A presente monografia analisa influências do jornalismo na produção de dramaturgos que também trabalharam como jornalistas, no Brasil, em meados do século XX. A partir de pesquisas no Arquivo Miroel Silveira, formado por documentos da censura prévia ao teatro no Estado de São Paulo de 1930 a 1970, e em acervos de jornais como o Banco de Dados da Folha de S.Paulo e a Hemeroteca do Arquivo Público do Estado de São Paulo, foi identificado que alguns desses dramaturgos escreveram peças inspiradas em acontecimentos relatados pela imprensa, num procedimento que aproxima as duas formas de narrativa. Com base num referencial teórico unindo categorias do jornalismo e das artes, estudaremos cinco peças onde se observa essa influência - O poço, de Helena Silveira (1950); O beijo no asfalto, de Nelson Rodrigues (1961); Vereda da salvação, de Jorge Andrade (1964); Barrela, de Plínio Marcos (1959) e Liberdade, liberdade, de Millôr Fernandes (1965). Analisaremos as influências do jornalismo nestes textos e a forma como a censura teatral lidava com estas aproximações entre dramaturgia e jornalismo. / This monograph analyzes influences of journalism in the production of playwrights who also worked as journalists in Brazil in the mid-twentieth century. From research in the Archive Miroel Silveira, formed by theater censorship documents in the State of São Paulo from 1930 to 1970, and in archives of newspapers such as Folha de S.Paulo and O Estado de S. Paulo, it was identified that some of these playwrights wrote plays inspired by events previously reported by the press, a procedure which approximates both forms of narrative. Based on a theoretical framework linking categories of journalism and arts, we will study five pieces in which we can observe this procedure - O poço, by Helena Silveira (1950), O beijo no asfalto, by Nelson Rodrigues (1961); Vereda da salvação, by Jorge Andrade (1964), Barrela, by Plínio Marcos (1959) and Liberdade, liberdade, by Millôr Fernandes (1965). We will analyze the influences of journalism in these texts and how theatrical censorship dealt with these similarities between drama and journalism.

Este estudo realiza uma reflexão sobre a teatralidade existente na dança do Grupo Primeiro Ato. Tem início em uma breve retrospectiva histórica da dança moderna brasileira, atravessando o período que vai dos anos vinte aos anos setenta do século passado, quando experiências de dança contemporânea começaram a surgir no cenário artístico nacional, traçando assim, um percurso do macro para o micro, do Brasil para a cena mineira e depois para o Primeiro Ato. Um duplo olhar, então, é construído. Primeiramente aquele que parte da dança em direção ao teatro, analisando alguns de seus criadores mais significativos, e em seguida do teatro para a dança, para chegar assim ao amálgama entre essas formas artísticas. Na parte final deste estudo, o espetáculo Sem Lugar foi escolhido como referência através da qual a teatralidade pode ser reconhecida como produto de um diálogo profundo com a dança, processo esse que é gerador, por sua vez, de diferentes dramaturgias que se interrelacionam, caracterizando um tecido poético que torna específico o trabalho do Primeiro Ato. / This study represents a reflection on the theatricality developed by the Primeiro Ato Dance Group. It begins with a short historical retrospective of Brazilian Modern Dance, going through a period from the twenties to the seventies of the past century, a moment when aspects related to contemporary dance emerged in the Brazilian dance scene. In this way, a path was designed, from a macro to a micro point of view, from events occurred throughout Brazil to the State of Minas Gerais, and then to the work created by Primeiro Ato specifically. Then, a kind of Double approach was explored. Firstly from dance to theatre, analyzing some of its most important creators, and secondly from theatre to dance, in order to achieve what was called here the amalgam between these art forms. In the final part of this study, a production named Sem Lugar was chosen as a reference through which theatricality can be recognized as a result of a deep dialogue with dance, a process which generates, in turn, different dramaturgies that intertwine, characterizing a poetic layer which makes the work created by Primeiro Ato truly unique.

