Le corpus des oeuvres volodiniennes met en scène des êtres qui résistent à la fin du monde: leur survivance est une résistance au temps de la fin qui bouleverse les conceptions classiques du temps, de l'espace et du corps. Le souffle collectif dans Des anges mineurs (1999) prolonge la puissance de la parole par laquelle émergent les sous-hommes dans des domaines aussi variés que l'ontologie, la politique et l'historiographie tout en portant à la conscience l'urgence de renouveler les bases d'un système de pensée effondré avec la chute des utopies du siècle dernier. L'étude des mutations de Will Scheidmann, porte-parole de la communauté des sous-hommes dans Des anges mineurs (1999), amorce une réflexion sur l'ampleur de la révolution proposée par Antoine Volodine avec ce recueil et dans l'ensemble de son oeuvre post-exotique. Inspirée du concept merleau-pontyen de la chair du monde, l'hypothèse de travail repose sur l'idée selon laquelle la révolution des paradigmes du temps, de l'espace et du corps fait muter l'ontologie, l'esthétique et le politique en prenant ancrage dans la chair-désastre du porte-parole. Retraçant les divers états du personnage-narrateur, nous montrons que le passage du corps individuel au corps collectif relève d'un rapport primaire au monde où l'être est intimement et charnellement connecté à la communauté des morts et des vivants qui le possèdent et auxquels il donne la parole qui fait survivre. Cette mise en abyme d'un corps individuel dans une chair du monde qui le transforme se répercute dans les processus d'élaboration du texte lui-même ainsi que dans la configuration d'une nouvelle Gestalt du corps politique. Le présent travail est donc l'analyse des mutations du corps comme métaphore des transformations des champs esthétique, politique et ontologique. La triple matrice anatomique, textuelle et communiste correspond au corps de Scheidmann et elle désigne la désuétude des anciennes Gestalts ainsi que les processus de transformation de la matière par lesquels émergent des formes neuves. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Mutation, Chair, Désastre, Communauté.

Avec la fin des grandes utopies historiques, les artistes dits « engagés » adoptent une posture modeste et se contentent d'accompagner la réalité sociale et les événements politiques sans vouloir nécessairement les transformer. Les artistes occidentaux, et particulièrement ceux de la mouvance de l'art relationnel (Rirkrit Tiravanija, Francis Alys...), prétendent ainsi susciter des questionnements, provoquer des prises de conscience mais ne cherchent plus à « changer la vie ». Les artistes israéliens de notre corpus (Barry Frydlender, Ori Gersht, Michal Heiman, Roi Kuper, Adi Nes, Gilad Ophir, Michal Rovner et Uri Tzaig) semblent à priori proches de cette posture car leurs oeuvres ne traitent jamais directement des conflits incessants qui secouent le Proche-Orient. Il faut cependant dépasser cette apparente proximité pour mesurer l'abîme qui sépare les uns des autres. D'un côté, des artistes relationnels qui vivent dans des sociétés pacifiées et consensuelles et qui sont avides de s'immerger dans la politique (ou la micro-politique). De l'autre, des artistes qui vivent dans une société en conflit permanent et qui doivent résister à cette pression en produisant des images d'art capables d'exister face aux images brutes et schématisées des médias. L'objectif de ce mémoire consiste à comprendre les stratégies esthétiques mises en oeuvres par les artistes contemporains israéliens afin de produire un art critique dans une société où la politique est synonyme de conflit, de violence et d'oppression. Nous verrons que celles-ci passent par la production d'images de facture documentaire qui traitent indirectement de l'évènement par l'usage de la métaphore. En effet, les artistes israéliens que nous avons étudiés utilisent l'image comme représentation du monde tout en s'écartant du temps court exhibé par les images provenant des médias. L'image d'art se fait au contraire silencieuse, complexe et métaphorique. Les métaphores qu'elle met en oeuvre renvoient à l'histoire et la culture du peuple juif, aux mythes sionistes et bibliques qui se croisent et s'interrogent. Ainsi c'est une image essentiellement paisible qui convoque le travail de l'imagination puis de la pensée et qui parvient finalement à trouver sa place au milieu du bruit des canons. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Engagement, Artistes israéliens, Art critique, Image documentaire, Image métaphorique.

