Orientador: Ernesto Jacob Keim. / Dissertação (mestrado) - Universidade Regional de Blumenau, Centro de Ciências da Educação, Programa de Pós-Graduação em Educação.

Tese de mestrado. Design Industrial. 2006. Faculdade de Engenharia. Universidade do Porto, Escola Superior de Artes e Design de Matosinhos

Conclusão dos propósitos da crítica situacionista na prática da teoria autónoma actual. Aspectos estéticos, artísticos e subversivos da crítica situacionista na história actual.

El presente estudio plantea el conocimiento de las herramientas teóricas y prácticas para el ejercicio integral de la crítica de artes plásticas en el periodismo cultural. Para tal fin, el estudio se ha estructurado en seis capítulos. El primero, expone y aplica el llamado sistema forma, que garantiza así la comprensión formal de la obra plástica; el segundo capítulo interpreta los períodos y estilos de la historia del arte; el tercer capítulo, analiza la historia de la estética, así como las teorías y tendencias artísticas del siglo XX: vanguardias y posmodernidad; el cuarto capítulo estudia la historia de la crítica; el quinto capítulo, expone las metodologías para el estudio de la historia del arte, para comprender tendencias tradicionales como el formalismo, la sociología, el psicoanálisis y la semiótica, y, por último; el sexto capítulo estudia la crítica actual y su relación con los medios de comunicación; teoría del ensayo: origen y premisas de los géneros de opinión; la crítica de arte periodística y sus subgéneros: reseña, columnismo o articulismo, y articulismo de fondo. Asimismo, se estudian técnicas de redacción y se valora un conjunto de recursos literarios aplicados a la opinión, propios del arte de escribir la crítica. En suma, todo este cuerpo teórico-práctico constituye gran parte del soporte intelectual que debe poseer el crítico de artes plásticas con formación periodística. / Tesis