O presente projeto se propõe a uma investigação da reescritura de uma obra de constituição dramática retirando-se dela os diálogos ditos pelas personagens e estabelecendo a comunicação por meio da ação física dos atores e atrizes na cena, mantendo-se, contudo, aquilo que a caracteriza como dramática: uma fábula constituída em progressão para que haja tensão, conflito, clímax e desenlace. A esse processo de extração dos diálogos deu-se o nome de \"Dramaturgia do Silêncio\". É importante ressaltar que a cena silenciosa se serve de outros elementos significativos como cenografia, iluminação, figurino, maquiagem etc, mas o recorte deste estudo centra-se no trabalho do texto corporal do ator e da atriz, a partir dele que se estabelece a dramaturgia. Tratase de um estudo teórico-prático realizado parcialmente em sala de ensaio com um grupo de criadores cênicos em câmbio de funções entre dramaturgos, atores e encenadores por meio de jogos e improvisações. O texto base para esse estudo é Phèdre, de Jean Racine, um dos três grandes representantes do classicismo francês. / Le projet que nous présentons ici se propose à une investigation de la réecriture d\'une oeuvre de constitution dramatique, en enlevant les dialogues proférés par les personnages et établissant la communication au moyen de l\'action physique des acteurs et des actrices, mais en maintenant, néanmoins, ce qui la caractérise comme dramatique : une fable constituée en progression pour qu\'il y ait de la tension, du conflit, un climax et un dénouement. A ce processus d\'extraction des dialogues nous avons donné le nom de \" Dramaturgie du Silence\". Il est important de souligner que la scène silencieuse se sert d\'autres éléments significatifs comme la scénographie, l\'éclairage, les costumes, le maquillage, etc. mais le découpage de cette étude se concentre sur le travail corporel des acteurs, à partir duquel s\'établit la dramaturgie. Il s\'agit d\'une étude théorique et pratique élaborée surtout en salle de répétitions avec un groupe de créateurs scéniques sur le mode d\'un échange de fonctions entre dramaturges, acteurs et metteurs en scène au moyen de jeux et d\'improvisations. Le texte de base pour cette étude est la pièce Phèdre de Racine, un des trois grands représentants du classicisme français.

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This dissertation examines the historical and political vision of Mexico in the following plays: Felipe Ángeles by Elena Garro (1916-1998); El eterno femenino by Rosario Castellanos (1925-1974); La paz ficticia by Luisa Josefina Hernández (1928) and Tlacaélel, Felipe Carrillo Puerto: Una flor para tu sueño y El sueño de la Malinche by Marcela del Río (1932). The main objective of this study is to fill in the criticism void about theatre written by women in Mexico (especially their historical theatre). Another very important objective is to show how these historical plays propose the need to change the current political and social structures that have been in place for centuries so that every individual is treated equally regardless of race, sex or social-economical class. These four women playwrights redeem not only female historical characters but also the values embedded in various social movements such as the Yaqui tribe rebellion at the end of the 19th century, the Mexican Revolution and the expropiation of the lands to the people of Spanish extraction who had stripped them from the indigenous people in the Yucatán Peninsula at the beginning of the 20th century. Since these playwrights set their own historical characters’ perspective in contrast to the perspective of them that official history has offered, this approach can be analyzed as a dialogical form, of one conscience opposite another one. Therefore, the study employs the tool for analysis provided by Mikhail Bakhtin in The Dialogic Imagination and Estética de la creación verbal. The ideological divisions presented in Del Rio’s play Felipe Carrillo Puerto: Una flor para tu sueño, are analyzed from Lucien Goldmann’s concept of a utopian world. The heroes of the social movements in three of the plays: La paz ficticia, Felipe Ángeles and Felipe Carrillo Puerto: Una flor para tu sueño allows the application of Georg Lukacs’ theory about the novel to be applied to theatre, because each one of these protagonists can be described very well with the term “problematic individual.” The significance of intertextualities present in the play El eterno femenino by Rosario Castellanos is analyzed from the perspective of Gerard Genette in his book Palimpsests.

