Moins connues que Chez Mondrian, ou d’autres tirages devenus célèbres, les Distorsions de 1933 peuvent apparaître comme une série d’importance mineure dans l’œuvre d’André Kertész. La série de photographies qui la composent, vaste par le nombre, donne à voir des déclinaisons de nu qui n’ont plus rien d’académique, dans le traitement qu’en donne le photographe. Les corps, déformés grâce à un miroir courbe, surprennent de par leur modernité et leur caractère d’étrangeté, au regard du reste de la production de l’auteur. Constitue-t-elle pour autant une « parenthèse » dans son œuvre ? Il convient pour y répondre de s’interroger sur le contexte d’apparition de ces photographies et les raisons de leur création. Pour ce faire, une évaluation des composantes plastiques de chacune des images s’avère incontournable, avant que d’établir des liens et correspondances avec d’autres œuvres du photographe. L’angle choisi, qui favorise le rapport direct aux images en les plaçant au centre de la recherche, s’intéresse à la mise en œuvre des Distorsions à l’aune de la commande qui en suscita l’objectivation, tout en dévoilant comment ce cadre spécifique fut outrepassé. Le dispositif complexe employé pour la prise de vue est alors questionné, dans l’intention de mesurer l’importance et le rôle du miroir dans le dévoiement de l’image. A ce moment sont abordées, par le biais d’analyses à la fois formelles et esthétiques, les diverses typologies de corps, et leur rapport à l’espace dans l’image. Ce qui aboutit enfin à une vision d’ensemble, permettant de replacer ce corpus dans l’œuvre entier de Kertész, et de dégager les parentés intentionnelles dans sa logique de création. / Less known than Chez Mondrian, or other famous prints, the Distortions of 1933 may appear as a series of minor importance in André Kertész’ work. The series of photographs, wide ranging in numbers, lets us see versions of nude, whose have nothing to do with academic, in the handling given by the photographer. Bodies, distorted by a curved mirror, surprising in their modernity and their strangeness, compared with the rest of the author production. Does it make up a "parenthesis" in his work? To respond to this question, we should wonder about the developing context of these photographs and also the reasons of their creation. An evaluation of visual aspects of each image is necessary, before establishing links and connections with other works made by the photographer. The angle chosen, which favors the direct images by placing them in the center of research focuses on the implementation of Distortions in the light of the order in which aroused objectification, while revealing how this specific framework was exceeded. The complex device used for the shooting is asked then, with the intention of measuring the importance and role of the mirror in the image’s corruption. At this time are addressed through analysis of both formal and aesthetic, the various types of bodies, and their relationship to space in the image. This leads finally to a vision, to put this body in the whole work of Kertész, and to identify the intentional similarities in his creation logic.

L'histoire houleuse de la province du Katanga, et plus largement de la République démocratique du Congo a fortement remanié l'organisation du tissu social traditionnel et la répartition de la population. Dans les villages à proximité des routes, de nombreuses populations cohabitent - Tshokwés, Kasaïen, Amba, Bemba, Lamba, etc. - et essayent de projeter et construire un avenir malgré la rareté des ressources. Dans l'espace rural du Katanga et du nord de la province de la Copperbelt (Zambie), les différentiels économiques, réels et fantasmés, sont omniprésents. La circulation d'expatriés – personnel d'ONG, salariés des sociétés minières, missionnaires, etc. - et la présence de « creuseurs » ou encore le va-et-vient de camions transportant le minerai exacerbent la conscience de pauvreté des habitants. Les moyens de communication modernes, le modèle de consommation occidental ont été assimilés avec une brutale rapidité transformant radicalement les modes et manières de se représenter, et en répercussion la conscience de soi des individus (De Lame et Dibwe, 2005 : 36). La jeune génération, et notamment dans les villages où la marge de manœuvre créatrice est plus grande, réinvente ces codes au travers des décorations en argile, en usant d'un legs dont elle n'a pas nécessairement conscience. La « guerre sociale des signes » (Ouedraogo, 2008 : 8) qui accompagne la globalisation nécessite de mieux comprendre les processus de représentation et c'est ce que vise cette recherche ; il s'agit donc dans cet ouvrage de mieux percevoir la façon dont se disent les individus que sont les habitants de trois villages de la Copperbelt africaine, voire la façon dont ils s'affichent par le biais des décorations. “Décorations, peintures