Par l'étude de « l'expérience du voyageur esthète et philosophe » et l'interprétation que nous en proposons, notre intention première est de dévoiler l'idée selon laquelle la reconnaissance et l'acceptation des différences et des ressemblances -humaines, naturelles, spirituelles ouvre les champs de perception, d'interprétation et de réflexion, d'expression et d'orientation chez celui qui les éprouve et les expérimente. En effet, c'est à travers la rencontre avec l'Autre -avec la Nature, avec les individus (les porteurs de cultures différentes), avec les idées (ou essences spirituelles) -et par l'effort de la décentration auquel il consent, que le voyageur met à l'épreuve sa sensibilité et sa raison. Ainsi, il goûte aux saveurs du monde, à la diversité naturelle, humaine voire spirituelle; en cela, il s'ouvre à sa propre sensibilité, apprend à l'exprimer et s'adonne à l'exercice de la raison; en cela, sa conscience s'élargie. En d'autres termes, c'est à travers ses découvertes et ses relations avec l'Autre qu'il s'altère, qu'il apprend à se connaître, qu'il explore de nouvelles perspectives de sens et construit son identité. En somme, le mode du « voyage esthétique et philosophique » se présente à nos yeux comme une belle manière de s'ouvrir et de s'éduquer à l'altérité, de se connaître et d'évoluer personnellement à travers l'Autre. NOTA BENE: Dans le cadre de cette recherche, la communication est perçue en un sens large, les trois sphères de relation de tout être humain étant: 1) la vie avec la Nature, c'est-à-dire avec le vivant, avec l'environnement dynamique et énergétique, 2) la vie avec ses congénères, c'est-à-dire avec les autres êtres humains, de même nature mais culturellement différents, et 3) la vie avec les idées -ou essences spirituelles -desquelles naissent des actions et des faits, par lesquelles le monde et l'humanité évoluent. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Voyageur, Philosophie esthétique, Quête de soi, Identité, Altérité, Rencontre, Communication interpersonnelle/interculturelle/transpersonnelle, Apprentissage expérientiel, Sensibilité, Raison, Existence, Évolution, Conscience, Éthique, Spiritualité.

En Allemagne, la Kunstakademie de Düsseldorf est le lieu où la photographie documentaire est légitimée comme pratique artistique durant les années 1980. Dans la classe de Bernd et Hilla Becher, des étudiants tels Thomas Struth, Thomas Ruff et Andreas Gursky y apprennent les principes fondateurs de la Nouvelle Objectivité. Ce mémoire portera plus particulièrement sur le travail d'Andreas Gursky. Nous expliquerons de quelles façons l'artiste détourne les stratégies figuratives et procédurales associées à la photographie documentaire afin de construire une représentation structurée et détaillée du monde. L'étude de son travail nous conduira ainsi à réfuter la notion d'objectivité pour analyser l'image photographique à partir de son intelligibilité, de sa lisibilité et de son autonomie formelle. Dans les œuvres d'Andreas Gursky, les problèmes associés à l'émergence de la mondialisation y sont évoqués de façon générique. L'organisation spatiale des espaces photographiés se traduit par des arrangements compositionnels rigoureusement structurés. La précision focale attribuée à chaque motif permet enfin de scruter les sujets représentés dans les moindres détails. Nous exposerons les principales stratégies employées par l'artiste qui favorisent ces différents modes de lecture. L'emprunt de registres thématiques traités par les médias de masse, l'attention portée à l'autonomie plastique de ses œuvres comme la recomposition numérique de celles-ci seront étudiés. Notre discussion consistera ainsi à comprendre la valeur référentielle des photographies d'Andreas Gursky en dehors d'un rapport dichotomique entre les notions d'objectivité et de subjectivité. Considérant que les enjeux sociaux culturels ne peuvent être représentés directement, nous démontrerons que sa démarche esthétique et conceptuelle nécessite un travail de construction. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Andreas Gursky, photographie allemande, Kunstakademie de Düsseldorf, objectivité, esthétique documentaire.