Submitted by João Sanches (sanchesjoao@ig.com.br) on 2016-06-28T20:43:46Z No. of bitstreams: 1 TESEJOÃOSANCHES.pdf: 1847782 bytes, checksum: d24bb8ebd4f84fea01031b7a6d6a79db (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2016-06-29T12:11:44Z (GMT) No. of bitstreams: 1 TESEJOÃOSANCHES.pdf: 1847782 bytes, checksum: d24bb8ebd4f84fea01031b7a6d6a79db (MD5) / Made available in DSpace on 2016-06-29T12:11:44Z (GMT). No. of bitstreams: 1 TESEJOÃOSANCHES.pdf: 1847782 bytes, checksum: d24bb8ebd4f84fea01031b7a6d6a79db (MD5) / CAPES / Esta tese apresenta uma reflexão sobre dramaturgias contemporâneas a partir da análise comparativa de 100 textos encenados no Brasil entre 1995 e 2015. A pesquisa reconhece a emersão de elementos épicos e líricos na maioria das dramaturgias analisadas e a predominância da noção de situação dramática sobre a ideia de uma ação dramática em progressão linear. A autorreflexividade é a principal qualidade evidenciada nessas emersões épicas e líricas, as quais constituem diferentes estratégias de relativização/abertura de sentido, conceituadas neste estudo como desvios. Por meio de uma abordagem dos procedimentos dramatúrgicos relativos à construção da intriga, este estudo propõe uma tipologia básica de desvios e, para isso, baseia-se, particularmente, na noção de desvio do dramaturgo e teórico francês Jean-Pierre Sarrazac, assim como no modelo de drama lírico da também dramaturga e teórica brasileira Cleise Mendes, entre outras referências artísticas e teóricas como Bertolt Brecht e a noção de distanciamento; Mikhail Bakhtin e a noção de dialogismo; e Umberto Eco e a noção de obra aberta. Sobretudo, esta tese defende a associação de determinados procedimentos dramatúrgicos com o modo lírico, no sentido de ampliar teoricamente a noção de desvio, relacionando-a tanto às emersões épicas quanto às emersões líricas do drama. Palavras-chave: Dramaturgias contemporâneas; Desvio; Distanciamento; Dialogismo; Drama lírico. / ABSTRACT This thesis presents a reflection on contemporary dramaturgy from the comparative analysis of 100 texts staged in Brazil between 1995 and 2015. The research recognizes the emergence of epic and lyrical elements in the analyzed dramaturgy and the predominance of the notion of dramatic situation over the idea of a dramatic action in linear progression. The self-reflexivity is the main quality evidenced in these epic and lyrical emergences, which are different strategies of relativity and open meaning, conceptualized in this study as deviations. Through an approach of dramaturgical procedures relating to the construction of intrigue, this study proposes a basic typology of deviations and, therefore, is based mainly on the notion of deviation formulated by the playwright and french theorist Jean-Pierre Sarrazac, as well as in the model of lyrical drama, formulated by the brazilian playwright and theoretical Cleise Mendes, among other artistic and theoretical references as Bertolt Brecht and his notion of estrangement; Mikhail Bakhtin and his notion of dialogism; and Umberto Eco and the notion of open work. Above all, this thesis defends the alignment of certain dramaturgical procedures with the lyrical genre, to theoretically extend the concept of deviation, relating it to the epic emergences and also to the lyrical emergences of drama. Keywords: Contemporary playwriting; Deviation; Estrangement; Dialogism; Lyrical drama.

