Submitted by Diana Alves (ppgdancaufba.adm@gmail.com) on 2013-01-23T15:44:58Z No. of bitstreams: 1 Dissertação DRAMATURGIA NA DANÇA - Sandra Corradini.pdf: 863312 bytes, checksum: 87d596bd1bfa9e9f61a8a9e32cdebc0c (MD5) / Made available in DSpace on 2013-01-23T15:44:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertação DRAMATURGIA NA DANÇA - Sandra Corradini.pdf: 863312 bytes, checksum: 87d596bd1bfa9e9f61a8a9e32cdebc0c (MD5) / FAPESB / Compreender a dramaturgia na dança sob a perspectiva evolutiva implica entendê-la como um pensamento vivo, que se conecta, interage e coevolui numa dinâmica coadpatativa contínua com todas as coisas que existem no ambiente cultural em que ela se inscreve. Mas foi no final dos anos 80 que a dramaturgia começou a ser discutida na dança, evidenciando um processo configurativo de um pensamento dramatúrgico que já no renascimento pode ser observado. Sabe-se que diálogo entre dança e teatro não é recente e também se sabe que a idéia dramaturgia migra do teatro para dança, promovendo discussões acerca do que vem a ser dramaturgia neste campo disciplinar. Este trabalho tem por objetivo compreendê-la como área específica, distinta da dramaturgia teatral, sob uma perspectiva coevolutiva entre dança e teatro. Entrecruzam-se referenciais da biologia, da dança e do teatro com intuito de adotar um eixo que privilegia a coevolução e os processos cooperativos entre dança e teatro e deslocar a hierarquia entre ambos, pois se pressupõe não haver sujeição de um campo ao outro, mas trocas informativas que fomentam os processos dramatúrgicos de dança e de teatro e que promovem a ininterrupta configuração de seus campos. Foram investigadas algumas concepções dramatúrgicas atuais elaboradas em campo acadêmico (dança e teatro) e em campo prático (dança) com o objetivo de propor uma diferenciação entre as dramaturgias praticadas na dança e no teatro. A dramaturgia na dança é reconhecida como uma resultante de um processo “cego”, constituindo-se em uma síntese transitória resultante dos processos contaminatórios entre dança e teatro ocorridos ao longo do tempo, configurados em zona de transitividade. Dança e teatro constituem-se em ambientes cujas lógicas organizativas oferecem-se como condições diferenciadas para assimilação de uma mesma idéia. As dramaturgias de dança são correlatas à lógica cognitiva do corpo que dança, referindo-se à dramaturgia corporal. / Programa de Pós-Graduação em Dança - Escola de Dança

305f. / Submitted by Suelen Reis (suziy.ellen@gmail.com) on 2013-04-01T16:57:19Z No. of bitstreams: 1 Schettiniseg.pdf: 2065021 bytes, checksum: 0e9dcdd15af17ff6ec6900990f0b9e7d (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães(ednaide@ufba.br) on 2013-04-05T14:53:43Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Schettiniseg.pdf: 2065021 bytes, checksum: 0e9dcdd15af17ff6ec6900990f0b9e7d (MD5) / Made available in DSpace on 2013-04-05T14:53:43Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Schettiniseg.pdf: 2065021 bytes, checksum: 0e9dcdd15af17ff6ec6900990f0b9e7d (MD5) Previous issue date: 2009 / Trata-se de uma investigação acerca de procedimentos de criação utilizados em teatro de grupo no Brasil, tendo como recorte a criação colaborativa. A partir dos pressupostos deste modo de criação da análise do trabalho de composição cênica do Grupo Finos Trapos,sistematizou-se uma abordagem metodológica para a criação cênica, ora intitulada Dramaturgia da Sala de Ensaio. A proposta metodológica foi concebida com vistas a ser uma possibilidade referencial para orientar práticas criativas de obras espetaculares que tenham como pressuposto a colaboração mútua entre artistas cênicos de especialidades variadas. Afim de verificar a aplicabilidade de tal metodologia foi criado para tal o espetáculo teatral “Gennesius – Histriônica Epopéia de um Martírio em Flor”, cujo processo de montagem constitui o objeto de reflexão, que deu origem ao quinto espetáculo de repertório do Grupo Finos Trapos, do qual sou membro fundador e no qual tenho atuado como encenador. O arcabouço teórico que fundamenta esta pesquisa