et images de soi ; les processus de représentation à l'ère du Village-Global : Études de cas dans trois villages de la Copperbelt africaine” analyse ainsi les représentations produites par les habitants des villages de Makwacha (République démocratique du Congo), de Kakyelo (DRC) et de Mudenda (Zambie) au travers des décorations réalisées sur les murs des cases. / My research analyzes the mural paintings realized in the villages of Makwacha (Democratic Republic of Congo), Kakyelo (DRC) and Mudenda (Zambia). These mural paintings, while displaying apparently heterogeneous aesthetics, show similar production process (a mostly female collective dynamic, a similar use of clay and organic mixture as painting materials) that suggest their link to the former Lamba tradition called kushingula. Over the last 50 years, great economic and political changes have occured in Zambia and Democratic Republic of Congo. How do these mural paintings practices relate to each other ? What social status do have these paintings nowadays? Who does realize them and for which reasons? What kind of narratives do they elaborate? In order to understand what mirror these practices, I investigate on the inhabitants' motivations and sources of inspiration and the singular histories of each village, connecting individuals' initiatives and influences with village economic issues and structural organization. Indeed, along with the inhabitants, these mural painting practices involve a wide range of actors (NGO, tourists, journalists, artists, etc.) intertwinning different scales, divergent interests and heclectic imaginaries which question how cultural values and signs constantly (re)emerged from heterogenous agencies and how it circulates through individuals and groups.

Cette thèse s’appuie sur les poétiques de la lecture pour étudier le lecteur tel qu’il s’inscrit dans la littérature franco‑canadienne (de l’Acadie, de l’Ontario français et de l’Ouest francophone). Comme toutes les littératures minoritaires, celle‑ci se caractérise par un public lecteur réduit. Dans les circonstances, à qui les œuvres franco‑canadiennes s’adressent-elles? Quelles stratégies d’écriture déploient-elles pour rejoindre leur cible? Ces stratégies servent-elles à interpeller ou à repousser les lecteurs? S’il est vrai que les littératures minoritaires ont accès à un petit nombre de lecteurs, elles ont cependant conscience d’avoir à leur disposition un grand nombre de lectorats, auxquels elles ne cessent de songer. Dans leur ensemble, les quatre chapitres proposent une typologie des différents lectorats auxquels s’adresse la littérature franco-canadienne tout en analysant les stratégies d’écriture mises au point pour en inclure ou en exclure. Ils montrent combien la question du lecteur, pourtant abordée sporadiquement par les chercheurs jusqu’à maintenant, occupe une place centrale dans cette littérature. En effet, le lecteur oriente sans cesse la construction des textes littéraires. Le premier chapitre examine deux œuvres qui ciblent le lecteur endogène (qui provient de la communauté de l’auteur) : la pièce Moé j’viens du Nord, ’stie d’André Paiement et de la Troupe universitaire de l’Université Laurentienne ainsi que le roman Bloupe de Jean Babineau. Dans le chapitre suivant, il est question du lecteur exogène (qui provient d’une autre communauté que celle de l’auteur, le plus souvent du Québec), auxquels s’adressent le paratexte des nombreuses éditions de La Sagouine, monologues d’Antonine Maillet, ainsi que le texte des Trois exils de Christian E., pièce de Philippe Soldevila et de Christian Essiambre. Le troisième chapitre s’appuie sur les romans Pour sûr de France Daigle et La belle ordure de Simone Chaput pour montrer que certaines œuvres minoritaires refusent de trancher entre les publics endogène et exogène. Elles travaillent plutôt à les rejoindre simultanément, en les plaçant sur un pied d’égalité. Deux cas de figure supplémentaires occupent le dernier chapitre. Il porte d’abord sur le lecteur du roman Frog Moon de Lola Lemire Tostevin, qui se situe à la frontière de deux communautés linguistiques. Il s’attarde ensuite aux difficultés que pose le recueil de poésie Péristaltisme. Clystère poétique d’Éric Charlebois, qui propose une lecture indigeste à partir d’une thématique pourtant universelle, la digestion. Le recours aux poétiques de la lecture pour examiner le corpus franco‑canadien contribue à résoudre une importante aporie du discours critique sur les petites littératures, qui tend à privilégier les analyses thématiques. Or tenir compte à la fois de la représentation et de l’énonciation des œuvres – c’est-à-dire de ce qu’elles disent, mais aussi de comment et à qui elles le disent – permet de faire véritablement ressortir toutes les possibilités à la disposition des écrivains minoritaires de même que la richesse de leur travail.

