com una resposta somniada, l’estímul de la qual coincideix amb el propi desig de viatjar, agrupar en una suma les experiències viscudes i traslladar-les inevitablement al procés creatiu en el que es troba immersa l’autora. El tema del viatge és extens i inclou un ventall policrom de metàfores i suggestions, per això aquest treball està construït sobre una estructura ramificada, determinada per l’aproximació realitzada des de diferents punts de vista. L’objectiu ha estat estudiar la relació viatge-art i reflexionar sobre l’experiència del viatge des del punt de vista del pintor, a partir de la investigació en les obres de diversos artistes, per finalitzar oferint la pròpia mirada proposant un apropament, bé des de la didàctica, o per mitjà de la pràctica artística, amb la interpretació de diferents viatges possibles. L’estructura del treball es fonamenta sobre una part teòrica i una part experimental. En la part teòrica, es contextualitza el tema del viatge, s’analitza la història, les fases i els motius que empenyen a viatjar, així com la figura del viatger. Per tal de reflexionar sobre la relació entre viatge i art, es considera la experiència de diferents artistes viatgers, en particular pintors entre el XIX i la primera meitat del segle XX. El viatge es important en la trajectòria formativa i professional dels artistes, ha propiciat canvis en la pròpia paleta de colors i introduint noves visions de la llum. El sentit profund d’aquesta experiència no és tan la distància, ol anar a llocs exòtics, sinó que es troba en la mirada renovada, parant atenció als petits detalls. S’analitza amb especial atenció l’obra de l’artista de Apulia (Italia) Luigi Capece, qui acostumava a recórrer els camps i el casc antic de la seva ciutat natal amb tauletes i colors a l’oli, per tal d’atrapar tonalitats i imatges per mitjà d’apunts frescos, i d’aquesta manera narrar històries. El seu era un viatge a l’interior dels colors de la terra. L’estudi d’aquest artista no tan sols ha permès aprofundir des de la proximitat la relació entre desplaçament i obra, també ha permès a la autora realitzar un viatge més profund vers els orígens, per trobar-hi les motivacions que han generat aquesta tesi: s’indaga en la historia que cadascú conserva en l’inconscient, una història viscuda feta de memòria i afectes, i que marca totes les eleccions que es poden prendre. A continuació es disserta sobre una de les eines de treball d’artistes i viatgers, el diari de viatge: instrument que serveix per explicar el món per mitjà d’imatges i de paraules. El diari dóna cos a sensacions fugisseres i destinades a perdre’s, permet un diàleg fresc i espontani entre l’artista i la seva experiència de viatge, amb una visió detallada i pausada d’un ambient. A la segona part es posen en pràctica els anàlisis i reflexions que s’extrauen dels precedents estudis. En ella es proposen mirades personals sobre el viatge, per mitjà de la didàctica de l’art i la pràctica artística. Pel que fa a la didàctica, s’adapten els diaris gràfics a la programació d’un cicle formatiu de grau superior en il•lustració. Es conclou que són instruments útils per a l’educació de la mirada, per experimentar i equivocar-se, afavoreixen la llibertat d’expressió, l’espontaneïtat i l’observació del propi procés de recerca personal. La part de la pràctica artística es desenvolupa a través de quatre viatges simbòlics: vers el desconegut, per mitjà dels apunts al natural presos en els propis diaris; vers l’altre per mitjà de retrats a l’oli de dones de diferents cultures; vers l’ànima representat per la cartografia de la pròpia ànima, un treball que passa de l’espai bidimensional d’una llibreta a l’espai tridimensional mitjançant una performance; i vers l’absència per mitjà de fotografies d’espais buits i objectes que van pertànyer als absents. El tema del viatge s’ha convertit en un vehicle que ha permès unir diverses qüestions, totes relacionades entre elles, i crear una pròpia pluralitat del llenguatge per discernir sobre sentiments, com l’amor, l’absència. En definitiva, les experiències viscudes, l’aprenentatge constant i el creixement personal han marcat el trajecte fins al moment, no obstant l’itinerari queda obert i deixa la possibilitat d’emprendre nous recorreguts. / Il presente lavoro si modella attraverso la confluenza di tre punti fondamentali, tutti in consonanza con le caratteristiche dell’autrice e in relazione tra loro. Prima di tutto, citare l’idea del viaggio, spostamento interiore o esteriore, in cui il viaggiatore prende obbligatoriamente coscienza di se stesso ed arricchisce la sua esperienza esistenziale. Nell’ambito della pratica dell’artista, tutto ció si traduce normalmente in una serie di rivelazioni e cambi che possono arrivare ad alterare segni identitari, come l’uso della luce o il colore. In secondo luogo, e con un carattere pienamente emotivo, il valore suddetto raggiunge un’intensa importanza poichè riferito al pittore Luigi Capece, nonno materno dell’autrice, che non riuscí a conoscere personalmente e dal quale ottenne insegnamenti impliciti attraverso l’osservazione della sua variegata e coerente opera pittorica, cosí come dalla relazione con il tempo proprio della sua esecuzione. L’incorporazione di questo secondo aspetto si realizza