Este trabajo doctoral se propone como objetivo reflexionar sobre este fenómeno, tan exótico, llamado arte: para hacerlo, desarrolla una teoría de la experiencia estética y de la hermenéutica de la literatura y del arte. Esta teoría se basa principalmente en las obras de Hans-Robert Jauss y de Immanuel Kant.En los capítulos I y II, se analizan las teoría de Jauss sobre la recepción de la literatura (1967) y su posterior teoría de la experiencia estética (1972). Lo interesante de la teoría estética de Jauss consiste en explicar verosímilmente el fenómeno del arte en tanto que negación de la realidad y distanciamiento de la misma (ficción), y en tanto que comunicación de un tipo de contenidos morales y cognoscitivos. Sin embargo, un análisis riguroso muestra que su teoría no consigue diferenciar coherentemente la experiencia cognitiva (cotidiana, moral, científica) y la experiencia estética.Para resolver este problema, la tesis continúa con la propuesta de la teoría hermenéutica de Gadamer como un marco filosófico de referencia para definir lo que es la experiencia cognitiva general y moral del mundo (capítulo III). La hermenéutica muestra que la experiencia humana fundamental es una experiencia significativa; sin embargo, no puede argumentar satisfactoriamente que la experiencia estética sea equivalente.Llegados a este punto se impone una recapitulación que muestre los problemas planteados y los retos que debe abordar una nueva teoría de la experiencia estética (capítulo IV). Para afrontarla, se ensaya una relectura de la obra de Kant "Crítica de la facultad de juzgar" (1790), un texto de gran fecundidad filosófica para nuestra época.Esta relectura de Kant (capítulos IV-VI) puede explicar y describir los elementos tanto posivitivos como negativos de la experiencia estética. El momento negativo se refiere al distanciamiento de la realidad cotidiana (ficción), pero también a la posibilidad de juzgar la cualidad estética desde un principio teórico, lo cual debe conducir a despertar la conciencia crítica y autónoma. El momento positivo se refiere a la aprehensión y comunicación de un sentido nuevo, no del objeto, sino de carácter general, del mundo.Sin embargo, la conclusión más destacada frente a otros análisis de la estética kantiana consiste en que el fundamento del juicio estético reside precisamente en su aspecto intersubjetivo. Éste interviene destacadamente en la creación de espacios de comunicación y participa directamente, por tanto, en las relaciones entre personas y en sus valores morales.La potencialidad de la experiencia estética puede también señalar los límites de lo humano y, al mantener su autonomía respecto a los valores morales, puede ser incluso fuente de experiencias negativas y destructoras, sublimes y siniestras.En los últimos capítulos de la tesis, se vuelve a recuperar la obra de Jauss. En el capítulo VII, para ilustrar la teoría estética extraída del texto kantiano mediante una historia de la experiencia estética. A lo largo de ésta se observa la evolución y los cambios producidos en la percepción estética y en sus valores, pero sobre todo destaca una dialéctica inherente a la experiencia estética: dialéctica continua entre negación (crítica) de lo anterior y positividad (comunicación), y de nuevo posterior negación de lo anterior.Finalmente (capítulo VIII) se expone una reformulación de la teoría de la literatura y del arte de Jauss (inédita en el ámbito hispano) en coherencia con los principios de la estética defendidos en los capítulos anteriores. Este modelo heurístico para arte incluye como momento específico la negatividad estética y la apertura de la comprensión; apertura cognitiva que, paradigmáticamente, cabe expresar mejor en modo de pregunta que en el asertivo o descriptivo. / The goal of this PhD dissertation is to reflect on the bizarre phenomenon we call Art by putting forward a theory of the aesthetic experience and of the hermeneutics of literature and art. This theory will be based upon the works of Hans-Robert Jauss and Immanuel Kant.Chapters I and II analyse Jauss' Theory of Reception (1967) and its subsequent Theory of the Aesthetic Experience (1972). The interest of Jauss' aesthetic theory lies in its ability to credibly explain the phenomenon of art not only as a negation of reality (fiction) and estrangement of the self, but also as a communication of a certain kind of cognitive and moral meanings. However, a meticulous analysis also reveals that this theory is unable to make a coherent difference between the cognitive experience (normal, moral, and scientific) and the aesthetic experience.To solve this problem, this dissertation makes use of Gadamer's hermeneutic theory as a philosophical reference to define what the general cognitive experience is (chapter III). The hermeneutic theory defines the human experience as a fundamentally meaningful one; but it cannot adequately compare it to the aesthetic experience.A glance back to the problems and challenges analysed so far shows that a new theory of the aesthetic experience must be put forward (chapter IV). To fulfil this goal, this dissertation will reread Kant's "Critique of the faculty to judge" (1790), a philosophically fertile text to our time.This rereading of Kant's Aesthetics (chapters IV-VI) can explain and describe the positive and negative elements of the aesthetic experience. First, there is a negation on different levels: of the objective meaning of the thing perceived, of normal reality (to build fiction), and also of the possibility to judge the aesthetic quality from any kind of principle. All this should generate an awakening of the critical and autonomous conscience. The positive moment can be better understood. It refers to the apprehension and communication of a new meaning, not of the object, but of a more general meaning, a meaning of the world.However, the most important conclusion, if compared with other approaches to Kantian Aesthetics, is that the basis of the aesthetic judgement lies in its intersubjective aspect. This capacity to aesthetically judge plays an active role in human communication and, in that way, also participates directly in the relationships between people and in their moral values.The potentiality of the aesthetic experience can nevertheless mark the limits of what is human and, maintaining its moral autonomy, can even be the source for negative and destructive, sublime and sinister experiences.In the last two chapters this dissertation goes on to recover Jauss' work. In chapter VII it does so to illustrate the aesthetic theory taken from the Kantian text by means of a history of the aesthetic experience. We might observe the evolution and changes in the aesthetic perception, but also some dialectics which are inherent to the aesthetic experience: an unavoidable process between the negation (critique) of the preceding context and the affirmation (communication) of a new sense, and then again a negation of the later to produce a new one.Finally, (chapter VIII) this dissertation attempts to reformulate Jauss' literature and art Hermeneutics springing from his latest work (unpublished in Spanish). This reformulation is meant to be in coherence with the principles of the aesthetic theory held in the previous chapters. This exegetic model includes as a specific moment the aesthetic negativity and the openness of comprehension. A cognitive openness which cannot be expressed through assertive or descriptive models of discourse, but paradigmatically, through an interrogative one.