La présente thèse est consacrée à l’étude de la scénographie par rapport à l’espace. En particulier, l’étude questionne l’espace cinématographique relativement aux éléments qui sont considérés, dans les théories existantes, comme caractérisant et composant l’esthétique du cinéma. L’espace du cinéma trouve sa raison d’être dans la possibilité de placer des situations sociales et intimes extrêmement précises à l’intérieur d’espace définis. Les formes qui habitent l’espace cinématographique, en portant le regard des spectateurs vers des temps et des lieux, proches ou lointains, « énoncent » pour décrire les personnages, leurs actions, mais également le déplacement, les paysages (naturels ou artificiels). La scénographie participe donc à l’espace de la mise en scène en même temps qu’elle l’alimente. Par conséquent, le but de cette étude est de réfléchir sur l’espace de la scénographie, en se familiarisant d’abord avec la notion même de scénographie, en retrouvant l’origine étymologique du terme afin de dessiner la généalogie de l’utilisation du mot à travers le temps dans ses différentes variations. En fait, se familiariser avec les définitions du terme « scénographie » signifie aussi réfléchir à l’usage du terme dans d’autres domaines, c’est-à-dire au théâtre, dans la muséographie et l’exposition. Ensuite à travers un corpus de films sélectionnés, nous analyserons les différents effets que la scénographie autorise à l’intérieur de l’organisation de l’espace cinématographique. / This thesis focuses on the relationship between scenography and space. More specifically, this study looks at cinematic space with respect to elements that are considered by existing theories as characterizing and forming cinema aesthetics. The purpose of cinema space can be found in its ability to place very precise social and intimate situations within a defined space. By guiding the spectators’ gaze towards times and places, both near and far, the forms that inhabit cinema space “articulate” descriptions of characters, their actions, but also movement and landscapes (natural, or artificial). Scenography is therefore involved in both the staging space and developing said space. Consequently, the goal of this study, a reflection on scenographic space, is twofold. First, the study seeks to identify the etymology of the term and draw a genealogy of its use over time in its many iterations. Familiarizing oneself with the definitions of “scenography” implies looking at how the term is used in other fields, such as theater, museum and exhibition studies. Then, using a corpus of films, an analysis of the different effects scenography allows within the cinema space is undertaken.

Notre travail concerne le cinéma d'Ingmar Bergman et son esthétique. en effet, si ses œuvres dont nous en analyserons que trois (des fraises sauvage, à travers le miroir et persona) parce que nous les considérons comme représentatives, sont données comme narratives, il n'en demeure pas moins qu'elles sont mises en scène de façon très particulière.c'est pourquoi nous avons formulé l'hypothèse suivante que le cadrage choisi par bergman renvoie à sa pensée intime, pensée qui a été fortement surdéterminée voire formatée par la religion protestante. nous nous attacherons tout au long de notre thèse à démontrer sa spécificité et comment l'image de dieu et la pensée religieuse font partie intégrante de ses œuvres. / The aesthetic analysis of Ingmar Bergman’s movies requires a study of the theological and iconographic signifiers. The paradoxical effects of framing and the mobility of the filmic image tell a story of the soul and make it possible to map out an intuitive route for the individuals implied in the story. The unfolding of different points of view involve the soul and give some spiritual scope to this idiosyncratic cinema. In Bergman’s style, spirituality cannot be found within a fiction, but within a form. Style comes out from thought and from the exposure of a wandering search for “the self”. This process is enriched through the shift from dramatic narration to anti dramatic pictures and from linear plot to non figurative forms. In accordance with our active existence, Bergman prefers the figures that are shut in by the edge of the frame, the dissolved images, the empty compositions and disconnected looks: man didn’t come to the world intentionally, but was thrown into it and later forsaken on earth. The framing is a space where the characters can meet with sacred things and have a spiritual experience. A contradiction between earthly matters and heavenly ones remains the main subject within the frame.The study of the relationship between the image and the film script introduces Bergman’s cosmology: it is not the script which builds up the image but the image itself which generates an idea to be developed further.The faces are transformed in portraits, in their search for human truth and, on a wider scale, for man's commitment in Creation. In this sense, nature neither embodies material reality nor serves as a mere filmic object, but it stands out as a form of the sacred.