durante lo sviluppo del lavoro, al rendersi conto di una relazione con la ricerca iniziata. Per ultimo, avvertire che dalle suddette confluenze sorge la necessità di sviluppare la personale esperienza artistica, come una risposta sognata il cui stimolo coincide con il proprio desiderio di viaggiare, raccogliere insieme le esperienze vissute e trasportarle inevitabilmente al processo creativo in cui si trova immersa l’autrice. Il tema del viaggio è ampio e include un ventaglio policromo di metafore e suggerimenti, per cui il presente lavoro è costruito su una struttura ramificata determinata dagli approcci al tema da diversi punti di vista. L’obiettivo iniziale è stato quello di studiare la relazione viaggio-arte e riflettere sull’esperienza del viaggio dal punto di vista del pittore, dopo aver investigato nelle opere di diversi artisti, per alla fine offrire il proprio sguardo proponendo un approccio sia dal punto di vista della didattica sia attraverso la pratica artistica realizzando distinti tipi di viaggi. La struttura del lavoro si basa su una parte teorica e una sperimentale. In quella teorica, si contestualizza il tema del viaggio, con un’analisi della storia, le fasi, i motivi che spingono a viaggiare e la figura del viaggiatore. Per riflettere sulla relazione tra viaggio e arte, si considerano le esperienze di diversi artisti viaggiatori, in particolare pittori tra il XIX e la prima metà del XX secolo. Il viaggio è importante nella traiettoria formativa e professionale degli artisti, favorendo cambi nella tavolozza dei colori o introducendo una nuove visioni della luce. Il senso profondo di questa esperienza non è tanto la distanza, o andare in posti esotici, ma risiede in uno sguardo rinnovato sulla realtà, con attenzione ai piccoli dettagli.

Formation of a protein-ligand complex is opposed by the loss of rotational, translational and conformational degrees of freedom, but if the ligand binds in a conformation that does not corresponds to the global minimum, an energetic penalty should also be expected. Although it is well known that the bioactive conformation rarely corresponds to the global minimum identified with current small-molecule force fields, there is no consensus yet about how frequently this occurs in reality or about the maximal conformational penalty that a ligand can attain. Here we investigate this aspect of molecular recognition, using a diverse set of 92 drug-like ligands from the PDB. The global minimum is obtained minimizing a diverse set of conformations for each ligand, while the bioactive conformation results from a restrained minimization of the crystallographic structure. Optimization at B3LYP/6-31D(d) level of theory in the presence of a reaction field (PCM solvation), followed by single point RI-MP2//aug-cc-pVDZ provides average penalties of 2.5 kcal/mol, and only 15% of structures have energies above 5 kcal/mol. Using these values as reference, common force fields and simpler solvation models are evaluated. Depending on the choice of force field, the corresponding values range between 10 and 5 kcal/mol and between 85% and 40%, respectively. Interestingly, an inverse relationship is found between the level of theory and the average internal energy. Contrary to previous reports, we find that the poor performance obtained with molecular mechanics force-fields is more frequently due to inaccuracies in the free energy of solvation provided by the Generalized Born solvation method than to the in vacuum internal energy provided by the force field. This study provides the most accurate estimate of the conformational penalties of bioactive conformations to date, as well as a benchmark to assess the accuracy of theoretical formalisms. On the other hand, to understand at the molecular level how phosphorylation acts as a regulator of HDAC8 activity, we studied molecular dynamics of the same with and without phosphorylation on Ser39. Contrary to the initial expectations, introduction of the negatively charges phosphate does not result in a major structural rearrangement on the local environment. However, we observed that a loop distantly placed from the phospho-acceptor Ser39 in the 3D space of HDAC8 opens and de-associates itself from the deacetylase core in Wt within the simulation time span of 80ns, but this change does not occur when the protein is phosphorylated. The loop is held in place by the interactions between two conserved residues a pi-ring of Phe207 and the hydrophobic side chain of Lys202 (hence we call it KF-loop) and remains closed until 500ns. From this perspective we postulated that the decreased deacetylase activity obtained in the phosphorylated form of HDAC8 could be due to the lack of structural flexibility in this loop-region, which is involved in substrate recognition and binding. Additionally, the pathway involved in the allosteric transmission of the structural perturbation from the phosphorylation site to the KF-loop was investigated using the statistical Kullback-Leibler divergence methodology. To further test the relationship between enzymatic activity and mobility of the KF-loop, as well as to validate the putative allosteric pathway, several point mutations were designed and investigated both computationally and experimentally.