Dans ce travail, je propose une transition des théories de l'art relationnelles de Danto et Zangwill vers une conception évolutionniste et esthétique de l'art. Je souligne l'importance de conserver le point fort de ces théories relationnelles, soit leur prise en compte de l'intentionnalité. Il faudrait cependant naturaliser cette notion. Partant de la théorie de Danto, j'expose sa conception, fondée sur le cas des paires d'objets indiscernables. Ceux-ci remettent l'importance de l'esthétique en question en théorie de l'art. Parce que deux objets perceptuellement identiques peuvent avoir des statuts radicalement différents, il semblerait que les propriétés esthétiques ne jouent pas de rôle de premier plan en art. Danto propose que l'intentionnalité, le fait d'avoir un propos, constitue l'élément distinct de l'art. Cependant, sa théorie repose sur la notion d'identification artistique, elle-même tributaire d'une conception du fonctionnement des processus neuronaux que je rejette. Poursuivant ma critique de Danto, j'aborde Nick Zangwill, qui accepte l'intentionnalité comme essence de l'art, mais critique le rôle joué par le public, un autre point déterminant dans la théorie de Danto. Zangwill souhaite développer une théorie esthétique de l'art centrée sur l'aperçu esthétique et l'autonomie de l'artiste vis-à-vis des influences extérieures. Cependant, cette autonomie repose sur un argument de principe dont il ne fournit pas de preuves empiriques, et qui demeure vulnérable vis-à-vis un certain type d'argument sociologique émis par Fowler. De plus, des difficultés surviennent lorsque l'on tente de spécifier les motivations qui poussent à l'activité artistique dans les théories conceptuelles de Danto et Zangwill. J'explore par la suite un certain nombre d'autres critiques émises par Margolis à l'endroit de Danto. Je plaide en faveur de la naturalisation de plusieurs concepts importants pour la théorie de l'art, dont la notion d'identification. Je soutiens qu'une approche évolutionniste aurait l'avantage d'offrir des pistes de solutions quant à l'intérêt que nous prenons à l'activité artistique, en rapportant celle-ci à nos conditions d'existence. Je propose enfin la notion d'instinct esthétique, afin de prendre en compte de nombreux aspects liés à l'évolution de la perception et qui n'étaient pas suffisamment explicités dans les théories évolutionnistes de Miller ou de Wilson. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Danto, Zangwill, intentionnalité, esthétique, évolution

Le projet d'écriture de Bret Easton Ellis constitue un point aveugle dans l'horizon critique actuel. Pour pallier ce manque, nous nous penchons dans ce mémoire sur l'esthétique pragmatique particulièrement complexe (ou « scrappy », selon la définition de Barbara Herrnstein Smith; 1988) du personnage et de la communication chez Ellis afin de définir son projet d'écriture comme expérience de « descente dans le chaos », expression développée par Maria L. Assad (1991) à partir des réflexions de Thomas M. Kavanagh (1986) sur Les cinq sens de Michel Serres (1985). Pour ce faire, nous proposons une micro-lecture attentive du deuxième roman d'Ellis, The Rules of Attraction (1987), suivie d'un bref retour sur les cinq autres romans de l'auteur. Afin d'effectuer notre micro-lecture, nous avons mis sur pied une grille de lecture construite à l'aide des théories de la pragmatique de la communication et de l'identité empruntées aux sciences sociales, en nous concentrant essentiellement sur les pratiques narratives de l'identité et les états problématiques de la communication. Cette grille a été appliquée au roman grâce au logiciel d'analyse de discours NVivo 8 (approche de codification vivante). Les résultats obtenus ont été interprétés à partir d'une approche libre inspirée des études littéraires et largement informée par les théories des chaoticiens. Cela nous permet de