A l'ère d'Internet, la classification informatisée des images est d'une importance cruciale pour l’utilisation efficace de l'énorme quantité de données visuelles qui sont disponibles. Mais comment les ordinateurs peuvent-ils comprendre la signification d'une image? La Recherche d’Information Multimédia (RIM) est un domaine de recherche qui vise à construire des systèmes capables de reconnaître automatiquement le contenu d’une image. D'abord, des caractéristiques de bas niveau sont extraites et regroupées en signatures visuelles compactes. Ensuite, des techniques d'apprentissage automatique construisent des modèles qui font la distinction entre les différentes catégories d'images à partir de ces signatures. Ces modèles sont finalement utilisés pour reconnaître les propriétés d'une nouvelle image. Malgré les progrès dans le domaine, ces systèmes ont des performances en général limitées. Dans cette thèse, nous concevons un ensemble de contributions originales pour chaque étape de la chaîne RIM, en explorant des techniques provenant d'une variété de domaines qui ne sont pas traditionnellement liés avec le MMIR. Par exemple, nous empruntons la notion de saillance et l'utilisons pour construire des caractéristiques de bas niveau. Nous employons la théorie des Copulae étudiée en statistique économique, pour l'agrégation des caractéristiques. Nous réutilisons la notion de pertinence graduée, populaire dans le classement des pages Web, pour la récupération visuelle. Le manuscrit détaille nos solutions novatrices et montre leur efficacité pour la catégorisation d'image et de vidéo, et l’évaluation de l'esthétique. / In the internet era, computerized classification and discovery of image properties (objects, scene, emotions generated, aesthetic traits) is of crucial importance for the automatic retrieval of the huge amount of visual data surrounding us. But how can computers see the meaning of an image? Multimedia Information Retrieval (MMIR) is a research field that helps building intelligent systems that automatically recognize the image content and its characteristics. In general, this is achieved by following a chain process: first, low-level features are extracted and pooled into compact image signatures. Then, machine learning techniques are used to build models able to distinguish between different image categories based on such signatures. Such model will be finally used to recognize the properties of a new image. Despite the advances in the field, human vision systems still substantially outperform their computer-based counterparts. In this thesis we therefore design a set of novel contributions for each step of the MMIR chain, aiming at improving the global recognition performances. In our work, we explore techniques from a variety of fields that are not traditionally related with Multimedia Retrieval, and embed them into effective MMIR frameworks. For example, we borrow the concept of image saliency from visual perception, and use it to build low-level features. We employ the Copula theory of economic statistics for feature aggregation. We re-use the notion of graded relevance, popular in web page ranking, for visual retrieval frameworks. We explain in detail our novel solutions and prove their effectiveness for image categorization, video retrieval and aesthetics assessment.