Nowadays there is great demand for realistic simulations in the computer graphics field. Physically-based animations are commonly used, and one of the more complex problems in this field is fluid simulation, more so if real-time applications are the goal. Videogames, in particular, resort to different techniques that, in order to represent fluids, just simulate the consequence and not the cause, using procedural or parametric methods and often discriminating the physical solution. This need motivates the present thesis, the interactive simulation of free-surface flows, usually liquids, which are the feature of interest in most common applications. Due to the complexity of fluid simulation, in order to achieve real-time framerates, we have resorted to use the high parallelism provided by actual consumer-level GPUs. The simulation algorithm, the Lattice Boltzmann Method, has been chosen accordingly due to its efficiency and the direct mapping to the hardware architecture because of its local operations. We have created two free-surface simulations in the GPU: one fully in 3D and another restricted only to the upper surface of a big bulk of fluid, limiting the simulation domain to 2D. We have extended the latter to track dry regions and is also coupled with obstacles in a geometry-independent fashion. As it is restricted to 2D, the simulation loses some features due to the impossibility of simulating vertical separation of the fluid. To account for this we have coupled the surface simulation to a generic particle system with breaking wave conditions; the simulations are totally independent and only the coupling binds the LBM with the chosen particle system. Furthermore, the visualization of both systems is also done in a realistic way within the interactive framerates; raycasting techniques are used to provide the expected light-related effects as refractions, reflections and caustics. Other techniques that improve the overall detail are also applied as low-level detail ripples and surface foam.

La tesis és situa a l' àmbit d'investigació sobre disseny i desenvolupament curricular i, dins d'aquest, en una línia d'investigació sobre la dimensió espacial del currículum de Ciències Socials. En aquest marc, la qüestió del paper del medi local a l'ensenyament de les Ciències Socials a Educació Secundaria s'estudia a partir d'una investigació qualitativa i interpretativa sobre el pensament i les pràctiques d'un grup de professors d'Educació Secundaria de trajectòria professional destacada. Utilitzant com a instruments l'entrevista als professors i l'anàlisi dels materials dels alumnes és comprova que:1. A Educació Secundaria els professors utilitzen una dimensió espacial oberta i multiescalar en la que, tot i que al llarg del curs és treballa sobre totes les escales, persisteix una tendència a plantejar cada exercici a una sola escala i son relativament escassos els exercicis en els que s' estableixen relacions comparatives o explicatives entre diferents escales.2. En aquest esquema multiescalar la presència del medi local és molt rellevant i es valora com a molt important per part de quasi tots els professors.3. El model didàctic amb el que es treballa el medi local és molt heterogeni. Podem establir tres tipus: el model tancat autoreferent; l'obert relacional i l'obert no relacional. El model tancat autoreferent és aquell en el que el medi local s'estudia en exercicis tancats a una sola escala. Aquest model es caracteritza per considerar el medi local com objecte d'estudi i per investigar-lo utilitzant preferentment tècniques d'investigació històrico-geográfiques. Tot i que quantitativament és el tipus més important, és un model perifèric i en regressió, cosa que es fa evident tant per les contradiccions que suposa entre el pensament i la pràctica dels professors, com pel fet d'ubicar-se principalment als crèdits variables i de síntesis. En canvi el model obert relacional, que estudia el medi local en exercicis oberts en els que es combinen diferents escales entre les que s'estableixen relacions comparatives i explicatives, considera el medi local com a context d'aprenentatge i utilitza tant tècniques de investigació histórico-geográfica com tècniques de treball socio-lingüístic. Aquest model, minoritari des del punt de vista quantitatiu, suposa en canvi un model central i emergent, en el que es dona una major coherència entre el pensament i les practiques dels professors. Aquest model es troba preferentment als crèdits comuns. El tercer model, obert no relacional, suposa un estadi de transició entre els dos anteriors.4. La importància del medi local al currículum de Ciències Socials d'Educació Secundaria es justifica en primer lloc per la seva capacitat de facilitar l'aprenentatge dels alumnes i en segon lloc perquè contribueix a la educació per una ciutadania democràtica ja que fomenta el coneixement i la valoració de l'entorn, ajudant a augmentar la capacitat de responsabilizació social dels alumnes. El treball sobre el medi local resulta més motivador perquè, tant pels continguts com pels mètodes que s'utilitzen es posen en joc aspectes afectius i sentiments