Buenos Aires. Metade do século dezenove. Uma política de fomento à imigração européia traz às terras portenhas mais de seis milhões de imigrantes. Ao contrário do que o governo argentino esperava, as que compunham esse cenário não eram pessoas requintadas, conhecedoras de arte e ciência, muito menos mão de obra qualificada. Os imigrantes de pouca instrução e de poucos meios que passaram a fazer parte da população residente nos arrabais portenhos, assolados pela saudade de suas terras, buscando no ambiente prostibulário por uma “natural” comunhão, dão origem ao tango nas últimas décadas do século dezenove. Por volta da mesma época, os irmãos Lumière produzem o invento que chamariam de cinematógrafo, palavra de raiz grega que significa “registro do movimento”. Portanto, percebo o tango e o cinema como expressões contemporâneas, no sentido de que ambas tem sua gênese ao final do mesmo século. Alguns/algumas historiadores/as apontam ainda que o cinema é um dos responsáveis pela valorização do tango e por seu reconhecimento mundial no decorrer do século passado. O que de certa forma sublinha a relação entre o cinema e a história. Sendo assim, esta dissertação de mestrado propõe analisar como os aspectos históricos do tango argentino são representados na película Tango de Carlos Saura. Usando o aporte teórico dos Estudos Culturais e entendendo as produções cinematográficas como artefatos pedagógicos, busco perceber quais são os sentidos produzidos sobre a história do tango argentino na narrativa construída por Saura. Inicio meu exercício analítico com um olhar atento sobre os elementos técnicos de cenário, iluminação e figurino empregados na construção da obra. Somado a isso, a linguagem cinematográfica utilizada por Saura, perceptível por meio dos planos, ângulos e movimentação de câmera, também são aspectos importantes que compreendem a análise. São quatro os momentos históricos do tango representados na película escolhidos para compor esse estudo. O período imigratório, quanto a sua relevância e envolvimento na gênese do tango, os duelos criollos e o tango dançado entre homens, o ambiente prostibulário e o tango entre mulheres e, por fim, o período da ditadura militar argentina em sua relação com o tango. Ao considerar esse último aspecto tento perceber ainda como outras películas abordam a memória do período, em especial quanto a temática do exílio. Por fim, proponho uma análise da dramaturgia da dança executada em cada uma das cenas a fim de perceber o que a linguagem coreográfica nos diz sobre o período que representa. / Buenos Aires. Half of the nineteenth century. A policy to promote european immigration to Buenos Aires brings more than six million immigrants. Contrary to the Argentine government hoped, composing this scenario were not intellectual people, knowledgeable of art and science, much less skilled labor. Immigrants with little education and few resources that have become part of the resident population in arrabais, covered by nostalgia for their land, in the brothel environment looking for a “natural” communion, give rise to tango in the last decades of the nineteenth century. Around the same time, the Lumière brothers produce the invention that would call cinematographer, Greek root word meaning "record of the movement." Therefore, realize the tango and cinema as contemporary expressions, in the sense that both have their genesis at the end of the same century. Some historians the still point that cinema is one responsible for the valuation of tango and its worldwide recognition during the last century. Which I think that somehow emphasizes the relationship between cinema and history. Thus, this dissertation aims to analyze how the historical aspects of Argentine tango are represented in Tango by Carlos Saura. Using the theoretical framework of Cultural Studies and understanding cinema as pedagogical artifacts, I seek to understand what are the meanings produced from the Argentine tango in the narrative constructed by Saura. First of all, my analytical exercise began with a look on technical elements of scenery, lighting and costumes. Added to this, the cinematographic language used by Saura, noticeable through the planes, angles and camera movements are also important aspects that comprise the analysis. There are four historical moments of the tango represented in saura’s movie, chosen to make this study. The period of immigration, as their relevance and involvement in the genesis of the tango, tango-dance executed by men, the brothel environment and tango between women and finally the period of Argentine military dictatorship in its relationship with the tango. In considering this latter aspect still try to understand how other films deal with the memory of the period, especially as the theme of exile. Finally, I propose an analysis of the dramaturgy of dance performed in each of the scenes in order to realize what a choreographic language tells us about the period it represents.