Submitted by Rosivalda Pereira (mrs.pereira@ufma.br) on 2017-05-23T18:12:18Z No. of bitstreams: 1 ClaudiaSousa.pdf: 5971332 bytes, checksum: 1c02da26d843f4e31aa1a01e3af31c3e (MD5) / Made available in DSpace on 2017-05-23T18:12:18Z (GMT). No. of bitstreams: 1 ClaudiaSousa.pdf: 5971332 bytes, checksum: 1c02da26d843f4e31aa1a01e3af31c3e (MD5) Previous issue date: 2016-08-02 / La présente étude traite l’importance de la pédagogie du théâtre dans le cadre de l’éducation artistique de l’école de la coupure de l’histoire d’art au Brésil, en mettant l’accent sur l’approche triangulaire, inventé par Ana Mae Barbosa et les jeux théâtral comme références pédagogiques, soulignant l’importance de l’expérience et l’éducation esthétique dans le cadre de l’école publique comme l’espace démocratique pour l’exercice de la citoyenneté et une expérience significative dans le domaine de l’art. Si l’écrêtage épistémologique de l’art-éducation et les pédagogies théâtre compte tenu la perspective moderne et post-moderne du point de vue de l’art, l’éducation et la culture sous l’optique de Friedrich Schiller, Jean-François Lyotard, particulièrement la théorie de l’éducation tragique de Friedrich Nietzsche comme approche extemporanée de l’éducation postmoderne au théâtre. Se présente comme une référence et un mémoire de formation des enseignants pour subventionner le développement des pratiques pédagogiques, les processus de création, pour l’enseignement du théâtre dans les écoles publiques de l’enseignement secondaire se compose de la possibilité de découvrir l’art théâtral comme un créateur et un spectateur d’un phénomène qui met face à face les histoires individuelles et des constructions collectives. Analyser l’expérience pédagogique du théâtre, spectacles et festivals, développés dans les centres de l’enseignement Barjona Lobão, Liceu Maranhense et Maria do Socorro Almeida, située dans la ville de Luís São-MA, dans le but d’établir une ligne de procédures méthodologiques pour l’enseignement du théâtre, dans la perspective de référencement de ces expériences comme une expérience tragique, comme (re) signification de la vie pour les jeunes du secondaire des écoles publiques à São Luís (MA). On dit que la dernière expérience comme révélant la possibilité d’éducation basée sur la Nietzscheano tragique qui s’est tenue sur les expériences et les expériences artistiques comme le désir et l’expérience de la vie. / O presente estudo aborda a importância da Pedagogia de Teatro no contexto da arteeducação a partir do recorte histórico do ensino da Arte no Brasil, com destaque para a Abordagem Triangular, cunhada por Ana Mae Barbosa e para os jogos teatrais como referências pedagógicas, apontando para a importância da experiência e da educação estética no contexto da escola pública enquanto espaço democrático de exercício da cidadania e de experiências significativas para o campo da Arte. Faz-se o recorte epistemológico da arte-educação e das pedagogias do teatro considerando-se o Moderno e o Pós-Moderno pela perspectiva da Arte, da Educação e da Cultura sob a ótica de Friedrich Schiller, Jean-François Lyotard, destacando-se a Teoria da Educação Trágica de Friedrich Nietzsche como enfoque extemporâneo de educação pós-moderna para o teatro. Apresenta-se como referência de memória e de formação docente para subsidiar o desenvolvimento das práticas pedagógicas, nos processos de criação, para o ensino do teatro nas escolas públicas de Ensino Médio que consiste na possibilidade de vivenciar a arte teatral como criador e como fruidor de um fenômeno que coloca frente a frente histórias individuais e construções coletivas. Analisa-se o experimento pedagógico do fazer teatral e da realização de mostras e festivais desenvolvidos nos Centros de Ensino Barjona Lobão, Liceu Maranhense e Maria do Socorro Almeida, localizados na cidade de São Luís- MA, com o objetivo de estabelecer uma linha de procedimentos metodológicos para o ensino do teatro, na perspectiva de referenciar estes experimentos como experiência trágica, como (re) significação de vida para os jovens das escolas públicas de Ensino Médio em São Luís - MA. Afirma-se o último experimento como revelador da possibilidade de Educação com base no trágico Nietzscheano realizado nas vivências e experiências artísticas enquanto experiência de vida e vontade da potência.