participante é resultado de um levantamento de pesquisas recentes no campo das artes cênicas tanto no que diz respeito à criação colaborativa, como ao teatro de grupo. O caminho metodológico adotado para esta investigação visou a articulação entre teoria e prática, possibilitando que a criação espetacular e a análise acadêmica na sistematização dos saberes gerados na sala de ensaio pudessem ser desenvolvidas paulatinamente.O primeiro capítulo tem como eixo de discussão as noções e os sentidos acerca do teatro de grupo, como vêm sendo entendidos na contemporaneidade daprática teatral brasileira. No capítulo segundo é apresentada a sistematização da dramaturgia da sala de ensaio gerada a partir da análise dos procedimentos criativos utilizados na composição do repertório de espetáculos do Grupo Finos Trapos desde 2003. Coletivo teatral cuja apresentação é tema do terceiro capítulo. E por fim, no quarto capítulo, há uma descrição e análise da experiência de aplicação da dramaturgia da sala de ensaio na composição do espetáculo supracitado. / Salvador

200 f. / Submitted by Cynthia Nascimento (cyngabe@ufba.br) on 2013-05-09T15:49:18Z No. of bitstreams: 1 Williane Silva Coroa.pdf: 1540067 bytes, checksum: 1d4cd78f7ba22a592ce7265498ecbace (MD5) / Approved for entry into archive by Alda Lima da Silva(sivalda@ufba.br) on 2013-05-10T20:45:32Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Williane Silva Coroa.pdf: 1540067 bytes, checksum: 1d4cd78f7ba22a592ce7265498ecbace (MD5) / Made available in DSpace on 2013-05-10T20:45:32Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Williane Silva Coroa.pdf: 1540067 bytes, checksum: 1d4cd78f7ba22a592ce7265498ecbace (MD5) / Explora-se o tema Teatro e Censura para a qual se propõe a edição e a leitura da linguagem proibida no texto teatral censurado Malandragem Made in Bahia, de Antonio Cerqueira. Aborda-se a dramaturgia de Antonio Cerqueira, com destaque para a sua produção e papéis assumidos pelo dramaturgo, ao longo da carreira, além do arquivo por este organizado. Examina-se a relação do referido autor com a censura, e, por conseguinte, o processo censório do texto selecionado. No terreno da Filologia, valendo-se dos procedimentos metodológicos da Crítica Textual e da Sociologia do texto, pretende-se editar o texto, de modo a dar a ler uma das versões deste, investigando seus usos, promovendo uma leitura dos cortes efetuados pelo serviço de censura a qual o texto foi submetido. Partindo-se dos cortes efetuados, define-se a linguagem proibida, evidenciando o que pode ou não ser dito em determinado contexto. Oferece-se com este trabalho uma modesta contribuição para as pesquisas desenvolvidas no terreno da Crítica Textual. / Universidade Federal da Bahia. Instituto de Letras. Salvador-Ba, 2012.

Submitted by Roberth Novaes (roberth.novaes@live.com) on 2018-10-01T14:37:46Z No. of bitstreams: 1 TESE COMPLETA_finalizada Isabela_unlocked.pdf: 6954619 bytes, checksum: 1ca9e016f3af46c734968aea28b7ba48 (MD5) / Approved for entry into archive by Setor de Periódicos (per_macedocosta@ufba.br) on 2018-10-01T16:05:26Z (GMT) No. of bitstreams: 1 TESE COMPLETA_finalizada Isabela_unlocked.pdf: 6954619 bytes, checksum: 1ca9e016f3af46c734968aea28b7ba48 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-10-01T16:05:26Z (GMT). No. of bitstreams: 1 TESE COMPLETA_finalizada Isabela_unlocked.pdf: 6954619 bytes, checksum: 1ca9e016f3af46c734968aea28b7ba48 (MD5) / Durante o exercício filológico de editar a dramaturgia de Jurema Penna, deparamo-nos com uma intensa modificação empreendida nesses textos. Tratam-se de intervenções de cunho autoral e não autoral, que dão a conhecer aspectos da sua elaboração, transmissão, circulação e recepção. A construção de um produto editorial para esse conjunto documental em suporte papel acarretaria em limitações à integração dos diversos aspectos presentes nesses textos. Em virtude dessas características, defendemos o uso do meio digital para apresentar a edição da dramaturgia de Jurema Penna, sob a forma de arquivo hipertextual, visto que este permite trazer os resultados do