de pertinença que augmenten l'interès de l'alumne i donen un sentit al aprenentatge que depasa el seu valor acadèmic. Així mateix cal destacar que els professors estudiats mostren una tendència a promoure més el pensament argumentatiu en els alumnes quant treballen sobre el medi local. Aquestes conclusions indiquen la superació del model de seqüenciació espacial concèntrica que reserva el medi local para l' Educació Primària.La tesis se completa con un apèndix en el que es realitzen algunes aportacions i propostes per la innovació didàctica i s'apunten algunes línies de treball per al futur. Destaquem especialment el modelo UDGL que representa una proposta d'estructura espacial local-global amb la que elaborar unitats didàctiques per Educació Secundaria. / La tesis plantea la cuestión del papel del medio local en la enseñanza de las Ciencias Sociales en Educación Secundaria a partir de una investigación cualitativa y interpretativa sobre el pensamiento y las prácticas de un grupo de profesores de Educación Secundaria de trayectoria profesional destacada. Utilizando como instrumentos la entrevista a los profesores y el análisis de los materiales de los alumnos se comprueba que:1. Los profesores utilizan en Educación Secundaria una dimensión espacial abierta y multiescalar en la que persiste una tendencia a plantear cada ejercicio a una sola escala y son relativamente escasos los ejercicios en los que se establecen relaciones comparativas o explicativas entre diferentes escalas.2. En este esquema multiescalar la presencia del medio local es muy relevante y se valora como muy importante por parte de casi todos los profesores.3. En el estudio del medio local se pueden establecer tres modelos: el modelo cerrado autoreferente que considera el medio local como objeto de estudio y utiliza preferentemente técnicas de investigación histórico-geográficas; el abierto relacional que considera el medio local como contexto de aprendizaje y utiliza tanto técnicas de investigación histórico-geográfica como técnicas de trabajo socio-lingüístico Este modelo, minoritario des de el punto de vista cuantitativo, supone un modelo central y emergente en el que se da una mayor coherencia entre el pensamiento y las prácticas de los profesores y que se encuentra preferentemente en los créditos comunes. El tercer modelo, abierto no relacional, supone un estadio de transición entre los dos anteriores.4. La importancia del medio local en el currículum de Ciencias Sociales de Educación Secundaria se justifica en primer lugar por su capacidad de facilitar el aprendizaje de los alumnos y en segundo lugar porque contribuye a la educación para una ciudadanía democrática en el sentido de que fomenta el conocimiento y la valoración del entorno, ayudando a aumentar la capacidad de responsabilización social.La tesis se completa con un apéndice en el que se realizan algunas aportaciones, propuestas y se proponen líneas de futuro. Destacamos especialmente el modelo UDGL que representa una propuesta de estructura espacial local-global con la que elaborar propuestas didácticas para Educación Secundaria. / ENGLISH ABSTRACT:This PHD Thesis sets up the local medium question within Secondary Education Social Sciences learning through a qualitative and interpretative research on the thought and practices of a group of professionally distinguished teachers. Through interviews with teachers, and students' materials analysis we can prove that:1- Teachers use a multiscalar and open spatial dimension in which there is a persistent tendency to plan each exercise at only one scale and they have quite few exercises in which they establish comparative or explicative relations in different scales. 2- In this multiscalar scheme the local medium presence is very relevant and it is considered as highly important to almost all teachers3- In local medium study we can establish three models: the closed self-referential model that considers local medium as a study object and preferentially uses historical and geographical research techniques; the open relational model that considers local medium as a learning context that uses either historical or geographical research techniques as socio-linguistic working techniques. This model, a minor model in quantitative terms, supposes a central emergent model where a high level of coherence between thought and practice of teachers is reached and it is usually found in common credits. The third model, open and non-relational, supposes a transition stage between both previous models 4- The importance of local medium within Secondary School Social Sciences' curricula firstly justifies by its capacity to make easier the students' learning and secondly because it contributes to democratic citizenship education as it promotes environment knowledge and valuation, making possible to increase social responsibility capacities. This PhD Thesis is completed with an appendix where some contributions, proposals and future lines are suggested. We specially underline the UDGL model which represents a local-global structure proposal where Secondary Education didactic proposals could be prepared.