La presente tesis surgió como idea en 1993, en el curso del Festival Internacional de Música y Danza de Granada, que tuvo como ámbito de estudio la música contemporánea en España. En él, el profesor y compositor Albert Sardá realizó un exhaustivo estudio sobre los compositores del área catalana. Allí tuvimos un primer contacto con la música de Guinjoan, y tutelada por el Dr. Angel Medina, comenzó nuestro trabajo sobre el compositor catalán. El trabajo de investigación, correspondiente a la obra pianística del compositor Joan Guinjoan, se defendió en el Departamento de música y artes de la Universidad de Oviedo en 1995, y fue posteriormente publicado por la Editorial Alpuerto casi en su integridad. Este es el motivo de que el estudio de las obras para piano no hayan sido incluidas en esta tesis, ya que, guiados por el consejo de nuestro director, consideramos que en una tesis doctoral únicamente tienen cabida los trabajos inéditos.

La "música postmoderna" es una categoría epistemológica creada con objeto de describir determinadas manifestaciones contemporáneas en la que los presupuestos estéticos de la modernidad se ven radicalmente cuestionados. No obstante, al igual que otros términos que jalonan nuestro vocabulario artístico (neoclasicismo, etc.), esta categoría está dando lugar a numerosos debates. Nuestro estudio parte de un examen crítico de las diversas aproximaciones esgrimidas hasta el momento y plantea posteriormente una nueva perspectiva con objeto de superar algunas de las contradicciones en las que éstas incurren.La mayor parte de estas definiciones señalan dos direcciones a la hora de abordar la música postmoderna: la aparición de rasgos estilísticos (discontinuidad, fragmentación, etc.) que desmienten el ideal moderno de una estructura cerrada y una tendencia a recuperar lenguajes reconocibles frente a la abstracción sonora que había caracterizado el serialismo de posguerra. Sin embargo, estas definiciones no alcanzan una distinción neta entre ambos planteamientos estéticos, dado que la creación de formas fragmentarias y la reutilización de materiales preexistentes son rasgos igualmente presentes en compositores modernos: Mahler, Berg, Debussy, Stravinsky, entre otros. Esta disertación doctoral caracteriza la música postmoderna como un paradigma estético dotado de unas coordenadas conceptuales y operativas específicas que la distinguen claramente de la estética moderna. Las confusiones generadas, sin embargo, podrían deberse al hecho de que ambos planteamientos estéticos responden a unas mismas problemáticas vinculadas con la evolución del lenguaje musical en la sociedad contemporánea y, más concretamente, con el cambio de condiciones de creación y recepción que se produce con el paso del Antiguo Régimen a un nuevo régimen de mercado. De ahí que el primer capitulo de nuestra disertación esté dedicado a un análisis de estas nuevas condiciones: la concepción de la propiedad artística (derechos de autor, la obra como mercancía, etc.); la emergencia de nuevas categorías como son el concepto de obra musical autónoma, la historia de la música, la música pura o la noción de una esfera autónoma del arte; y la evolución que el lenguaje musical sufre dentro de estas coordenadas. Posteriormente se analiza la articulación distinta que reciben estas categorías de la obra musical, la música pura, etc. en cada uno de estos planteamientos estéticos, relacionando para ello las teorías que surgen en el ámbito de la música con los discursos sobre la modernidad y postmodernidad desarrollados en el terreno de la filosofía.El apartado dedicado a la música moderna describe la articulación dialéctica que reciben estas categorías y descubre la existencia de dos vertientes estéticas diferentes: una vertiente clásica correspondiente a los principios de la dialéctica hegeliana, donde se inscriben el relato de un progreso histórico del material y el concepto de una forma autónoma y cerrada; y otra vertiente alternativa que hemos calificado de "modernista", correspondiente a la dialéctica negativa de Adorno, donde se defienden formas fragmentarias y una continuidad histórica compatible con la reutilización de materiales del pasado. Hemos examinado así mismo la presencia de estas dos vertientes en la obra musical de tres compositores: Schoenberg, Debussy y Stravinsky.En el apartado de la postmodernidad, analizamos