trabalho editorial de forma relacional, integrada, flexível e legível. A fim de compor o arquivo hipertextual, selecionamos dois textos da dramaturgia de Jurema Penna, a saber: Iemanjá – rainha de Aiocá, O bonequeiro Vitalino ou Nada é impossível aos olhos de Deus e das crianças. Para a elaboração da edição, foi preciso compreender as especificidades do texto teatral como objeto de encenação e de leitura, bem como o uso do meio digital na preparação de edições. Ao submeter tais textos ao método filológico, observamos que uma edição crítica seria insuficiente para mostrar aos leitores a riqueza desse conjunto documental. Realizamos, então, para cada texto, três tipos de edição: uma edição fac-similar, uma edição sinóptica e uma edição crítica, dispostas em um arquivo hipertextual, apresentado em volume digital. Acrescentamos ao arquivo hipertextual a edição crítica dos textos Negro amor de rendas brancas e Bahia livre exportação, editados na dissertação de mestrado desta pesquisadora, em suporte papel. Reunidos, esses quatro textos dão a conhecer uma Bahia dos anos 1970. A fim de entender tal contexto, desenvolvemos uma leitura dessas representações, que integram aspectos diversos da cultura baiana, amalgamados nas vivências dos soteropolitanos. Por meio do estudo realizado, foi possível elaborar propostas de edição que permitiram evidenciar a diversidade de materiais associados à produção dramatúrgica de Jurema Penna. O uso do meio digital, portanto, possibilitou ao editor construir o seu trabalho interpretativo de uma forma integrada e relacional, permitindo-lhe elaborar e compartilhar suas leituras por meio das tessituras que o meio digital engendra. / En el ejercicio filológico de editar la dramaturgia de Jurema Penna nos encontramos frente a un cambio intenso llevado a cabo en estos textos. Estas son intervenciones hechas por el dramaturgo u otros sujetos y nos revelan aspectos de su preparación, transmisión, circulación y recepción. La construcción de un producto editorial para este complejo conjunto documental en suporte papel traería limitaciones para la integración de las informaciones presentadas allí. A causa de esas características, defendemos el uso del suporte digital para presentar la edición de la dramaturgia de Jurema Penna, pues permite traer los resultados de nuestro trabajo de manera relacional, integrada, flexible y legible. En el intento de componer un archivo hipertextual, hemos seleccionado dos textos de la dramaturgia de Jurema Penna: Iemanjá – rainha de Aiocá, O bonequeiro Vitalino ou Nada é impossível aos olhos de Deus e das crianças. Para la preparación de la edición, fue necesario entender la especificidad del texto teatral como un objeto de escenificación y de lectura, así como la utilización de los medios digitales en la preparación de ediciones. El corpus fue sometido al método filológico y luego hemos comprehendido que presentarlo sólo en una edición crítica sería insuficiente para mostrar a los lectores la riqueza de este conjunto de documentos. Por lo tanto, se optó por realizar, para cada texto, tres tipos de edición: una edición facsímil, una edición sinóptica y una edición crítica dispuestas en un archivo hipertextual, en volumen digital. Añadimos a este las ediciones de Negro amor de rendas brancas e Bahia livre exportação, presentadas por esta investigadora, en suporte papel, en su disertación de master. Este conjunto nos da a conocer la Bahia de los años 1970. Para entender el contexto, desarrollamos una lectura de estas representaciones, que integran diversos aspectos de la cultura bahiana amalgamados en las experiencias de los soteropolitanos. A través de este estudio, fue posible elaborar propuestas para la edición que nos han permitido evidenciar la diversidad de textos y materiales asociados a esta producción dramatúrgica. El uso de los medios digitales, por lo tanto, fue importante por activar el editor para construir su labor interpretativa de un modo integrado y relacional, que le permite desarrollar y compartir sus lecturas a través de lo que engendra las tesituras del medio digital.