O presente trabalho, "Fluxo de Consciência: percurso e articulações no teatro contemporâneo", se propõe ao estudo do fluxo de consciência como proposta estética pertinente ao teatro. Parte-se de sua definição na psicologia, a partir de William James, e de sua concepção pela teoria literária, no estudo produzido por Robert Humphrey, para, posteriormente, identificar seu uso no teatro. Por meio da articulação de seu percurso na dramaturgia, em relação às formas produzidas na literatura, examina-se o tratamento específico dado ao fluxo de pensamento no teatro, com base nas teorias de Peter Szondi, Anatol Rosenfeld e Anne Ubersfeld. A abordagem de sua manifestação efetivamente teatral se completa com o exame da situação singular que a encenação produz junto ao público, fundamentado nos trabalhos de Jean-François Lyotard, Linda Hutcheon, Hans-Thies Lehmann e Maurice Merleau-Ponty, e com a análise do espetáculo "Ânsia", da 3 de Sangue Companhia de Teatro, com direção de Rubens Rusche, fundamentada pela teoria dos vetores de Patrice Pavis. O trabalho defende uma modificação na constituição do fluxo de pensamento ao longo dos anos. Primeiramente centrado na psicologia de personagens, ao tornar-se parte da produção cultural contemporânea, ele se contamina com os pressupostos pósmodernos e sua existência se manifesta cada vez mais descentralizada. Com a consideração de um sujeito vulnerável, diante das múltiplas influências na "era pósindustrial", constituído no processo de interação com o mundo, o "eu" é visto sob a perspectiva da relatividade de sua determinação definitiva. Assim, a personagem também se torna ser instável, questionada em sua validade enquanto ser uno, passando a ser trabalhada através de fragmentos abertos à múltipla significação. Atualmente, verifica-se sua apresentação em elementos dispersos, que solicitam à recepção a conexão em meio à dispersão. A personagem é uma encruzilhada de discursos e o fluxo perde seu lugar central. O fluxo de consciência, como proposta teatral, se estabelece para além de características formais e alcança sua constituição como processo na totalidade da experiência estética. Retoma um tipo de existência que se aproxima de seu objeto original - os processos mentais e cerebrais - e se define em variabilidade avessa a qualquer tentativa de determinação definitiva. Encontram-se diversos tratamentos relacionados ao fluxo, que não se excluem nem se subordinam. Diante dessas diversas manifestações, verifica-se sua adaptabilidade a toda nova exigência, quando se estabelece sob novos moldes. / The current work, named "Stream of Consciousness: history and changes in Contemporary Theater", aims at studying the stream of consciousness as an aesthetic proposal relevant to Theater. Initially, we present the definition tailored by William James, in psychology, and by Robert Humphrey, in literary theory, to later identify its use in Theater. Based on the theories of Peter Szondi, Anatol Rosenfeld e Anne Ubersfeld, we analyze the specific treatment given to the stream of consciousness in Theater, throughout its changes in the history of Drama, compared to its characteristics in Literature. Its theatrical manifestation is demonstrated in a particular reaction the performance causes in the audience, based on the works of Jean-François Lyotard, Linda Hutcheon, Hans-Thies Lehmann e Maurice Merleau-Ponty. Besides, we analyze the show "Ânsia", by 3 de Sangue theater group, directed by Rubens Rusche and based on the vector theory by Patrice Pavis. The present work defends a change in the constitution of the stream of consciousness along the years. First centered in the psychology of the character, when it becomes part of the contemporary cultural production, it blends with the post-modern assumptions, and its existence becomes more and more decentralized. Regarding a vulnerable subject, who is conceived in the process of interaction with the world, before the multiple influences in the "post-industrial" age, the "self" is seen under the perspective of the relativity of its definitive determination. Thus, the character also becomes an unstable being, questioned in its validity as an entire and complete being, and works by fragments that allow many different meanings. Nowadays, we verify the presentation of the character in scattered elements, that ask the audience the connection among dispersal. The character is a crossroad of speeches, and the stream no longer has its critical role. The stream of consciousness, as a theatrical proposal, is beyond formal characteristics, and reaches its constitution as a process in the aesthetic experience. It recalls a kind of experience that approaches its original object - brain and mind processes - and is defined in variability against any kind of definitive determination. There are many treatments related to the stream; they do not exclude and are not subordinated to one another. Before all those manifestations, we verify that it can adapt to any new demand when is established under new patterns.