montrer comment il est possible de faire appel à la pragmatique des personnages pour saisir leurs textures différenciées. Il apparaît alors que la pragmatique du personnage ellisien participe d'une esthétique disjonctive de la communication qui se répercute sur l'esthétique générale du texte comme « descente dans le chaos ». L'étude des autres aspects du roman d'Ellis (métadiscours, incipit et excipit, exergue, titre) vient confirmer l'influence des « chaotiques » (Hayles, 1991) sur le projet d'écriture ellisien, point de départ pour repenser The Rules of Attraction comme un jalon important dans le développement d'une écriture et d'une œuvre qui exploitent les possibilités narratives et culturelles du chaos. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Ellis Bret Easton, The Rules of Attraction, Pragmatique, Théorie du personnage, Chaos

Les interventions de Les Levine dans des espaces publicitaires des années 1980 et 1990 sont caractérisées par trois aspects fondamentaux : une ambiguïté dans le sens, un rôle actif accordé aux spectateurs et une dimension politique. De ces trois éléments, le dernier est certainement le moins développé dans la littérature scientifique portant sur le sujet. L'étude propose de pallier ce manque en se fondant sur l'analyse de deux politiques actualisées dans ces campagnes médiatiques. La première est celle d'une domination des intérêts de l'émetteur qui est dirigée vers le récepteur à travers un message, qu'il soit artistique ou publicitaire. La seconde est celle que Jacques Rancière a appelé le « dissensus » ; elle oppose à ce mode transitif de réception un autre mode, esthétique, à partir duquel il est possible en même temps de saisir cette politique qui accorde à chacun un rôle prédéterminé et la possibilité d'une reconfiguration de ce « partage du sensible ». Une promesse d'émancipation distingue la seconde politique de la première : elle tend ultimement vers une « communauté du sentir » marquée par l'égalité des chances et des places de chacun. L'objectif de l'étude est de démontrer que l'ambiguïté et l'appel aux spectateurs dans les campagnes médiatiques de Levine ne convergent pas seulement vers une politique de la domination mais pointent également vers une efficacité politique dissensuelle des œuvres. Il est possible d'entrevoir cette politique à travers l'expérience esthétique de l'indécidabilité des affiches de Levine. En procédant au mélange entre art et publicité, entre le mode esthético-rhétorique et la suspension esthétique, entre la critique d'une politique de domination en place et la participation de cette politique dans l'œuvre, elles se jouent de leur indécidabilité et rétablissent par le fait même l'indétermination nécessaire à leur expérience esthétique. C'est par l'expérience esthétique de cette indécidabilité qu'il est possible d'atteindre, même à l'ère consensuelle contemporaine où le dissensus ne semble plus possible, cette seconde politique par laquelle se dessine une « transformation métapolitique du sensible ». L'étude comprend quatre chapitres. Le premier propose une définition basique de l'expérience esthétique politique et des enjeux théoriques et philosophiques engendrés par un tel phénomène. Le second cerne le cadre théorique proposé par Rancière. Le troisième applique le cadre aux campagnes médiatiques dans ce qu'elles ont de communes : le partage publicitaire du sensible, les trois aspects menant à leur indécidabilité et les limites d'une telle analyse. Enfin, deux études de cas, We Are Not Afraid (1982) et Blame God (1985), permettent d'illustrer concrètement comment l'efficacité politique dissensuelle des œuvres de Levine peut être envisagée à travers l'expérience esthétique de l'indécidable. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Les Levine, art politique, billboard art, art public, art et publicité, expérience esthétique, esthétique, indécidabilité.