"El mitjà tipogràfic" situa la tipografia en plom dins la disciplina del disseny. Es pretén fer una síntesi del "període de la impremta manual", que organitzi un cos de coneixements i d'eines disciplinàries independents de la immediatesa productiva i material de l'ofici -que, establint relacions entre els períodes, pugui aportar directrius al nostre temps.La tipografia es considera com a mitjà, des de la noció de mesura. Per al disseny gràfic, la tipografia en plom és un punt de referència, un patró. En aquesta condició, conté tot el ventall de dimensions de mesura, d'avaluació, això és, des de les magnituds físiques, a les de relació, i a les de caire moral. En termes concrets, tots aquests valors es troben incorporats en les peces tipogràfiques. Això implica obrir, o resituar, la visió: la tesi observa les magnituds, la mesura, sota aquesta multiplicitat d'aspectes, com a filtre i objecte d'estudi en un marc ampli, general.La tipografia s'entén com un dels processos de formalització del llenguatge verbal escrit, un procés compost de diferents fases, que es caracteritzen per una configuració gràfica, un instrumental, i unes finalitats concretes. Per això, s'ha desenvolupat una nova sistemàtica específica, en què la tipografia és subjecte i guia de la investigació.Les fonts bàsiques de l'estudi són els manuals i tractats de tipografia que s'han publicat al llarg dels segles, i les mostres i catàlegs tipogràfics, així com obres i documents coetanis que s'hi relacionen, ja siguin publicats o tan sols projectats. L'anàlisi d'aquestes fonts permet exposar les diferents aproximacions mètriques al llarg de la història, i relacionar-les amb els usos i costums d'ofici: amb elles es ressegueix el curs evolutiu de la concepció mètrica en la tipografia, i se'l presenta com un "nou" camí lògic i conjuntat.La investigació segueix tres grans línies d'anàlisi.La primera, una comparativa mètrica, en què, per damunt de les relacions, proporcions i equivalències concretes, es constata l'evolució del concepte tipogràfic en relació amb el camp de producció: així s'evidencia com les mesures, les magnituds, passen de ser simples magnituds, a ser un sistema sintàctic d'organització, del motlle tipogràfic, i del pla gràfic.La segona se centra en els valors semàntics, en la denominació verbal usada per a designar les magnituds dels cossos tipogràfics. En el nom es recull la utilitat i l'ús de la mesura tipogràfica; els noms propis són els indicadors d'una mena particular de genealogia, que s'articula, nominalment i usual, en un esquema verbal significatiu més ampli, com reflecteix el conjunt de les accions de la pràctica tipogràfica.La tercera fa referència a les aplicacions dins la pràctica professional de la tipografia, les "raons d'ofici"; amb elles, es contempla l'equipament i l'instrumental físic de la tipografia, perquè en ells s'hi contenen els usos i les maneres de fer que es troben lligades, i determinen, la presentació última de les lletres tipogràfiques.L'estudi es complementa amb dos apèndixs. El primer apèndix és una base de dades en què es volen recollir, relacionar, i integrar les diferents nocions de mesura en l'àmbit tipogràfic. El segon apèndix és una aplicació pràctica, una proposta d'amidament i de mesurament d'obres bibliogràfiques d'acord amb criteris apuntats, també, al llarg de l'estudi. / El mitjà tipogràfic ("El medio tipográfico") sitúa la tipografía en plomo dentro de la disciplina del diseño. Se pretende hacer una síntesis del "período de la imprenta manual" que organice un cuerpo de conocimientos y de herramientas disciplinares independientes de la inmediatez productiva y material del oficio -que, relacionando los períodos, pueda aportar directrices a nuestro tiempo.La tipografía se considera como un medio, desde la noción de medida. Para el diseño gráfico, la tipografía en plomo es un punto de referencia, un patrón. En esta condición, contiene el abanico completo de dimensiones de medida, de evaluación -desde las magnitudes físicas, a las de relación, y a las de índole moral. Todos estos valores se encuentran incorporados en las piezas tipográficas. Así se abre, o resitúa, la visión: la tesis observa las magnitudes, la medida, bajo esta multiplicidad de aspectos, como filtro y objeto de estudio en un marco amplio, general.Las fuentes básicas del estudio son manuales y tratados de