Submitted by Adelice Souza (adelicesouza@oi.com.br) on 2016-10-20T14:18:16Z No. of bitstreams: 1 TESE ADELICE SOUZA. Drama-oração, o Yoga e o Sagrado na Dramaturgia.pdf: 4109323 bytes, checksum: 84d2c3c370a5228e4c9101de26751427 (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2017-02-01T13:52:19Z (GMT) No. of bitstreams: 1 TESE ADELICE SOUZA. Drama-oração, o Yoga e o Sagrado na Dramaturgia.pdf: 4109323 bytes, checksum: 84d2c3c370a5228e4c9101de26751427 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-02-01T13:52:19Z (GMT). No. of bitstreams: 1 TESE ADELICE SOUZA. Drama-oração, o Yoga e o Sagrado na Dramaturgia.pdf: 4109323 bytes, checksum: 84d2c3c370a5228e4c9101de26751427 (MD5) / CNPq / RESUMO Drama-oração: O Yoga e o sagrado na dramaturgia é o estudo e a criação de três textos dramatúrgicos (O jardim de Empédocles, Doutora Damiana Sabujá e De Empédocles) que se utilizam dos elementos do Yoga, do sagrado, da natureza e da Lírica em sua construção. O drama-oração traz uma dramaturgia que utiliza, em seus princípios, uma estreita relação com os elementos terra, água, fogo e ar, que são as raízes de todas as coisas. Empédocles, o filósofo grego pré-socrático, que se lançou ao vulcão Etna para encontrar-se com o Pai, é a personagem principal deste drama. Foi ele quem primeiro descreveu o conceito da estrutura do nosso mundo elemental. Através deste poeta, mago, curador, taumaturgo que se fez mito no Ocidente através da sua morte, o drama-oração aqui representado, apresenta o Yoga e o sagrado como elementos constituintes de uma dramaturgia que também dialoga com a musicalidade e o Si presentes na Lírica. Exercitando o laboratório prático e o estudo sistemático dos elementos do Yoga; e abordando o percurso das escrituras sagradas, a partir do exame das obras clássicas e de importantes indólogos como Mircea Eliade, Sivananda e Jonh Woodroffe, a pesquisa traz como encenação, a escrita da trilogia sagrada sobre Empédocles e no decorrer da tese são apresentadas as fundamentações do processo criativo. / ABSTRACT Drama-prayer: Yoga and the sacred in the drama is the study and the creation of three dramaturgical texts (The Garden of Empedocles, Dr. Damiana Sabujá and De Empedocles) that use of the elements of Yoga, the sacred, the nature and Lyric in its construction. The drama-prayer brings a drama that uses, in its principles, a close relationship with the earth, water, fire and air. Empedocles, the Greek philosopher pre-Socratic, which fell on Mount Etna to meet with the Father, is the main character in this drama. It was he who first described the concept of the structure of our elemental world. Through this poet, magician, healer, medicine man, miracle worker who became myth in the West, drama-prayer represented here, presents the Yoga and the sacred as components of a drama that also speaks to the musicality and the „Self‟present in the Lyric. Exercising practical laboratory and the systematic study of Yoga elements; and addressing the route of the holy scriptures, from the examination of classical works and indólogos important as Mircea Eliade, Sivananda and John Woodroffe, research has as acting, writing the sacred trilogy about Empedocles and during the study presents the foundations the creative process.