La fondation d'une littérature « nationale » n'est possible que dans la réactualisation du mythe ou de l'événement mythique, qui restent tous deux introuvables ici, chez nous, nous dit Victor-Lévy Beaulieu dans une entrevue réalisée en 1979, suite à la parution de Monsieur Melville. Ce mémoire reconnaît donc, dans un premier temps, cette alliance que fait systématiquement Beaulieu entre la question nationale du Québec et son inscription « dans » l'histoire, toutes deux encore non-advenues selon lui, et pourtant essentielles au développement et à la postérité d'une littérature dite « nationale ». L'apparition du texte historique, tel qu'on le retrouve finalement dans La grande tribu, reste un événement singulier dans l'œuvre de Victor-Lévy Beaulieu. Inspiré par la méthode de Michelet, qui, tel un romancier a su donner corps et voix aux grandes figures de l'histoire, l'auteur choisit de présenter huit personnages du XIXe siècle, en alternance avec un récit de fiction, comprenant l'invention d'une épopée québécoise (reprenant le parcours allant de la Bretagne à la grande traversée, à la rencontre des « sauvages » d'Amérique aboutissant au premier métissage, à la Nouvelle-France jusqu'à la Conquête anglaise) qu' il présente à travers le trou du crâne d'un interné. L'auteur suggère une façon nouvelle de raconter, fondée sur une apparente tension axiomatique entre la fiction et l'histoire. Par conséquent, nous croyons que le roman appelle une analyse détaillée des enjeux liés au traitement de l'histoire. L'essai philosophique Temps et récit, de Paul Ricœur, propose un regard pertinent pour étudier cette complexité narrative, et sera convoqué à divers endroits dans le mémoire pour éclairer les enjeux soulevés. Nous proposons donc une entrée en matière abordant exclusivement le travail d'écriture historiographique de Beaulieu, qui se trouve dans la partie des Libérateurs. Seront soulevées, à travers une analyse de ces textes biographiques, bon nombre de questions liées au discours proprement historique de Beaulieu. Dans le deuxième chapitre, et à partir de l'un des entrecroisements narratifs majeur, impliquant le libérateur Jules Michelet et le personnage lésionnaire Habaquq Cauchon, nous nous pencherons sur les chapitres de fiction, en abordant l'un des éléments clés, soit la folie, présentée sous diverses appellations, dont l'« hystérie-historique ». Les auteurs placés en bibliographie par Beaulieu seront convoqués afin d'éclairer certains aspects du récit, et ainsi faire la lumière sur les différents enjeux reliés au contexte de l'enfermement psychiatrique. Au troisième chapitre, il nous faudra étudier le jeu sur les registres mythologique, épique, grotesque, qui donnent à ce roman sa forme et sa matière, et mettent en acte le désir de hausser l'histoire et la mémoire de ce pays au statut des mythes universels. La langue de Beaulieu est la proie de métamorphoses et offre au récit une portée avant tout littéraire. La plasticité de la langue, incarnée par les figures signifiantes de Claude Gauvreau et de Walt Whitman, cherche à nous ramener aux origines de l'humanité, tout comme le recours à l'animalité, omniprésent dans l'œuvre de l'écrivain. L'usage du grotesque mène à la guérison de l'« hystérie historique » du personnage (la fusion du cerveau porcin et humain, la révolution carnavalesque du Québec), et au rétablissement du rapport au temps, dorénavant équilibré. Dans ce mémoire, ce sont ces complexes intrications du grotesque, de l'épique et du sublime qu'il faudra reconnaître. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Victor-Lévy Beaulieu, La grande tribu, Historiographie, Folie, Mémoire/Oubli, Internement.