la desarticulación de esta mediación dialéctica y la deconstrucción que se opera de las categorías que vertebraron la estética moderna: el concepto de no-obra; la disolución de una tradición histórica; la hibridación entre medios artísticos en las prácticas intermedia; y la deconstrucción de la autonomía del arte en manifestaciones que se sitúan en la brecha entre arte y vida. Estas coordenadas postmodernas han sido igualmente estudiadas en la obra de tres músicos experimentales del territorio español: Llorenç Barber, Carles Santos y Pepe Iges. / Postmodern music is an epistemological term which was created to describe certain contemporary musical expressions in which the aesthetic principles of modernism are radically contested. However, this nomenclature, like others that constitute our artistic vocabulary (neoclassicism, etc.) has provoked great controversy. Our research departs from a critical analysis of the various approaches developed and sets a new perspective with the objective of overcoming some of the contradictions which these generate.The majority of these definitions point in two directions when dealing with postmodern music: the use of a number of stylistic features (discontinuity, fragmentation, etc.) that challenge the modern ideal of a closed structure and the practice of recovering recognizable languages as an answer to the sound abstraction that characterised the post war serialism. Yet these definitions do not reach a clear distinction between the two aesthetical approaches, as the creation of fragmentary forms and the recovery of preexisting materials are equally present in modern composers such as Mahler, Berg, Debussy and Stravinsky among others. This dissertation is based on the assumption that postmodern music constitutes an aesthetical paradigm characterised by specific conceptual and operative keystones that undoubtedly distinguish it from modern aesthetics. But the existing confusion could arise due to the fact that both aesthetics respond to the same questions linked to the evolution of musical language in contemporary society and, more specifically, to the change in the conditions of creation and reception of music brought about by the decadence of the Ancien Régime in favour of a market economy. Therefore, the first chapter of our dissertation is dedicated to an analysis of these new conditions: the conception of artistic property (copyright, the work of art as a commodity, etc.); the emergence of new categories such as the concept of autonomous work, the history of music, pure music or the notion of an autonomous sphere of art; and the evolution of musical language under these conditions. There follows an analysis of the different forms adopted by these categories the musical work, pure music, etc. in each of these aesthetic approaches, relating thus the theories arising in the study of music to the discourses of the modern and postmodern developed in philosophy.The section dedicated to modern music describes the dialectical form that these categories adopt and the existence of two different aesthetic tendencies: a classical one corresponding to the principles of Hegelian dialectics, defending a historical progress of the material and the concept of a closed and autonomous form; and an alternative one, so-called "modernist", corresponding to the negative dialectics of Adorno, defending fragmentary forms and historical continuity as compatible with the reutilization of former materials. We have examined the presence of these two tendencies in the music of three composers: Schoenberg, Debussy and Stravinsky.In the section on postmodernism, we analyse the disarticulation of this dialectical mediation and the deconstruction applied to the categories that vertebrated modern aesthetics: the concept of unwork; the dissolution of historical tradition; the hybridising of artistic media in intermedia practices; and the deconstruction of the autonomy of art in productions situated in the breach between art and life. These postmodern keystones have been equally researched in the works of three Spanish experimental musicians: Llorenç Barber, Carles Santos and Pepe Iges.

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Análisis de las producción del diseñador inglés Alexander McQueen bajo la perspectiva del concepto de lo siniestro creado por Sigmund Freud.