Submitted by Ronaldo Magalhães (ron_magalhaes@hotmail.com) on 2017-03-18T00:04:33Z No. of bitstreams: 1 RONALDO-MAGALHÃES-A-ARTE-CONTRA-A-BARBÁRIE-CONSTRUÇÃO-DO-DISCURSO-NA-DRAMATURGIA-DE-NOVAS-DIRETRIZES-EM-TEMPOS-DE-PAZ.pdf: 2434450 bytes, checksum: a1ec7660f2f35c0e60b358c1c0fc327b (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2017-03-20T11:38:31Z (GMT) No. of bitstreams: 1 RONALDO-MAGALHÃES-A-ARTE-CONTRA-A-BARBÁRIE-CONSTRUÇÃO-DO-DISCURSO-NA-DRAMATURGIA-DE-NOVAS-DIRETRIZES-EM-TEMPOS-DE-PAZ.pdf: 2434450 bytes, checksum: a1ec7660f2f35c0e60b358c1c0fc327b (MD5) / Made available in DSpace on 2017-03-20T11:38:31Z (GMT). No. of bitstreams: 1 RONALDO-MAGALHÃES-A-ARTE-CONTRA-A-BARBÁRIE-CONSTRUÇÃO-DO-DISCURSO-NA-DRAMATURGIA-DE-NOVAS-DIRETRIZES-EM-TEMPOS-DE-PAZ.pdf: 2434450 bytes, checksum: a1ec7660f2f35c0e60b358c1c0fc327b (MD5) / CNPq / RESUMO O presente estudo propõe uma análise da construção discursiva na dramaturgia da peça Novas diretrizes em tempos de paz do dramaturgo Bosco Brasil. Foram analisadas as formações discursivas da obra tendo como base os conceitos de dialogismo, intertextualidade e metalinguagem no intuito de identificar no jogo dramático o cruzamento das vozes sociais e ideológicas para refletir sobre a relevância da arte contra a barbárie. Depois da apresentação de um breve panorama descritivo sobre o autor e a sua obra, realizou-se um estudo de alguns aspectos da gênese da obra a partir das inferências intertextuais e contextos relativos ao recorte histórico presentes de modo implícito ou explícito na obra analisada. Em seguida desenvolveu-se o estudo do contexto histórico da peça: Era Vargas/Estado Novo (1945). A análise da estrutura dramática do texto teve como fundamentação teórica os estudos de Anne Ubersfeld, além do exame de aspectos da gênese da peça; análise do espaço teatral e da relação dos personagens com o lugar e o não-lugar; identificação das vozes sociais presentes de modo implícito e/ou explícito e investigação da presença da metalinguagem e da intertextualidade. Dessa forma, é possível concluir que há a presença de dois discursos: da ideologia dominante e da arte. Na construção discursiva da peça, o autor Bosco Brasil enfatiza o segundo discurso para refletir sobre o poder da arte contra a barbárie. Palavras-chave: Construção dramatúrgica. Dialogismo. Intertextualidade. Arte. Barbárie. Análise de discurso. / ABSTRACT This study proposes an analysis of the discursive construction in the dramaturgy of the play Novas diretrizes em tempos de paz by Bosco Brazil. The discursive formations of the play were analyzed based on concepts of dialogism, intertextuality and metalanguage to identify in the dramatic play the intersection of social and ideological voices to reflect on the relevance of art against barbarism. After presenting a brief descriptive overview of the author and his work, it was done a study of some aspects of genesis of his play from the intertextual inferences and contexts obtained from the historical period presents in an implicit or explicit way into the analyzed work. There was then a study of the historical context of the play: Era Vargas/ Estado Novo (1945). The analysis of the dramatic structure had as theoretical foundation studies by Anne Ubersfeld, as also aspects of the genesis of the play, the analysis of the theatrical space and the relationship of the characters with the place and non-place, the identification of social voices present implicitly and/or explicitly, and the exploration of the metalanguage and intertextuality. Through this analysis, it is possible to conclude that there is the presence of two discourses: the discourse of the dominant ideology and discourse of art. In the discursive construction of the play, the author Bosco Brazil emphasizes the second discourse to reflect on the power of art against barbarism. Keywords: Dramaturgical construction. Dialogism. Intertextuality. Art. Barbarism. Discourse analysis.