Ce travail est fondé sur le constat d'un malaise -profond du milieu professionnel de la culture et le postulat de son lien avec la dissolution du concept moderne de l'art. Elle s'accompagne d'une dilution généralisée de ses modalités particulières dans le procès d'esthétisation du monde qui emporte son être même. Sa virtualisation répond à une radicalisation de la représentation, qui était le lieu propre de l'art, assumé en tant que fiction révélatrice. Elle amène l'être humain à se résoudre au statut de pur spectateur; étranger face au spectacle d'un monde ayant renoncé à son ontologie, synthétique et pleinement symbolique. C'est dans une perspective progressive-régressive articulée sur une approche socio-historique qu'est abordé en premier lieu le procès d'autonomisation statutaire de l'artiste et de l'art sous l'égide de la construction de son concept moderne puis celui des multiples appropriations et récupérations dont il fait progressivement l'objet. L'art en tant qu'art exprimait son concept moderne, son lieu particulier, son statut, le fait que, tout comme l'artiste, il était devenu sujet mais dans sa présente diffusion esthétique, on en arrive à penser qu'il est passé au statut de sujet de conversations. Anne Cauquelin évoque l'idée fertile d'une « rumeur théorique » qui les environne et les conversations à propos de l'art et de l'artiste sont nourries, jusqu'à l'indigestion parfois, de traces dont certaines sont très anciennes. Ce travail s'inscrit donc dans une approche socio-historique pour rendre compte d'une accumulation contrastée de sens et d'exploitations divers autour d'un concept central. II souhaite d'abord exprimer le constat que, de manière originale, autour du mot art se préserve un ensemble de théorisations et d'opérationnalisations, complémentaires mais aussi souvent contradictoires, qui ajoutent des dimensions au débat premier. Elles se sont en effet superposées et mélangées plutôt que remplacées et, pour en décrire la puissance ou la vacuité, en pour ou en contre, elles posent toujours la question de la représentation artistique de et dans la société et le monde, de son caractère éventuellement anticipateur, y compris pour décrire leur insaisissable cybernétisation. Dans une partie introductive, il sera traité de la construction du concept moderne de l'art qui demeure un repère essentiel de notre compréhension contemporaine. On verra qu'il porte encore les traces des sens anciens de ce mot et que ce parcours accompagne la définition progressive des figures de l'individu, de la philosophie et de la science telles qu'elles ont été consacrées dans leur autonomie par la pensée des Lumières. Sans méconnaître l'enjeu individuel lié à la reconnaissance plénière du statut de l'artiste, on y recherchera l'une des composantes de la dimension essentiellement institutionnelle de l'évolution de l'art dans la modernité. Pour me permettre de mieux les situer, j'ai fait le choix de traiter chacune des principales étapes de ce parcours dans son contexte privilégié d'émergence, tant géographique, historique que disciplinaire. Le développement sera ensuite articulé autour des différentes appropriations de ce concept, une fois son autonomie solidement fondée. La première partie sera consacrée à ce que l'on pourrait appeler l'épanouissement intellectuel de ce sujet. C'est la philosophie, via la création de la discipline esthétique, qui contribuera d'abord à l'achèvement de son élaboration et aussi à l'ouverture irréductible des débats qui y sont associés dans des approches qui se spécialiseront de plus en plus. Ce mouvement commence principalement par l'interrogation kantienne du jugement de goût qui demeure référentielle même si on oublie souvent qu'elle se situe aussi plus largement dans la réflexion de l'auteur sur un mode d'accès au monde basé sur la raison et séparant ses modalités cognitive, normative et esthétique. Cette rationalisation, et tout le procès d'abstraction qui suivra, est fondamentalement négatrice d'une participation ontologique originelle, de l'humain et non de l'individu, au monde et à la société, réalisée à travers la sensibilité et le symbolique. Pourtant, elle hérite elle-même des apports d'une réflexion millénaire sur les fondements d'une pensée qui s'est déjà penchée, depuis l'Antiquité, sur les principaux thèmes d'une réflexion et d'une étude qui seront porteuses de nombreux débats, voire de conflits. Ils seront exacerbés par le fait qu'ils sont situés dans des contextes culturels et idéologiques auxquels ils participent directement. C'est le cas de cette philosophie allemande, dont l'apport est majeur sur ce sujet et qui se trouve, de même que l'art, au fondement d'une identité nationale reposant sur l'idée d'une culture partagée. Ces questionnements, que l'on pourrait dire culturellement localisés, ont pourtant une portée universelle et sont intimement associés à la stabilisation d'autres institutions