La chasse occupe une place significative dans les textes des auteurs américains Jim Harrison et Thomas McGuane. Elle apparaît soit comme un thème central, traité directement et pour lui-même, soit comme un thème secondaire ou encore comme une métaphore ou un motif sous-jacent qui permet de mieux comprendre les enjeux du texte, ses implications morales et esthétiques. Dans le corpus, la chasse correspond à une stratégie d'écriture fondée sur le leurre, lorsqu'elle recouvre ou qu'elle révèle un sens second. Le motif du double a partie liée dans le corpus avec la complexité du chasseur, un personnage qui dramatise des visées contradictoires : il est partagé entre le respect de la proie et le désir de la posséder. Le sportsman se confronte aux limites de son champ d'action qu'il détermine pour les respecter, alors que par contraste, certaines figures sont présentées comme des contre-modèles qui transgressent les bornes. Cependant, la transgression apporte dans certains cas un bénéfice au personnage et au groupe auquel il se réfère. Le chasseur revêt alors une fonction paradoxale : il incarne celui qui révèle que les bornes doivent être déplacées et dont la chasse "noire" redéfinit les limites de fait. Il fait figure de modèle paradoxal, dans le récit mais aussi d 'un point de vue métatextuel Chez Harrison et McGuane, les textes sur la chasse invitent à considérer l'écrivain comme un "chasseur noir" qui braconne sur les terres d'autres auteurs et d'autres systèmes de représentation mais dont la transgression est finalement valorisée : le souci de justesse qu'il incarne nécessite un travail d'accommodement à un monde changeant et donc le renouvellement des bornes et des formes. L'idéal sportif de la relâche du gibier reflète l'entreprise de l'écrivain : le souci de la distance à garder face à l'animal et celui de redéfinir les cadres formels se manifestent à travers une esthétique de la déprise qui remet le sens du texte en mouvement. / In the writings of the American authors Jim Harrison and Thomas McGuane, hunting is a central theme. Even when it is not the main topic of the text, hunting is significant. It may be one of the main themes, tackled directly for itself or it can be an ancillary tl1eme used as a metaphor or as an implicit motif in the structure. Hunting is also a writing strategy, reproducing the mimetic seduction of the lure, hiding or revealing a second meaning. The motif of the double is indeed central; it has to do with the logics of make-believe but also with the complex character of the hunter who enacts contradictory tendencies: torn between his respect for the prey and his desire to grasp and kill it, he also embodies an ambivalent attitude toward the Law. The sportsman faces the limits of his scope; he defines them so as to respect tl1em. By contrast other character-types are presented as foils to the sportsman. Their transgression may however become beneficient to the group he belongs to. In such cases, ehe hunter has a paradoxical function: he reveals that the landmarks must be displaced and his "black hunt" effectively replaces them. He embodies a paradoxical model in the story and for tl1e writer. Harrison's and McGuane's texts thus suggest to look at the writer as "black hunter" who trespasses into other writers' territories, also violating the limits conventionally separating several systems of representation. This transgression proves fruitful and as such is valorized. The hunter and the writer try to adjust and accommodate to a changing world; this quest implies new frames. The sportsman's ideal of catch-and-release reflects tl1e writer's aesthetics of release: both try to put the game back in movement.

La plupart des approches philosophiques de l’œuvre de Maurice Blanchot ont réservé jusqu’à présent une place marginale à la question de l’image. À partir de L’Espace littéraire (1955), pourtant, l’image assume un statut théorique nous permettant de l’appréhender comme la matrice d’une écriture, d’abord partagée entre fiction et critique, qui trouve enfin dans la fragmentation son essor le plus naturel. Loin d’embrasser un nihilisme stérile, Blanchot dégage de la réflexion sur l’œuvre d’art de Heidegger l’idée d’une apparition en tant que disparition, d’une forme invalidant la distinction entre matière et forme, d’une présence qui n’est pas donnée : présence d’une absence. Il en tire une vision radicalement antihumaniste, bien plus cohérente que la conception de l’événement scandant l’histoire des époques de l’Être : venant avant la chose, l’image condamne la conscience du sujet métaphysique en tant que scène exclusive de toute représentation. Le visage de la mort devient le paradigme du regard aveugle que les choses portent sur nous. La littérature se révèle alors préliminaire à une vision autre, qui touche à ce qui précède l’existence de l’homme dans sa globalité, sa finitude s’éparpillant en une approche sans fin de la fin. Laissant de côté les textes politiques de Blanchot, nous avons considéré l’œuvre comme étant prioritaire au destin de l’auteur, que l’écriture emporte et détermine. Moins structurée que celle de Heidegger, elle s’avère finalement plus appropriée pour être lue à travers « l’optique » suggérée dans la Lettre sur l’humanisme : l’on ne peut concevoir une éthique, en tant que pensée de l’humanisme, si nous n’avons pas au préalable redéfini ce qu’est l’humanitas de l’homme. / Most philosophical approaches to Maurice Blanchot's work have hitherto reserved a marginal place for the question of image. Since L'Espace littéraire (1955), however, image assumes a theoretical status that enables us to apprehend it as the matrix of his writing that, initially divided between fiction and criticism, finally achieves its most natural thriving in fragmentation.Far from embracing a sterile nihilism, Blanchot derives from Heidegger’s reflection on art the idea of an appearance as disappearance, of a form invalidating the distinction between matter and form; a presence which is not given: the presence of an absence. He draws from it a radically anti-humanist vision, much more coherent than the conception of the event defining the history of the epochs of the Being: coming before the thing, image condemns the consciousness of the metaphysical subject as the exclusive stage of all representation. The face of death becomes the paradigm of the blind gaze that things lay upon us. Hence, literature proves to be preliminary to a different vision, one that touches on what precedes man’s existence as a whole, his finitude being scattered in an endless approach of the end.Leaving aside the political texts of Blanchot, I have considered the œuvre as a priority in the author’s fate, which is overcome and determined by writing. Less structured than Heidegger's, Blanchot’s work proves finally more suited to be read through the perspective suggested in the Letter on Humanism: we cannot conceive an ethics, as a thought of humanism, if we have not previously redefine what the humanitas of man is.