A presente tese de doutorado analisa, em perspectiva comparada, as convergências e divergências entre as dramaturgias do francês Jean Genet e do brasileiro Plínio Marcos, sob o prisma de três tópicos inegavelmente presentes, nelas: a violência, a revolta e a religiosidade. As questões de margem, borda, periferia, ex-centricidade, dissenso etc são abordadas neste trabalho para situar a ideia de outro como o referencial ontológico que sustenta a obra teatral de ambos. As respectivas biografias dos autores em questão, direta ou indiretamente, tem relação com a aura de marginalidade artística atribuída (e até assumida por eles próprios) a sua produção em geral (seus romances, poemas, ensaios e contos). Pode-se dizer que muito da persona que ambos assumiram correspondia às expectativas que os círculos intelectuais engajados tinham em adotar uma figura que viesse a encarnar o papel de autêntico porta-voz do segmento marginalizado da sociedade na qual cada um deles se criou. Ambos gozam de certo status de vanguardistas no caso do metateatro de Genet, na sua atribuída vinculação ao Teatro do Absurdo, e, no caso do hipernaturalismo dramático de Plínio, na sua atribuída (e mesmo confessa) descendência da linhagem criativa de caracteres e motivos do teatro de Nelson Rodrigues. Outro aspecto comum à dramaturgia de Genet e Plínio que abordamos é a problematização de dois espaços alegóricos definidores por excelência do ethos dos tipos humanos que o habitam: a prisão e o prostíbulo. Para tanto, ganham destaque, aqui, Alta vigilância e O Balcão, de Genet, e Barrela e O abajur lilás, de Plínio. Nelas também se verifica a figuração de motivos de inspiração religiosa que, no autor francês, concorrem para uma espécie de sacralização ritual do crime (o que ecoa o ideário de Antonin Artaud) e, no brasileiro, funcionam como um exercício catártico de compaixão à sombra de uma cristandade de feição primitiva que se insinua no tratamento que dá à degradação dos párias sociais que compõem seu universo dramático. Por fim, analisamos comparativamente três peças brasileiras (Pedro Mico, de Antonio Callado; Gimba, o presidente dos valentes, de Gianfrancesco Guarnieri; e Oração para um pé de chinelo, de Plínio Marcos) tomando como ponto de partida uma situação dramática comum a elas para traçar, assim, as afinidades e distinções de cada qual quanto à abordagem da criminalidade. E, assim, também, poder apontar o tipo de projeto de teatro a que cada uma se vincula, trazendo à tona questões caras ao momento histórico-cultural no qual foram compostas, como a figuração do negro e do favelado na sociedade brasileira / The present doctoral thesis analyses, in comparative perspective, the convergences and divergences between the dramaturgies of french Jean Genet and brazilian Plínio Marcos, through the prism of three topics which are undeniably present in both: violence, revolt and religiousness. The issues of margin, border, periphery, eccentricity, dissent etc are approached in this work in order to situate the idea of other as the ontological framework that supports the theatrical work of both authors. The biographies of both authors, directly or indirectly, are related to the aura of artistic marginality attributed (and even assumed by them) to their production in general (their novels, poems, essays and short stories). One may say that much of the persona assumed by the authors corresponded to the expectations that the engaged intellectual circles had of adopting a character that could embody the role of authentic spokesman of the marginalized segment of society in which each one of them were created. Both authors enjoy a certain avant-garde status in the case of Genets metatheatre, in his assigned binding to the Theater of the Absurd, and, in the case of Plínios dramatic hipernaturalism, in his assigned (and even confessed) ancestry of the creative lineage of characters and motives from Nelson Rodrigues theater. Another common aspect of the drama of Genet and Plínio that has been approached is the problematization of two allegorical spaces that perfectly define the ethos of human types that inhabit them: the prison and the whorehouse. Therefore, the highlights here are Deathwatch and The Balcony, by Genet, and Barrela and O abajur lilás, by Plínio. In all of them there is also the figuration of religion-inspired motifs that, in the french authors case, contribute as a type of ritual consecration of crime (which echoes in Antoin Artauds ideas) and, in the case of the brazilian author, function as a cathartic exercise of compassion in the shade of a primitive Christianity which is insinuated in the treatment given to the degradation of the social outcasts that compose his dramatic universe. Finally, we comparatively analyzed three brazilian plays (Pedro Mico, by Antonio Callado; Gimba, o presidente dos valentes, by Gianfrancesco Guarnieri; and Oração para um pé de chinelo, by Plínio Marcos) using as a starting point a dramatic situation common to them in order to trace the affinities and distinctions of each one regarding the approach to criminality. And thus, also, be able to indicate the type of theater project to which the authors are linked, bringing up issues that are dear to the cultural-historical moment in which they were composed, like the figuration of the black men and the people who lived in slums in brazilian society