modernes telles que l'université. C'est en effet en son sein que se créent des disciplines qui débutent la parcellisation de son étude. Je reprendrais enfin l'idée d'une « rumeur théorique » pour argumenter le caractère doxique de l'accumulation de sens et d'interprétations produite autour des concepts d'art et d'artiste ainsi que sa poursuite pouvant culminer dans l'incertitude du relativisme contemporain. La seconde partie s'intéressera à l'établissement progressif de ce que l'on peut appeler un monde de l'art, ses dimensions, ses enjeux et leur évolution jusqu'à l'époque contemporaine. II sera d'abord traité de la question des avant-gardes en tant que moteur primordial de la novation esthétique et symptôme majeur des mutations d'un questionnement autour de l'art pour l'art. À la stabilisation des critères permettant de cerner socialement la figure de l'artiste, correspond celle des différents acteurs d'un milieu qui s'ouvre, se transforme aussi peu à peu en marché et se trouve soumis à différentes exploitations. Au travers de l'étude de la création d'institutions publiques, et notamment celle d'un ministère spécialisé au sein de l'administration française, on pourra voir comment se construit cette acception spécifique de la notion de culture dans son opposition à celle d'éducation populaire. Elle montre également la subsidiarisation progressive du concept d'art au sein de celui de culture via l'opérationnalisation croissante de ce dernier. L'exemple des politiques culturelles portées par l'UNESCO permettra de considérer sa généralisation et la dilution d'un propre de l'art dans des enjeux périphériques auquel il participe pourtant hautement. Enfin, c'est autour de la question initiée déjà par Hegel que s'achèvera ce parcours. Je tenterai de comprendre pourquoi cette idée de « la mort de l'art », si mal comprise, a tellement d'audience et comment elle peut emporter également les références fondatrices de ce que l'on pourrait appele le « site de l'esthétique ». Le raisonnement sera alors articulé autour de la double question d'une possible dissolution accompagnée d'une dissémination infinie sous la forme d'une esthétisation du monde. La conclusion, après une synthèse de ce parcours de recherche, un retour sur les options théoriques qui l'articulent et une revendication critique de ses limites mêmes, reviendra principalement sur l'un des aspects majeurs de cette étude socio-historique : le thème de la représentation. Elle est la permanente compagne de ce cheminement et ses enjeux sont multiples. Elle interroge directement notre rapport au monde; sa possibilité même. Elle questionne sa construction intellectuelle et sensible mais se présente également comme la proposition de modalités formelles successives et pleines d'influence sur notre conception du réel. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Art, Esthétique, Post-modernité, Représentation, Symbolique.

Le travail littéraire de l'auteur contemporain François Bon (né en Vendée en 1953) reçoit une attention critique grandissante, en particulier dans les universités. Il semble pourtant qu'il fasse l'objet de certains malentendus. « Réaliste », « engagée », l'écriture de Bon aurait aussi une visée « mémorielle ». À l'encontre de ces idées reçues, la présente thèse affirme la prédominance d'une esthétique de l'immédiat présent. Alors que, depuis une dizaine d'années, on redécouvre l'hétérogénéité de la temporalité moderne, caractérisée par la coprésence du passé, du présent et du futur, certaines pratiques artistiques contemporaines, dont l'art narratif de Bon est un très bon exemple, concentrent plutôt leur attention sur le seul présent. L'immédiat présent n'étant pas donné immédiatement, il y a à le construire au moyen des mots et des formes. C'est ce travail de construction qu'il s'agit ici d'interroger. Le problème tient à la discontinuité irréductible de l'immédiat présent, c'est-à-dire à l'alternance qu'il impose entre « venue » et « retrait » (Heidegger). Si l'art de la prose réside dans la fabrication du continu (Goux), comment dès lors faire récit d'un temps fondamentalement disjoint? Pour explorer cette question, on parcourra l'essentiel des écrits de Bon de Sortie d'usine (1982) aux expériences numériques les plus récentes, en analysant d'abord les usines et les garages (première partie), puis les paysages (deuxième partie), enfin les villes (troisième partie). Il s'agira chaque fois de révéler les cohérences intrinsèques (inscrites à l'intérieur des textes) et extrinsèques (les rapports qui s'établissent d'un texte à l'autre) de l'écriture du présent de Bon. Tout du long, on mesurera la portée politique de cet effort esthétique qui vise à la réappropriation de la surface temporelle du monde où se joue le plus immédiat de nos pratiques sociales contemporaines. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : François Bon, Temps, Présent, Esthétique, Récit, Contemporain.