tipografía del momento; muestras y catálogos tipográficos; y obras y documentos coetáneos afines a los anteriores. El análisis de tales fuentes permite exponer las distintas aproximaciones métricas de los períodos históricos, y vincularlas con los usos y costumbres de oficio: con ellas se traza el curso evolutivo de la concepción métrica en la tipografía, y se presenta como un "nuevo" camino lógico y conjuntado.La investigación sigue tres grandes líneas de análisis.La primera, una comparativa métrica, que evidencia cómo las medidas pasan de ser simples magnitudes a ser un sistema sintáctico de organización, del molde tipográfico, y del plano gráfico.La segunda se centra en los valores semánticos, en la denominación verbal usada para designar las magnitudes de los cuerpos tipográficos. Los nombres recogen las utilidades y usos de la medida tipográfica; e indican una especie particular de genealogía, que se articula, nominal y usualmente, en un esquema verbal significativo más amplio, como refleja el conjunto de acciones de la práctica tipográfica.La tercera hace referencia a las aplicaciones en la práctica profesional de la tipografía, las "razones de oficio"; junto a ellas, se contemplan el equipamiento y el instrumental físico, porque contienen los usos y procedimientos que están enlazados, y determinan, la presentación última de las letras tipográficas.El estudio se complementa con dos apéndices. El primer apéndice es una base de datos que pretende recoger, relacionar, e integrar las distintas nociones de medida en el ámbito tipográfico. El segundo apéndice es una aplicación práctica, una propuesta de medición de obras bibliográficas de acuerdo con criterios apuntados en el estudio.PALABRAS CLAVE: tipografía, diseño gráfico, imprenta, tipometría, antropometría, medidas. / SUMMARY:El mitjà tipogràfic ("The typographic medium") sets letterpress typography within the discipline of design. It tries to synthesise the "letterpress period" by organising a body of knowledge and disciplinary tools aside from the productive and material immediacy of the craft -that, by setting links between periods, may offer guidelines to our time.Typography is taken as a medium, from the notion of measure. To graphic design, letterpress typography is a referential point, a standard. As such, it contains all dimensions of measure and estimation: physical, relative, moral. All these values are embodied in the typographic pieces. Therefore, the view must be opened up or re-placed: the thesis observes sizes, and measure, from such multiple aspects, both as a filter and object of study within a wide, general framework.The basic sources are manuals and treatises on typography from the period; type specimens and catalogues; and related contemporary books and documents. The analysis of these sources enables to show the different conceptions of measure throughout history and to link them to craft uses and customs: by which the evolution of the concept of measure in typography can be drawn out, and shown as a "new" logical path.The study follows three main ways of analysis.The first one is a measures comparison that eventually shows how measures surpass their sole sizes to become a syntactic system of organisation, both of the typographic mould or forme, and the graphic space.The second one focuses on semantic values, on those verbal denominations that designate type bodies and sizes. Nouns are recipients of the utility and use of typographic measures; nouns are indicators of a particular kind of genealogy that is articulated, nominally and usually, within a wider significative verbal scheme, as actions in the printing craft reflect.The third one refers to applications within the professional practice of letterpress printing, the "craft reasons"; here the physical equipment and instrumental are also considered, as they contain uses and working ways that are related to, and determine, the ultimate presentation of typographic letters.Two appendices complement the study. Appendix I is a database that aims at joining, linking and integrating the different notions of measure in typography. Appendix II is a practical application, a proposal of measurement of bibliographical products along criteria that have been set throughout the study.KEY WORDS: typography, graphic design, letterpress printing, typometry, anthropometry, measures.