A recriação da comédia paliata de Plauto na literatura dramática portuguesa: um estudo comparativo entre os Anfitriões, de Camões e de Antônio José da Silva, é um trabalho que tem como objetivo estabelecer um termo de comparação entre as estruturas dramatúrgicas da Comédia Paliata de Plauto em suas versões portuguesas, de Luís de Camões e de Antônio José da Silva, discutindo as alterações que sofreu a comicidade dessas peças teatrais em seu caminho histórico, da Antiguidade a Era Moderna, buscando avaliar o seu grau de permanência e de mudança ao longo do tempo. Plauto, em seu processo de criação da comicidade de palavra, de situação e de caráter, tem seu Amphytruo, como obra paradigmática da comédia latina ao criar situações e tipos que se perpetuaram na comédia e a tornaram uma referência para as comédias que vieram a seguir. A obra plautina sobrevive porque há uma, histórica e permanente, reelaboração que protege seus modelos de criação de humor / The re-creation of the comedy paliata of Plauto in Portuguese dramatically literature: a comparative study between the Hosts, of Camões and Antônio José da Silva, it is a work that has as objective to establish a comparison term it enters the dramaturgical structures of the Comoedia Palliata by Plauto and its translations into Portuguese versions, of Luis de Camões and Antônio José da Silva, discussing the alterations suffered by these plays comicality in their Historical path from Ancient Times to the Modern Age, seeking to evaluate the degree of its permanence and change along the time. Plauto, in its process of creation of the comicality of word, situation and character, has its Amphytruo, as paradigmatic workmanship of the Latin comedy when creating situations and types that if had perpetuated in the comedy and had become it a reference for the comedies that had come to follow. The plautina workmanship survives because it has one, historical and permanent, rework that protects its models of mood creation

O presente trabalho, "Fluxo de Consciência: percurso e articulações no teatro contemporâneo", se propõe ao estudo do fluxo de consciência como proposta estética pertinente ao teatro. Parte-se de sua definição na psicologia, a partir de William James, e de sua concepção pela teoria literária, no estudo produzido por Robert Humphrey, para, posteriormente, identificar seu uso no teatro. Por meio da articulação de seu percurso na dramaturgia, em relação às formas produzidas na literatura, examina-se o tratamento específico dado ao fluxo de pensamento no teatro, com base nas teorias de Peter Szondi, Anatol Rosenfeld e Anne Ubersfeld. A abordagem de sua manifestação efetivamente teatral se completa com o exame da situação singular que a encenação produz junto ao público, fundamentado nos trabalhos de Jean-François Lyotard, Linda Hutcheon, Hans-Thies Lehmann e Maurice Merleau-Ponty, e com a análise do espetáculo "Ânsia", da 3 de Sangue Companhia de Teatro, com direção de Rubens Rusche, fundamentada pela teoria dos vetores de Patrice Pavis. O trabalho defende uma modificação na constituição do fluxo de pensamento ao longo dos anos. Primeiramente centrado na psicologia de personagens, ao tornar-se parte da produção cultural contemporânea, ele se contamina com os pressupostos pósmodernos e sua existência se manifesta cada vez mais descentralizada. Com a consideração de um sujeito vulnerável, diante das múltiplas influências na "era pósindustrial", constituído no processo de interação com o mundo, o "eu" é visto sob a perspectiva da relatividade de sua determinação definitiva. Assim, a personagem também se torna ser instável, questionada em sua validade enquanto ser uno, passando a ser trabalhada através de fragmentos abertos à múltipla significação. Atualmente, verifica-se sua apresentação em elementos dispersos, que solicitam à recepção a conexão em meio à dispersão. A personagem é uma encruzilhada de discursos e o fluxo perde seu lugar central. O fluxo de consciência, como proposta teatral, se estabelece para além de características formais e alcança sua constituição como processo na totalidade da experiência estética. Retoma um tipo de existência que se aproxima de seu objeto original - os processos mentais e cerebrais - e se define em variabilidade avessa a qualquer tentativa de determinação definitiva. Encontram-se diversos tratamentos relacionados ao fluxo, que não se excluem nem se subordinam. Diante dessas diversas manifestações, verifica-se sua adaptabilidade a toda nova exigência, quando se estabelece sob