L’objet de ce travail de recherche est de définir la relation de Samuel Beckett au classicisme français du dix-septième siècle. L’analyse préliminaire de différents manuscrits permet d’identifier les sources primaires et secondaires de ce dernier sur Pascal et Racine, et de mettre en avant, dans un second temps, les différentes correspondances, esthétiques et littéraires, entre l’œuvre de l’écrivain irlandais et Port-Royal. L’arrière-plan philosophique se définit par la conjonction de la logique, de l’éloquence et de la passion au cœur de l’œuvre racinienne, que l’on retrouve dans la rhétorique des Pensées, et l’analyse du langage dans la Logique ou l’art de Penser (1662) d’Arnauld et de Nicole. Les différents aspects de cette filiation intellectuelle sont établis à partir de l’analyse comparée des propos de Beckett dans ses séminaires sur la ‘modernité’ de Racine à Trinity College, Dublin, et des écrits théoriques de contemporains français parmi les plus illustres autour du ‘classicisme moderne’ et de ‘l’antirhétorique’. L’étude de l’essai sur Proust, écrit en 1931, suivra ce bilan historiographique afin démontrer que l’œuvre de Beckett se situe dans le prolongement de l’augustinisme littéraire français,qu’il connaissait au moins à partir des écrits et en particulier du roman de Sainte-Beuve, Volupté. En outre, les thèmes augustiniens parcourent l’œuvre plus tardive, notamment la trilogie de romans français, Molloy, Malone Meurt, et L’Innommable comme les textes courts tels que Le Dépeupleur et Sans. L’intertextualité entre les écrits de Pascal et ceux de Beckett, doublée d’une analyse stylistique, démontrera que la syntaxe appauvrie de l’œuvre beckettienne est profondément inspirée du pessimisme augustinien vis-à-vis du langage. En effet, Beckett, adoptant le français comme principale langue d’expression, choisit le style des Pensées comme l’un de ses modèles les plus fondamentaux. / This thesis examines Samuel Beckett’s understanding of seventeenth century French classicism. Thepreliminary analysis of genetic material, that allows the identification of Beckett’s primary andsecondary sources on Pascal and Racine, leads to a discussion of literary and aesthetic connectionsbetween the works of Beckett and the writers of Port-Royal. The philosophical backdrop of thatinfluence derives from the unique fusion of logic, eloquence, and passion manifested in the works of Racine, together with the conception of language in the Pensées and Arnauld and Nicole’s1662 Logique ou l’art de Penser. Literary theories on style and ‘modern literature’ that are contemporary to Beckett’s Trinity College lectures and early critical writings are examined here in the aim to define the different aspects of that intellectual filiation. A close reading of Beckett’s 1931 monograph on Proust’s A la recherche du temps perdu follows the initial historiographical study, so as to show that the presence of French literary Augustinianism, manifested in the works of Sainte-Beuve, particularly his only novel Volupté, also underlies some of Beckett’s later prose. This includes the trilogy of French novels, Molloy, Malone Dies, and The Unnamable, and pieces belonging to the later period, particularly Le Dépeupleur/The Lost Ones, and Sans/Lessness. Beckett’s ‘syntax of weakness’, based on reduction and impoverishment, is inspired by the Augustinian pessimism towards language at work in the Logique. As such, the anthropological vision of Port-Royal anticipated Beckett’s definition of being as chaos, so much so that Pascal’s style crucially defined his use of the French language itself.