novos moldes. / The current work, named "Stream of Consciousness: history and changes in Contemporary Theater", aims at studying the stream of consciousness as an aesthetic proposal relevant to Theater. Initially, we present the definition tailored by William James, in psychology, and by Robert Humphrey, in literary theory, to later identify its use in Theater. Based on the theories of Peter Szondi, Anatol Rosenfeld e Anne Ubersfeld, we analyze the specific treatment given to the stream of consciousness in Theater, throughout its changes in the history of Drama, compared to its characteristics in Literature. Its theatrical manifestation is demonstrated in a particular reaction the performance causes in the audience, based on the works of Jean-François Lyotard, Linda Hutcheon, Hans-Thies Lehmann e Maurice Merleau-Ponty. Besides, we analyze the show "Ânsia", by 3 de Sangue theater group, directed by Rubens Rusche and based on the vector theory by Patrice Pavis. The present work defends a change in the constitution of the stream of consciousness along the years. First centered in the psychology of the character, when it becomes part of the contemporary cultural production, it blends with the post-modern assumptions, and its existence becomes more and more decentralized. Regarding a vulnerable subject, who is conceived in the process of interaction with the world, before the multiple influences in the "post-industrial" age, the "self" is seen under the perspective of the relativity of its definitive determination. Thus, the character also becomes an unstable being, questioned in its validity as an entire and complete being, and works by fragments that allow many different meanings. Nowadays, we verify the presentation of the character in scattered elements, that ask the audience the connection among dispersal. The character is a crossroad of speeches, and the stream no longer has its critical role. The stream of consciousness, as a theatrical proposal, is beyond formal characteristics, and reaches its constitution as a process in the aesthetic experience. It recalls a kind of experience that approaches its original object - brain and mind processes - and is defined in variability against any kind of definitive determination. There are many treatments related to the stream; they do not exclude and are not subordinated to one another. Before all those manifestations, we verify that it can adapt to any new demand when is established under new patterns.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de artes, Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas, 2016. / Submitted by Fernanda Percia França (fernandafranca@bce.unb.br) on 2016-11-09T13:09:15Z No. of bitstreams: 1 2016_RicardoCruccioliRibeiro.pdf: 2284837 bytes, checksum: 4b32698fc6f1c51de53202bc2ec83f69 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2017-01-04T18:36:28Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_RicardoCruccioliRibeiro.pdf: 2284837 bytes, checksum: 4b32698fc6f1c51de53202bc2ec83f69 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-01-04T18:36:28Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_RicardoCruccioliRibeiro.pdf: 2284837 bytes, checksum: 4b32698fc6f1c51de53202bc2ec83f69 (MD5) / Este trabalho tem como objeto de estudo a identidade e a alteridade adolescente no contexto escolar e apresenta os resultados da pesquisa realizada no âmbito da oficina de teatro do projeto Leve Supra Cena, ministrada a 17 alunos do ensino médio de 03 escolas públicas do Distrito Federal. O objetivo geral é compreender essa identidade e alteridade, a partir da relação do adolescente com o outro e com o meio. Com isso, pretende-se apontar caminhos que levem ao pensamento e à construção de uma escola de ensino médio condizente com a sociedade pós-moderna com vistas a tornar o processo de ensino e aprendizagem prazeroso e expressivo ao estudante. A condução teórica se deu a partir de estudos sobre identidade, alteridade e adolescência. Metodologicamente, a investigação do tema foi guiada nos moldes da pesquisa-ação. E Os dados foram gerados, principalmente, a partir da observação, registro e análise da escrita dramatúrgica oriunda da pesquisa e construção de personagens teatrais para o espetáculo Dispa-se: o produto final da 2ª etapa da oficina ministrada aos alunos. ________________________________________________________________________________________________ ABSTRACT / This work has as study subject the adolescent identity and alterityin school context and it presents the results of the research conducted within the theater workshop of Leve Supra Cena project, attended by 17 high school students from 03 public high schools in Distrito Federal, Brazil. The main objective is to understand identity and alterity from the adolescent’s relationship with the other and the environment. And so, it is also an objective to point out ways that lead to some thinking about and to the construction of a high school that befits the postmodern society in order to make the teaching-learning process enjoyable and meaningful to high school students. Our theoretical orientation was organized from the studies of identity, alterity and adolescence. Methodologically, the research of the theme was guided by the action research design. And data were generated, mainly, from observation, recording and analysis of the dramaturgical writing originated in the research and of the construction of the theatrical characters for the theatrical spectacle Dispa-se: the final product of the 2nd stage of the workshop attended by the students.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Mestrado Profissional em Artes, 2016. / Submitted by Albânia Cézar de Melo (albania@bce.unb.br) on 2017-01-17T14:05:59Z No. of bitstreams: 1 2016_WellingtondeOliveira.pdf: 8473016 bytes, checksum: 6300319bd8837dc7b894bf5868a19f2c (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2017-02-15T19:27:35Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_WellingtondeOliveira.pdf: 8473016 bytes, checksum: 6300319bd8837dc7b894bf5868a19f2c (MD5) / Made available in DSpace on 2017-02-15T19:27:35Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_WellingtondeOliveira.pdf: 8473016 bytes, checksum: 6300319bd8837dc7b894bf5868a19f2c (MD5) / A presente pesquisa discute a relação das práticas teatrais com a cidade, em contextos educativos, analisando um processo de criação teatral realizado com jovens estudantes na comunidade do Vale do Amanhecer, em Planaltina/DF. Pretende-se situar a ação teatral como acontecimento facilitador de leituras dos espaços da cidade e de conscientização política dos cidadãos, agentes transformadores dos territórios que compartilham. A análise dos procedimentos metodológicos e dos percursos criativos objetivam o reconhecimento da cidade como potencial território de experiência para propostas teatrais que visam o desenvolvimento de comunidades. / The present research discusses the relationship of theatrical practices with the city, in educational contexts, analyzing a theatrical creation process accomplished with young students in the community of Vale do Amanhecer, in Planaltina / DF. It intends to situate the theatrical action as a facilitative event of readings of city spaces and political awareness of citizens, transforming agents of the territories that they share. The analysis of methodological procedures and creative courses objectives to recognize the city as a potential territory of experience for theatrical proposals intending the development of communities.

Doctor en filosofía con mención en estética y teoría del arte / Una de las consecuencias menos evidentes al comienzo de la llamada “transición” que dejó la violencia dictatorial fue la desactivación de la sociedad civil, que se tradujo en un sentimiento de desconfianza ante la posibilidad de cualquier proyecto colectivo. Pero la violencia ejercida por la Dictadura no es sino la continuación de aquella que supuso la implantación de los procesos de modernización y que hoy ha supuesto la instauración del neoliberalismo en todos los ámbitos de la sociedad. De este modo, el proyecto modernizador es coincidente con el desarrollo de una sociedad inmunitaria en la que la vinculación entre comunidad y violencia aparecen como connaturales. Para comprender la relación que se establece entre ambas es que acudimos a la noción de sacrificio, pues parece darnos una clave para desentrañar la diversidad de formas que esta relación adquiere: que van desde la comunidad fundada desde un delito original, que genera una deuda insaldable ante lo cual las sociedades se inmunizan, pasando por el sacrificio trágico que pone en juego el carácter discontinuo de la historia por la urgencia de la decisión, para finalmente hacer emerger la pregunta de la comunidad como una interrogante ontológica referida al ser del estar-en-común, y el reconocimiento de esa instancia como falta. Creemos que el Teatro es un lugar privilegiado para tratar esta cuestión en la medida que sacrificio y teatro entran en una relación esencial. El sacrificio opera como una representación en el teatro y la dramaturgia y en ese sentido lo denominamos una figura. Sostenemos que la figura sacrificial constituye la pieza articuladora fundamental de la función dramática y de la teatralidad como fenómeno escénico. En cuanto procedimiento de representación la figura de lo sacrificial opera alegóricamente, pues es un procedimiento autoreflexivo que lleva a un límite la posibilidad de representación. Este procedimiento que es posible verificar en algunas dramaturgias de posdictadura, en las cuales se representa un cierto resultado de la violencia dictatorial, determinaría una suerte de poética de la memoria, bajo la forma de una escritura del pathos, y que podría ser suficientemente representativa como para convertirse en una herramienta hermenéutica para abordar la dramaturgia de nuestra época.